domingo, 27 de abril de 2014

El consejero



   FICHA TÉCNICA

Película: El consejero. 
Título original: The counselor. 
Dirección: Ridley Scott. 
País: USA. 
Año: 2013. 
Duración: 117 min. 
Género: Drama, thriller. 
Interpretación: Michael Fassbender (el consejero),Penélope Cruz (Laura), Cameron Diaz (Malkina), Javier Bardem  (Reiner), Brad Pitt (Westray). 
Guión: Cormac McCarthy.
Producción: Ridley Scott, Paula Mae Schwartz, Steve Schwartz y Nick Wechsler. 
Música: Daniel Pemberton. 
Fotografía: Dariusz Wolski. 
Montaje: Pietro Scalia. 
Vestuario: Janty Yates. 
Diseño de producción: Arthur Max. 
Distribuidora: Hispano Foxfilm

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un prestigioso abogado norteamericano se asocia con un capo de la droga de Méjico para llevar a cabo una operación de tráfico de drogas con los cárteles mejicanos. Su objetivo es lograr dinero rápido y casase con su novia. Pero las cosas no serán tan fáciles.
   LO MEJOR: Hay que tener claro que si uno va esperándose una obra maestra, dado tanto el director como el reparto, se llevará una soberana decepción. Dicho ésto, tiene algunos factores reseñables. Ridley Scott no está ante su obra más acertada pero conserva su habitual pulso con la cámara, sobre todo a la hora de filmar determinadas secuencias que si me parecen muy destacadas y gracias a ellas elevan mi opinión personal del film. Otro tema interesante son los diálogos. Hay algunos brillantes, plagados de frases lapidarias y dotadas de buena intensidad y sentido reflexivo. Diálogos que les vienen de perlas a los personajes, encarnados por un reparto rebosante de talento.
   Interpretación: Tiene un elenco coral verdaderamente impresionante. Pero no se utilizan las distintas bazas con la misma eficacia. Mientras Michael Fassbender y Cameron Díaz están bastante correctos en sus respectivos y diferenciados roles, los personajes interpretados por Javier Bardem y Brad Pitt están desaprovechados, cuando son a todas luces los más interesantes, y el potencial de sus actores es mucho más explotable. Especialmente doliente es lo de Pitt, que en los pocos minutos de que disfruta me parecía el mejor de largo. Por cierto, no sé que le ve la gente y los directores a Penélope Cruz. Aquí no es más que un florero y, sinceramente, no la veo para más.
   Escena (spoiler): Voy a resaltar tan solo cuatro. Pero que cuatro. La caza que dan a Bardem con una persecución en condiciones y un desenlace trágico sería la más normalita. Me quedé con los ojos como platos con la escena sexual de Cameron Díaz con el coche de Reiner (Bardem). Para caerse del asiento. La ejecución del chico motorista colocando un cable de un punto a otro de la carretera y decapitándole es muy impactante. Pero nada en comparación con la escena final de Brad Pitt cuando le colocan una especie de cable alrededor del cuello que va cerrándose más y más sin poder hacer nada con consecuencias sumamente sangrientas. Una de las escenas más impresionantes del año.
   LO PEOR: El guión ya decía que tiene buenos diálogos pero es tremendamente irregular. La historia esta mal construida y desacertadamente hilada. El primer acto es difuso y desorientado. Y hasta bien estrado el segundo no se empieza a poner interesante la cosa. Es por esto que hay algunas fases muy pesadas y hasta sin sentido argumental. Es un rasgo típico cuando un buen novelista se mete a guionista. Y es que el lenguaje literario no tiene nada que ver con el cinematográfico.
   CITAS: “¿Sabes porque Jesús no nació en Méjico? No encontró una virgen ni a tres reyes que vinieran”. “La verdad no tiene temperatura”. “Echar de menos algo es esperar que vuelva. Y no va a volver”.
   REFERENCIAS: El estilo, no el tono, de los diálogos me ha recordado otra de Brad Pitt, “Mátalos suavemente”. Pero argumentalmente y por aquello de relacionarse con los cárteles mejicanos me ha sonado poderosamente a “Salvaje”, mucho más entretenida que ésta.
   CONCLUSIÓN: 6´5. Muy irregular pero con buenos diálogos.



sábado, 26 de abril de 2014

Música de Película: La Pasión de Cristo




   John Debney no me parece un compositor muy a destacar. Desconozco que le llevo a Mel Gibson a solicitar sus servicios cuando sus bandas sonoras pertenecen a películas tipo comedias, terror o acción. Temas muy alejados del carácter dramático y trágico de este film. Pero lo cierto es que le salió una música soberbia, a la altura de los mejores. Por eso la destaco aquí.


