sábado, 31 de julio de 2021

Microcríticas Express: The vigil/Otra vuelta de tuerca/Ruega por nosotros

 




   Hace referencia a la figura de los shomer, que en la cultura judía viene a ser una persona que se encarga de vigilar el cadáver de un fallecido hasta su entierro, teóricamente protegiéndole de los malos espíritus y demás. Éste puede ser un familiar o no, como el de la película, que directamente es contratado para tan selecta ocupación. Ni que decir tiene que, como no podía ser de otra manera, al protagonista le pasa de todo durante la noche que le toca y que igual lo que le han pagado no le compensa del todo. Por ese lado es interesante, hablando de varias peculiaridades de la religión judía. Aunque en definitiva no deja de ser una película de fantasmas. Aunque juegue durante un tiempo con la posibilidad de que esté todo en su cabeza, y de hecho, podría ser una interpretación. Pero es que tarda tanto en entrar en faena
que resulta demasiado lenta en un principio y tampoco mucho menos cuando se pone en marcha. Y algunas escenas están resueltas de forma un tanto cutre, hablo desde la dirección. Así que tema interesante pero ejecución regular. 5.
 
 
   No sé si decir que me parece mejor o que no está tan mal de lo que me esperaba. Porque la somanta de palos que se ha llevado no invitaba demasiado. Tampoco ser la enésima revisión de la novela homónima de Henry James
, cuya mejor adaptación continúa siendo, con mucha diferencia, la de 1960, conocida aquí como “Suspense” y que se convirtió en un referente en el cine de fantasmas. La serie “La maldición de Bly Manor” tampoco estuvo mal, aunque era una versión muy libre que se mezclaba con otros relatos del escritor. El caso es que a pesar de su previsibilidad, ésta tiene algunos aciertos que la salvan de la quema. El primero es tener una actriz muy competente como Mackenzie Davis. El segundo es un diseño de producción absolutamente apabullante que hace que el escenario, tanto de la casa como de los alrededores, sea un personaje más. Y el tercero, es su final y como hace que un plano de unos pocos segundos cambie el sentido de todo lo visto anteriormente y actualice su mensaje a nuestros tiempos, haciendo alarde de su título. Y no es una interpretación evidente. 5’5.
 
 
   No es que tuviera unas expectativas demasiado altas pero si tenía algunos alicientes que poco a poco se me han ido desmoronando a medida que iba avanzando la película. El primero es el hecho de que Sam Raimi estuviera en la producción. Me da que lo que ha hecho es poner el nombre para que el producto sea más atractivo de vender pero su mano no está por ninguna parte. Por otro lado, era interesante su argumento por tratar un tema no tan habitual, como el de los estigmas, las conocidas como apariciones marianas y enfocarlo desde el mesianismo que encumbra la gente a los teóricos elegidos.
Pero eso también se va a hacer puñetas porque no tarda mucho en elegir el camino de la típica historia de fantasmas, espíritus y demonios vista mil veces y tirar por la vía de los sustos fáciles en lugar de intentar generar suspense. Y bueno, ya lo de su tercer acto es de írsele mucho de las manos. Ni Jeffrey Dean Morgan logra salvar el asunto. 4.

jueves, 29 de julio de 2021

600000 Visitas!!

 


   Empezó como un entretenimiento curioso y ahora el blog ha llegado a las 600000 visitas. Quien lo iba a decir!!

 

 

Música de película: Thelma & Louise

 


   No será una de las más destacadas cuando se habla de las bandas sonoras de un maestro en la materia como es Hans Zimmer pero no por ello se puede dudar de su calidad. Esta vez la música del compositor alemán está plagada de armónicas y tonos country para ambientar una historia que tiraba a road movie en un western moderno.
 


Tema: Going to Mexico.

Película: Thelma & Louise.

Intérprete o compositor: Hans Zimmer.



  
Tema: Thundenbird.

Película:Thelma & Louise.

Intérprete o compositor: Hans Zimmer.



 
Tema: The decition.

Película:Thelma & Louise.

Intérprete o compositor: Hans Zimmer.

