Escenas Míticas: Especial Posesiones - Insidious

 

   Aunque la incluya como una variante del subgénero de posesiones, y explicaré por qué, su director, James Wan la consideraba una variante del subgénero de casas encantadas. De hecho, en palabras del propio cineasta, pretendía hacer la “Poltergeist” del siglo XXI. Es más, cuando en 2015 se realizó el remake de la película de Tobe Hopper en los ochenta, manifestó que el remake ya lo había hecho él cinco años antes.

   Sin embargo, ni Wan ni un servidor tendríamos razón. Es verdad que hay una serie de entidades intentando habitar el cuerpo de Dalton, el hijo del matrimonio, pero es precisamente eso lo que quieren, no poseer su alma, sino disponer de un recipiente para volver a moverse como humanos. Pero tampoco es una historia de casas encantadas porque ni siquiera se desarrolla en una sola casa. Y ninguna de ellas está encantada.

   La variante radica en un tema muy poco explotado en el cine de terror como es el viaje astral. Lo que explica porque el título barajeado originalmente estaba entre “The further”(lo que en este contexto vendría a ser “el más allá”) y “The astral”. No obstante, la película está basada en un puñado de historietas de fantasmas que tanto James Wan con su coguionista, Leigh Whannell conocían de su infancia.

   Ambos estuvieron de acuerdo en alejarse lo más posible de los tópicos más habituales de esta clase de películas. Para lo cual elaboraron una lista de clichés a evitar. Un ejemplo muy claro es que la familia protagonista se mudó de casa, algo que nunca ocurre en películas de “casas encantadas”. La sociedad Wan-Whannell viene ya desde la primera película de ambos, “Saw”. Por su parte, Leigh Whannell ha hecho sus pinitos en la dirección. Por ejemplo, con el tercer capítulo de “Insidious”, la muy interesante “Upgrade” o la nueva versión de “El hombre invisible”.

   Pero hablemos de James Wan, creador de tres de las sagas de terror más prolíficas de las dos últimas décadas, como son “Saw”, “Insidious” y “Expediente Warren “, que para colmo cuenta con numerosos spin-offs como “Anabelle”, o “La monja”. Muchos me habrán leído alabar el trabajo del director malasio pero criticar la tendencia del cine actual comercial o el abuso del recurso de los sustos. 

   La diferencia es que Wan, a parte de ser un buen narrador de historias de terror, es un excelente constructor de secuencias de suspense. Wan no se limita a diseminar sustos utilizando el muy barato truco de subir el volumen, sino que construye toda una secuencia alrededor que culmina en un climax en forma de susto. Y es una gran diferencia.

   Para el papel protagonista masculino se pensó en Ethan Hawke, que lo rechazó, sin embargo, dos años después estrenaría una de las películas más terroríficas que yo haya visto, “Sinister”, con un rol similar. Finalmente fue para Patrick Wilson. A quien acompañarían Rose Byrne, Lin Shaye (personaje que claramente homenajea a la médium de “Poltergeist” y que en menor o mayor medida aparece todas las entregas de la saga), el propio Leigh Whannell y Barbara Hershey.

    Hago un aparte con esta última porque tiene más importancia de lo que parece. Para empezar, fue la protagonista, como ya pudimos ver aquí, de una de las películas más admiradas de James Wan, “El ente”. Y una de las influencias de la película. Para colmo, su personaje se llama Lorraine, nombre de una de las protagonistas de su siguiente película, “Expediente Warren”, es decir, Lorraine Warren. Hay otros guiños, a “El exorcista”, a la propia “Poltergeist”, incluso a su primera película, “Saw”, con un dibujo en el que podemos ver a Jigsaw, el villano de aquella.

   Tuvo críticas mixtas pero predominaron las positivas. Y económicamente fue un éxito. Costó nada más que un millón y medio y recaudó casi cien en taquilla. Pero es que paradójicamente es la menos taquillera de toda la saga a pesar de que a partir de la tercera la calidad bajara notablemente. De tal manera que "Insidious, Capítulo 2" obtuvo 160 millones de dólares, "Insidious, Capítulo 3", 112, "Insidious,  La última llave", 167, e "Insidious, La puerta roja", 188. 

