martes, 30 de marzo de 2021

Escenas Míticas: Especial Monstruos - Godzilla, el rey de los monstruos

 


   Sí la semana pasada decíamos que King Kong era el padre de todos los monstruos a nivel general, Godzilla es lo propio nivel más localizado en el mundo asiático, y más en particular en el japonés. Con las nuevas películas norteamericanas se ha globalizado la imagen de esta criatura que de todos modos ya era un icono de la cultura popular. No en vano, solo en Japón ya tiene 32 películas, nada menos. Y cuatro más con las nuevas.
 



   Por qué, saltándonos el “Godzilla” de Roland Emmerich en 1998, muy alejado de la imagen física del japonés y que no era más que una excusa más para el director alemán de destruir edificios otra vez más, la nueva saga fue relanzada en 2014, con el “Godzilla” de Gareth Edwards, película que fue criticada acusándola de que el monstruo salía poco. Edwards dosificó mucho su presencia como haría en su anterior película, “Monsters”.



   A esos críticos con la película les recordaría cuánto tiempo está en pantalla el escualo de la que yo considero la mejor monster movie de la historia del cine, “Tiburón”(si, por encima de “King Kong”). Pero si en aquella salía poco para lo que demandaba el público, en la que hoy comentamos, teníamos monstruos para dar y tomar. ¿Contentó esto a las masas? No, lo acusaron de tener poca historia.


 
   Los que me lean sabrán el énfasis que pongo en que una película tiene que tener un buen guión pero . . .  que ésto es una película de Godzilla, aquí lo importante es ver al monstruo destruyendo ciudades y pegándose con otros monstruos, a poder ser. Historia tenía la de 2014 y no gustó. ¿En qué quedamos? También habría que recordar en qué película se basan estas otras, en las japonesas, y vete a buscar un buen guion allí.



   Personalmente me lo pasé en grande como buen aficionado a los monsters movies, viendo a Godzilla enfrentarse con otros kaijus más, Mothra (éste era aliado), Rodan y Ghidora, también provenientes de las películas niponas. Aunque el crossover más esperado sin duda era con el enfrentamiento entre los dos grandes monstruos del cine, Godzilla y King Kong. Es por eso que podemos incluir en esta saga, en este “Monsterverso”, la película que introduce al gran simio, “Kong, la isla Calavera”.



   La productora que está detrás de todo este universo cinematográfico de monstruos es Legendary, artífice de la producción de gran parte de las filmografías de directores del prestigio de Christopher Nolan o Zack Snyder. Además de otra gran película de monstruos, “Pacific Rim”. Aunque con estos filmes ha tenido una elección de directores bastante cuestionable.



   Sinceramente, la de Gareth Edwards para la de 2014 me pareció acertada. Pero la de Michael Dougherty era un poco más dudosa, aunque contaba con un par de películas en el campo del terror interesantes como "Truco o trato" o "Krampus". Las mismas dudas tengo con Adam Wingard para "Godzilla vs Kong", que si bien tiene títulos curiosos como "Tú eres el siguiente", "VHS" o "The guest", también tiene engendros como "Blair witch" o, aún peor, "Death note".
 
 

   La existencia de todas estas criaturas está justificada con la teoría de la tierra hueca, sobre que hay todo un mundo subterráneo bajo la superficie de la corteza terrestre, aunque tanto Godzilla como los otros monstruos han sido despertados por la radiación nuclear generada por el hombre. Esta teoría está empleada en la literatura de autores clásicos del terror y las aventuras como H.P. Lovecraft, Julio Verne , Edgar Allan Poe o Edgar rice Burroughs.



    El reparto estaba muy bien nutrido por Vera Farmiga, Kyle Chandler, Charles Dance, Ken Watanabe, Sally Hawkins, Zhang Ziyi y la joven estrella Millie Bobby Brown. En la última se les unen Alexander Skarsgard, Rebecca Hall, Damian Bichir y Eida González. Las críticas, como decía, no fueron precisamente buenas y los datos económicos tampoco es que fueran para tirar cohetes. Costó 170 millones de dólares y recaudó 385 en taquilla.
 
