El agente invisible

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El agente invisible.
Dirección: Anthony Russo, Joe Russo.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 122 min.
Género: Thriller, acción.
Interpretación: Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Billy Bob Thornton, Regé-Jean Page, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura, Julia Butters, Scott Haze, Callan Mulvey, Robert Kazinsky, Deobia Oparei, Dhanush, Jimmy Jean-Louis, Dana Aliya Levinson.
Guion: Joe Russo, Christopher Markus, Stephen McFeely. Novela: Mark Greaney.
Música: Henry Jackman.
Fotografía: Stephen F. Windon.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras ser reclutado cuando estaba en prisión, un agente de la CIA realiza misiones para ellos cuando se da cuenta que ahora el objetivo es él mismo. Tendrá que enfrentarse a un antiguo compañero al que se le ha encargado la tarea de matarle a cualquier precio.

   LO MEJOR: Hay que reivindicar los autores en el género de acción. Porque sí, en este género también los hay. Están los directores al servicio del mandato de los productores, que no saben o no les dejan dar personalidad a su dirección, véanse ejemplos como “Uncharted” o “Alerta roja”. Y luego están los autores con un estilo visual definido, suficiente para que un espectador medianamente observador pueda darse cuenta de que una película es de tal o de cuál. Tony Scott era uno de ellos. Michael Bay es otro. Sin embargo, no pocas veces han sido vilipendiados por cometer el gran pecado de hacer películas comerciales y de conseguir grandes taquillas. Luego te pueden gustar o no pero marca de autores tienen. Y los hermanos Russo la tienen. No por casualidad son los que han hecho las mejores películas de la saga Vengadores, con permiso de Josh Whedon, ya sea en la saga principal como en la saga spin off de “Capitán América “. Los Russo hacen alarde de una elaboradísima planificación de cada secuencia de acción, en muchos casos de gran complejidad visual. Saben perfectamente como mover la cámara sin que nos perdamos lo que está pasando. Para colmo han incorporado a su glosario de tareas el uso de los drones (por cierto, ya lo había hecho antes precisamente Michael Bay en “Ambulance”). Es la labor de los Russo en la secuencias de acción la que eleva el valor de una película, la cual en manos de otros sería muy estándar.

   Interpretación: Ryan Gosling no puede hacer mucho con el personaje que le han dado porque no puede ser más tópico. Es un cliché andante. Se limita a ejecutar las escenas de acción lo mejor que puede, que es muy bien, por cierto, sobre todo las peleas. Un poco de lo mismo le pasa a Ana de Armas, que despliega más personalidad en el ratito que la dejan en “Sin tiempo para morir” que aquí, aunque está más tiempo en pantalla. El que se nota que se lo está pasando bomba es Chris Evans (con ese bigote a lo Freddie Mercury) haciendo de villano psicópata en la que parece una parodia del propio actor. Y luego hay algunos secundarios como Billy Bob Thorton, Jessica Henwick o Wagner Moura.

   Escena (SPOILERS!!): Aparte de las escenas de acción, me gusta como ejecutan las pocas partes de diálogos. No por lo brillante de sus líneas pero sí por como la llevan a cabo, porque a veces son rapidísimos. Pero vamos, son las secuencias de acción lo más atractivo y como las han rodado Joe y Anthony Russo. La de los fuegos artificiales, el avión, la pelea final. La de la plaza con Gosling esposado a un banco es una animalada. Y dentro de toda la parte final, me gusta especialmente la de la mesa y los cables con Ana de Armas.

   LO PEOR: Como historia no vale nada. El guion es de lo más simple. No hay ni presentación ni desarrollo de personajes. Van directamente a la acción. La película es más una sucesión de secuencias de ésta que una narración de un argumento. Lo que ocurre entre medias de ellos poco o nada importa. Sin basarse en un videojuego tiene el síndrome de las adaptaciones de ellos, que parece que se están pasando pantallas.

   REFERENCIAS: Se basa en la novela “The gray man” de Mark Graeney. Pero vamos, claramente sus referentes son las sagas de James Bond y Misión Imposible. No me extrañaría que se convirtiera también en una franquicia.

   CONCLUSIÓN: 6. El saber hacer en el rodaje de las escenas de acción por parte de los hermanos Russo compensa un guion que solo pone una secuencia detrás de la otra al servicio de un espectáculo sobrado de medios.