   Por cierto, a Ty Simpkins (Dalton, el niño) le daba tanto miedo el demonio, interpretado por el compositor de la música de la película curiosamente, Joseph Bishara, que Wan decidió que el chico estuviera presente en el proceso de maquillaje para que viera que no era un demonio real y así no crearle ningún trauma.

Nido de víboras

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Nido de víboras.
Dirección: Kim Yong-hoon.
País: Corea del Sur.
Año: 2020.
Duración: 108 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Jeon Do-yeon, Jung Woo-sung, Bae Seong-woo, Jung Man-sik, Jin Kyung, Shin Hyun-bin, Jung Ga-ram, Youn Yuh-jung.
Guion: Kim Yong-hoon. Novela: Keisuke Sone.
Producción: Kim Jin-sun.
Música: Nene Kang.
Fotografía: Kim Tae-Soo.
Distribuidora: Megabox Plus M.
 

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Las vidas de un grupo de personas que no se conocen y que pertenecen a muy diferentes ámbitos, cambian en torno a una bolsa de mucho dinero y sus reacciones ante su encuentro.

   LO MEJOR: El cine coreano siempre nos trae cosas interesantes y cada vez más de forma variada en cuanto a géneros. Aquí con un thriller criminal de cine negro puro y duro que me atrevo a decir que a Quentin Tarantino le gustaría. Intencionadamente o no, tiene varios elementos predominantes en su filmografía. Lo primero es estar fuertemente apoyada en su guion, muy bueno, no perfecto pero si efectivo, con una historia hecha a partir de sus personajes, todos llenos de personalidad, que además se divide en episodios y cuenta con una serie de tramas cruzadas, interrelacionadas o más bien encadenadas. Para colmo el hilo conductor de la principal es una bolsa de dinero. Y por si fuera poco hay bastante violencia, aunque contrariamente al cine de Tarantino y al propio cine coreano, no es en absoluto explícita. Se separa de otros títulos coreanos también en el tono. Habitualmente con varios tonos, uno ligero que muta hacia uno más grave y trágico. Aquí no, aquí el tono de comedia negra está siempre presente, a pesar de que todo lo que ocurre en pantalla es bastante horrible, con continuos crímenes. Toda esta ensalada está alineada con un excelente ritmo en el que no dejan de pasar cosas y cuyo conjunto da como resultado una película divertidísima.

   Interpretación: Es una película con varias subtramas, que forman parte de mini películas dentro de la principal, y por lo tanto es un reparto bastante coral en el que por lo general todos están muy correctos. Por destacar algunos, Jeon Do-Yeun, a pesar de aparecer tarde en la película. Y Jung Woo-Sung, que creo que tiene el personaje más divertido.

   Escena (SPOILERS!!): Prácticamente no hay ni un personaje inocente del todo. Todos intentan engañar, timar e incluso asesinar con tal de quedarse con el dinero. Pero los hay moralmente mejores y peores. Por eso algunas acciones resultan más duras. Como el final de la mujer maltratada, porque aunque haya incitado a otra persona a matar y ella misma lo haya hecho, sus motivos son más desesperados. De lo que se aprovecha la verdadera timadora de la película. Eso supone el gran giro de la historia y la mayor sorpresa de la película. Lo mismo pasa con el empleado de la sauna. Es el más salvable. Por eso duele como está a punto de morir en el incendio provocado de su casa, tras recibir el planchazo (literal) él y su madre. Aunque finalmente hay un poco de justicia poética porque el dinero vuelve a él, con una carambola del destino.

   LO PEOR: En un principio cuesta situar cada trama dentro de la historia global. No se consigue hasta ya un poco avanzada la narración. De hecho, hay personajes que aparecen en el segundo acto. Personajes que no todas las veces reaccionan de forma lógica. No pasa nada, forma parte del encanto de la película.

   REFERENCIAS: Hay cosas del cine de Tarantino, sobre todo el de gangsters, más concretamente “Pulp Fiction”, mezclado con el de Bong Joon-Ho, “Parasitos”, para más señas. Pero sin llegar al nivel de ambas.