 

domingo, 28 de marzo de 2021

Palm Springs

 

   FICHA TÉCNICA 
 
Título: Palm Springs.
Dirección: Max Barbakow.
País: Estados Unidos.
Año: 2020.
Duración: 90 min.
Género: Comedia, romance, fantástico.
Interpretación: Andy Samberg, Cristin Milioti, J.K. Simmons, Meredith Hagner, Tyler Hoechlin, Camila Mendes, Peter Gallagher, Dale Dickey, Chris Pang, June Squibb, Erin Flannery, Mark Kubr, Roxanne 'Rocky' Meyers, Tongayi Chirisa, David Hutchison, Aleshya Uthappa, David Philip Reed.
Guion: Andy Siara (Historia: Andy Siara, Max Barbakow).
Producción: Chris Parker, Andy Samberg, Akiva Schaffer, Dylan Sellers, Becky Sloviter, Jorma Taccone.
Música: Matthew Compton.
Fotografía: Quyen Tran.
Distribuidora: Neon/Hulu.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: Un chico que se obligado a vivir en bucle el mismo día una y otra vez, el de la boda de la hermana de su novia. Hasta que en una ocasión, el fenómeno comienza a ocurrirle a otra persona asistente a la boda. 
 
LO MEJOR: Me dicen que ya había algún título anterior pero para mí la madre de este subgénero siempre será “Atrapado en el tiempo”. Incluso cada vez que sale alguna película de este tipo se dice que es una especie de “día de la marmota” en referencia a ella. Basicamente consiste en que el protagonista revive una y otra vez el mismo día atrapado en un bucle temporal. Está paradoja me resulta interesante siempre y veo todas las películas de este tipo sin excepción. Lo que no me impide reconocer que a veces resulten repetitivas, nunca mejor dicho. Además, salvo algunos ejemplos como “Si no despierto” o la coreana “El día”, normalmente son comedias románticas. Pero los últimos años han sabido darle una vuelta a este subgénero con argumentos bastante originales que le han insuflado aire fresco. Esta película es uno de ellos. De primeras no asistimos al primer despertar del protagonista en el bucle sino que la historia inicia cuando éste ya ha vivido esta situación cientos de veces y se ha conformado con ello. De segundas, esta vez hay dos personajes atrapados en el bucle, lo que abre muchas las posibilidades del guion. Además, es una comedia romántica pero mucho más gamberra. Incluso llegan a parodiar algunos tópicos de este subgénero cómo que la redención de los personajes rompe el bucle temporal. Estos detalles y su gran ritmo lo convierten en una de las propuestas más divertidas y originales de este tipo de cine. 
 
   Interpretación: No tenía ninguna referencia de ninguno de los dos protagonistas pero el acierto en el casting no podía ser más evidente. Y gran parte de ese buen funcionamiento se basa en la química absoluta entre Andy Samberg y Cristin Milioti. Además, ambos están sembrados, especialmente ella. Y, por supuesto, está la inestimable aportación de un secundario de lujo como J.K. Simmons. 
 
   Escena (SPOILERS!!): Hay un montón de escenas de lo más divertido. Como cuando Samberg cuenta todas las relaciones sexuales que ha tenido en esos bucles, incluida una homosexual. O las distintas performances que realizan ambos en la boda, sabiendo que al día siguiente todo se reinicia. O todos los excesos que cometen conociendo que no habrá consecuencias. En una ocasión incluso llegan a ver unos dinosaurios. O las apariciones de Simmons, en una de ellas lanzándole una flecha a Samberg. Aunque la más importante no es cómica, cuando ambos mantienen una conversación en el jardín de la casa. Lo que no cuadra es como ella consigue dar con la solución para salir del bucle. Se supone que han pasado un montón de días estudiando física y, sin embargo, para él no han pasado más que unos pocos. Parece un tanto sacado de la manga. Claro que tampoco es que tenga mayor importancia, es una comedia bastante disparaada. 
 
   LO PEOR: Tampoco hay que llevarse a engaños, estas películas no pueden romper la regla de que toda la gracia está en el bucle y en revivir una y otra vez las mismas situaciones por lo que es tan repetitivo como otros títulos. Aunque salva esa redundancia mejor de lo habitual. 
 
   REFERENCIAS: Como decía, evidentemente, “Atrapado en el tiempo”. Pero en los últimos años han habido ejemplos de originalidad, variando al fórmula, como en “Feliz día de tu muerte”, hibridándola con el slasher, o en la serie “Muñeca rusa”. 
 