Tema: Mary goes to Jesus.
Película: La Pasión de Cristo.
Intérprete o compositor: John Debney.


Tema: Resurrection.
Película: La Pasión de Cristo.
Intérprete o compositor: John Debney.


viernes, 25 de abril de 2014

Escenas Míticas: Especial Bíblicas - Ben-Hur




   El cartel de la película rezaba "la historia más grande jamás contada" y muy desencaminada no iba la frase a juzgar por el elevado metraje y la posterior repercusión cinematográfica del film. Está considerada como una obra maestra y es un clásico en estas fechas (aunque ya haya pasado la Semana Santa). Consiguió nada menos que once estatuillas, la más galardonada hasta la llegada de "Titanic" (once también), y "El retorno del rey" (otros once).



   La amistad de Judá Ben-Hur se rompe tras una serie se discusiones, durante la visita del emperador romano, una joven se apoya sobre unas tejas que accidentalmente caen sobre la comitiva y se interpreta como un atentado. Judá se atribuye las culpas para salvar a la chica.



   Charlton Heston fue Ben-Hur e hizo una interpretación magnífica. Independientemente de mi opinión sobre el actor fuera de las cámaras (que no es para nada buena), profesionalmente me pareció un actor de una talla enorme que supo elegir proyectos excepcionalmente y aquí está que se sale. 



   Judá, tras ser condenado a las galeras, ser desposeído de sus propiedades y que hubieran apresado a su hermana y a su madre, consigue quedar libre gracias a su amistad con el capitán del barco  del que le salva tras su naufragio, en la escena anterior. La secuencia de la carrera de cuádrigas posiblemente será una de las mejores rodadas de la historia. Se tardaron cinco semanas en hacer once minutos. 



   De hecho, en el "Episodio I, la amenaza fantasma"" de "Star Wars", se inspiraron en esta escena para la carrera de vainas. 



   La vuelta de Judá está cargada de rencor y resentimiento y se dispone a vengarse de Massala. Pero el encuentro con un hombre al que están ajusticiando y que un día le dio de beber le hace encontrar el camino a la redención. Fijaos que en ningún momento vemos la cara de Jesucristo. 



   Aunque la película no está planteada directamente como del género bíblico, la última parte si tiene un componente de connotación religiosa con la cricifixión de Jesús. Es cuando la hermana y la madre , que habían contraido la lepra, se curan milagrosamente de la enfermedad. 
Poco puedo añadir del film. Ya todos sabemos que es una epopeya de dimensiones tan gigantescas como épicas, con una manera de concebir que ya es difícil de ver. Veamos el estreno de "Pompeya".


martes, 22 de abril de 2014

Asalto al poder



   FICHA TÉCNICA

Película: Asalto al poder. 
Título original: White House down.  
Dirección: Roland Emmerich. 
País: USA.
Año: 2013. 
Duración: 131 min. 
Género: Acción. 
Interpretación: Channing Tatum (John Cole), Jamie Foxx (presidente James Sawyer), Maggie Gyllenhaal (agente especial Carol Finnerty), Jason Clarke (Emil), James Woods (Martin Walker), Richard Jenkins (Eli Raphelson), Joey King (Emily). 
Guión: James Vanderbilt. 
Producción: Brad Fischer, Laeta Kalogridis, Harald Kloser y James Vanderbilt. 
Música: Harald Kloser y Thomas Wander. 
Fotografía: Anna J. Foerster. 
Montaje: Adam Wolfe. 
Dirección artística: Kirk M. Petruccelli. 
Vestuario: Lisy Christl. 
Distribuidora: Sony Pictures 