Microcríticas Express: El milagro/Titanes, hicieron historia

 

   En el género de deportes el propio tema del deporte puede ejercer simplemente como vehículo para contar algo más serio. No es exactamente lo que pasa en esta película, porque si se centra bastante en la parte deportiva, en como un entrenador de hockey sobre hielo cambió el concepto de preparación y juego para un acontecimiento tan importante como los Juegos Olímpicos. Si vamos a ver duros entrenamientos y planteamientos tácticos, pero siempre hay un trasfondo social y político detrás de todo ello. Porque la película se basa en hechos reales, concretamente en el enfrentamiento de la selección de Estados Unidos (formada por un equipo universitario) con la por entonces Unión Soviética, pues estamos hablando de los Juegos Olímpicos de invierno de Lake Placid en 1980. Si, ya sé, como les gusta a los americanos resaltar sus gestas, porque el título deja poco a la imaginación sobre el resultado. Claro que también considerarían que todo el mundo ya lo sabría. Es por eso que se focalizan más en como se consiguió. Y claro, ahí entra la cuota Disney que tiene la película, que es hablar también sobre el compañerismo y la amistad. Pero sobre todo, la historia se apoya principalmente en el trabajo interpretativo de un gran Kurt Russell en el rol de entrenador sargento de hierro. Salvo el aspecto de que en el partido final me habría gustado que se hicieran más planos generales y no tan cerrados, para poder ver como estaban jugando realmente, la película me ha gustado mucho. 7.

   Sinceramente me lo paso bomba con el género de deportes en el cine. Son películas con un componente emocional del que es muy difícil no sentirse seducido. Y nuevamente se utiliza esta clase de películas para hablar de otro tema de fondo, aunque en este caso es central, de tipo más social. En esta ocasión es sobre el racismo y la integración. También basada en hechos, cuando se integraron dos institutos de distintas razas por primera vez en Estados Unidos, por lo que se unificaron a su vez sus respectivos equipos de fútbol americano y se decidió poner al frente de él a un entrenador negro. El interpretado por un Denzell Washington que está genial en su papel. Él solito podría sostener la historia pero el film tiene más virtudes. Aparte de estar perfectamente secundado por Will Patton, lo más interesante es como ese preparador logró que los estudiantes y jugadores de ambas razas se convirtieran en un equipo unido y ese ejemplo sirviera para contagiar a el resto de la comunidad. Otra cosa es como están rodados los partidos, que es su punto más flojo, demasiado en planos cortos que no permite ver como están jugando. Para eso es mejor verse “Un domingo cualquiera”. Porque ésta su objetivo es transmitir ese mensaje de integración y de evolución ideológica. Por cierto, en el reparto podemos ver a unos muy jóvenes Ryan Gosling, Kate Bosworth y Hayden Pennettiere (de hecho, es una niña). 7.

Trailerfilos: Oppenheimer (tráiler oficial)

 

   Sin duda será uno de los platos fuertes, lo último de Christopher Nolan siempre lo es, de 2023. Concretamente el 21 de julio. Basada en el libro "American Prometheus: the triunph and the tragedy of J. Robert Oppeneheimer, escrito por Kai Bird y Martin J. Sherwin, aunque la trama de la película se desconoce exactamente, pero que nos hablará del que se considera padre de la bomba atómica, interpretado por Cillian Murphy, quien estará acompañado por un espectacular reparto con nombres como Emily Blunt, Robert Downey Jr., Matt Damon, Florence Pugh, Kenneth Branagh, Rami Malek, Casey Affleck, Josh Hartnett, o Matthew Modine. De momento solo tenemos algunos avances en forma de teaser como éste, que no revelan gran cosa. Habrá que esperar para ver un tráiler más extenso.

Trailerfilos: The Samaritan (tráiler oficial)

 

  Sylvester Stallone tendrá su propia película de superhéroes, aunque con un perfil más bien bajo, alejado de la grandes superproducciones a las que estamos acostumbrados últimamente en el género, y más cercano al tono de justiciero urbano. Se centrará en la relación con un niño vecino que descubre su verdadera identidad cuando se le creía muerto. Dirige Julius Avery ("Overlord"). Llegará directamente a Amazon Prime Video el 26 de agosto.

Trailerfilos: Pearl (tráiler oficial)

 

   A los que, como a mí, les gustara ese homenaje al cine de terror de los setenta que fue "X", en la que Mia Goth interpretaba a dos personajes, una actriz porno y una anciana psicópata llamada "Pearl", están de enhorabuena. Porque ésto es la precuela prometida de su director, Ti West, uno de los cineastas más interesantes del género de terror actual, protagonizada de nuevo por Mia Goth, y que se estrenará este mismo año. De hecho, muy pronto, el 16 de septiembre.

Escenas míticas: Depredadores de humanos - Los demonios de la noche

 

   Si de devoradores de hombres va ésto, qué mejor película que una inspirada en dos depredadores de humanos reales. Es más, cada vez que se hace un ranking de animales que han perpetrado masacres a nuestra especie, los leones del Tsavo están en ellos, muchas veces en el primer puesto. De hecho, la historia está plasmada en el libro escrito por su cazador, John Henry Patterson (que a su vez es el protagonista de esta película) en “Los devoradores de hombres de Tsavo”.

   Aunque el film no adapta directamente dicho libro, sino que lo toma como referencia para un guion original escrito por William Goldman, por lo que el relato que se hace de los hechos contiene tantos datos reales como licencias artísticas. Una de las más evidentes es que los leones reales no tenían melena, rasgo identificativo genético de los leones de esa zona de Kenia. Pero se decidió para la película que mostrarlos con ella era más impresionante estéticamente.