 

martes, 27 de julio de 2021

Escenas Míticas: Mujeres de acción - Atómica

 

 
   Si en este ciclo no se han podido ver actrices con tan poderosos personajes femeninos de acción actuando de protagonistas como la Ripley de Sigourney Weaver, la Sarah Connor de Linda Hamilton o la Alice de Milla Jovovich es, primero, porque ya están incluidas en otros ciclos y, segundo, porque son actrices que han encarnado un solo personaje de heroína de acción.
 


   Mientras ahora hemos podido ver a actrices que han interpretado a varios personajes, lo que ha posibilitado que se las considerara, de alguna manera, como iconos empoderados femeninos. De tal manera que hemos visto a Geena Davis en “Memoria letal” y “Thelma y Louise” ( y todavía tendría un tercero con “La isla de las cabezas cortadas”), y a Scarlett Johansson como “Lucy” pero que ya sabemos que sobre todo es la Viuda Negra.




   Charlize Theron encaja en este perfil porque cuando aceptó el papel de la Lorraine Broughton de “Atómica”, acababa de triunfar como la sorprendente Imperator Furiosa (de la cual tendrá su propio spin-off en forma de precuela encarnada por Anya Taylor Joy), robándole el protagonismo al mismísimo Mad Max de Tom Hardy en “Furia en la carretera”.



   Un papel que le fue ofrecido cuando Theron se interesó por participar en “John Wick”, de la que David Leitch era codirector, el cual, al no poderla encajar en la película le ofreció el papel de “Atomica”, incluso llegando a abandonar el rodaje de “John Wick 2” para ocuparse personalmente de ella. Leitch después dirigiría “Dead pool 2” y un spin-off de “Fast and furious”, “Hobbs and Shaw”, muy probablemente su peor película. 



   Pero los caminos de Leitch y Theron podrían volver a cruzarse. Son muchos los que demandaron un crossover con John Wick incluyendo a la Lorraine de la actriz en la saga de Keanu Reeves. Leitch no hacía ascos a la idea, siempre que fuera coherente desde el punto de vista del guion. Pero para el director, la experiencia de trabajar con Charlize Theron había sido muy satisfactoria.




   No en vano ella lo había dado todo para prepararse para el papel, llegando a tener hasta ocho entrenadores que literalmente, y ésto son palabras textuales, “la hacían vomitar todos los días”. Para colmo, durante el rodaje, se rompió dos dientes, los cuales tuvo que reponer mediante cirugía. Supuestamente estaría preparándose una secuela, prevista para 2022, con la actriz en el reparto.



   Para el de ésta, contó con un muy buen acompañamiento. En primer lugar y casi a su misma altura y protagonismo, James McAvoy. Y luego un elenco de secundarios donde podemos ver a John Goodman, Toby Jones, Eddie Marsan, Sofía Boutella ("Kingsman”), Till Schweiger (“Malditos bastardos”) y Bill Skarsgard, el mismo año en que se estrenó como Pennywise.



   La película adapta la novela gráfica creada por Anthony Johnson y Sam Hart, “The coldest City” (La ciudad más fría), ambientada en el Berlín de 1989 durante el periodo de la Caída del Muro, que aunque al principio del film se aclara que no es la historia de eso, aquel hecho histórico que ponía fin a la Guerra Fría, impregna toda la trama en cuanto al tema de los espías agentes dobles. 



   Y se nota en los numerosos temas musicales ochenta de los cuales tuvieron que hacerse con los derechos, de artistas tan famosos como George Michael, David Bowie, Queen o Depeche Mode. La película tuvo más críticas positivas que negativas, llegando emparentarla con la saga de Jason Bourne y James Bond. Comercialmente fue bien. Costó 30 millones de dólares y recaudó 100 en taquilla.
 


domingo, 25 de julio de 2021

I care a lot

 

