Escenas Míticas: Night Shyamalan - La joven del agua

 

    Se la considera el inicio, para los que ya habían echado pestes de “El bosque”, la confirmación, del declive del cine de Night Shyamalan. Si he decidido incluirla en este ciclo con la mejor época del cineasta indio es porque en absoluto estoy de acuerdo con ello. Aunque si reconozco que baja el nivel respecto a sus cuatro películas anteriores de su filmografía.

   Nuevamente el error fue presentar un trailer en el que se daba a entender un tono de terror que no tiene. Si ya en sus proyectos anteriores, de una manera u otra, había jugado con elementos del cine fantástico, aquí directamente planteaba una fábula de fantasía, por supuesto, y no podía ser menos tratándose de este director, con diversas simbologias y metáforas.

   Porque aunque partiera de una historia que el propio Shyamalan contaba a sus hijas antes de ir a dormir, y que incluso les pidiera a éstas que le dieran ideas para completar la trama, está fábula no era infantil, sino para adultos. De hecho, fue el problema principal que puso Disney cuando pensaba producir la película, su tono demasiado adulto.

   Por lo que le pidieron realizar varios cambios de considerable profundidad para que fuera una película más familiar. Lo cual indignó absolutamente a Night Shyamalan, y decidió presentarles la idea a Warner. Hay que decir que a pesar de las pestes que echan algunos de Warner, es con mucha diferencia el gran estudio que más libertad proporciona a sus directores, y ésto lo saben, con ejemplos tan claros como Nolan o Villeneuve.

   Aunque esta vez la apuesta saliera rana pues estamos ante el mayor fracaso de taquilla de la filmografía del director, apenas recuperando los 70 millones de dólares invertidos. Por si fuera poco, la prensa hizo presa de ella, dándole palos por todas partes. Aunque también es que había cierto mensaje en la película en el que Shyamalan atacaba los críticos.

   Uno de los personajes, de hecho, es un crítico de cine, al cual se puede interpretar que se trata de ridiculizar, mostrándolo como un tipo bastante irritante y antipático al que le reserva un aciago final. De hecho, su inclusión parece algo forzada. Aunque Shyamalan siempre ha negado ésto y sostiene que era un homenaje al crítico Manny Farber, fallecido mientras se rodaba la película. Es más, el personaje la película se llama Harry Farber.

   Para los demás personajes, Shyamalan tuvo claro que la protagonista debía ser Bryce Dallas Howard con quién había quedado sobradamente satisfecho en “El bosque”. La acompañaron Paul Giamatti (papel para el que también se pensó en Kevin Costner), Jeffrey Wright y una Cindy Cheung qué consciente de que había gustado mucho a Shyamalan, se desmarcó pidiendo un millón de dólares. El director le dijo que cien mil dólares o elegiría otra actriz, lo cual aceptó. Por cierto, estuvo en contacto con Philip Seymour Hoffman pero finalmente no fue incluido por problemas de agenda del actor. Aquí Shyamalan si hace un papel, no un cameo.

   Las tres siguientes películas de Shyamalan fueron también masacradas por la crítica, pero contrariamente a lo que piensa la gente no fueron fracasos sonados de taquilla. Fueron “El incidente” (ya he defendido ese título por sus memorables escenas de terror, ésta sí, aunque no me convenciera su final). “Airbender” (la que menos o nada se reconoce la dirección de Shyamalan) y “After earth” ( que en su día valoré positivamente, queriendo ver en el hijo de Will Smith un sucesor que no llegará a ser y porque a poco que me pongas una historia con criaturas, me entretiene, pero qué es cierto que es de lo peor del director.

   Después cambió el tercio con películas de muy bajo presupuesto y con las que curiosamente recuperó la confianza de la crítica, con "La visita" y "Múltiple" (que dio lugar a "Glass") y ahora "Tiempo". Pero esta "La joven del agua", a pesar de todo, de que si tiene algunas lagunas de guion (personajes que lo saben todo, giros sacados de la manga) pero que es tremendamente imaginativa (el único ser mitológico ya existente son las narfs -ninfas- los demás son inventados), y una puesta en escena marca de la casa.

 

The White Lotus

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: The White Lotus.

Dirección: Mike White.

País: Estados Unidos.

Año: 2021.

Duración: 58 min (6 episodios).

Género: Comedia, drama.