    Y los hechos fueron que los leones sembraron el terror en los obreros de la construcción de un puente en Tsavo, Kenia, en 1898. Según el propio Patterson, las bajas se elevaron hasta 140 víctimas. Hay que considerar que los censos de población no eran especialmente fiables. Tras un estudio científico practicado sobre los cuerpos de los leones, sólo se hallaron restos genéticos de 35 personas.

   Quizá Patterson adornó su relato exagerando la cantidad de víctimas o quizás se consideraron como tal las numerosas deserciones de obreros a causa del miedo al ataque de los leones. Pero algo que sí es cierto es que se encontró una cueva, con una cantidad de restos óseos humanos tal que dejaba corto el número de 35 muertos, aparte de que ya el hecho de llevar los cuerpos a una cueva, casi como trofeos, es un comportamiento extraño en unos leones.

   No era lo único poco común en su forma de operar. De primeras es raro que dos leones macho adultos cazaran juntos. Pero es que además, lo hacían con una compenetración totalmente inusual y con una inteligencia desconcertante. Algo que muestra la película y que fue real es que lograron superar todas las trampas que le pusieron, como la del vagón de tren, el traslado del hospital o las vallas de espino. No solo eso, no atacaban dos veces seguidas por el mismo sitio y parecían coordinarse para distraer la atención de los vigías. 

   Varios motivos pudieron confluir en su obcecamiento con atacar a los hombres de la obra. Al parecer, uno de los leones tenía una infección en uno de sus dientes, por lo que la caza de búfalos o cebras le podría resultar más complicada. Es decir, cazar hombres era más fácil. Hay que decir que las rutas de esclavos estaban próximas y los leones pudieron atacarlas y comprobar que la especie humana era una presa muy asequible.

   Aunque su comportamiento también podría explicarse por otros dos factores. En esa época hubo una especie de peste bobina que redujo la población de gacelas y cebras, por lo que su presa natural no abundaba. Y luego la propia acción del hombre, conocida como antropízación, es decir, la transformación que ejerce el hombre en el medio, lo que podría explicar que los leones se acostumbraron a la presencia humana y la integrarán en su menú.

   No obstante, a parte del tema de las melenas de los leones, se tomaron más licencias. Los nombres que se les atribuyen en la película, Fantasma y Oscuridad, fueron inventados para ésta. Además, Patterson los cazó en solitario, sin ayuda de otro cazador y necesitó nueve meses para hacerlo. Tampoco colaboraron los masái en dicha operación. Lo que sí es cierto es que en ambos casos necesitó varios disparos para abatirlos. De hecho, para el último tuvo que meterle hasta nueve balazos en el cuerpo pues incluso moribundo intentó atacarle.

   Para llevar la historia a la pantalla, se consideró a directores como Stephen Sommers, Rob Cohen o Chuck Russell. Finalmente se eligió a Stephen Hopkins, director de inicios en el género de terror, con títulos más bien mediocres como “Pesadilla en Elm Street 5”, pero con otras posteriores interesantes, como “Depredador 2”, “Los jueces de la noche”, “Volar por los aires” o “Bajo sospecha”. Actualmente está más en el campo de la televisión.

   Para el papel de John Henry Patterson se pensó en Tom Cruise y para el de Charles Remington en Paul Newman, lo que hubiera vuelto a reunir a los actores tras "El color del dinero". Pero tras sus negativas recayeron en Val Kilmer (quien curiosamente fue nominado al Razzie por su interpretación, lo cual no deja de ser cachondo) y Michael Douglas. Completaban el reparto Tom Wilkinson, Om Puri, Bernard Hill y Emily Mortimer. Y los dos leones, especializados en salir en películas, como "George de la jungla", llamados Bongo y César. 

   Por cierto, los reales están disecados y expuestos en el Museo de Historia Natural Field, de Chicago. No era la primera vez que la historia era llevada a la pantalla, ya lo hizo en 1953 en "Bwana devil", de forma muy libre. La que hoy comentamos hay que decir que tuvo más bien malas críticas, pero logró dar beneficios aunque no para tirar cohetes. Costó 55 millones de dólares y recaudó 75. Personalmente la considero una película muy reivindicable.

Trailerfilos: Shazam, la furia de los dioses (tráiler oficial)

 

   No es que sea muy fan de la primera película, me parece divertida pero excesivamente infantil. Pero a juzgar por el tráiler, parece que la cosa es mucho más grande y promete bastante espectáculo. Y, sobre todo, las incorporaciones femeninas que se ven, como Helen Mirren, Lucy Liu y Rachel Zegler (me encantó en el remake de "West side story"). Vale y porque sale un dragón y a mí con eso ya me tienen ganado.

Trailerfilos: Black Panther, Wakanda forever (tráiler oficial)

 

   El sorpresivo fallecimiento de Chadwick Boseman, pues llevó su enfermedad en secreto hasta el final, daba al traste con lo que se había pensado para su personaje en el Universo Cinematográfico de Marvel, lo que provocó evidentemente un retraso para esta secuela que pertenece aún a la Fase 4. El tráiler no revela quien ha heredado el traje de Pantera Negra. No se sabe si mostrará algo más en los siguientes tráiler o si lo mantendrán en misterio hasta el estreno de la película el 11 de noviembre. Aunque personalmente tengo bastante claro quien le sustituirá y ya hay filtraciones que lo confirman. Lo que si se sabe que el villano será Namor, una especie de Aquaman del Marvel. 