   CONCLUSIÓN: 7. Nueva muestra de mezcla de géneros coreana, cine negro y comedia trágica, con una trama muy tarantiniana, en una historia violenta, con líneas argumentales entrelazadas en esa tela de araña que tejen sus variados personajes.

Microcríticas Express: The Continental/La caída de la casa Usher

 

   El universo de John Wick se expande y ha llegado esta precuela en forma de miniserie centrada en el personaje de Winston Scott en su juventud cuando todavía no era gerente del ya mítico hotel Continental. Más tarde llegará el spin off, con Ana de Armas, “Ballerina”. Miniserie que es como si fuera una película por partes y cada uno de sus episodios correspondiera a los tres actos de un largometraje. Lo más interesante es que, aunque las escenas de acción vayan muy en la línea de las películas de Keanu Reeves, tiene su propia personalidad. Es más, va por el camino del noir e incluso tiene ciertos aires a las películas de robos tipo “Ocean’s eleven”. Al igual que tiene un toque de humor que no tiene la saga. Y está bien que tome su propio estilo. De hecho, en los dos primeros episodios no hay mucha acción, salvando alguna que otra secuencia intercalada en la trama casi para cubrir expediente. Pero el tercero, madre mía el tercer episodio. Es un puñetero festival de tiroteos y peleas cuerpo a cuerpo de lo más brutales. Porque esa es otra, es muy sangrienta. Hay cierto combate entre dos féminas verdaderamente impresionante. Es tercer acto es pura diversión, como si se hubieran estado conteniendo hasta ese momento. Respecto al casting está absolutamente acertado. Aparte de Mel Gibson, no hay nombres muy conocidos pero están todos bastante bien. Eso si, a Gibson se le nota que se lo está pasando bomba como villano. 7.

   Mike Flanagan es un competente director de películas de terror pero sus mejores obras han venido en el formato de miniseries, donde parece estar haciendo una antología del terror clásico, homenajeándolo, cuando no directamente basándose en obras literarias clásicas. Como en este caso, que precisamente realiza una antología de los relatos más representativos de la literatura de Edgar Allan Poe, pero hilados por uno de ellos, “La caída de la casa Usher”, de forma que todos juntos den lugar a una sola historia. Pero si, cada capítulo hace referencia a uno de esos relatos y poemas, como “La máscara de la muerte roja”, “El cuervo”, “El péndulo”, . . . Esto hace que quien ya conozca esas historias sepa por donde van los tiros de cada capítulo e incluso como va a terminar. Bueno, pues no importa en absoluto porque se centran más en el como que en el que. Además, es una modernización tan libre que igualmente te puede sorprender. Y ya si no has leído a Poe, mucho más. Pero quien si lo haya hecho, sabrá que sus novelas trataban más del misterio que del terror puro. Y eso lo conserva esta miniserie. Que nos habla de la clase rica, de su vanidad, opulencia y codicia, a la que somete a una lección ética y moral. No obstante, Flanagan aprovecha esta actualización para tocar temas tan actuales como el maltrato animal, las empresas farmacéuticas, el abuso de poder y la inclusión racial y de género. Flanagan recurre a gran parte de sus repartos de las anteriores series, lo que parece ya su equipo fetiche, volviendo a destacar una maravillosa Carla Gugino. Es perfecta candidata a ser la mejor miniserie del año. 8.

Escenas Míticas: Posesiones - Constantine

 

   Casi veinte años después y tras varias idas y venidas de rumores sobre una posible secuela, en respuesta a las plegarias de los fans del personaje, parece que sí, que llegará una continuación de “Constantine”, volviendo a reunir al protagonista y al director de la de 2005, es decir, Keanu Reeves y Francis Lawrence. Llegaría a lo largo de 2024, o al menos eso eran los planes antes de la huelga de guionistas.

   Del resto del reparto original no se sabe nada. Lo que sí se sabe es que a cargo del guion estará el prestigioso Akira Goldsman y en la producción podría estar J.J. Abrams. Una buena noticia para los seguidores aunque la primera película tampoco fuera un éxito rompedor. Costó 100 millones de dólares y logró recaudar 230 en taquilla. Y las críticas fueron más bien mixtas. Con el tiempo es otro de esos títulos que se ha ido revalorizando.