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un policía del Washington es rechazado como agente del Servicio Secreto para proteger al presidente. Durante una visita al Capitolio con su hija, un grupo terrorista asalta el edificio. Es el momento de demostrar que se equivocaron con él.
   LO MEJOR: Vamos a ver, si no tienes problemas con el cine como evasión y sin ninguna trascendencia, ésta puede ser una película adecuada. El film es de Roland Emmerich, por lo que si accedes a verla ya sabes lo que te espera y si te va a gustar o no la propuesta. Porque la película es fiel a su estilo habitual con un espectáculo con la única pretensión de entretener al espectador. Y hay que decir que en ese propósito no fracasa porque al margen de las múltiples fantasmadas (y a veces gracias a ellas), la peli entretiene, merced a un buen ritmo y a los célebres juegos de artificio marca de la casa del director. Es puro cine palomitero que no engaña a nadie y que te da lo que promete, ni más ni menos. 
   Interpretación: El personaje de Channing Tatum nos suena bastante. A ver, él está correcto pero es inevitable buscar la comparación con Gerard Butler por la cercanía de este proyecto con el de aquel “Ataque a la Casa Blanca” de similar argumento. Y desde luego que a los dos, Bruce Willis, pues es John McClane el personaje que copian ambos. Por otro lado mencionar que el villano es un peso pesado de los secundarios como James Woods, aunque un poco pasado. Maggie Gyllenhall es la que está más en su sitio.
   Escena (spoiler): Casi desde antes de verla me imaginaba que uno de los momentos cumbres sería el del asalto a la Casa Blanca, que en este caso es desde dentro y por medio de un atentado. Una escena tan descabellada como divertida es ver al presidente de los Estados Unidos (Jamie Foxx) con medio cuerpo asomado por la ventanilla de una limusina sujetando un bazuca. Y bastante sorprendente es la secuencia en la que le lanzan un misil al Air Force One (título de otro film del director con temática parecida) donde se encuentra el recientemente nombrado nuevo presidente (corto mandato)
   LO PEOR: Si hay algo que se me hace muy molesto en esta clase de películas es ese americanismo superlativo que se empeñan en meterte por los ojos. Llega a ser empalagoso. Y luego hay fases del guión que, aunque contienen escenas que resultan divertidas, son auténticos despropósitos argumentales. Además de incidir en un tópico hasta la saciedad como el del padre cuestionado que salva a su hija y de paso el país.
   CITAS: “No le mienta a los niños”. “Despiérteme si se acaba el mundo”. “Sé que le va el rollo pacífico pero haga que funcione ese trasto”.
   REFERENCIAS: Como decía, el film fue estrenado con bastante cercanía a “Asalto a la Casa Blanca” dirigida por Antoine Faqua y que presenta otro asalto similar. Para mí es mejor que la que hoy comento. Y ambas descaradamente copian de “La jungla de cristal”.
   CONCLUSIÓN: 7. Cine de evasión y palomitas ciertamente divertido.



domingo, 20 de abril de 2014

Escenas Míticas: Bíblicas - La Pasión de Cristo




   Pues si hablábamos de polémica con "La última tentación de Cristo" y con "Espartaco", ésta no se quedó atrás para nada. Mel Gibson realizó una visión muy agresiva del camino de Jesús desde su captura hasta la cruz. La rodó en hebreo antiguo y latín e incluyó escenas ultraviolentas para un film de estas características. 




   Si algo aprecio de Mel Gibson como director es el hecho de tener un estilo personal identificativo. Ese uso de la cámara lenta recuerda mucho a una escena de su "Breaveheart" en la que un señor feudal viene a reclamar el derecho de pernada. Por cierto, que Gibson exigió una fotografía para la escena inspirada en la pintura de Caravaggio.



   Se puede apreciar que en la escena se utilizan dos idiomas, el hebreo antiguo y el latín. Vamos, lo que se puede apreciar es que Pilatos (que queda claro que no quiere condenar a Jesús) habla en un dialecto distinto al del pueblo. No es que yo entienda ni el hebreo ni el latín. 



   En el momento del estreno se dijo que había gente que se desmayaba al presenciar esta secuencia o que vomitaba tras verla. Creo que es un poco exagerado pero reconozco que a mí me impactó sobremanera, y eso que estoy curado de espanto de tantas y tantas películas de terror que he visto.



   Jim Caviezel se ocupó de dar vida a Jesús en el film. En mi opinión, realiza un soberbio trabajo de interpretación, ya no solo por tener que aprender el papel en una lengua muerta y soportar un maquillaje por todo el cuerpo, sino por dar una visión muy distinta a las anteriormente vistas. Paradójicamente supuso una especie de maldición pues no volvió a hacer un papel en condiciones desde entonces. 



   Las imágenes en las que clavan a Jesús en la cruz son también de una crudeza superlativa. No obstante, aunque se criticara abiertamente a Mel Gibson de excederse en cuanto al uso de la sangre y la violencia, creo que, probablemente, de ser cierta la existencia de este hecho, pienso que se correspondería con la realidad más que en otras versiones.