The Empty Man

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Empty Man.
Dirección: David Prior.
País: Estados Unidos.
Año: 2020.
Duración: 137 min.
Género: Terror.
Interpretación: Marin Ireland, Stephen Root, Robert Aramayo, Samantha Logan, James Badge Dale, Owen Teague, Virginia Kull, Evan Jonigkeit, Joel Courtney, Ron Canada, Jessica Matten, Sasha Frolova, Tanya van Graan, Aaron Poole, Jamie-Lee Money, Reine Swart, Vere Tindale, Sven Ruygrok, Connor Dowds, Brian Wolfman Black Bowman, Michael MacKenzie, Michael Bundred, Connie Hollins.
Guion: David Prior. Historia: David Prior. Novela gráfica: Cullen Bunn.
Producción: Ross Richie, Stephen Christy.
Música: Christopher Young.
Fotografía: Anastas N. Michos.
Distribuidora: 20th Century Studios.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un expolicía se dedica a buscar a la hija de una amiga que ha desaparecido en circunstancias extrañas. En su investigación se encuentra con un grupo de personas que adoran un culto para invocar a una entidad sobrenatural.

   LO MEJOR: Se agradecen las propuestas de terror adulto, y eso influirá en la que para muchos supondrá una valoración abultada en cuanto a la nota que le otorgaré. Pero es que, como digo, se agradece que aunque ni mucho menos sea una película perfecta, trate de aportar seriedad a lo que parece el típico planteamiento de la figura del hombre del saco. No lo es. Por mucho que se parezca en un principio una historia tipo “Slenderman”, gracias al señor no lo es. No es terror adolescente y no sé basa en sustos baratos. Podemos apreciarlo ya en su dilatado prólogo de casi veinte minutos, en su esfuerzo en crear una atmósfera, su cuidado en la puesta en escena, su tempo calmado y paciente, y su tono grave y tenso. Además, hay un intencionado cuidado por lo formal, por la manera de mostramos cada plano, cada movimiento de cámara, su fotografía. Luego está que le guste a uno o no el resultado final. Pero ese trabajo es innegable. Y si, en cierto modo, me recuerda a David Fincher. No en su talento evidentemente pero si en que David Prior, el director de ésta, tomó notas cuándo realizaba documentales relativos a películas de Fincher como “Zodiac” o “La red social”. Se nota la relación entre ambos, sobre todo en el segundo acto. En el tercero no tanto, que se convierte en una locura onírica e incluso surrealista.

   Interpretación: James Badge Dale está muy bien en su papel. Un actor poco valorado a mi juicio, pero estaba genial en “13 horas, soldados secretos de Bengasi” de Michael Bay. Le acompañan en el reparto algunas caras conocidas o qué puedan sonar al público, como Marin Ireland o Robert Aramayo (por la versión joven de Ned Stark en “Juego de tronos”). Aunque resulta más impactante la actuación de la desconocida Sasha Frolova.

   Escena (SPOILERS!!): ¿Porqué es tan largo el prólogo? Casi es un corto en sí mismo. Aparte de ser una declaración de intenciones en cuanto a tono y puesta en escena, tiene una importancia capital en el final de la historia. Ese único superviviente será el próximo “hombre vacío” qué no es más que el contenedor de la entidad demoníaca. Después descubriremos que todo este segmento ha ocurrido muchas años antes que el resto de la película. Los suficientes para que su seguidores consideren que necesitan un sucesor, otro contenedor. Y la revelación final de que ese es el protagonista, se puede anticipar. Que el tipo se apellida Lasombra. Si bien, tiene algunas lagunas. La primera es que no explican nada de cómo fue creado. ¿De la nada? No lo dicen. Podemos suponer que era una persona existente a la que le han implementado ciertos recuerdos. Para que en tres días, el viaje que emprende James (Badge Dale), su investigación, le lleve a culminar matando al anterior “empty man”, para sustituirle. Aunque ésto tiene algunas lagunas, como digo. Si no conoce a Nora (Ireland), como se justifican las escenas en las que se ve no solo que si se conocen sino que tuvieron una relación amorosa. O las escenas con los policías, quienes le recuerdan como antiguo policía. Debemos suponer que estas partes han ocurrido solo en su cabeza, que son parte de los recuerdos implantados por los seguidores de la secta. Eso explicaría que la casa en la que vive no tenga ni un solo mueble, pero él crea que si los había. Entonces, ¿porque llama a Nora desde el hospital? Si se supone que ni la conoce realmente. La única explicación es que los seguidores de la secta pretendieran que se sintiera tan aturdido, tan descolocado, como para hacer responsable al paciente de la habitación, al “hombre vacío” y terminar matándole, pues es el siguiente contenedor el que debe acabar con el anterior. Pero está un poco cogido con alfileres, porque el de la prólogo no ha hecho eso.