   El personaje llegó de la mano de Alan Moore para el cómic de DC, ”La cosa del pantano”, con un rol secundario, en 1985. No fue hasta tres años después que tuvo su propia serie, llamada “Hellblazer”. Numerosos guionistas han pasado por ella, concretamente la película se basa en los escritos por Gaith Ennis y Jamie Delano.

   Se le cambió el titulo para la película por el de “Constantine” porque justo un año antes Guillermo del Toro había estrenado “Hellboy” y el parecido era demasiado para los productores, que quisieron evitar que ambos títulos se relacionaran. Sin embargo, no cambiaron de la trama uno de los elementos argumentales de la película, la Lanza del Destino, que aparece también en “Hellboy”, de hecho, es la misma.

   Para el papel de John Constantine, cuyo aspecto ya en los cómics tomaba como referencia al cantante Sting, se consideró actores como Mel Gibson o Kevin Spacey, siendo elegido Nicholas Cage. Inicialmente aceptó pero terminó saliendo del proyecto en favor de Keanu Reeves. Al que acompañó un gran reparto, con Rachel Weisz (con la que ya había coincidido en “Reacción en cadena”), Shia LeBeouf, Tilda Swinton, Djimon Hounsou, Peter Stormare y Gavin Rossdale (el vocalista del grupo grunge “Bush”).

   También iba a aparecer Michelle Monaghan. Bueno, en realidad lo hace aunque su participación fue tan recortada que tan solo la vemos en un plano. De hecho, su personaje, Ellie, es de los pocos que están tanto en el cómic como en la película. Los otros son Papá Medianoche (Hounsou), Chaz Chandler (aquí apellidado Kramer, LeBeouf) y Gabriel (Swinton).

   También hubo baile de directores. Se le ofreció al español Jaume Balagueró, quien lo rechazó alegando disconformidad y reticencias a trabajar en Hollywood. Una pena. Después fue fue a parar a Tarsem Singh (“La celda”), que salió del proyecto por no estar de acuerdo con la elección de Nicholas Cage, quien ya he mencionado que también hizo lo propio más tarde. Hasta llegar a Francis Lawrence.

   Lawrence no tenía ninguna experiencia en el largometraje, pero contaba con gran prestigio como director de videoclips para multitud de los artistas más importantes de la música. Esto se hace notar en la película. Después ha tenido una no muy extensa pero interesante filmografía como director de películas, con títulos como “Soy leyenda”, “Agua para elefantes”, las entregas de la saga “Los juegos del hambre”, “En llamas”, “Sinsajo”(partes 1 y 2), y “Gorrión rojo”. Está confirmado para “Constantine 2”.

   Una película que ha envejecido muy bien en cuanto a lo visual, con unos efectos especiales espectaculares, que no tiene nada que envidiar a los de cualquier película actual de gran presupuesto. Se realizó una serie en 2014, pero tras los 13 episodios de su primera temporada fue cancelada.

   Algunas curiosidades. Tiene una escena postcréditos, cuando no se estilaban todavía, en la que vemos al personaje de Chas convertirse en un ángel. Se supone que Dios le dio esa condición en detrimento de Gabriel, al que hace humano. Por cierto, Eileen Dietz, quien prestó su rostro para el demonio de "El exorcista", hace un cameo como zombie.

The Equalizer 3

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Equalizer 3.
Dirección: Antoine Fuqua.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 108 min.
Género: Thriller, acción.
Interpretación: Denzel Washington, Dakota Fanning, David Denman, Gaia Scodellaro, Bruno Bilotta, Eugenio Mastrandrea.
Guion: Richard Wenk.
Producción: Todd Black, Jason Blumenthal, Steve Tisch, Denzel Washington, Antoine Fuqua.
Música: Marcelo Zarvos.
Fotografía: Robert Richardson.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras una nueva acción de justicia, esta vez en el sur de Italia, Robert McCall se retira a un pequeño pueblo de la costa. Pero pronto se da cuenta que sus habitantes están aterrorizados por miembros del crimen organizado del país. Y McCall no puede quedarse de brazos cruzados.