   No soy religioso en absoluto, es más, no tengo ningún problema en reconocer mi ateísmo, pero reconozco que la historia de Jesucristo (como posible hecho histórico) siempre ha tenido mucho interés para mí. Y la parte en la que dice: "Padre mío, ¿porque me has abandonado?" es de mis favoritas. 
   Al margen de las polémicas, esta versión me pareció muy valiente y artísticamente es de un nivel excepcional. Como anécdota decir que Gibson volvió a repetir en su siguiente proyecto "Apocalypto" (muy recomendable también) aquello de rodar con las lenguas originales.


viernes, 18 de abril de 2014

Música de Película: Espartaco




   Quizá no sea demasiado conocido para el público más actual pero lo cierto es que Alex North fue una grandísimo compositor de bandas sonoras. Tuvo una larga colección de candidaturas al Oscar (hasta catorce), entre ellas una por esta película. Sin embargo, no lo consiguió, aunque finalmente la Academia decidió concederle uno honorífico. Muchos recordarán la canción "Unchained melody" de "Ghost", que también fue obra suya. 


Tema: Main theme.
Película: Espartaco.
Intérprete o compositor: Alex North.


Tema: Goodbye, my life, my love.
Película: Espartaco.
Intérprete o compositor: Alex North.



jueves, 17 de abril de 2014

Tú eres el siguiente



FICHA TÉCNICA

Película: Tú eres el siguiente (You’re next). 
Título original: You’re next. 
Dirección: Adam Wingard. 
País: USA. 
Año: 2011. 
Duración: 96 min. 
Género: Terror. 
Interpretación: Sharni Vinson (Erin), Ti West (Eriq), Barbara Crampton (Aubrey), Rob Moran (Paul), Amy Seimetz (Aimee), Wendy Gleen (Zee), Joe Swanberg (Drake).
Guión: Simon Barrett. 
Producción: Simon Barrett, Keith Calder, Chris Harding, Kim Sherman y Jessica Wu. 
Música: Mads Heldtberg. 
Fotografía: Andrew Droz Palermo. 
Diseño de producción: Thomas S. Hammock. 
Vestuario: Emma Potter. 
Distribuidora: Filmax.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En medio de una cena familiar celebrada en una casa apartada de la ciudad, sus integrantes son atacados por un grupo de personas enmascaradas. Pero Erin no está dispuesta a morir esa noche.
   LO MEJOR: Es cine de bajo presupuesto, sin estrellas ni fuegos de artificio. Pero tiene un ritmo y una tensión que más quisieran otras producciones con más medios. Y es que, aparte de introducir algunas variantes en el subgénero de “asaltos a casas”, es muy entretenida. Tiene dosis bastante generosas de sangre y violencia. Digo esto como un aspecto positivo porque si el argumento ronda el torno a una familia masacrada por unos extraños lo lógico es que haya violencia. Eso no es hacer apología sino realismo. Pero es que aparte, el argumento posee algunos buenos giros que sorprenden y que distancian este título de otros similares.
   Interpretación: Luces y sombras en este apartado. Por un lado Sharni Vinson. No había visto a esta chica nunca pero aquí está genial. Lleva el personaje con fuerza y determinación. Se mete al espectador en el bolsillo y es la estrella indiscutible de la función. Que pena que el resto del reparto no le vaya a la zaga. Unos por exagerados en sus reacciones y otros por inexpresivos. Que hay veces que te preguntas si se están enterando que están matando a los integrantes de su familia.
   Escena (spoiler): Pues el ataque a la primera víctima que te pilla en frío es muy sorprendente. Que en medio de una apacible cena empiecen a llover flechas por las ventanas impacta. El asesinato de la madre tampoco se queda atrás, tanto por lo temprano como por lo violento. Y se queda uno con la boca abierta cuando descubrimos que varios de los hijos son los que han planeado el asunto. Pero la fase final con la chica en plan heroína destroyer es lo mejor. Sobre todo con ese plano final cayéndole el martillo en la cabeza al policía. No tiene precio.
   LO PEOR: La historia esta bien llevada y tienen sentido pero el guión no es que esté muy afinado. Los diálogos son un poco forzados e, incluso, en varias ocasiones, fuera de lugar. Y algunas reacciones de los personajes no tienen mucho sentido. Eso le resta credibilidad, te saca del argumento. Por ejemplo, todos preguntan porque no tienen cobertura en el móvil y uno de los hijos les comenta que habrán puesto un inhibidor y que en Internet cuesta treinta dólares. Eso en medio del ataque de los extraños.
   CITAS: “¿Por qué iba a hacer nadie algo así?”
   REFERENCIAS: Pues va en la línea de las películas de asaltos a casa. Eso si, con algunas variaciones en su trama. En principio, se parece a “Los extraños” y está alejada de los films de secuestros tipo “Funny games”.
   CONCLUSIÓN: 7. Cargada de ritmo y tensión hasta arriba.



martes, 15 de abril de 2014

Escenas Míticas: Especial Bíblicas - Espartaco




   Si, bueno, no es estríctamente bíblica. De hecho, no lo es nada. Pero nadie me podrá negar que es un título muy recurrente en las programaciones de las distintas televisiones durante la Semana Santa. El film también tuvo su polémica pues Stanley Kubrick recogió el proyecto por desavenencias con Kirk Douglass (toda una estrella) del anterior director, Anthony Mann y fue quien terminó la película. 