   FICHA TÉCNICA
 
Título: I Care a Lot.
Dirección: J Blakeson.
País: Reino Unido.
Año: 2020.
Duración: 118 min.
Género: Thriller, drama, comedia.
Interpretación: Rosamund Pike, Peter Dinklage, Eiza González, Dianne Wiest, Chris Messina, Isiah Whitlock Jr., Macon Blair, Damian Young, Arthur Hiou, Jamie Ghazarian, Kayla Caulfield, Georgia Lyman, Leah Procito, Jose Guns Alves, Kevin McCormick, Adam Desautels, Cassidy Neal, Scott Sederquist, Ava Gaudet, Lin Hultgren, Elaine Victoria Grey, Nicholas Logan, Celeste Oliva, Daniel Washington, Michael Malvesti, Jeff Bouffard, Marinko Radakovic, Alicia Witt, Janelle Feigley, Heidi Garrow, Rob Lévesque
Guion: J Blakeson.
Producción: J. Blakeson, Ben Stillman, Michael Heimler, Teddy Schwarzmann.
Música: Marc Canham.
Fotografía: Doug Emmett, Mike Valentine.
Distribuidora: Netflix, Amazon Prime Video.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: Una estafadora que se aprovecha de personas de la tercera edad, consiguiendo ser su tutora legal para así poder administrar sus bienes a su conveniencia, se topa con una anciana cuya familia tiene negocios criminales. 
 
   LO MEJOR: Podría decir que es una tragicomedia de denuncia en cuanto a los tejemanejes que se traen en Estados Unidos con las tutela de personas mayores o que no puedan, supuestamente, valerse por si mismos. Y es verdad que el tema lo tocan. De hecho, la moralina en qué queda al final (que en este apartado no voy a revelar) que viene a ser como un tema de justicia poética en cuanto al karma, va en esa dirección. Pero en realidad no deja de ser un entretenimiento pues rápidamente se covierte en una trama de intriga que recuerda más a las películas de estafas y también a las de gangsters. De hecho, cuando mejor funciona es en su primera mitad cuando todavía no sabemos todas las cartas de los personajes, con los que cuesta empatizar precisamente porque es a cuál peor, uno no sabe quién es más delincuente. Hasta el punto de que casi se siente más simpatía por los gangsters. También es lo que pretende probablemente. No obstante, cómo avanzaba, es más un producto que quiere entretener porque la narración va encadenando una serie de giros a veces muy sorprendentes que enganchan al espectador gracias al humor negro impregnado en cada vuelta de tuerca al argumento. 
 
   Interpretación: Si la película mantiene un buen nivel es gracias a su reparto. De no contar con su trío protagonista, la cosa bajaría bastante. Pero si tienen a una Rosamunde Like que no había visto tan pletórica desde “Perdida”. También a un Peter Dinklage impagable. Y sobre todo a una Dianne Wiest descacharrante. Es increíble lo que hacen con estos tres personajes que no dan para tanto. Porque a Eiza González sigo sin verle el talento que muchos aseguran más allá de su atractivo físico. Quizá lo tenga pero yo no lo he visto. Y no porque sus apariciones sean más cortas. Solo hay que ver lo que hace Chris Messina con un par de ellas. 
 
   Escena (SPOILERS!!): La escena cuando el abogado intenta sobornar a Marla (Pike) ya pone algunos detalles de cómo es ella y dónde se ha metido. Aunque no lo tomamos en serio pues la secuencia donde intentan rescatar al personaje de Dianne Wiest a punta de pistola es casi cómica. Pero luego si, un asesinato, una paliza a la pareja, Fran (González), el intento de matar a Marla haciendo que parezca un accidente, nos meten en esa historia de estafadores y matones en la que uno no sabe quién es peor, es por eso que la venganza de Marla queda en que se entiendan entre ellos, entre zorros. Aunque es el giro que me resulta más inverosímil. Al final que viene a poner se le crítica que busca el final feliz o más justo, pero analizarlo,¿Qué hay de feliz en el desenlace?. 
 
   LO PEOR: La trama es más interesante que sus personajes, qué son muy esquemáticos y planos. No hay ningún desarrollo más allá de que todos son malos malísimos y eso porque si. Y por muy enganchante qué puede ser la historia, muchos de los giros pecan de tramposos. Da la sensación que podría haber sido mucho mejor. 
 
   REFERENCIAS: Cómo crítica del sistema corrupto norteamericano puede haber cosas de “Bud education" pero tiene más en común con las películas de estafadores como “Los timadores” o “Los impostores”. 
 