   LO MEJOR: Las dos entregas anteriores ya no tuvieron precisamente el beneplácito de la crítica profesional y esta no ha sido muy diferente. Aun así me sorprende porque me parece claramente la mejor de la saga. Afortunadamente, el público la ha tratado mejor. Porque la sociedad formada por Denzel Washington con el director Antoine Fuqua ha dado muy buenas cosas, ya no solo en las tres entregas de esta saga sino, sobre todo, con “Training day”. No obstante, aquí ambos buscaban rescatar la figura que tanto había predominado en la década de los ochenta, sobre todo, la del justiciero. Con esta película le han dado una digna despedida al personaje, pues parece que cierra ya . Mucho más claramente decantada hacia el western que sus dos precedentes anteriores. No solo por su argumento, muy típico de cualquier película del oeste donde un letal pistolero se retira a un pueblo donde vivir en paz, reflexionando sobre todas las personas que ha matado. Pero, y esto también es muy típico, existe un terrateniente que aterroriza a la población. El implicarse en la situación puede servirle al pistolero de redención por todos sus pecados. ¿Os suena, no?. Extrapolando, Robert McCall sería el pistolero y el terrateniente un miembro de la temible Camorra. Porque ese es otro acierto, cambiar radicalmente el escenario, a un pueblecito costero del sur de Italia, que visualmente favorece mucho a la película. Por cierto, también es la entrega más violenta, una violencia que se manifiesta en forma de estallidos entre la narración de Fuqua.

   Interpretación: La sola presencia de un actor del calibre de Denzel Washington ya justifica la visión de cualquier película. Cómo llena la pantalla este tío. Más si además le sienta el personaje tan bien como este. Me ha hecho ilusión que haya vuelto a coincidir en un reparto con Dakota Fanning, ya no como una niña, como en “El fuego de la venganza”. Además, creo que este Robert McCall es muy intercambiable con el John Creasy de la película de Tony Scott.

   Escena (SPOILERS!!): Ya conocemos al personaje y sabemos de lo que es capaz pero algo interesante es que cada una de las películas de esta saga se puede ver de forma independiente. Así que para que no haya visto las anteriores, y para recordárselo a los que sí, está el prólogo, donde y sólo vemos el resultado de lo que ha sido el paso de McCall por allí, una masacre de matones. Es curioso que sea como un adelanto de lo que sí vamos a ver con pelos y señales en el asalto final a la mansión del mafioso de la Camorra, con un festival de muertes a cual más sangrienta. Hay que tener en cuenta que muchos de ellos son con objetos que va encontrando por el camino. El prólogo también hay una muestra de cómo McCall habla con sus enemigos, con total tranquilidad, amenazándoles de muerte, anunciándoles lo que va a hacer.

   LO PEOR: Ya decíamos que el argumento es el típico de un determinado tipo de western pero es que además el guion es de lo más sencillo, por no decir simplón, lo que provoca que salvo en un par de ocasiones, lo que va a ocurrir resulta muy predecible.

   REFERENCIAS: Creo que cualquiera de ellas supone un buen entretenimiento, pero como he dicho antes, me parece la mejor de la saga. Al mismo tiempo tiene algo de “El fuego de la venganza”.

   CONCLUSIÓN: 7. Muy digno cierre de la saga en la que Denzel Washington y Antoine Fuqua han pretendido recuperar la figura del justiciero, aquí incluso guiñando al western, en la que probablemente sea la mejor entrega.

Música de Película: El exorcista: Creyente

 

   David Wingo y Amman Abbasi, dos nombres que seguramente a nadie les sonarán pero que se han ocupado de la banda sonora original de esta película. La parte principal es toda suya pero además incluyen dos versiones curiosas del icónico tema de Mike Oldfield, "Tubular Bells".

Tema: Tubular bells, Chris McNeil.

Película: El exorcista; Creyente.

Intérprete o compositor: David Wingo, Amman Abbasi.

Tema: Tubular bells, Believer.

Película: El exorcista; Creyente.

Intérprete o compositor: David Wingo, Amman Abbasi.