   CONCLUSIÓN: 7. Una de la propuestas más divertidas y originales de este subgénero, que presenta variantes sobre este tipo de cine pero que sobre todo se apoya en la gran química de su pareja protagonista.



sábado, 27 de marzo de 2021

Música de Película: La liga de la justicia de Zack Snyder

 


   Tom Holkenborg, más conocido como Junkie XL, es un compositor muy especializado en BSO de películas de acción, que ya compartió la labor de componer la música de "Batman vs Superman" con Hans Zimmer, ocupándose de uno de los personajes cada uno. Pero en "La liga de la justicia", Joss Whedon prescindió de él en favor de Danny Elfman. Zack Snyder, para su montaje de la película, le ha devuelto a su puesto para realizar una de sus mejores obras.




Tema: Epic music trailer.
Película: La liga de la justicia.
Intérprete o compositor: Tom Holkenborg.



Tema: The crew at warpower.
Película: La liga de la justicia.
Intérprete o compositor: Tom Holkenborg.


 
Tema: At the speed of force.
Película: La liga de la justicia.
Intérprete o compositor: Tom Holkenborg.


jueves, 25 de marzo de 2021

Escenas Míticas: Especial Monstruos - King Kong (1933)

 


   Cuando estamos a punto de ver la enésima aparición de King Kong en la gran pantalla, con la que parece que sí, que tras varios retrasos a causa de los efectos de la pandemia, va a estrenarse en cines unos diez meses más tarde de lo inicialmente planeado en el esperado enfrentamiento con el otro gran monstruo del cine, Godzilla, vamos a retrotraernos al origen del personaje, para lo que hay que remontarse nada menos que 88 años.  
 
 
 
 
 
   Por cierto, enfrentamiento que ya se llevó a cabo en el cine japonés en la película que llevaba el mismo título que la que ahora se estrena, “Godzilla vs King Kong", pero de 1962. La actual podría considerarse un remake de ella pero argumentalmente parece que no tiene nada que ver. Aquella se centraba en las peleas a muerte entre estos dos grandes titanes y la nueva incluye otras criaturas y una posible “alianza” entre Godzilla y Kong.
 
 
 
 
   El caso es que en 1933 se dio la primera aparición del más icónico monstruo de la historia del cine. No fue la primera monster movie, sin embargo. Antes tenemos la película muda “El Golem” de 1915. Pero es justo considerar, por influencia posterior, su repercusión en las películas de este género, que “King Kong” sea la madre de las monster movies.
 
 
 
 
   La historia hace alusión al mito de la bella y la bestia por lo que a lo largo de las diferentes versiones, el personaje de la bella ha sido clave. A Ann Darrow la interpretó por primera vez Fay Wray. En el remake de 1976, al cuál tengo especial debilidad por ser quizá la primera monster movie que vi en mi vida, fue Jessica Lange (para mi juicio la mejor Darrow de todas). Y en la versión de 2005, a cargo de Peter Jackson, el papel fue para Naomi Watts. Casi cogida por los pelos podría considerarse Brie Larsson aunque no como Ann Darrow, por “Kong, la isla Calavera”.  
 
 
 
 
   El monstruo tenía un esqueleto de acero recubierto de relleno de algodón y cubierto de látex y pieles de oso. O sea, un peluche muy muy grande. Para los efectos especiales se utilizó la técnica de animación de paso por manivela. Técnica que años después perfeccionaría el mítico Harry Harryhausen en su stop – motion, el cual utilizó en “Mighty Joe Young”, la secuela de “King Kong”.
 
 
 

 
    Está considerada la mejor película de monstruos de todos los tiempos. En 1991 fue designada por la Biblioteca del Congreso delos Estados Unidos para su preservacion en el National Film Registry. Fue un éxito de taquilla de la época. Costó 672000 dólares y recaudó 2800000. Además tuvo excelentes críticas y se convirtió en un icono popular que ha inspirado videojuegos, dibujos animados, comics, merchandising y abundantes referencias en otras películas como “Jurassic Park”. 

 
 
 
    Le debe mucho a la adaptación de la novela “El mundo perdido” de Arthur Conan Doyle que se hizo en 1925. Novela que también toma como referencia “King Kong” junto a “ La tierra olvidada por el tiempo”, de Edgar Rice Burroughs. Ambas toma un escenario común para sus aventuras, una selva hasta arriba de animales prehistóricos que parecen haber sobrevivido al margen del resto del mundo conocido y civilizado. Justo lo que toma la película como planteamiento inicial.