    CONCLUSIÓN: 6’5. A medio camino entre el cine de denuncia y el de entretenimiento en cuanto a estafadores y gangsters, muy apoyada en el talento de su reparto, que no evitan la sensación de que podría haber sido mejor. 





sábado, 24 de julio de 2021

Microcíticas Express: Este cuerpo me sienta de muerte/El lobo de Snow Hollow/La invocación

 




   Dirige y coescribe Christopher Landon, que se ha especializado en mezclar comedia y terror, como “Zombie Camp”, e incluso darle una vuelta de tuerca, como hace con el slasher en las dos entregas de “Feliz día de tu muerte” (que me parecen divertídisimas) a las que mezcla con el género de bucles temporales. Ésta también es un slasher pero volviendo a hacer de las suyas el cineasta, haciendo que los personajes principales intercambien sus roles. De tal manera que tenemos a Vince Vaughn con la personalidad de una estudiante adolescente y a
Kathryn Newton con la de un asesino despiadado. Y si funciona es porque ambos están totalmente entregados a sus papeles y a su cambio de roles, especialmente Vaughn, que está genial. Pero ojo que el tono de comedia no le impide tener escenas muy sangrientas que inlcuso tiran del gore. Me ha parecido bastante divertida y no me importaría nada ver una secuela de ésto, con los mismos protagonistas, claro. 6.
 
 
 
  ¿Y si un hombre lobo atacara en Fargo? Supongo que eso es lo que pensó Jim Cummings, guionista y director de la película, hacer un retrato costumbrista de un pueblo repleto de personajes pintorescos y valerse del escenario nevado como uno
más de ellos. El problema es que el retrato ese no se ve porque se centra demasiado en un protagonista totalmente sobreactuado (todo el rato está gritando) y que me ha terminado por hacer gracia de tan torpe que es su personaje. Pero mucho mejor está su compañera de reparto Riki Lindhome, que si parece salida de Fargo. El caso es que a pesar de que la trama consiste es saber si los ataques son obra de un asesino en serie o de un hombre lobo, cosa que se ve venir bastante pronto. El tono es de comedia negra y terror, con momentos de sangre sin complejos. Bueno, una fórmula que en “Un hombre lobo americano en Londres” funcionó de maravilla. Aquí no tanto. Por cierto, es la última película de Robert Foster (a él se la dedican), que incluso en la historia se hacen varios chistes sobre su posible muerte por el empeoramiento de su estado de salud, parece que se lo tomó con humor hasta el final. 5.
 

   Casi puedo imaginarme la conversación del director con el guionista, previa a la gestación de la película. “Pon la excusa que sea para llevar a tres chicas a una casa”.
Pues dicho y hecho, a inventarse unos ritos satánicos. Eso si, dándole una vuelta y convirtiendo a las posibles víctimas en las agresoras, cosa que se ve a los diez minutos. La cuestión es que dos de ellas son Alexandra Daddario y Maddie Hasson, que seamos claros, son muy atractivas pero buenas actrices no son, aunque aquí están tan desatadas, se nota tanto que se lo han pasado bien que casi que lo contagian al espectador. Y poco o nada más que destacar porque la película no es tan gamberra como se cree que es, no es ningún festival de sangre y desenfreno. Hay un momento que parece que lo va a ser pero no se atreven a ir hasta el final. No obstante, si no tenemos el nivel de exigencia muy alto, con las correrías de la Daddario y la Hasson puede valer como entretenimiento a ratos. 3.


jueves, 22 de julio de 2021

Música de Película: Viuda Negra

 


      Lorne Balfe es más conocido por poner la música a video juegos como "Call of duty" o "Assassin creed", pero de un tiempo a esta parte viene centrándose en bandas sonoras para películas, casi siempre de acción. Actualmente pertenece a la compañía música cinematográfica Remote Control Productions, de Hans Zimmer, y es precisamente a quien recuerda la composición para "Viuda Negra", una especie de mezcla entre Zimmer y Junkie XL. Tampoco hay que perderse la versión de Malia J de ese temazo de Nirvana que es "Smells like teen spirit".




Tema: Smells like teen spirit.

Película: Viuda Negra.

Intérprete o compositor: Malia J.




Tema: Taskmaster theme.

Película: Viuda Negra.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe.




Tema: The pursuit.

Película: Viuda Negra.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe.




Tema: End credits.