   Confieso que este es uno de los episodios históricos que más me atraen. La idea de ver un exclavo levantarse contra sus opresores es de lo más atractiva. Más si cabe si además le lanza un órdago a uno de los imperios más poderosos que han campado por este planeta. 



   Kirk Douglass encarnó al que ha pasado a la posteridad como un héroe de la época y de la historia. El temple, la planta y el talento ante la cámara le vinieron al pelo para interpretar a un gran "Espartaco". Porque hay actores que no se sabe porque pero tenían algo especial y éste es uno de ellos. 



   Es tan larga que he decidido dividir la secuencia en dos vídeos. Por un lado, el despliegue de las tropas y los movimientos previos. Y por otro, la propia batalla. Batalla que no contaba con medios digitales para simular un número mayor, por lo tanto, todo lo que se ve en pantalla son extras puros y duros. Con lo cual, el mérito del rodaje de la escena es bastante grande. 





   Sin duda, uno de mis momentos favoritos de la película es cuando tras ser derrotado el ejército de los esclavos, Marco Crasso tiene el único objetivo de encontrar a su líder entre los supervivientes. Pero se encuentra con que nadie está dispuesto a delatarle (lo que les costará caro) y todos comienzan a gritar : "¡Yo soy Espartaco!". Quedándose Crasso con un palmo de narices.



   Finalmente Espartaco es condenado a luchar en combate a muerte contra Crixo (Tony Curtis). Pero Crasso, aunque sospecha, no tiene la certeza de que Kirk Douglass sea Espartaco. El caso es que el vencedor del combate tendrá que morir crucificado. Es por ello que el uno quiere evitarle ese trauma al otro. 



   El camino a Roma fue adornado por todos los esclavos rebeldes supervivientes de la batalla, crucificados a lo largo de dicho camino. Pero Espartaco tiene la oportunidad de ver a su hijo antes de morir, de los brazos de Varinia (Jean Simmons).
   "Esparataco" es un clásico indiscutible del género histórico y épico. Recientemente sa ha hecho una serie acerca del personaje con una estética a lo "300", con muchísima violencia y sexo, y una rigurosidad histórica muy libre pero que resultó muy atractiva.

domingo, 13 de abril de 2014

Thor: El mundo oscuro



FICHA TÉCNICA

Película: Thor: El mundo oscuro. 
Título original: Thor: The dark world.  
Dirección: Alan Taylor. 
País: USA. 
Año: 2013.
Duración: 113 min. 
Género: Acción, fantástico. 
Interpretación:Chris Hemsworth (Thor), Natalie Portman (Jane Foster), Tom Hiddleston (Loki), Anthony Hopkins (Odin), Jaimie Alexander  (Sif), Idris Elba  (Heimdall), Stellan Skarsgård (Dr. Erik Selving),Rene Russo (Frigga), Christopher Eccleston (Malekith), Zachary Levi (Fandral), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Algrim / Kurse), Kat Dennings (Darcy), Clive Russell (Tyr). 
Guión: Christopher Yost, Christopher Markus y Stephen McFeely, basado en un argumento de Don Payne y Robert Rodat, a partir del cómic de Stan Lee, Larry Lieber y Jack Kirby. 
Producción: Kevin Feige. 
Música: Brian Tyler
Fotografía: Kramer Morgenthau. 
Montaje: Dan Lebental y Wyatt Smith. 
Diseño de producción: Charles Wood. 
Vestuario: Wendy Partridge. 
Distribuidora: The Walt Disney 