Interpretación: Murray Bartlett, Connie Britton, Jennifer Coolidge, Alexandra Daddario, Fred Hechinger, Jake Lacy, Brittany O'Grady, Natasha Rothwell, Sydney Sweeney, Steve Zahn, Jolene Purdy, Lukas Gage, Molly Shannon, Jon Gries, Brad Kalilimoku, Kekoa Kekumano, Amber Abara, Christie Volkmer, Alec Merlino, Russell Satele.

Guion: Mike White.

Producción: Mike White.

Música: Cristobal Tapia de Veer.

Fotografía: Ben Kutchins.

Distribuidora: HBO.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: A un lujoso resort de Hawai, llegan una serie de famlias y parejas a pasar unos días de vaciones. Todos parecen muy felices hasta que empiezan a aflorar las tensiones entre ellos. 

 

    LO MEJOR: Es una de esas series de perfil bajo de temporada, típica veraniega que normalmente pasa desapercibida y nunca se vuelve a saber más. Prácticamente no ha tenido promoción ni por parte de la propia HBO. Y desde luego en redes sociales casi ni se ha hablado de ella. Pero parece ser que en cuanto al boca a boca, que es como le ha llegado a un servidor, si ha funcionado, hasta el punto de ser el producto con mejor acogida del verano, que ha ido ganando adeptos con cada episodio semanal. Porque lo cierto es que ha sido una grata sorpresa, de más nivel del esperado. Un ácido retrato de la clase alta, de los ricos, a quienes muestra como caprichosos, excéntricos, egoístas, egocéntricos y prepotentes, pero también como personajes con dobleces, problemas, crisis y preocupaciones. Una gente a la que vemos desayunar, cenar y leer libros en tumbonas junto a la piscina pero que fuera de ahí no saben como divertirse ni como relacionarse con sus cercanos. Gracias al inteligente guion de Mike White, repleto de diálogos interesantes, nos transporta a un hotel de lujo y nos engancha para querer saber un poco más de esas familias en cada capítulo. Con un tono de comedia satírica, que en ocasiones raya en lo muy cómico, y que resulta especialmente divertido. 

 

   Interpretación: Tiene un casting genial integrado por habituales secundarios del cine pero con caras conocidas como Jennifer Coolidge, Connie Britton, Steve Zahn, Sydney Sweeney, sobre todo, Alexandra Daddario. Todos están perfectos. Luego hay otros menos conocidos como Jake Lacy o el joven Fred Hechinger (aunque este año ya le había visto en “La mujer en la ventana” y la trilogía “La calle del terror”). Pero la estrella total es un actor veterano al que no recuerdo de ninguna parte aunque su cara me sonaba, Murray Bartlett. Está tan desatado en la pantalla que se la come con patatas. Es un espectáculo. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Hay dos escenas absolutamente explícitas que podrían considerarse innecesarias porque son completamente gratuitas, una con Steve Zahan en el primer episodio y otra con Bartlett en el último. Pero no puedo negar que resultan graciosas. No obstante, vamos a la interpretación del final. El mensaje es tan devastador como realista, los ricos siempre ganan. Solo hay que ver como terminan los empleados, bien arrestados, tirados con promesas no cumplidas, despedidos o incluso asesinados. Los clientes hasta mejor que entraron. De hecho, algunos de los actos de los empleados sirven para unir a la familia de Connie Britton o reconciliar a la pareja de Alexandra Daddario, aunque no se sabe si por mucho tiempo. Y si, ésto es la realidad, para el pobre todo siempre es más difícil. ¿O como se explica que Jake Lacy no sea acusado de asesinato? 

 

   LO PEOR: Para tener solo seis episodios, hasta el tercero no explota la serie, aunque los dos anteriores sirven para presentar personajes y situaciones, y preparar el terreno. Me habría gustado que hubieran explotado más la intriga del asesinato porque al final es algo casi anecdótico. 

 

   REFERENCIAS: Aunque en su comienzo pueda parecer similar a otra gran serie de HBO, “Big little lies” y también trate sobre el modo de vida de los ricos, no tienen nada que ver en tono. Ha renovado por una segunda temporada, habrá que ver como lo enfocan. 

 

   CONCLUSIÓN: 7’5. Inesperadamente puede que sea la serie del verano, con el satírico, ácido y muy divertido retrato de la clase social alta a bordo de un hotel tropical de lujo, que nos trae Mike White y en el que se luce Murray Bartlett.