Película: Viuda Negra.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe.


martes, 20 de julio de 2021

Escenas Míticas: Mujeres de acción - Memoria letal

 

 
    Ya decía que volveríamos a ver a Geena Davis en este ciclo y aquí está de nuevo. No es casualidad porque la actriz se convirtió en un icono del empoderamiento femenino protagonizando dos películas donde normalmente primaba el protagonismo masculino. Y eso que todavía quedaba por llegar “Thelma y Louise” que terminaría por proclamarla, junto a Susan Sarandon, como icono del feminismo.
 
 
 

   Sin embargo, nunca volvería a ejercer como estrella tras la película de Ridley Scott y se le echa la culpa precisamente a esas dos películas dirigidas por el entonces pareja suya, el finlandés Renny Harlin, “La isla de las cabezas cortadas” y ésta, “Memoria letal”. La primera por ser uno de los fracasos más sonados de la historia del cine, invirtiendo 100 millones de dólares y recaudando solo 10. 
 
 
 

   A “Memoria letal” no le fue tan mal. Es más, en Estados Unidos tuvo una muy buena acogida. Pero a los 60 millones invertidos la respuesta fueron 90 de recaudación en taquilla, que no está nada mal pero suponen unos beneficios más bien cortos. Quizá el problema fueron las altas expectativas de la película, en gran medida por el precio de su guion. 
 
 

   Es que en su momento fue el más caro, nada menos que 4 millones de dólares. Su autor, el mismo que consiguió vender dos guiones más por encima del millón de dólares, concretamente los de “El último boy scout” y “El último gran héroe”, es Shane Black, un tipo, que se me entienda, no escribía mal pero que estaba pero que muy sobrevalorado. 
 
 

   Porque las claves de su guiones estaban cortadas por el mismo patrón, todas eran buddy movies, aquí al menos la pareja de “colegas” estaba formada por dos personajes de distintos sexos. Pero es que además, en este caso, la trama tenía cierto parecido a la de “El caso Bourne”. Si, es una película posterior a “Memoria letal” pero la novela de Robert Ludlum en la que se basa es de 1980. ¿Casualidad?. 
 
 

  De todos modos creo que Renny Harlin firmó una buena película de evasión, muy entretenida y trepidante, que respondía a los canones definidos en el blockbuster de los noventa. Un director cuya película precedente es verdad que fue un fracaso “La isla de las cabezas cortadas” pero las dos anteriores eran muy buenas películas de acción “La jungla 2” y “Máximo riesgo”. Tras la que hoy comentamos todavía daría una tan disfrutable como “Deep blue sea”. Después caería en el declive absoluto del que no se ha levantado. 
 
 

   Aunque después se redimiría con un papel muy diferente al de mujer dura de estas dos con Harlin en “Thelma y Louise”, lo que le valió otra nominación al Oscar, Geena Davis no volvió a ejercer de estrella, apareció una más en papeles secundarios o de televisión. La acompañó un Samuel L. Jackson que aún hoy afirma que esta es su película favorita de las que ha participado. No en vano, convenció a los productores para que lo seleccionaran para el papel, el cual habían pensado para Matthew Broderick o Richard Dreyfuss. Completan el reparto Craig Bierko, Brian Cox y David Morse. 
 
 

   Algunas curiosidades del rodaje. Para la escena de la tortura, Geena Davis ensayó con su marido, Renny Harlin, cronometrándose bajo el agua para conocer hasta dónde era posible de llegar con su capacidad pulmonar. La Davis se entregó totalmente en lo físico. Por otro lado, la parte que rodaron en la mansión Windenmere fue muy accidentada, llegando a producirse un gran incendio que la destruyó del todo. Años más tarde se reconstruyó y se abrió al público.
 
 

    Por cierto, su título en España responde a la manía que tenemos de ponerle la coletilla a los títulos americanos de "letal, final o mortal". El verdadero es "The long kiss goodnight", que viene a ser "El largo beso de buenas noches". Las críticas a la película fueron más bien negativas, aunque hubo de todo. Personalmente pienso que fue muy injustamente tratada y la considero una película rescatable y muy disfrutable.
 