   LO PEOR: Su giro final es tan importante como imperfecto  porque plantea al guion algunos agujeros que podrían explicarse, eso es cierto, pero que quedan cogidas con pinzas. Además que la sorpresa final se pueda adivinar un poco antes de que nos la revelen.

   REFERENCIAS: Se basa en la novela gráfica homónima de Cullen Brunn. Argumentalmente recuerda a “Slenderman” en un principio pero termina teniendo más paralelismos con “Hereditary”, de Ari Aster, o con “El corazón del ángel”, de Alan Parker.

   CONCLUSIÓN: 7. Injustamente tratada y perjudicada por las circunstancias en las que que se gestó pero aún así es un notable ejercicio de dar seriedad a la figura del hombre del saco y al propio género de terror girando hacia lo adulto.

Trailerfilos: John Wick, Parte 4 (trailer oficial)

 

   Dieron la sorpresa en la Comic-Con de San Diego con el tráiler de la cuarta parte de la saga, que lleva el sobrenombre de "Baba Yaga", lo que ya es una declaración de intenciones y que, a juzgar por el tráiler, trae de nuevo a un John Wick repartiendo guantazos y balazos a cascoporro. Volveremos a ver, a parte de Keanu Reeves, a Ian McShane y Lawrence Fishburne, pero no a Halle Berry, lo cual es una pena. Y se incorporan Bill Skarsgard, Hiroyuki Sanada, Scott Atkins y Donnie Yen, lo cual asegura una buena ración de artes marciales. La película se estrenará el 23 de marzo de 2023

Microcríticas Express: Veneciafrenia/Cosmética del enemigo/Malnazidos

 

 

  Alex de la Iglesia no es lo que era. Mira que me ha gustado siempre pero sus últimos trabajos dejan mucho que desear. Como le pasó en la serie “30 monedas”, es un revoltijo de intenciones. Por un lado quiere ser un homenaje al slasher y más concretamente al giallo, lo que de entrada me gustaba, pero luego quiere darle un tono de mensaje sobre la turismofobia, que no viene a cuento, lo que da lugar a una ensalada de indefinición. Por ejemplo, una película que no era precisamente buena pero que funcionaba porque tenía más claro lo que quería ofrecer es “Hostel”. Y da rabia ver como un director que habitualmente tiene una muy buena puesta en escena, mucho mejor que Eli Roth, ofrece aquí secuencias mal rodadas, hasta con errores de montaje que llegan al ridículo. Gran parte del problema viene lastrado por un guion que es terrible. Todo los que hace el policía, el taxista, el novio de la protagonista, la gente en la calle, no tiene sentido. Por salvar algo, la ambientación de la ciudad de Venecia y de ese aura de ciudad misteriosa, con su carnaval y tal, está bien. Y bueno, y un par de muertes. Porque el reparto no puede estar más sobreactuado. Pero es que todos, me cuesta decidir quien está peor de ellos, y eso que algunos son conocidos. Muy probablemente es la peor película de De la Iglesia, y es una pena porque parece su tendencia últimamente. 3.

   Curiosamente en España llevó el título original de la novela en francés de Amelie Nothomb que se adapta, porque aunque es una película española, está coproducida por Alemania y Francia y cuenta con un reparto internacional con el título “A perfect enemy” Reparto cuyos dos protagonistas están realmente bien, Tomasz Kot y sobre todo, Athena Strates. Y ésto es importante porque prácticamente, aunque su mayor parte se desarrolle en un aeropuerto y lugares públicos, prácticamente es un mano a mano entre ambos, lo que en ocasiones le da un tono teatral. Pero no por ello se basa en los diálogos, que también, porque mientras conversan, se recrean visualmente los flashbacks o las situaciones hipotéticas que se plantean en la conversación. Dos personas que parecen conocerse por casualidad pero cuyos pasados podrían tener algo que ver entre si, y hasta ahí se puede leer. Porque la trama se vuelve cada vez más oscura y las revelaciones bastante impactantes. Hay que advertir que hay que darle su tiempo y tener paciencia, fijarse mucho en los detalles y las simbologías que encierran. Pero me ha tenido enganchado, he estado intrigado por saber que pasa ahí realmente, porque esas dos personas se están contando esas cosas. 6’5.

   Podría empezar diciendo que no vale un pimiento y no estaría mintiendo. Pero voy a juzgarla a en base a que tiene dos taras previas que no son culpa suya. La primera es que el género de zombis está tan sobreexplotado, tan desgastado, que cualquier cosa que nos ofrezcan muy probablemente ya la hemos visto. Y las parodias del género también. En ese sentido está a años luz de títulos como “Zombis nazis” (las dos partes) o “Bienvenidos a Zombieland”, y no me refiero respecto a lo que depende del presupuesto. La segunda es que hay una muy evidente carencia de medios. Aunque también de ganas porque anda que no hay películas de zombis baratísimas con un despliegue brutal de sangre y gore, con auténticos maestros del maquillaje. Cosa que aquí se han limitado a mancharles un poco y van que chutan. El reparto si si las ha puesto porque están bastante bien. Y hacen que sea más creíble el principal punto de interés de la película, que es situar la historia en plena guerra civil española, haciendo que miembros de ambos bandos se vean obligados a aliarse para defenderse de los muertos vivientes, lo que produce inevitables fricciones entre ellos y los actores lo saben explotar, aunque para ello tengan que basarse en clichés habituales. Me he reído, aunque a veces de lo mala que es, sobre todo en algunas escenas en las que los infectados hacen cosas un poco inverosímiles. Pero bueno, para pasar el rato puede valer. 5.