Microcríticas Express: Aquellos que desean mi muerte/Vigilados/Flashback

 

   No estando mal, me he llevado cierta decepción. Quizá porque me había creado demasiadas expectativas tratándose de que el responsable era Taylor Sheridan, gran guionista cuya primera película tras la cámara, “Wind River”, me pareció un gran comienzo en la dirección. Además de ser el creador de la serie “Yellowstone”, que me encanta. Sheridan es uno de los precursores del llamado neowestern y algo de él hay en esta película. Pero es que no parece que tenga muy claro que historia quiere contar, si la del desastre natural de un incendio de proporciones gigantes o la de los asesinos a sueldo cazando testigos entre medias. Da la sensación que una entorpece a la otra. Y no será que no cuente con un buen reparto. Está Angelina Jolie, Jon Bernthal, Aidan Gillen (alias Meñique) y Nicholas Hoult (aunque para el papel que le dan podrían haber puesto a cualquiera). Aún así, resulta entretenida y tiene bastante intriga, con algunas escenas bastante tensas, solo que siendo Sheridan esperaba algo más. 6.

 

 

   Dirige el hermano de James Franco, Dave, que debuta tras la cámara, relativamente bastante pronto y sin haber destacado demasiado como actor. Y vista esta película, tiene algunos rasgos, que siendo un novel, son interesantes y quizá habría que seguirle la pista. Logra contagiar la sensación de curiosidad con lo que va a pasar. Basa el suspense en la inestabilidad que produce la invasión de la intimidad, el hecho de que alguien pueda estar observándonos, y no solo como un morboso voyeur, acercándose físicamente. Una de las situaciones interesantes es como “quien sea” interviene con su actos en la estancia de los personajes en una casa para pasar el fin de semana y manipula la relación entre ellos. Y hasta ahí se puede leer, solo decir que tiene cierto toque slasher pero olvidándose de los golpes de efecto, los sustos y la sangre. Es otra cosa, me ha recordado a “Puertas abiertas” o “Habitación sin salida”, la de Kate Beckinsale. Eso si, para enterarse del todo, hay que quedarse a ver los créditos. 6.

 

   Es un buen ejemplo para los que critican tan desaforadamente a Nolan y le acusan de artificiero y de forzar a la confusión. Porque una cosa es que una historia sea complicada y otra que esté mal narrada. Es lo que pasa aquí, se quieren marcar un Nolan pero sin saber narrarlo. Porque la historia es interesante, incluso una muy buena idea. Aunque tampoco es que sea nueva, pero es que está mal expuesta. El montaje no es que sea confuso es que es un caos absoluto. No sé cuantas veces han utilizado el recurso de intercalar planos de los distintos puntos de vista del protagonista en cuanto a las posibles vidas que podría haber tenido en caso de tomar unas decisiones u otras. Resulta reiterativo, redundante y hasta molesto. Es como si el director pensara que el espectador es imbécil y no se fiara de que pudiera entender el galimatías que le está ofreciendo. Y si no lo entiende no es porque el argumento sea complicado sino porque el montaje cambia tanto de plano que parece un videoclip, es como si Michael Bay se hubiera un tripi. 4.

Battlestar Galáctica

 

    UNA DE LAS MEJORES SERIES DE LA HISTORIA.

   Así me la vendieron y así se ha confirmado pues ha entrado directamente sin pasar por la casilla de salida en mi Top 5 de series favoritas. He llegado casi veinte años después de su estreno y sinceramente cuando una serie tiene tantos episodios soy muy reacio a ponerme con ella pero tras ver su miniserie de dos partes de hora y media respectivamente, han ido cayendo uno detrás de otro de los 74 episodios de sus cuatro temporadas. Y ha merecido mucho la pena.

   NO SOLO NAVECITAS

   Si hay abundantes batallas aéreas y hay naves por doquier pero en absoluto la serie se basa en ello, su tono es mucho más serio que el de la serie de los ochenta que adaptaban, centrándose en el plano político, religioso, social y bélico. Dónde vemos desfilar temas como democracia, dictadura, ley marcial, terrorismo, derechos de los trabajadores, aborto, creencia, destino, trato a los prisioneros de guerra, abuso de poder, golpe de estado, reencarnación, integración racial y así podría seguir durante un rato.

    REIMAGINACIÓN DE UN UNIVERSO.

   Inicialmente era un remake de la “Battlestar Galáctica” de la década de los ochenta, surgida tras el éxito de “La guerra de las galaxias”, heredando ese tono de space ópera, más cerca del género de aventuras que el de ciencia ficción. Pero la nueva versión, aunque partía de la misma premisa, a medida que avanzaba tomaba tanto su propio camino y se alejaba tanto de la original que terminaron por calificarla la “Galáctica” reimaginada. Y no pasa nada por decir que es considerablemente mejor que la primera.