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Thor ha restablecido el orden en todos los reinos pero una antigua raza, los elfos oscuros, liderada por Malekith, se revela con un poder de tal calibre que pondrá en peligro el propio reino de Asgard y que obligará a Thor a pedir ayuda a Loki.
   LO MEJOR: Si Hay un cambio significativo respecto a la primera parte es haber dejado la postura shakesperiana que Kenneth Branagh propuso (que no digo que estuviera mal) y toma una dirección más acorde a los típicos superhéroes de la Marvel, más en concreto a “Los vengadores”. Sin embargo, “Thor" es un personaje bastante alejado de los “Spiderman”, “X-Men” y demás. Su naturaleza a medio camino entre dos mundos (o reinos) y ese toque clásico le hacen más interesante. En cuanto a la película, los escenarios son impresionantes, tanto la recreación de Asgard como la de Londres. Y los efectos especiales, sobre todo los visuales, son muy buenos. Y creo que están al servicio de la historia y no al revés, como he leído por ahí. Me gusta que siga conservando algunos toques de humor en el tono general.
   Interpretación: A Chris Hemsworth le cae el personaje como un guante. Ya lo hacía en la primera parte, en “Los vengadores” y todavía más aquí. Le ha dado la madurez que no tenía en su predecesora. Por otro lado, Tom Hiddleston me parece uno de los mejores villanos de Marvel. Su elección como Loki no me convenció en un principio pero ahora pienso que fue muy acertada. Y me gusta el tira y afloja que se trae con Thor como aliado-enemigo en esta entrega. Natalie Portman está pasiva en la primera parte del film aunque luego remonta. Las aportaciones de Kat Dennings y Stellan Skarsgard ponen la nota desenfadada.
   Escena (spoiler): Hay una buena cantidad de ellas. El ataque de los elfos oscuros a Asgard es espectacular, con la muerte de la madre (Renee Russo) incluida. Luego la estratagema para contraatacar fingiendo una traición de Loki a Thor para acabar con Malekith es uno de los puntos álgidos del argumento. Y sobre todo, la parte final, con la entrada de los elfos en medio de Londres es impresionante, eso y la resolución final con el martillo de Thor acabando con el poder del villano. Atención al cameo de Chris Evans y al epílogo con . . . Benicio del Toro.
   LO PEOR: El personaje de Natalie Portman parece metido con calzador en el argumento, al menos en la primera parte del film. Como que se necesita un pretexto para incluirla en la historia. Que no se me malinterprete, estoy encantado de tenerla en pantalla cuanto más tiempo mejor. Pero parece un poco rebuscado el motivo para que entre en liza, demasiado casual.
   CITAS: “Un hijo que anhelaba demasiado el trono y otro que no lo acepta, ¿es ese mi legado?”. “Algunos creen que antes del Universo no había nada. No es cierto, había oscuridad y ha pervivido”. “- Nacemos y morimos como los humanos. – Con una diferencia de cinco mil años”.
   REFERENCIAS: Pues es de perogrullo que siendo la secuela de “Thor” mantenga todos los enganches visuales y estéticos pero el tono del personaje central está más parejo al desempeñado en “Los vengadores” y parece que así seguirá siendo.
   CONCLUSIÓN: 8. Un espectáculo que vuelve a las claves de la Marvel.



miércoles, 9 de abril de 2014

Escenas Míticas: bíblicas - La última tentación de Cristo




   En vistas al estreno de "Noé" de Darren Aronofsky, nada menos , y al parecer de la preparación de un par de proyectos más con connotaciones bíblicas que hay en cartera, aprovechando la cercanía de la Semana Santa, he decidido apuntarme al carro dedicando la sección a esta temática este mes.

   En su momento suscitó bastante polémica, merced a la visión de la vida de Jesucristo y a la inclusión de ciertas escenas no muy habituales en películas de este calado. A cargo de la dirección nada más y nada menos que Martin Scorsese, que planteo la posibilidad de que Jesús no estuviera muy contento con su cometido y su destino (sobretodo).



   Llegados aquí, el film de Scorsese, aunque con evidentes diferencias en los puntos de vista, se desarrolla en una estructura similar a la de otras películas acerca de la vida y muerte de Jesús. Es decir, las buena venturanzas, la entrada en Jerusalén, sus predicciones, . . . y tal y tal. Pero algunas cosas llaman la atención. Por ejemplo, Júdas no es un traidor sino que desempeña una labor encomendada por Jesús precisamente. 



   Jesucristo es interpretado esta vez por Willem Dafoe. Como decía, su personaje cumple con todas las premisas que se esperan de la historia contada por los Evangelios, incluida la de la tortura. Por cierto que el encargado de juzgarle, Poncio Pilatos, fue David Bowie, como podéis ver. 



   Aquí viene uno de los puntos fuertes. Tras la crucifixión, un ángel en forma de niña se le aparecerá para decirle que no es necesario que muera en la cruz, que Dios solo quería poner a prueba su voluntad. Y le ofrece salvarse de tal destino. Lo cual acepta.