Trailerfilos: Dungeons & Dragons, Honor entre ladrones (tráiler oficial)

 

   Desconocía totalmente que hubiera un proyecto de "Dragones y mazmorras". Algunas caras conocidas en el reparto, como Chris Pine, Michelle Rodríguez, Sophia Lillis o Hugh Grant, que junto a ciertas imágenes del tráiler hacen pensar que por lo menos dinero hay. Aunque la pareja de directores, Don Francis Daley y Jonathan Goldstein me plantean dudas, su anterior película, curiosamente también basada en un juego de mesa, "Noche de juegos", era una comedia y el tono del tráiler no parece que sea demasiado serio ni épico. Lo bueno es que lo tienen bastante fácil para superar la anterior adaptación. 

Trailerfilos: La Casa del Dragón (tráiler oficial)

 

   Cuando solo queda un mes para su estreno en HBO Max, concretamente el 22 de agosto, ha llegado ya el tráiler final de "La Casa del Dragón", precuela de "Juego de tronos", que se sitúa unos 300 años antes de ésta y contará las disputas por el Trono de Hierro entre las distintas facciones de la familia Targaryen y que a la postre supondrá su declive. La historia está basada en la primera parte de la novela de George R.R. Martin, "Fuego y sangre". Se desconocen cuantas temporadas tienen planeadas pero lo que si se sabe es que la segunda ya está aprobada antes incluso de ver como es recibida la primera. Que constará de 10 episodios, para los que han contado con un presupuesto de casi 200 millones de dólares.

Trailerfilos: Halloween Ends (trailer oficial)

 

   El 14 de octubre se estrenará la tercera parte de la trilogía de David Gordon Green que se planteaban como secuelas directas de la película original de John Carpenter de 1978, "La noche de Halloween", dejando a un lado todas las entregas de la saga posteriores a ésta. Ya tenemos aquí el primer tráiler de la película que se supone pondrá final a este tríptico, y de hecho, se titula "Halloween ends", que promete volver a ser un duelo a muerte entre Michael Myers y Laurie Strode (Jamie Lee Curtis). Los fans del slasher estamos esperándolo.

Escenas Míticas: Depredadores de humanos - Orca, la ballena asesina

 

   De toda la legión de imitadoras de la película de Steven Spielberg, “Tiburón”, que salieron tras su atronador éxito, ésta es la que me parece mejor. Quizá junto a “Piraña” de Joe Dante. Y aunque tenía evidentes paralelismos con ella, si tenía un giro bastante importante, y era girarlo todo al punto de vista del animal, desde el que muestra muchas partes de la película.

   Básicamente porque a pesar del efectista título, la orca protagonista no es una asesina. De hecho, es un macho vengativo. Sus motivos para sus ataques no tienen nada que ver con el instinto de matar o las ganas de comer. Sino el de cobrarse venganza por el asesinato de su familia. Lo que hace que por primera vez en una película de animales depredadores del ser humano, nos pongamos de parte de la bestia.

   Curiosamente, la venganza es la motivación del escualo de una de las secuelas de la película de Spielberg, “Tiburón, la venganza “. Aunque en el caso de las orcas, este sentimiento es más posible pues está demostrado que tienen una gran capacidad de inteligencia y poseen memoria. De hecho, hay conocidos casos de orcas violentas a causa de desarrollar psicopatías producidas por el maltrato, aislamiento o depresión. Y si no, recomiendo ver el documental “Black fish”.

   Ya sé lo que van a decir algunos, que lo que es inverosímil es que la orca trace un plan tan elaborado para provocar el enfrentamiento con el protagonista en alta mar. Que la orca sabe hasta dónde vive. Es más, la mayoría de los datos “científicos” que se vierten en el guion son meras suposiciones, teorías o directamente exageraciones. Para empezar, las orcas ni siquiera son ballenas. Si es un cetáceo pero de la familia de los delfines. Pero bueno, es una película.

   Para recrearlas en el film, se utilizaron algunas imágenes de documentales, perfectamente integrados en la narración. Pero para casi todas las escenas peligrosas se usaron orcas animatrónicas. Por cierto, muy bien hechas. Hasta el punto de dar el pego tanto que los animalistas que fueron a quejarse, llegaron a creer que eran reales. Y cuando se les dijo que eran mecánicas, se quejaron de que confundirían a las demás orcas.