 

 
 
   El film fue producido por la RKO, que a muchos les puede sonar por haberse ocupado de la producción de la que frecuentemente aparece como mejor película de la historia, “Ciudadano Kane”. En la dirección compartían labores Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Este último había rodado varios documentales con simios cómo “Rango” o “Chang”, en la que colaboró con Cooper. Esa y la de “King Kong” son sus únicas participaciones juntos.
 
 

   El título iba a ser “La octava maravilla” con él se enviaron los folletines publicitarios a los propietarios de los cines a quienes les gustó más la palabra con la que llamaban al monstruo, Kong, y le añadieron King, y eso fue lo que anunciaron en sus cines. Finalmente trascendió King Kong como título oficial de la película. Fue la primera en estrenarse los mayores cines de Estados Unidos.





sábado, 20 de marzo de 2021

La liga de la justicia de Zack Snyder

 

    FICHA TÉCNICA


Título: La liga de la justicia de Zack snyder
Dirección: Zack Snyder.
País: Estados Unidos.
Año: 2021.
Duración: 242 min.
Género: Fantástico, acción.
Interpretación: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Amy Adams, Joe Morton, Amber Heard, Jared Leto, J.K. Simmons, Connie Nielsen, Ciarán Hinds, Robin Wright, Diane Lane, Jesse Eisenberg, Joe Manganiello, Jeremy Irons, Willem Dafoe, Ryan Zheng, Ray Porter, David Thewlis, Billy Crudup, Lisa Loven).  
Guion: Chris Terrio (Historia: Zack Snyder, Chris Terrio, Will Beall (Personajes: Jerry Siegel, Joe Shuster).
Producción: Charles Roven, Deborah Snyder.
Música: Junkie XL.
Fotografía: Fabian Wagner.
Distribuidora: HBO Max.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: La muerte de Superman despierta las Cajas Madre y a la vez el interés de un viejo enemigo, Steppenwolf, que planea hacerse con ellas para lograr el perdón de su amo, Darkseid. Bruce Wayne decide reunir un equipo de personas especiales, con poderes sobrehumanos, para defender a la humanidad de los invasores. 
 
   LO MEJOR: Estamos ante un milagro por partida doble. Primero porque esta versión realmente haya llegado. Cuántas veces estas recogidas de firmas y aclamaciones populares (es cierto que normalmente para propuestas tan absurdas como cambiar finales de series, volver a rodar películas o sustituir a algún actor) no han tenido ni el más mínimo efecto. Aunque tampoco nos vengamos arriba, si esta versión es realidad ha sido por el empeño personal del propio Zack Snyder, que tenía la espina clavada por haber tenido que abandonar su proyecto predilecto por una desgracia familiar. Y segundo, es un milagro como verdaderamente es una versión totalmente diferente de la de 2017. El que no lo quiera ver, tiene un problema grave de vista. Si, es básicamente el mismo argumento, al menos en su esqueleto central, pero es otra película. De hecho, su título no puede ser más acertado, siendo la palabra clave “justicia”, la de que hayamos podido ver la auténtica versión en lugar de una descafeinada (marvelizada) encargada a alguien que no la sentía. Porque Zack Snyder ha dejado en absoluta evidencia a Joss Whedon (aunque la culpa fue más de los productores). Este “Snyder cut” es mejor en todo. Todo es todo. Está mejor contada, explicada y estructurada, en base a que hay una más adecuada organización de la información. Los personajes tienen una presentación en condiciones pero, sobre todo, un eficiente desarrollo.  Se ha mejorado también uno de los puntos más flacos de la versión para cines, el villano, o mejor dicho, los villanos. No solo por la inclusión de Darkseid (segado por Whedon) sino por la enorme mejoría de Steppenwolf, ya no solo en el plano visual (que es evidente) sino en su peso. Éste si impone y mucho. Pero Snyder, aparte de traernos abundante material adicional y de narrárnoslo mejor, ha demostrado que al cine de superhéroes se le puede dar un toque de autor, una dirección personal, que además sea radicalmente opuesto al marcado por Marvel, lo que es un gran acierto del que deberían tomar nota los productores y devolverle todo el control del Universo DC a Snyder. Porque con esta operística, grandilocuente y épica tragedia griega, ha culminado el camino del personaje con el que comenzó, Superman, llevándolo paralelo al del propio Jesucristo. “El hombre de acero” fue la anunciación y milagros del Salvador. “Batman v Superman”, su sacrificio y crucifixión. Y “La liga de la justicia”, su resurrección. Todo gracias a ser probablemente el mejor director en lo visual que hay. 
 