   EL ACIERTO DEL CASTING

    La elección del reparto tanto los personajes principales como los secundarios es su mayor aliciente. Contada de inicio con dos buques insignia, nunca mejor dicho, cómo Edward James Olmos (“Blade Runner”, “Corrupción en Miami”) y Mary McDonnell (“Bailando con lobos”) cómo estrellas más conocidas pero la serie sirvió para sacar algunos nombres a la fama cómo Grace Park ("Hawaii 5.0”), Katee Sackhoff (“Riddick”, “The mandalorian”) y Tricia Helfer, quizá el caso más sorprendente pues básicamente era una modelo cuyo atractivo lucen de lo lindo en la serie, pero que se marca uno de los personajes más importantes de la serie, y con varias variantes de él. Por cierto, uno de los personajes secundarios se le reservó a Richard Hatch, uno de los protagonistas de la serie de los ochenta, concretamente el papel que en ésta interpreta Jamie Bamber, el de “Apollo” Adama. También aparecerían algunos nombres con cierta fama ya, cómo Lucy Lawless (“Xena, la princesa guerrera”).

   “ESO DECIMOS TODOS”

   Por supuesto, “Star Wars” también es una de las influencias de esta reimaginación de la serie, se puede ver en sus combates espaciales, los diseños de las naves, pero tiende a parecerse más a ciertos aspectos de otras series míticas de la ciencia ficción como “Star Trek” o “Babylon 5”. Aunque dejaba un mensaje que desde “Terminator” viene dándose en muchas películas de robots, androides y demás. Hay que señalar que en la serie ochentera, los cylons son alienígenas. Sin embargo, en el remake son máquinas construidas por los hombres que se rebelan y crean una especie que podría sustituir a la humana. Hay que recordar que “Battlestar Galáctica” no se desarrolla en nuestro futuro sino en nuestro pasado.

 

 

 

Escenas Míticas: Night Shyamalan - El bosque

 

 

   Algunos la sitúan como el principio del declive de la primera etapa de la carrera de Night Shyamalan. No solo no estoy de acuerdo sino que la considero una de sus cuatro mejores películas. Es más, en mi opinión, el cineasta indio solo tiene dos títulos que bajan el nivel que se le presupone, “Airbender” y “After earth”, y aún así en su momento no me parecieron tan malas. 

   Sin embargo, la crítica no la trató mal y hubo muchos medios, mayoritarios diría yo, que se deshicieron en elogios con la película y con un director al que consideraban especial respecto a lo habitual. Otra cosa fue el público. Aún así, funcionó bien en taquilla, costó 71 millones de dólares, la media de las primeras películas de Shyamalan, y recaudó 250.

   Pero se apreciaba un descenso en el rendimiento económico. La razón es muy evidente. Algo que le ha pasado a toda la filmografía de Shyamalan, qué es vender sus títulos como terror cuando me atrevería a decir que ninguno de ellos lo es. Ni siquiera “El sexto sentido”. Utilizan ciertas claves y elementos del género de terror pero no son películas para dar miedo.

   “El bosque” no es de terror pero si sobre el terror. Es claramente su tema central. Por qué los personajes han decidido retirarse a una aldea al margen de la “civilización” de las ciudades por terror a vivir en una sociedad marcada por el crimen. Y a su vez, los veteranos consiguen mantener a los jóvenes en el interior de la aldea valiéndose de crear el terror a cruzar el bosque.

   De hecho, la película se podría interpretar de varias maneras. Como la crítica una sociedad cada vez más violenta, repleta de violaciones, robos y asesinatos. o como la crítica de como un gobierno es capaz de dominar a sus ciudadanos valiéndose del miedo. Un planteamiento que me recuerda al de otra película, “La playa”.

   En ambas tenemos una comuna (con planteamientos muy cercanos a los de las sectas) en los que sus integrantes pretenden apartarse de una sociedad que consideran envenenada. Sin embargo, en las dos, esa paz que buscan se rompe por un acto violento. En “La playa” es una situación accidental pero que rompe la armonía. En “El bosque” es un crimen, justo de lo que vienen huyendo. El mensaje es que la violencia va implícita en el ser humano.