   Aunque si se utilizaron dos orcas reales procedentes del Parque acuático Seaworld de San Diego, llamadas Yaka y Nepo. Pero solo se usaron para determinadas escenas. Como en la que supuestamente llega una orca muerta a la costa. Fuera del agua cantaba más que el animal no era real. Y por eso se tiró de estos dos ejemplares. Pero si uno se fija bien en esa secuencia, verá que la orca se mueve.

   Por mucho que le molestara a Richard Harris la comparación con “Tiburón”, lo cierto es que incluso su personaje, el capitán Nolan, parece una mezcla del trío protagonista de la película de Spielberg. Al menos pasando por fases que representan a cada uno. Empezando como una especie de Quint, pasando por Hopper (cuando se interesa por el comportamiento de las orcas) y terminando como Brody (por sus sentimientos de responsabilidad).

   A Harris le acompañaban Charlotte Rampling, una Bo Derek que debutaba como actriz y Will Sampson, que muchos recordarán por su papel en “Alguien voló sobre el nido del cuco”, junto a Jack Nicholson. En la dirección estaba Michael Anderson, cuyos mayores logros fueron la versión de “La vuelta al mundo en 80 días” de 1956, por la que fue nominado al Oscar, y “La fuga de Logan”, un año antes de “Orca”, que estaba basada en la novela homónima de Arthur Herzog.

   Además, la película contó con la bellísima banda sonora de uno de los maestros de la música de cine, Ennio Morricone. Se rumoreó hacer una secuela y realizar un extraño crossover con uno de los éxitos de taquilla de su productor Dino de Laurentiis, “King Kong “. Al fin y al cabo “Orca” había costado 6 millones de dólares, y había recaudado catorce en taquilla que eran un resultado digno pero escueto.

Decisión final

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Decisión final.
Dirección: Ivan Reitman.
País: Estados Unidos.
Año: 2014.
Duración: 109 min.
Género: Drama, deporte.
Interpretación: Kevin Costner, Jennifer Garner, Tom Welling, Terry Crews, Sam Elliott, Ellen Burstyn, David Ramsey, Rosanna Arquette, Denis Leary, Frank Langella, Kevin Dunn, Chadwick Boseman, Pat Healy, Wallace Langham, Sean 'Diddy' Combs.
Guion: Scott Rothman, Rajiv Joseph.
Producción: Ivan Reitman.
Música: John Debney.
Fotografía: Eric Steelberg.
Distribuidora: Lionsgate.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El director deportivo de una de las principales franquicias de la NFL, los Browns de Cleveland, intenta formar el mejor equipo posible para la siguiente temporada. Para ello deberá tomar una serie de decisiones difíciles el día del draft.

   LO MEJOR: He querido hacer una crítica completa y no una minireseña por ser la última película del director Iván Reitman (“Cazafantasmas”), pero también porque me ha gustado bastante. Soy muy aficionado al fútbol (el europeo, no el americano) y sigo bastante los fichajes de los distintos equipos en los meses de verano, lo cual se concentra aún más en el último día de plazo para fichar. Pues la película nos viene a contar cómo es uno de esos días, sólo que en su sistema se trata del “draft”. Porque ésta es una película sobre el deporte pero no deportiva. Aquí no vamos a ver partidos, ni jugadas ni nada. Aquí nos situamos en la óptica del director deportivo de un equipo de fútbol americano para mostrarnos la complejidad que tiene conformar una plantilla, jugando con el presupuesto, los movimientos de los demás directores deportivos y el funcionamiento del draft, algo puramente norteamericano. Pero en hacerlo de forma interesante tiene mucha culpa Ivan Reitman, que se atreve con varios detalles del director que no le había visto, como el juego que se trae con las pantallas partidas y como los personajes pueden salirse de ellas e incluso atravesar las de otros personajes. Hace más atractiva visualmente la película. Además que es muy entretenida porque el ritmo es bastante alto y consigue hacer emocionante la narración, incluso cuando la trama se hace más predecible porque es capaz de sacarse algunos giros.

   Interpretación: Kevin Costner es de esos actores estrella total, que solo por sí mismo es capaz de mantener en marcha una película. Aquí es así. Porque además como actor es la naturalidad personificada. Aún así, no está ni mucho menos solo, hay un nutrido reparto de secundarios conocidos. Tenemos a Jennifer Garner, Denis Leary, Frank Langella o Ellen Burstyn. Y en papeles más pequeños a un físicamente transformado Tom Welling, al también fallecido Chadwick Boseman (en un papel que recuerda a Cuba Gooding Jr en “Jerry McGuire”), Sam Elliot, Terry Crews o Rosanna Arquette.

   Escena (SPOILERS!!): Personalmente me gustan todos los enfrentamientos del entrenador (Leary) con el director deportivo (Costner) porque es así como me imagino que serán en la realidad. Pero indudablemente lo más emocionante está en el tercer acto, donde se da el draft. Especialmente cuando en el número uno eligen a Vontae Mack (Boseman) y no el que todos se esperaban, Bo Callahan. Pero más todavía como se las ingenia Sonny Weaver (Costner) para hacerse con otros dos jugadores importantes jugando con las elecciones de los demás equipos. Es curioso que a simple vista solo parece que sea elegir jugadores pero esa elección puede representar el futuro de esas franquicias.