 

domingo, 18 de julio de 2021

Nadie

 

    FICHA TÉCNICA
 
Título: Nadie.
Dirección: Ilya Naishuller.
País: Estados Unidos.
Año: 2021.
Duración: 92 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Bob Odenkirk, Aleksey Serebryakov, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, Michael Ironside, Colin Salmon, RZA, Billy MacLellan, Araya Mengesha, Gage Munroe, Paisley Cadorath, Aleksandr Pal, Humberly González, Edsson Morales, J.P. Manoux.
Guion: Derek Kolstad.
Producción:Kelly McCormick, David Leitch, Braden Aftergood, Bob Odenkirk, Marc Provissiero.
Música: David Buckley.
Fotografía: Pawel Pogorzelski.
Distribuidora: Universal Pictures.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: La vida de un padre de familia cambia por completo cuando una noche entran en su casa dos asaltantes y decide no ofrecer resistencia por miedo a males mayores. Pero este hecho le reconcome y hace que salga un lado de sus personalidad que parecía enterrado. 
 
   LO MEJOR: Representa un tipo de cine de acción que ya casi no se hace y que fue muy exitoso en los ochenta, donde los héroes de acción eran prácticamente superhéroes y que no tenía ningún miedo a mostrar violencia explícita. Por qué, damas y caballeros, no pasa nada, es ficción, no supone hacer ninguna clase de apología del comportamiento violento. Si en una película se mata alguien pues sale sangre, ya está. Y en ésta sale y mucha, de una forma tan exagerada que casi es una caricatura, casi parece de cómic, que creo que es lo que pretende. De hecho, su mayor virtud es no tomarse a sí misma en serio. Es más, nada, cómo puede verse en su tercio final en el que prácticamente se convierte en una comedia de acción y eso la favorece enormemente porque hace que el resultado sea divertidísimo. De lo contrario, obligaría al espectador a una suspensión de incredulidad tan forzada en la que se podría interpretar como que te están tomando el pelo. Pero no lo hace, se ríen y hacen que te rías. Por lo que supone un entretenimiento sumamente efectivo, gracias a un ritmo adecuado prescindiendo de dedicar más tiempo del debido a algo que no sea entretener. Incluso cuando la acción no ha hecho su aparición, el montaje se ocupa de hacer el camino al menos hasta llegar a las peleas cuerpo a cuerpo y a los tiroteos masivos. 
 
   Interpretación: Bob Odenkirk es un gran actor. Solo hay que ver las series “Breaking nada” y “Better call Saul” para corroborarlo. Pero éste es un registro en el que ni se le había visto ni su perfil correspondía a un personaje de estas características. Pero lo defiende perfectamente y precisamente y ese perfil hace que su personaje funcione tanto en el terreno de acción pero también en el periodo previo a él. Eso sí, Connie Nielsen está para algo más que ser una simple comparsa del protagonista. Lo compensan las sorpresas que tienen para nosotros con Christopher Lloyd y RZA (éste bastante menos). 
 
   Escena (SPOILERS!!): Los montajes repetitivos en bucle del primer acto son muy acertados porque reflejan perfectamente el tipo de vida monótona del protagonista. Pero está claro que es en sus secuencias de acción donde destaca más. La mejor sin duda es la del autobús, quizá por la sorpresa o tal vez por la brutalidad. Luego vienen más pero ya conocemos lo que es capaz de hacer y se proponen ser cada vez más exageradas por lo que se tornan cada vez más autoparódicas. Como el enfrentamiento en su propia casa y desde luego el final qué es una auténtica gamberrada. Lo que no me esperaba es la de la residencia cuando van dos matones a buscar al padre y éste le da de su propia medicina. 
 
   LO PEOR: No sé por qué tanto afán de vender la historia como la de un protagonista que es normal y, de repente, cambia el chip y se vuelve una máquina de matar. Que tampoco sería nada nuevo, ya nos hartamos de verlo en las películas de Charles Bronson de los setenta. Pero a ésta le pasa como a “Un día de furia” o, más recientemente, “Salvaje”, qué son buenas películas pero que venden una premisa engañosa. 
 
   REFERENCIAS: Uno piensa que va a ver una de justicieros como la propia “El justiciero de la noche” o “La extraña que hay en tí” pero en realidad es algo más próximo a la saga “John Wick”. De hecho, hay detalles tan parecidos que junto al concurso como productor de David Leitch, director de “Deadpool 2” y “John Wick 2”(sobre todo) qué hacen pensar que incluso pertenezcan al mismo universo. 
 