   Interpretación: Esta versión es mucho más coral respecto al reparto de roles. El protagonismo está más repartido y eso ha beneficiado especialmente a Ray Fisher (no me extraña que clamara tanto por ella) y a Ezra Miller. El primero porque su personaje está notablemente mejor desarrollado y además es clave en la trama. Y el segundo porque Snyder ha eliminado más de la mitad de sus gracietas y eso ha contribuido a dejar de ser el bufón del grupo. Por lo demás, tenemos más de Bruce Wayne que de Batman por lo que Ben Affleck ha podido lucirse más, y si, sigue interpretando al personaje muy bien. Pero muy poco de Superman y por tanto de Henry Cavill, aunque era predecible y está justificado. En cuanto a Gal Gadot y Jason Momoa, tienen un peso equivalente a la anterior versión como Wonder Woman y Aquaman respectivamente. 
 
   Escena (SPOILERS!!): La escena con la que arranca la película deja más claro porque se despiertan las Cajas Madre, por el grito al morir de Superman. Además el trato en cuanto a la forma de rodar, música y fotografía de las secuencias de las Amazonas, el rescate de los científicos secuestrados o la bomba del banco, es mucho más espectacular. Por no hablar de la batalla donde vemos a Darkseid, el cual, si bien no aparece mucho, siempre notamos su presencia, si no por él, por su enviado DaSaad. Un poco decepcionante es ver tan poco su planeta, Apokolips. Tenemos también la escena del accidente del Iris, en el arco argumental de Flash, que no vimos en 2017. Y una secuenia sueño/pesadilla que te deja con el culo torcido. Vemos un futuro apocalíptico con el mundo devastado (probablemente por Darkseid), con el Joker interpretado por Jared Leto (los pocos minutos que aprece ya superan todos los de “Escuadrón suicida”, lo que también le hace “justicia”) y un Superman furioso con Batman por haber dejado morir a Lois. Como también lo está Mera por la supuesta muerte de Aquaman. Puede que sea en un universo alternativo o lo que podría pasar en una o dos secuelas si se hubieran desarrollado. Puede que nunca se haga pero sería interesantísimo.
 
   LO PEOR: Está claro que si hubiera llegado a cines, habría que haber recortado como mínimo hasta quedar una película de tres horas. ¿Hay donde recortar? Si. Pero, ¿sobra algo que moleste o ralentice el ritmo? No. No hay ninguna sensación de relleno en su cuatro horas y eso ya tiene mérito. Aunque en cuanto el formato, entiendo que el 4:3 es para acercarse más al de las viñetas pero donde se ponga el formato paronámico que se quite todo, más para una película tan visual y espectacular como ésta. 
 
   REFERENCIAS: Snyder le da una soberana lección a Joss Whedon y su versión de 2017. Ojalá le dejaran y él quisiera seguir desarrollando este universo. No hay que comparar con la competencia en Marvel, especialmente con “Vengadores” pero si, las tres películas que ha concebido Snyder, “El hombre de acero”, “Batman v Superman” y esta “Liga de la justicia”, si están al nivel de “Infinity War” o “End Game”, incluso las superan, al menos en cuanto a identidad propia y cine de autor. 
 
   CONCLUSIÓN: 9. Pocas veces el toque personal de un director se ha notado tanto. Snyder transforma el pasatiempo de una tarde de domingo que fue la versión de Whedon en una operística, grandilocuente y épica tragedia griega que la supera en todo. Todo es todo.





miércoles, 17 de marzo de 2021

Comic-Club - El regreso del Caballero Oscuro

 


   Antes de colaborar en la novela gráfica "300", la colorista Lynn Varley y Frank Miller lo hicieron para esta miniserie de cuatro números que se convirtió en una de las historias más importantes del personaje de Batman. No era su primera colaboración, antes lo habían hecho en "Ronin", pero si fue la primera desde que se casaron pues fueron matrimonio. "El regreso del Caballero Oscuro" fue una ucronía, es decir, una historia alternativa, la cual encumbró a Miller como escritor de cómics por suponer junto a "Watchmen", Alan Moore, una revolución en el subgénero de superhéroes, con personajes mucho más violentos y complejos. No es casualidad que precisamente estos dos autores sean considerados los precursores del origen de la novela gráfica contemporánea. 
 