   LO PEOR: Para los que no están familiarizados con el funcionamiento de un draft, con todo eso de las puestas de elección y demás, el principio puede resultar un galimatías. Aún así es algo que se va a ir disipando y queda totalmente claro. Pero es un proceso que no se aclara inmediatamente.

   REFERENCIAS: Podría perfectamente formar trilogía con “Moneyball” y “Jerry McGuire”, porque también tratan el tema de los fichajes y los contratos de los jugadores. Más alejada estaría “Un domingo cualquiera”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. La última película de Ivan Reitman fue una muy entretenida película sobre el deporte pero no deportiva, sobre el mundo de los fichajes en el draft, donde el mejor de los suyos es Kevin Costner.

Mirocríticas Express: Love, death & robots T3/The boys T3/Calls

 

   Se ha mantenido en la misma línea, en cuanto a cuantía de episodios, que la segunda temporada, que ya se redujo respecto a la primera, quedándose en ocho. Para colmo, no todos eran precisamente buenos. Personalmente considero que la calidad también bajó. Todo lo contrario que en esta tercera temporada. Es que me han gustado todos, algunos de ellos muchísimo. Como la primera incursión de un director como David Fincher en el mundo de la animación, con “Mal viaje”, para lo que se ha vuelto a reunir con su guionista en “Seven”. Pero especialmente, “Jíbaro”, una auténtica maravilla de corto, sin una sola palabra de diálogo y visualmente impactante. Su autor es el español Alberto Mielgo, que ya realizó uno de mis favoritos de la primera temporada, “Testigo”, y ha ganado el Oscar al mejor corto de animación de la pasada edición con “El limpiarabrisas”, también muy recomendable. Este tío tiene un talento enorme. Pero, en general, todos bastante buenos, mezclando los géneros de ciencia ficción, acción, pero sobre todo terror, no escatimando nada en violencia explícita, y en varios de ellos con un toque lovecraftiano muy acentuado. Además, las técnicas de animación son variadas pero siempre rayando a gran nivel. Algunos de los cortos los he visto varias veces. Así si. 7’5.

   Me ha costado hacerme fan de esta serie. O sea, fan de verdad. Ya me gustaba, me entretenía y me resultaba muy divertida, si no no habría llegado hasta aquí. Pero no me parecía la octava maravilla del mundo como a tanta gente. Creo que estaba más preocupada de incorporar burradas que de desarrollar una historia, el guion estaba a servicio del gamberrismo y no al revés. Ese es el salto que esperaba que diera en la segunda temporada y quizá por eso me decepcionó un poco, porque no lo dio. Lo ha dado en ésta, que es de largo la mejor de la serie, a mi entender. Porque la trama me es interesante, todo lo relativo al hilo de Soldier Boy ha enriquecido la historia, hay giros muy sorprendentes y decisiones de guion que funcionan de maravilla, como la del V temporal. Incluso le han dado épica a los enfrentamientos. Sigue habiendo burradas, de hecho, creo que es la temporada más a saco de todas, hay gore por todas partes, sexo explícito y en general, lo que les ha dado la gana, porque hay que reconocérselo, y ésto es así desde el principio, no se cortan con nada. Además, desde un punto de vista más profundo, retrata a una sociedad fácilmente manipulable, que toma productos de merchandising como héroes y les perdona absolutamente todo. Y ahí entra uno de los mejores personajes de televisión que he visto en los últimos años, que define perfectamente la figura del psicópata, y que es lo más opuesto a la de Superman, a la que emula, Patriota. En que funcione perfectamente tiene mucho que ver el gran trabajo de Antony Starr interpretándole. 7’5.

   Es difícil como denominar a este producto. Porque es una serie de AppleTV pero la única aportación visual es ver las ondas sonoras de las voces de los personajes, que de alguna manera transmiten sus sensaciones y estados de ánimo pero que ya os digo que si os quedáis mucho tiempo mirándolas te medio hipnotizas. Debería considerarse más bien una audioserie. Son nueve episodios de una media de cuarto de hora cada uno, aparentemente individuales pero que conviene ver en orden porque tienen un sentido final para entender que está pasándoles a los protagonistas de cada historia. De hecho, todos tienen en común que manejan los géneros de ciencia ficción e incluso terror, pues llegan a ser muy inquietantes. Me han parecido en general muy interesantes, logran enganchar por lo misteriosos que son y lo desconcertantes que son sus finales. En la versión original, las voces las ponen intérpretes más o menos conocidos como Rosario Dawson, Joey King, Jennifer Tilly, Stephen Lang, . . . El creador y director de la serie es Fede Álvarez (“No respires”). La única pista que se puede dar es que digamos que va de la percepción del tiempo, pero claro, en cada historia de una forma. Si os raya mucho mirar lo de las ondas podéis simplemente escucharlos por el móvil. Pero es recomendable. 7.