   María Magdalena, aquí interpretada por una voluptuosa Bárbara Hershey, siempre muy relacionada apócrifamente con Jesús como su pareja. Aquí el ángel le proporciona la posibilidad de casarse con ella y no llevar una vida de sacrificio y de liderato del cristianismo a la que parecía predestinado. 



   Otro momento bastante álgido es cuando Saúl cuenta a las gentes la historia que todos conocemos acerca de la muerte en la cruz y posterior resurrección y tal y tal. Pero Jesús le reprende diciéndole que él está vivo y ha llevado una vida corriente como cualquier otra persona. 



   Es aquí donde se demuestra que el ángel que le libró de la muerte en la cruz no era más que el diablo disfrazado ofreciéndole la tentación de librarse de la pesada carga y a la cual había sucumbido.
   No voy a decir que me parezca una obra maestra pero me pareció, como poco, interesante esta visión de un Jesús más humano, con sus miedos y debilidades, más alejado de la santidad divina que nos cuentan en todos los relatos bíblicos cinematográficos.

domingo, 6 de abril de 2014

Senna



   FICHA TÉCNICA

Película: Senna. 
Dirección: Asif Kapadia. 
País: Reino Unido. 
Año: 2010.
Género: Documental. 
Guión: Manish Pandey. 
Producción: James Gay-Rees, Tim Bevan y Eric Fellner. 
Música: Antonio Pinto. 
Montaje: Chris King y Gregers Sall. 
Distribuidora: Universal Pictures 

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Se retrata la vida de Ayrton Senna, comenzando desde el año de su debut en la Fórmula 1 y terminando con el trágico accidente en 1994 que acabó con su vida.
   LO MEJOR: Es todo un homenaje a la vida profesional (mayormente) de uno de los grandes genios de la Fórmula 1. Un piloto que despertó tanta admiración como polémica pero que, sin duda, fue una de las figuras más importantes en el mundo del motor. La película está perfectamente documentada con una labor de edición de las numerosas imágenes de archivo acerca del astro brasileño. Asif Kapadia realiza una exposición de los hechos sencilla pero a la vez muy emocionante. Descarta las explicaciones excesivas y narra las mejores carreras de Senna, sus declaraciones más destacadas y sus polémicas de forma que sean los propios hechos los que aporten la pasión al relato muy acertadamente. El film es interesante incluso si no se es un aficionado a este deporte, pero si lo eres, podrás ver una Fórmula 1 donde los pilotos buscaban los límites de sus monoplazas, donde se jugaban la vida en cada circuito, no donde hay que ahorrar gasolina o conservar neumáticos como ahora.
   Interpretación: Es un documental, por lo tanto, no hay interpretaciones pues los personajes son reales. Pero si destacaré la visión de Ayrton Senna, con un lado tímido e introvertido y otro obsesivo y ambicioso. Un piloto que se enfrento a los politiqueos de su deporte y se marcó como objetivo ser el mejor en el asfalto. Y en mi opinión, lo consiguió. En el documental también se resalta su gran rivalidad con Alain Prost, con el que tuvo numerosos enfrentamientos dentro y fuera de la pista. Sin embargo, no se habla casi de Mansell, que fue otro de sus grandes rivales, aunque no tuvo tanta polémica con él.
   Escena (spoiler): La narración de sus mejores carreras es apasionada. Su primera gran proeza en un Montecarlo lluvioso con un coche de los más modestos adelantando a pilotos en teoría superiores. Sus dos toques jugándose el campeonato con Prost. El primero de ellos fue el más famoso y terminó con la descalificación de Senna. El segundo le hizo campeón. Pero, sin duda, el accidente en Imola aún me pone la carne de gallina. Sobre todo, mostrado desde una cámara subjetiva desde su monoplaza hasta chocar en la curva de Tamburello. Toda una tragedia.
   LO PEOR: La verdad es que hay muy poco negativo. No es demasiado larga ni corta. Pero si me habría gustado que profundizaran en las causas del accidente de Ayrton. Tan solo se hace un breve comentario sobre una posible teoría de avería mecánica en el coche. Pero el caso es que merecía un poco más de desarrollo el tema.
   CITAS: “El segundo es el primero de os perdedores”. “Correr es vida, todo lo que pase antes y después es esperar”. “Si conduces un Fórmula 1 y lo tienes todo bajo control es que no vas al límite”.
   REFERENCIAS: Esta misma semana he comentado la película de Ron Howard “Rush” sobre la rivalidad de James Hunt y Nikki Lauda. Al parecer se está preparando un biopic sobre Ayrton Senna. Se habla de Rodrigo Santoro para darle vida.
   CONCLUSIÓN: 8. Genio y figura hasta la sepultura, nunca mejor dicho.