   La serie de cómics tuvo una adaptación en forma de dos películas de animación en 2012 y 2013, muy fieles, con Peter weller ("Robocop") poniendo voz a Batman. Pero en el cine ha inspirado psajes de películas con el "Batman" de Tim Burton, concretamente en el parecido con el clímax del final con el Joker con el del tercer libro del cómic. O "Batman forever", con la evocación de los recuerdos de Bruce Wayne. "Batman begins", el descubrimiento de la cueva. O el enfrentamiento en "Batman v Superman".











martes, 16 de marzo de 2021

Escenas Míticas: Especial Monstruos - Starship troopers, las brigadas del espacio

 

  

   Como con “The host”, esta película merece un cambio de mi opinión personal por haberla juzgado de forma injusta debido a no haberla entendido adecuadamente. No la trama o el argumento, sino el sentido del mensaje que su director pretendía dar. Tampoco debería sentirme demasiado culpable por ello pues le ocurrió lo mismo a la mayoría del público e incluso a la crítica profesional de la época, que le dio duro. Al menos yo tenía la excusa de la inmadurez.  

 

   

   Porque el motivo de que no me gustara la primera vez era que me resultaba ridícula en muchos tramos y algunas escenas y diálogos rayaban en la vergüenza ajena. Ahora sé que eso Paul Verhoeven lo hizo completamente adrede y que la película en realidad es una parodia encubierta del fascismo y de las campañas de reclutamiento militar. Para muestra un botón, en la historia solo se podía aspirar a ser “ciudadano” si se pasaba por el ejército.  
 
 
 
   Pero, como decía, a los eruditos de la época, los noventa a finales, tampoco cogieron la idea y tacharon al film de justo lo que pretendía satirizar, de ser un alegato del fascismo que abogaba por una sociedad militarizada. Verhoeven, en su intento de ocultar a sus propios productores sus verdaderas intenciones, engañó a todo el mundo mostrando una película de serie B con un amplio presupuesto, pero lo que realmente hizo fue ironizar sobre la premisa de la novela que adaptaba.
 
 

   Porque esa ironía no estaba en la “Tropas del espacio”, qué escribió el muy reconocido literato de la ciencia ficción Robert A. Heinlein en 1959. Fue el cambio más importante en la adaptación cinematográfica pero no el más criticado por los fans del libro, que se entretuvieron más con indignarse porque los trajes no fueran fieles a los descritos por Heinlein o el tratamiento de algunos personajes como el cambio de género de Dizzy Flores. 

 

   Hay que recordar que Paul Verhoeven creció en la Holanda ocupada por las tropas nazis durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que incluso amistades personales del cineasta les extrañó el enfoque derechista de la película. Él les contestó que compuso una sociedad fascista en la que siendo todo perfecto, solo servía y estaba diseñada para matar bichos.
 
  

   Verhoeven engañó hasta al reparto, en cuál eligió por su atractivo físico, prescindiendo a propósito de su cualificación interpretativa. Quería solo actores guapos y con el menor talento posible. De ahí la elección de nombres como Casper Van Dien o Denise Richards, a los que convenció de que se tomaran totalmente en serio sus personajes. Se estaba riendo de ellos sin que lo supieran. Completaban el reparto Dina Meyer (ésta no era mala actriz y de hecho se come a sus compañeros en pantalla) y Michael Ironside (el Tyler de "V"). Puede verse brevemente a Amy Smart en una escena.

 


   Verhoeven desembarcó en tierras estadounidenses con "Los señores del acero", a la que siguieron otras dos películas icónicas de ciencia ficción pero de finales de los ochenta, "Robocop" y Desafío total". Ya en los noventa nos dio su película más famosa a nivel mediático, "Instinto básico", y la polémica "Showgirls", para llegar a 1997 con esta "Starship troopers". "El hombre sin sombra" (también comentada en el blog) fue su última película en tierras norteamericanas, para volver a Holanda y rodar allí y en Francia.

 

    Al margen del mensaje satírico, irónico, paródico o no, Verhoeven le entregó a los productores una película con la espectacularidad que requerían, con potentes escenas de acción, con unos efectos especiales que aún hoy aguantan muy dignamente en cuanto a las batallas y a los monstruos. Y con una gran cantidad de violencia, extremadamente sangrienta, que incluso incluía bastante gore. Hoy sería muy difícil hacer una película así con ese presupuesto.