Escenas Míticas: Especial Posesiones - Fallen

   Llegamos a otra de esas películas que merece una reivindicación pues no tuvo su justo reconocimiento en su momento. Y que es otro perfecto ejemplo de variante del subgénero de posesiones. Aquí tampoco vemos llamativas transformaciones físicas y espectaculares secuencias de exorcismos. De hecho, el invasor, un demonio, solo toma los cuerpos para cometer sus crímenes con ellos.

   Tan solo tocando a otra persona puede pasar a su cuerpo usándolos, aquí si, como un avatar, como un envoltorio físico para interaccionar con los humanos. Idea que se le ocurrió a su guionista, Nicholas Kazan, reflexionando sobre lo contagioso que puede ser una conducta social. Es decir, si alguien se comporta de forma desagradable con un segundo, es más fácil que este haga lo propio con un tercero y este con un cuarto.

   Además, argumentalmente podía dar mucho juego a la hora de poder seguirle la pista al asesino, que en este caso no tendría una sola cara sino que podía ser cualquiera. De hecho, todos los actores que lo interpretaron tuvieron que unificar los estilos de sus interpretaciones para poder asociarse a la misma persona.

   El referente fue la interpretación de Elías Koteas, que impresionó tanto a todo el equipo, incluido el director, que decidieron tomarla como base para todos los demás. A Koteas, que era un secundario, le acompañaba un gran reparto, encabezado por Denzel Washington pero con nombres como Donald Sutherland, James Gandolfini y John Goodman. Hasta salía Jeremy Renner muy brevísimamente.

   El personaje de Washington se llamaba John Hobbes, que es la combinación de los nombres de dos filósofos, John Locke y Thomas Hobbes. Locke pensaba que los seres humanos eran perfectamente racionales para vivir de forma pacífica. Sin embargo, Hobbes consideraba a los hombres malos por naturaleza y necesitaban las limitaciones de la sociedad para controlar esa maldad. Kazan, el guionista, quiso que el personaje tuviera esa dicotomía de pensamiento.

   Para el antagonista, se tomó un personaje varias veces mencionado en la Biblia y ya utilizado en otras películas, Azazel, un ángel caído que corrompió a la humanidad, según esos relatos bíblicos, motivo por el cual Dios la castigó con el diluvio universal, a excepción de Noé. Para crear el efecto de la visión del demonio se utilizó una técnica que sobreexponía cada fotograma hasta cuatro veces, dando esa sensación borrosa.

   Tras la cámara, un director muy competente a mi juicio, que tuvo sus mejores títulos en esa época de los 90 y principios de los 2000. Salido de la televisión, con dos series tan reconocibles como “Canción triste de Hill Street” y “La ley de Los Ángeles”, lo que posteriormente tuvo una influencia perfectamente perceptible en cuanto a los géneros predominantes en su filmografía.

   Que son el policíaco y el thriller judicial, como podemos confirmar en títulos como “Las dos caras de la verdad” (juicios), “Frecuency”(asesinos en serie y ciencia ficción), “Fracture”(juicios). Incluso “Fallen” transita más por los códigos del género policiaco que por los del terror.

   En la que además se perciben las influencias de dos películas muy claramente, “Seven” y “El corazón del ángel”, además que la trama tiene muchas similitudes con “La noche del diablo”(1980). Tuvo críticas mixtas y comercialmente se la pegó, quizá uno de los pocos fracasos de la carrera de Denzel Washington. Costó 30 millones de dólares y sólo recaudó 25 en taquilla. Sin embargo, actualmente posee buenas notas en páginas web de cine. Otra que se ha revalorizado con el tiempo. Quizá inicialmente, ese final tan oscuro no convenciera al público. Tenía otro alternativo en el que Azazel era derrotado pero se descartó.