   Shyamalan contó con el mejor reparto que haya tenido nunca. William Hurt, Sigourney Weaver, Adrien Brody (papel al que optaron Aaron Eckhart, Thomas Jane, Hayden Christensen y Ashton Kutcher), Joaquin Phoenix (que repetía con Shyamalan tras “Señales”), al igual que Cherry Jones, Brendan Gleeson y unos muy jóvenes Judy Greer, Jesse Eisenberg y Michael Pitt. Pero el papel estrella era el de Ivy Walker, para el que optaron Jessica Biel, Kate Hudson y la favorita del director, Kirsten Dunst. Pero rechazó el papel y se quedó prendado de una inexperta pero muy talentosa Bryce Dallas Howard, hija del director Ron Howard. Curiosamente Bryce Dallas y Judy Greer volverían a ser hermanas en “Jurassic World”. 

    Nuevamente los colores significan cosas y nuevamente sale el rojo. En “El sexto sentido”, el rojo simbolizaba el contacto con lo sobrenatural y en “El protegido” los colores fuertes los portaban los que cometían actos malvados. Aquí el rojo es el color prohibido, quizá por simbolizar la pasión o el pecado. Lo de que las capas no sean rojas podría ser como que quisieran evitar ser Caperucita Roja. El rojo también es el color de la sangre.

   Por cierto, sus "lobos", "aquellos de los que no hablan", en un principio tendrían la forma de un león bípedo. Pero la introducción de las capas rojas cambió el concepto. Shyamalan quería además que los árboles no tuvieran hojas, como metáfora de esa inocencia perdida, por lo que hubo que retrasar el rodaje a otoño. Y se construyó el pueblo entero, casa por casa, además e hacer un estudio de como vivían las comunas. Shyamalan reconocía como inspiración títulos como "Alien, el octavo pasajero", "Alguien voló sobre el nido del cuco" y "Eduardo Manostijeras".

 

Otra ronda

 

    FICHA TÉCNICA

Título: Otra ronda.

Dirección: Thomas Vinterberg.

País: Dinamarca.

Año: 2020.

Duración: 116 min.

Género: Drama.

Interpretación: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis, Magnus Sjørup, Mercedes Claro Schelin, Frederik Winther Rasmussen, Silas Cornelius Van, Albert Rudbeck Lindhardt, Aksel Vedsegaard, Aya Grann.

Guion: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg.

Producción: Sisse Graum Jørgensen, Kasper Dissing.

Música: Janus Billeskov Jansen.

Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen.

Distribuidora: Nordisk Film.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: Cuatro profesores inician un experimento basado en una teoría que sostiene que el cuerpo humano tiene un déficit de alcohol en sangre, por lo que deben mantener un nivel alcohol constante y ver si afecta a su vida social. 

 

   LO MEJOR: Thomas Vinterberg es el cofundador, junto al también danés Lars von Trier, del movimiento vanguardista “Dogma 95”, de unas características tan especiales que hace que las películas de ambos se le atraviese a una gran parte del público, entre los cuales me incluyo. Sin embargo, en los últimos años Vinterberg se ha vuelto un director más accesible, lo que le ha posibilitado llegar con esta película a los mismísimos Oscars de Hollywood. Algo similar al caso de Giorgios Lanthimos con “La favorita”. Basándose en una supuesta teoría de que el cuerpo humano tiene un déficit de alcohol en sangre del 0,05, lo cual está sacado de contexto, la historia se plantea como un experimento sociológico, en el que los cuatro protagonistas van consumiendo metódicamente más alcohol a diario para ver que efectos sociales y psicológicos se derivan de ello. Aunque en realidad es lo que ellos consideran la solución a sus monótonas y aburridas vidas. El problema está en diferenciar en qué momento el experimento se convierte en alcoholismo puro y duro. Lo que podría considerarse y realmente es sumamente dramático, está tratado con medidas dosis de comedia. Se podría decir que es una especie de tragicomedia, eso sí, nada moralista. 

 

   Interpretación: La historia pivota básicamente sobre cuatro actores, que están geniales. Tanto Lars Ranthe, Magnus Millang, cómo Thomas Bo Larsen, pero sobre todo Mads Mikkelsen. Este tipo es un animal interpretativo. No es que sea uno de los mejores actores europeos sino que es uno de los más destacados del mundo. El único que fue capaz de dar réplica a Anthony Hopkins como Hannibal Lecter, y eso lo dice todo. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Como una cena entre cuatro amigos se convierte en un giro radical en la vida de todos ellos. Es la escena bisagra. Pero hay momentos sumamente interesantes en como están contados, lo que supongo que le valió la nominación al Oscar a Vinterberg cómo director. Cómo nos muestran las tasas de alcohol que llevan los protagonistas. La gran borrachera en la que el experimento se confirma que se ha ido de las manos. La clase en la que les da elegir entre tres candidatos y sin saberlo, los alumnos eligen a Hitler, qué pretende enseñarles que las cosas no son lo que parecen. Pero sobre todo su final. Tras la muerte de uno de ellos, mostrado de forma tan sutil como la escena en la que se va en su barco y la siguiente en la que se ve el barco sin él dentro, los demás deciden rendirle homenaje con otra borrachera. El espectador puede entender que son imbéciles, que no han aprendido de la tragedia de su amigo. Todo lo contrario, han aprendido que una cosa es una borrachera y otra ser un alcohólico. Y es por eso por lo que la película no es moralista. 