   CONCLUSIÓN: 6’5. Recuerda a ese tipo de cine de acción que se hacía en los ochenta, duro y violento, pero siendo muy conscientes de su sentido autoparódico y teniendo muy claro que su mejor baza es apostarlo todo a Bob Odenkirk.




sábado, 17 de julio de 2021

Microcríticas Express: La calle del terror 1994/1978/1666

 



   Pensando que era más de lo mismo y sabiendo que era una trilogía, casi la puse para descartar las dos siguientes y eso que soy muy fan de este subgénero. Y cual es mi sorpresa que hace que me interese ver las otras dos si o si. Porque se marca un homenaje del slasher de los noventa tipo “Sé lo que hicísteis el último verano”, “Leyenda urbana”, pero sobre todo “Scream”, a la que hace todo un guiño en su prólogo, aunque también los hay a otros títulos clásicos del terror como "Posesión infernal". Cumple con todas sus premisas; el modo en que usa la banda sonora, los temas musicales, los golpes de sonido, el típico sentido del humor casi autoparódico y la ambientación teen. Pero dándole una vuelta y girando hacia el aspecto sobrenatural que vincula las tres partes de una historia que se desarrolla en diferentes épocas, lo que también me crea curiosidad. Así que ha sido una agradable sorpresa volver a ver un slasher que realmente me entretenga (y eso que dura más de los habituales 90 minutos, llega hasta los 110) gracias a su buen ritmo, a no cortarse con la sangre (incluso con el gore) y a ser muy divertida, porque tampoco es que se tome muy en serio a si misma. 6’5.
 
 
 
  Si la primera hacía un homenaje del slasher de los noventa, ésta lo hace del de los setenta, y mucho más en concreto de “Viernes 13”. No en vano se desarrolla en un campamento de verano e incluso el saco que lleva el asesino (sabemos quien es desde el principio porque ya hemos visto su indumentaria en la primera parte) en la cabeza hace un guiño a la “Viernes 13, Parte II”, cuando Jason todavía no se había puesto la careta de hockey. No es el único, se hace referencia a las películas basadas en novelas de Stephen King (cierta
s escenas de “Carrie” o “El resplandor”). Aún así, aunque la ambientación es totalmente acertada y nos salpiquen la narración de canciones de la época, el tratamiento del suspense, la forma que tiene de generarlo, sigue siendo muy noventero, lo cual es coherente porque no deja de ser la secuela de una película que emula ese cine. No obstante, a pesar de que tarda en arrancar (creo que las tres películas habrían hecho bien en recortar diez o quince minutos de sus metrajes) y que ya se conozca la vuelta de tuerca de enredarlo todo con lo sobrenatural, casi me ha gustado más que la primera. Por cierto, la protagonista es Sadie Sink, una de las de la serie “Stranger things”, al igual que en la anterior salía (brevemente), Maya Hawke, quizá dos futuras estrellas del género. 6’5.
 
 
   Claramente la más madura de la trilogía y la que más en serio se toma a si misma tanto en su tono narrativo como en su trasfondo, donde deja un mensaje muy evidente en cuanto a la intolerancia ante la homosexualidad, haciendo referencia a las supersticiones religiosas. Al menos en sus dos primeros actos, donde la ambientación del siglo XVII y el cambio drástico de la banda sonora respecto a las dos partes precedentes son lo más acertado. Es bastante curioso ver a los repartos de las otras películas interpretando personajes diferentes en ésta, aunque con roles similares en la trama y en como se comportan o se relacionan entre ellos.
Eso si, en el tercer acto la cosa se desmadra totalmente y casi me siento culpable de habérmelo pasado tan bien con tal despiporre de locura que me recuerda a cierto cine de los ochenta. Tampoco hay que olvidar que esta trilogía (que podría perfectamente continuar) se basa en las novelas de R. L. Stine, autor de sagas literarias como “Pesadillas” o “Escalofríos”, que no eran de una gran calidad pero que estaban chulísimas, las recomiendo. En conclusión, en conjunto, me han parecido un buen entretenimiento veraniego, muy divertido a ratos, con una interesante manera de reconstruir la historia yendo hacía atrás en el tiempo, trasladando y recreando muy bien tres épocas distintas. 6’5.