   Porque contó con 105 millones de dólares. Solo consiguió 120 en taquilla por lo que fue un fracaso. Con el tiempo se la ha considerado un título de culto. Aún así tuvo tres secuelas, aunque fueron directamente al mercado doméstico. "Starship troopers 2, el héroe de la Federación", "Starship troopers 3, armas del futuro",
"Starship troopers 4, invasión" (animación). La primera adaptación de la novela fue también de animación, en 1989, por lo que ésta debería ser considerada un remake.
 


domingo, 14 de marzo de 2021

Bruja Escarlata y Vision

 

    FICHA TÉCNICA


Título: Bruja Escarlata y Vision.
Dirección: Jac Schaeffer (Creador), Matt Shakman.
País: Estados Unidos.
Año: 2021.
Duración: 35 min (9 episodios)
Género: Comedia, fantástico, ciencia ficción, acción.
Interpretación: Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Teyonah Parris, Kathryn Hahn, Kat Dennings, Josh Stamberg, Selena Anduze, Randall Park, Debra Jo Rupp, Fred Melamed, Asif Ali, Shane Berengue, Shaun MacLean, Evan Peters, David Lengel, David Payton, Amos Glick, Jackson Robert Scott, Jolene Purdy, Emma Caulfield Ford, Ithamar Enriquez, Victoria Blade, Daniyar, Jett Klyne.
Guion: Jac Schaeffer, Gretchen Enders, Peter Cameron, Bobak Esfarjani, Chuck Hayward (Personajes: Jack Kirby, Stan Lee).
Producción: Kevin Feige, Jac Schaeffer.
Música: Christophe Beck, Alex Kovacs.
Fotografía: Jess Hall.
Distribuidora: Disney+.


    CRÍTICA


    SINOPSIS: Wanda Maximoff y Vision llegan al pueblo de Westview para vivir una idílica vida bajo la apariencia de una sitcom de los años cincuenta. Pero a medida que pasa el tiempo se van dando cuenta que no todo es lo que parece. 
 
   LO MEJOR: Es muy interesante como propuesta y supone una declaración de intenciones respecto al tipo de contenido que Marvel/Disney pretende ofrecer en televisión (o streaming) puesto que es la primera vez que veo que ese binomio antepone creatividad a espectáculo, aspecto en el que sus rivales DC/Warner si se han destapado más veces en cine. Porque la premisa de esta serie es atrevida, fresca y muy original. Y valiente porque arriesga lo suyo, teniendo en cuenta que corría el peligro que muchos se bajaran del tren en sus dos primeros episodios. Porque hace un homenaje a un género televisivo tan opuesto al de superhéroes como las sitcom (dónde las hermanas de su protagonista, Mary Kate y Ashley Olsen se hicieron muy populares de niñas en la serie “Padres forzosos”), haciendo un repaso por su evolución a lo largo de las sucesivas décadas desde los cincuenta en adelante, haciendo una gran labor de recreación de las distintas épocas, a través de la ambientación, vestuario, música, peinados que incluso tipo de humor. Hasta la duración de los episodios es similar a la de las sitcom. Pero ésto no es más que un envoltorio momentáneo porque también sorpresivamente, aunque no tanto, propone temas muy lejanos a la comedia, ahondando en el trágico pasado de la protagonista principal, lo que le da un transfondo más psicológico, y plantea el problema de que un ser con poderes sobrenaturales con un desequilibrio mental provocado por un trauma puede perder el control. ¿Cómo se puede parar algo así? Además, no renuncia al espectáculo tampoco, se nota un nivel de producción bien holgado, es decir, hay dinero y recursos. 
 
   Interpretación: Aunque el protagonismo es bicéfalo (el título así lo refleja), es Elizabeth Olsen quién realmente es el motor de la historia. Y ella está maravillosa. Claro que no viene nada mal tener el respaldo de un actor de la talla de Paul Bettany. Ambos tienen la posibilidad de lucir mucho más de lo que lo han hecho en toda la saga de “Vengadores”, y no la desaprovechan. Para colmo recuperan a un personaje de uno de los spin-off, "Thor", Kat Dennings, aunque no terminan de sacarle todo el provecho que podrían. Y a otro de una saga de Marvel pero de “X-Men”, Evan Peters. Además de la acertada inclusión de Kathryn Hahn. 
 