Microcríticas Express: The Mandalorian T3/Ahsoka/Invasión secreta

 

   No entiendo mucho porque esta temporada ha sido criticada por muchos. Si convengo en que no es mejor que las dos anteriores. Claro que lo de la segunda era muy difícil de superar, en todo caso sería la menos buena pero no mala en absoluto. No obstante, considero que tiene bastantes aspectos positivos, que coinciden cuando tanto Filoni como Favreau están en la ecuación. Han profundizado más en la historia de los mandalorianos, lo cual resulta muy interesante. Hay muchas naves, monstruos, mucha acción y muchas peleas que implican el sable láser. Además, aciertan dándole más protagonismo a Bo-Katan y hasta se las han ingeniado para sacarle más rendimiento a Grogu. Y en general da la sensación que hay más medios. La estructura es menos episódica y más de contar la historia por partes más hiladas. Salvo en una ocasión, con un capítulo que no es que sea malo, es que no se entiende con que conecta y para que está ahí. Cuando lo ves piensas que después se entenderá pero ese entendimiento no llega nunca. A no ser que sea una semilla de cara a la siguiente temporada. Eso si, los dos últimos son pura épica. Por lo demás, me lo he vuelto a pasar como en las otras dos temporadas y espero la siguiente. 7.

   Le tenía ganas aunque con prudencia con las expectativas después de la decepción de “Obi Wan Kenobi”. Pero esta si mola. Al menos yo me lo he pasado bien porque tiene todo lo que le pido a una serie de “Star Wars”. De primeras, el tono de aventuras, más próximo a “The Mandalorian”, pero sobre todo a las series de animación, como “The Clone Wars”. Esto tiene su explicación, todos los episodios están escritos por Dave Filoni e incluso varios de ellos están dirigidos también por él. Y se nota mucho. Pero es que además hay un montón de combates de sable láser y de todas las clases. Creo que es con lo que más he disfrutado. Y algo que le venía faltando a las demás series, las batallas de naves, aquí hay algunas y bastante potentes. Para rematar, el fan service está mejor integrado y no tan metido con calzador como en otras. Esto es, la participación de Hayden Christensen. No estoy diciendo ningún spoiler porque sale en los posters de la serie y en el tráiler, es de dominio público. Y aquí si me ha gustado como se las han apañado para que aparezca. Y no faltan los momentos de épica. Además, el resto del casting está genial, no solo la que ya sabíamos que estaría bien, Rosario Dawson, es que también están Mary Elizabeth Winstead o Ray Stevenson (por cierto, su último trabajo antes de fallecer) y la chica que hace de Sabine Wren, Natasha Liu Bordizzo. Habrá segunda temporada y más les vale porque se queda en suspense. En definitiva, satisfecho con el resultado y esperando a la siguiente temporada. 7. 

   Le aplaudo que hayan intentado algo distinto de lo que venían haciendo y, de hecho, era mi interés principal. Pues se han alejado del tono de superhéroes para hacer una historia más puramente de espionaje, hablando mucho del funcionamiento de los servicios secretos, de los gobiernos y del terrorismo. Además, tiene un subtexto que me ha recordado a la película de los ochenta, “Alien nation”, con un evidente mensaje sobre la inmigración y la integración de diferentes culturas. Le sacan partido a eso de que cualquiera puede ser en realidad un skrull, aunque después de las diez primeras veces deja de causar efecto. Si hay algunas sorpresas que hacen la narración interesante. Entonces, ¿cual es el problema? Que no me ha enganchado, hay episodios que se me han hecho cuesta arriba y casi me he tenido que obligar a terminarlos. Por no hablar de ciertas decisiones de guion cuestionables. Por cierto, ¿porque los skrulls cuando están solos, cuando no hay terrícolas, siguen con sus rostros humanos? Lo sé, es para que podamos ver la cara del actor, pero ¿argumentalmente que sentido tiene? Esperaba algo mejor y en ese sentido me ha supuesto una decepción. Mira que tiene un buen elenco, aunque está hecha expresamente para el lucimiento de Samuel L. Jackson, pero es Olivia colman la que se come la pantalla en cuanto entra en ella, a pesar de que su tiempo sea menor. 6.

El exorcista: Creyente

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El exorcista: Creyente.
Dirección: David Gordon Green.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 111 min.
Género: Terror.
Interpretación: Leslie Odom Jr., Olivia Marcum, Ellen Burstyn, Ann Dowd, Lidya Jewett, Jennifer Nettles, Norbert Leo Butz.
Guion: David Gordon Green, Peter Sattler. Historia: Scott Teems, Danny McBride, David Gordon Green. Personajes: William Peter Blatty.
Producción: Jason Blum, David C. Robinson, James G. Robinson.
Música: Amman Abbasi, David Wingo.
Fotografía: Michael Simmonds.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos niñas desaparecen en el bosque. A los tres días vuelven a aparecer pero sin saber que les ha pasado. Sus comportamientos son extraños. Comienzan a suceder determinados fenómenos que hacen que sus familias se planteen tomar medidas drásticas.