 

martes, 13 de julio de 2021

Escenas Míticas: Mujeres de acción - Thelma & Louise

 

 
   Aunque no es una película de acción puramente, este título me parece imprescindible en este ciclo de “Mujeres de acción” por ser una de las mayores representantes del feminismo en el cine, cuyo tratamiento le valió no pocas críticas y una generosa polémica que ahora pasaré a explicar por lo injusta que me parece.
 


 
   La película tomaba un caso de violencia machista, un intento de violación, y hacía que sus víctimas reaccionarán con la misma o mayor violencia que su agresor. Tiene narices que el film fuera acusado de incitar precisamente a la violencia y de pretender dar una imagen de los hombres exageradamente negativa. De modo que si a John Wick le matan el perro todos aplaudimos cuando se carga varias docenas de personas, pero si unas mujeres son agredidas sexualmente, no pueden darle su merecido al colega. 



   De todas formas, voy a desmontar lo de la imagen negativa de los hombres. Muchos mantenían la teoría de que todos los hombres de la película están retratados como unos cretinos. Si, algunos lo son, pero no precisamente por tratar con mujeres, lo son en general. Y tenemos los personajes encarnados por Michael Madsen o Harvey Keitel (que las defiende a muerte), cuya imagen es muy positiva. 
 


   Pero si atendemos a lo que realmente habla la película, más que de feminismo habla de amistad y para ello se hace con varios subgéneros. Argumentalmente es una road movie que a su vez es una buddy movie (película de colegas). Pero en esencia es un neowestern. Básicamente son dos forajidas que escapan de un grupo de agentes de la ley. Una especie de “Dos mujeres y un destino”, que incluso tiene un final similar al de la película de Paul Newman y Robert Redford. 



   Aunque también podría considerarse el “Un día de furia” de las mujeres, por la actitud de justicieras que toman después y que las hace caer en una escalada de violencia. Por cierto, que precisamente ese final “no feliz” les hizo desconfiar tanto a los productores que estuvieron a punto de cancelar el proyecto antes de iniciarlo. 



   Ridley Scott comenzaba la década de los noventa de forma inmejorable con “Thema y Lousie” pero el resto de la década no fue muy buena con títulos como “1942, la conquista del paraíso”, “ Tormenta blanca” y “La teniente O'Neil” (que parece más propia de su hermano Tony), pero que nuevamente reivindicaba el papel protagonista de una mujer. Hay que recordar que Ridley Scott ya fue pionero de este aspecto otorgando a Sigourney Weaver uno de los personajes  protagonistas femeninos más importantes de la historia del cine. 



   Para los de ésta pensó en Michelle Pfeiffer y Jodie Foster (que no estaba dispuesta a ser víctima de otra violación en el cine). Finalmente los papeles protagonistas cayeron en Susan Sarandon y Geena Davis, quienes bordaron tanto sus papeles que fueron nominadas ambas al Oscar como mejor actriz principal. Curiosamente fue Jodie Foster quien se lo quitó enfrentándose a acierto psicópata caníbal en “El silencio de los corderos”. El elenco lo completaban tres habituales de Quentin Tarantino; Michael Madsen, Harvey Keitel y un joven Brad Pitt.



   La película lanzó al estrellato a Geena Davis, que a la postre se convirtió en una actriz de acción (de hecho, la veremos en otro título de este ciclo). Aparte de las nominaciones a las actrices, la película tuvo otras cuatro, al montaje, la fotografía, al propio Ridley Scott y al guión original, el único que se llevó la estatuilla, escrito precisamente por una mujer, Callie Khouri. La película costó tan solo 16 millones de dólares y recaudó 45 en taquilla lo que aunque no sea una gran cifra si fue lo suficientemente rentable.
 


   Personalmente me encanta esta película, una de mis favoritas de los noventa. Me emocionó especialmente su final (el cual estuvo a punto de tener un tratamiento distinto al que Ridley Scott se negó) y lo sigue haciendo. Actualmente es una película que se valora más de lo que se hizo en su momento. Un film cuya influencia eb otros posteriores es más que evidente.


 
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