jueves, 3 de abril de 2014

Rush



   FICHA TÉCNICA

Película: Rush. 
Dirección: Ron Howard. 
País: USA. 
Año: 2013.
Duración: 123 min. 
Género: Biopic, drama. 
Interpretación: Chris Hemsworth (James Hunt), Daniel Brühl (Niki Lauda), Alexandra Maria Lara (Marlene), Olivia Wilde (Suzy Miller), Natalie Dormer(Gemma).
Guión: Peter Morgan. 
Producción: Andrew Eaton, Eric Fellner, Brian Grazer, Ron Howard, Brian Oliver y Peter Morgan.  
Música: Hans Zimmer. 
Fotografía: Anthony Dod Mantle. 
Montaje:Daniel P. Hanley. 
Diseño de producción: Mark Digby. 
Vestuario:Julian Day. 
Distribuidora: eOne Films.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Se narra la rivalidad de dos grandes pilotos de Fórmula 1 y las distintas situaciones que pasaron durante varios años que generó un duro enfrentamiento continuo y una admiración mutua.
   LO MEJOR: Dentro de las películas basadas en las distintas modalidades del mundo de la carreras profesionales de coches me parece una de las más sobrias y maduras, y no por ello renuncia al espectáculo del circo de este mundillo. Quizá porque no se centra tanto en la propia acción, y habla tanto de la Fórmula 1 como de los entresijos que hay detrás de ésta como de los enfrentamientos y rivalidades entre los pilotos y sus diferentes personalidades y modos de vida. Pero es que además, el film es sumamente entretenido y alterna adecuadamente escenas de diálogos con secuencias de las propias carreras. Por cierto que la recreación de éstas es verdaderamente realista pero están rodadas de manera espectacular, con un montaje muy dinámico y unos efectos de cámara lenta y demás visualmente muy atractivos.
   Interpretación: No sé cuanto habrá de fidelidad a los personajes reales en los que se basan pero lo cierto es que tanto Daniel Brühl como Chris Hemsworth hacen sendos buenos trabajos con sus actuaciones. Quizá, aunque Hemsworth (gran parecido con el verdadero Hunt) está muy en su sitio, es Brühl el que gana el duelo interpretativo con una buena reconstrucción de la personalidad del controvertido Nikki Lauda. Quizá también porque el personaje da más de si que el de Hunt y le permite al actor lucirse en mayor medida.
   Escena (spoiler): Lo que son las carreras están genialmente llevadas a la pantalla, tanto por su realismo (uno piensa muchas veces que realmente está viendo un gran premio) como por lo movimientos ralentizados de los monoplazas, la lluvia y demás. El primer pique en las categorías inferiores entre los dos protagonistas ya está bastante bien. Pero el punto más interesante del film es la parte en la que Lauda tiene un grave accidente. Ver su recuperación es duro, sobre todo cuando intenta ponerse el casco con su piel quemada apenas cicatrizada. Otras escenas son cuando vuelve a las pistas y consigue quedar cuarto seis semanas después del accidente. O su retirada en Suzuka que propició el campeonato para Hunt ese año.
   LO PEOR: Pues me ha dejado tan buen sabor de boca que puedo poner bien pocas pegas al asunto. Si acaso, y fijaos lo que voy a decir, que a pesar del metraje de dos horas, la película no se hace larga y uno se queda con las ganas de conocer más detalles de la relación entre Lauda y Hunt , y del desenlace de este último.
   CITAS: “Cuanto más cerca estás de morir más vivo te sientes”. “Para ser campeón no basta con ser rápido, tienes que creértelo”. “Te vi ganar esas carreras mientras luchaba por mi vida. También eres responsable de que vuelva a competir”.
   REFERENCIAS: Dejando a las carreras urbanas y centrándonos en las profesionales se me ocurren películas como “Días de trueno”, sobre la Nascar, o “Driven”, con Sylvester Stallone a las órdenes de Renny Harlin después de “Máximo riesgo” sobre la IndyCar. Y parece que se está preparando una sobre Ayrton Senna. Mientras tanto podéis ver un muy buen documental sobre este genio de la Fórmula 1.
   CONCLUSIÓN: 8. De lo mejor de cine de carreras de coches. 



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