 

   LO PEOR: Puede que en ocasiones caiga en el melodrama pero eso no es una característica generalizada. Y que la primera parte pueda resultar algo lenta. Bueno, es que no es una película de acción, es una narración sobre una parte de las vidas de unas personas como nosotros. 

 

   REFERENCIAS: Sigo considerando “La caza” la mejor película de Vinterberg pero ésta es la segunda ahora. Está lejos de otras películas sobre el alcoholismo como “Leaving las Vegas” o la más reciente “The way back”. Tiene algo de los personajes de “Full Monty”. 

 

   CONCLUSIÓN: 7’5. Un Vintenberg más accesible, con la excusa de un experimento sociológico, nos trae una tragicomedia sobre la relación del alcoholismo y la necesidad de tener una vida satisfactoria, donde Mads Mikkelsen vuelve a estar magnífico.

Música de Película: Señales

 

   James Newton Howard seguía siendo el compositor de cabecera de Shyamalan. Pero esta vez cambió sus melodiosas músicas por una banda sonora mucho más potente a nivel sonoro, con muchos elementos habituales en las películas de terror y que recordaba al cine de ciencia-ficción de los cincuenta y sesenta.

Tema: Main titles.

Película: Señales.

Intérprete o compositor: James Newton Howard. 

 

Tema: The hand of fate.

Película: Señales.

Intérprete o compositor: James Newton Howard.

Microcríticas Express: Synchronic/Barrenderos espaciales/Polizón

 

 

 

   La sociedad formada por Justin Benson y Aaron Moorhead es el perfecto ejemplo de que para hacer ciencia-ficción no se necesitan grandes presupuestos. Ciencia-ficción no basada en el espectáculo, claro está. Y no estar sujetos a tener que recuperar grandes inversiones les da la libertad para llevar a cabo propuestas tan extrañas como “Resolution” o “El infinito”. Ésta es más convencional que aquellas aunque si guarda relación temática en cuanto a las paradojas temporales. Aún así es bastante original porque creo que es la primera vez que veo en este subgénero que la época a la que saltas en el tiempo la determina el lugar desde el que lo hagas. Como poco me parece curioso y es algo a lo que saben sacar rendimiento visual. Además es la primera vez que cuentan con actores conocidos, Anthony Mackie y Jamie Dornan. Hasta esta película sus repartos eran totalmente desconocidos, cuando no eran ellos mismos los que protagonizaban la película. 6.

 

 

   Ya lo que le faltaba al cine coreano es hacer ciencia-ficción y hacerla buena encima. A ver, que ya sé que había algunos títulos pero no es un género por el que el cine de ese país destaque. Pero aquí se han marcado una película entretenidísima, aunque hay que reconocer que más que ciencia-ficción, es una historia de aventuras en el espacio. Ojo que el diseño de producción es impresionante, hay muchísimas naves e instalaciones que hacen pensar que aquí se ha metido bastante dinero cuando no ha sido así, de hecho, el presupuesto es bastante modesto. Pero lo han sabido aprovechar. Además, las escenas de acción, peleas aéreas y demás, están rodadas de forma muy espectacular. Si le sumamos unos personajes sumamente carismáticos y mucho sentido del humor, queda una película muy divertida, que hace que sus dos horas y cuarto se pasen volando y que incluso tiene un mensaje social. Por cierto, entre todo un reparto asiático se ha colado y con un papel muy relevante Richard Armitage (el Thorin de “El hobbit”). 6’5.