   Escena (SPOILERS!!): Quizás dos eran demasiados, con un episodio habría estado bien, lo dedicado a las sitcom de los 50 y 60, pero es una maravilla como los han recreado, con su blanco y negro, su formato de pantalla y todo. Pero vayamos directamente al meollo del final. Ya están los “fans” criticando el desenlace. No sé que es más ridículo, si las fantasiosas teorías que había sobre éste o la decepción que se han llevado algunos como si se fuera acabar el mundo. Es un buen final. Que es Marvel y es Disney, tanta complicación no podía haber. Lo interesante es que el mundo creado por la Bruja Escarlata tenía secuestrados a unas tres mil personas y es ahí donde se centra, acertadamente. Las dos escenas post créditos conectan, por un lado, con “Capitana Marvel”, y por otro, con la posibilidad de que los hijos sigan vivos en alguna parte, en otro Westview o quizás su propia mente. 
 
   LO PEOR: El mundo no se va acabar por la acción de un virus, desastres naturales, ni siquiera por la de Trump. Lo va a hacer por la de los haters y los fans en general. Al menos el mundo cinematográfico y de la industria del entretenimiento más globalmente. Porque es impresionante la capacidad de rechazo que tiene esta gente, caprichosa y antojadiza, que a la que el producto no responde a sus expectativas personales, lo machacan públicamente en redes sociales. 
 
   REFERENCIAS: Tiene elementos y planteamientos que recuerdan a películas tan alejadas del universo superhéroe como “Pleasanville” o “El show de Truman”. Y evidentemente conecta con la saga “Vengadores” más concretamente con “Infinity war”. 
 
   CONCLUSIÓN: 7’5. Marvel antepone creatividad a espectáculo en una propuesta muy arriesgada pero también muy original, que homenajea la historia televisiva de las sitcom mientras conecta con los "Vengadores".



viernes, 12 de marzo de 2021

Microcríticas Express: Hillbilly, una elegía rural/Ane/The way back

 

 

   Una película que cuando se rumoreó que podría estar en los Oscars recibió una manta de críticas. Y la verdad que no entiendo ni una cosa ni otra. Porque no es tan buena como para lo primero, de hecho, a veces parece un telefilm, quizá porque Ron Howard, que se aleja del tipo de cine que estaba haciendo en las últimas películas, prefiere una dirección más plana, para dejar que la historia se cuente sin efectismos de cámara. Pero tampoco es tan mala como para lo segundo, aunque solo sea por apreciar las interpretaciones femeninas de la película, con una Amy Adams bastante menos contenida de lo habitual, una Glen Close magnífica, a ella si que la nominaría al Oscar, incluso una Haley Bennet (aunque sea menos protagonista que Gabriel Basso, que está correcto sin más), que representan las tres generaciones de una familia con muchos problemas en un entorno rural. 6.  

 

   Una de las premiadas en los últimos Goyas, concretamente en las categorías de mejor actriz, actriz novel y guion adaptado. En cuanto a lo de Patricia López Arnaiz no me extraña nada. De hecho, ha ganado en otros premios como los Feroz, creo que bastante merecidamente porque su interpretación, capaz de mostrarse tanto en la fortaleza como la debilidad, es portentosa. Eso si, habla a mil por hora. Además tiene varios diálogos para lucirlo especialmente. En cuanto a Jone Laspiur, bastante bien. Por lo demás, aunque tiene algunas gotas de cine de intriga, básicamente es un duro drama familiar representado en el conflicto de una madre y una hija, con el tema de la violencia en los jóvenes vascos de trasfondo. Porque aunque no se toque el tema de ETA si toca el del terrorismo y algunas justificaciones morales que se dieron en el origen de la banda armada. 7. 

 

   Mitad película de deportes y mitad drama. Y hay que decir que funciona en las dos vertientes. Apoyada en la interpretación de un Ben Aflfeck especialmente inspirado como un traumatizado y alcoholizado exjugador de baloncesto que se le ofrece la oportunidad de entrenar como redención y reconstrucción personal. Affleck vuelve a trabajar con el cineasta que ya le dirigió en “El contable”, Gavin O’Connor, y parece que se han entendido tan bien como en aquella. Además, el actor parece incluso interpretarse a si mismo pues vino justo después de sus problemas en la vida real con el alcohol. Una actuación que demuestra, y no es la única, que Ben Affleck no es tan mal actor como mucho dicen. Si, quizá es mejor director, eso si. 6’5.

 

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