 

 

   Si alguien va a por ella pensando que es una especie de “Sunshine” o algo así que se vaya quitando la idea porque es una historia principalmente dramática, que gira en torno a la importancia de las decisiones que tienen que tomar en cuanto a que hay uno de los tripulantes que, por razones que no voy a comentar aquí, sobra. Durante la primera mitad de la película van definiendo y desarrollando los personajes (por cierto, solo hay cuatro) tomándose su tiempo pero es que ésto es importante para conocerlos a la hora en que se presenta el dilema ético que es lo verdaderamente interesante de la película. Eso si, hay que tener paciencia y de hecho, perfectamente se podría haber aligerado un poco en minutaje. Solo la última parte tiene suspense. Hasta ese momento, y también durante el tercio final, es Anna Kendrick quien sostiene la historia por encima de Toni Collette, y ya es raro. Así que, tema interesante pero desarrollo lento. 5.

 

Escenas Míticas: Night Shyamalan - Señales

 

   Aunque la acogida inicial a "El protegido" fue fría, se le terminó por reconocer como la buena película que es, y esa frialdad se debió a las expectativas sobredimensionadas a causa del éxito de "El sexto sentido". Aún así funcionó en taquilla y en crítica. Lo mismo que ocurrió con ésta pero desde el principio. A estas alturas, Night Shyamalan ya tenía un público propio.

 

   Esta vez haciendo un homenaje al cine de OVNIs de las décadas de los cincuenta y sesenta, que nos presentaban unos alienígenas con intenciones nada amigables con la especie humana, con ejemplos como "Invasores de Marte". El cineasta tomaba detalles tan clásicos como los célebres platillos volantes o los hombrecillos verdes.

   Pero tomaba como referencia "real" la de los círculos encontrados en los cultivos, que se atribuyeron precisamente a visitas extrateterrestres posiblemente previas a una supuesta invasión. Se llamaron agroglifos y el primero apareció en 1678. La dificultad en su manera de realizarlos, que solo podían ser reconocidos de forma global desde el aire, su perfección, con enormes campos de trigo o maiz donde los tallos ni siquiera eran partidos, y hechos de la noche a la mañana, dieron alas a los ufólogos para sus teorías.

   Sin embargo, en los noventa, dos tipos, Doug Bower y Dave Charley demostraron que era perfectamente posible realizarlos. Se dedicaron a llevarlos a cabo y dejar que varios expertos los calificaran como auténticos para luego salir a desmentirlo y demostrar que era una estafa. Bower y Charley apuntaron que se habían valido de una serie de tablas y cuerdas para ello. Dato que apuntan en la película, por cierto.

   A todo ésto, los de la película eran reales. Es decir, no son generados mediante efectos digitales de CGI sino que, tomando como modelos varias de las señales de las cosechas encontrados a lo largo de la historia, se hicieron de forma manual. Shyamalan estaba obsesionado con el realismo del film, por lo que llegó a escribir hasta cinco versiones del guion para pulir posibles vacíos argumentales.

   Aunque las señales a las que se refiere el título no son precisamente las conocidas como agroglifos sino unas más simbólicas, como suele pasar en toda la obra de este director, de significado más filosófico, o más bien religioso, las señales de una situación futura, las señales del destino.

   Fueron muchos los que apuntaron la película de Steven Spielberg, "Encuentros en la tercera fase" como principal inspiración de Shyamalan. Se debe a que en sus inicios muchos veían semejanzas en su forma de rodar con las de Spielberg. Sin embargo, Shyamalan nombró tres títulos diferentes como principales inspiraciones, "Los pájaros" (también se le compara mucho con Hitchcock), "La noche de los muertos vivientes" y "La invasión de los ladrones de cuerpos".

   Inicialmente se había pensado en Paul Newman y Mark Ruffallo para los papeles principales, pero el rechazo del primero y un quiste en el oído por el que tuvo que recibir cirugía, del segundo, lo impidieron. En su lugar eligieron a Mel Gibson y Joaquin Phoenix. Nada mal tampoco. Y por tercera película consecutiva, Shyamalan trabajaba con niños, en este caso Rory Culkin (hermano de Macaulay) y Abigail Breslin (en su debut en el cine).

   La escena en la que aparece Night Shyamalan se rodó una semana después de la pérdida de un familiar, por lo que tuvo una perspectiva muy real del drama que siente el personaje de Gibson. Por cierto, precisamente Mel Gibson no supo que ese papel lo haría el propio director hasta el momento del rodaje. La película tuvo generalmente buenas críticas y funcionó en taquilla. Costó 72 millones de dólares y recaudó 407.

The Suicide Squad

 

    FICHA TÉCNICA

Título: The Suicide Squad.

Dirección: James Gunn.

País: Estados Unidos.

Año: 2021.

Duración: 132 min.

Género: Acción, fantástico.

Interpretación: Idris Elba, Margot Robbie, Joel Kinnaman, Viola Davis, David Dastmalchian, John Cena, Alice Braga, Peter Capaldi, Jai Courtney, Joaquín Cosío, Nathan Fillion, Mayling Ng, Flula Borg, Sean Gunn, Juan Diego Botto, Storm Reid, Pete Davidson, Taika Waititi, Steve Agee, Daniela Melchior, Jennifer Holland, Michael Rooker, Sylvester Stallone.

Guion: James Gunn. Cómic: John Ostrander.

Producción: Charles Roven, Peter Safran.

Música: John Murphy.

Fotografía: Henry Braham.

Distribuidora: Warner Bros.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: Amanda Waller vuelve a recurrir a formar un comando suicida con lo peor de las prisiones con personas de capacidades especiales. En este caso para adentrarse en una isla llamada Corto Maltese en una misión que, como no podía ser de otra manera, es suicida. 

 

   LO MEJOR: Para situar la valoración de la película viene muy a cuento la forma en como su director, James Gunn, llega al proyecto. Tras su despido por parte de Marvel a causa de ciertos comentarios antiguos no muy correctos. Momento oportuno en que Warner se lanza a por él para arrebatárselo antes de que dieran cuenta del error, lo cual ha ocurrido, por lo que han decidido recuperarle para la tercera parte de “Guardianes de la galaxia”. Pero para convencerle, Warner le ofreció plenos poderes para tener libertad creativa, lo cual Gunn ha aprovechado para hacer literalmente lo que le ha dado la gana, pasando absolutamente de lo que se hubiera hecho anteriormente y lo que se quiera hacer después, ha hecho la película que ha querido. Vaya por delante que la primera no me disgustó y no me apunté al carro de los apaleamientos. Creo que tiene sus aciertos, que si hubiéramos visto el montaje original de David Ayer, tendría más. No obstante, esta segunda película es tremendamente divertida, es pura evasión. Prácticamente te estás riendo todo el tiempo, eso sí, llega a ser una sucesión de gags y escenas de acción. Es una gamberrada total que no parece tener límites. Además, se han ganado a pulso su calificación R a tenor de las grandes dosis de hemoglobina y gore desplegados. Y atrevimiento, sorprende la cantidad de personajes que quedan por el camino. 

 

   Interpretación: Hay un acierto muy claro, Idris Elba supera en mucho a Will Smith (y no me había disgustado), siendo incluso más protagonista que una Margot Robbie que sigue a lo suyo, en su línea, aunque quizá debería ir pensando dejar de ser Harley Quinn. Por cierto, John Cena se pasa toda la película autoparodiándose, mucho mejor que en “Fast and furious 9”, donde se lo toma casi tan en serio como Vin Diesel. La voz original de King Shark la pone Sylvester Stallone. 

 

   Escena (SPOILERS!!): El prólogo es un auténtico descuajaramiento de carcajadas. El fracaso total del primer desembarco es de partirse la caja, comenzando por el ahogamiento de la comadreja. Prácticamente mueren todos. Desde luego toda la parte del final es la más espectacular con la estrella de mar gigante destruyéndolo todo. Aunque mi escena de acción favorita es, sin duda, la huida de Harley Quinn, que vuelve a quedarse con los mejores momentos. Aunque ese “la madre que me parió” de Bloodshot es impagable. Pero luego tienes escenas sin sentido y que uno se queda pensando: ¿Ésto para que? Cómo la del acuario y la parte de Juan Diego Botto. 

 

   LO PEOR: ¿La mejor película de DC? Vamos a dejarlo. No flipemos. Para eso tendría que hacer como si unos tipos llamados Christopher Nolan y Zack Snyder, incluso Tim Burton, no existieran. Seamos claros, el guion bueno no es. David Ayer me parece mejor guionista que James Gunn. Personajes que aparecen y desaparecen, escenas que no vienen a cuento, no se sabe ni quién es el villano, demasiadas taras para aupar tanto la película. 

 

   REFERENCIAS: Es la secuela de la de David Ayer. Ni un remake ni un reboot. Ésto debe quedar claro porque parece que no lo está. Se nota el sentido del humor que Gunn aplicó a “Guardianes de la galaxia” o a otra película suya anterior, “Súper”. Pero aquí va más allá, hacia el tono de “Deadpool” o la serie “The boys”. 

 

   CONCLUSIÓN: 7. James Gunn ha hecho todo lo que le habían prometido que podría hacer, lo que le ha dado la gana, una secuela tremendamente divertida, gamberra y violenta. Pero no, no es la mejor película de DC.