   LO MEJOR: Como de costumbre pero no por capricho, voy en contra de la oleada de palos que está recibiendo la película. Porque cuando se hace una reseña hay que ceñirse a la objetividad. Eso implica no compararla con la primera, que para colmo es una obra maestra indiscutible del cine de terror de todos los tiempos, posiblemente en el Top 3. Hay que tener en cuenta que “El exorcista” de William Friedkin, se estrenó en una época determinada de cine, ofreciendo algo que no se había visto nunca, lo que favoreció su impacto en el público. Desde entonces toda película de exorcismos y posesiones, y se hacen muchas, ha copiado de ella. Y esta también lo hace. ¿Significa que es otra muestra de cine de exorcismos más? Pues yo diría que está a un nivel superior de la media si atendemos a los tres pilares en los que debe sostenerse una película, dirección, guion e interpretación. David Gordon Green vuelve a usar la misma estrategia que ya le dio resultado para resucitar la saga “Halloween”, es decir, realizar una secuela (que debería ser una trilogía, si le dejan) de la primera, dejando que pasen muchos años tras lo ocurrido en la primera y enganchando con ella a través de algún personaje icónico para afianzar el sector nostalgia. Sin embargo, el tono ha cambiado totalmente y además Gordon Green va a contracorriente de prácticamente todo el cine de terror moderno que pretenda ser comercial, o sea, basarse en los sustos. Pues no, renuncia a ello en favor de una película más atmosférica y eso se agradece. Además, el verdadero trasfondo de la historia se revela en el propio título y es en el tema de la creencia. No la fe como en la primera,  la creencia. De todos modos hay que considerar que esto tan solo es la presentación, son bastante perceptibles las semillas que va dejando.

   Interpretación: No tiene un reparto de caras muy conocidas, aunque, como ya hiciera en “La noche de Halloween” de 2018, con Jamie Lee Curtis, recupera un icono de la película original, Ellen Burstyn. Pero tiene menor aportación que tuviera “la reina del grito”. Solo tiene un papel secundario. Tiene más importancia Leslie Odom Jr. (muy bien) o Ann Dowd (la tía Lydia de “El cuento de la criada”). En cuanto a los niños, su protagonismo está claramente decantado hacia Lydia Hewet en detrimento de Olivia O’ Neill.

   Escena (SPOILERS!!): Voy a destacar un par de escenas antes de irme directamente al tercer acto, que tiene más que analizar. La primera de ellas sale en el propio cartel de la película, cuando Katherine (O’Neill) recorre el pasillo central de la iglesia gritando continuamente “el cuerpo y la sangre”. Es de una intensidad brutal. Y la otra es el apuñalamiento de los ojos de Chris MacNeil, no creo que nadie pudiera esperarlo. Además que la dejaba fuera de combate demasiado pronto. Y la razón probablemente está en la última escena cuando se reencuentra con la que probablemente vaya a ser la verdadera protagonista de esta trilogía, Reagan (la mismísima Linda Blair). Pero vayamos al exorcismo final, que ocupa más de media hora de pura tensión, y que alberga situaciones interesantes. Por ejemplo, que participe un grupo de personas y ninguno de ellos sacerdotes. Ahí se pone de manifiesto la importancia del tema de las creencias y como ello se ve representado en los distintos participantes. O la novedad de ser el primer exorcismo doble que he visto. Y que aporta una disyuntiva interesante, cuando el demonio les da a elegir entre salvar a una de ellas solamente, con lo que eso representa moralmente para los padres de las niñas.

   LO PEOR: Quizá era un toro demasiado bravo ejercer como secuela de una película tan consagrada. Mucho más que “La noche de Halloween”. Es por eso que quizá es mejor película independiente de terror y del subgénero de posesiones que como secuela de una obra a la cual ni se acerca en calidad. Con todo eso, habría que esperar a ver que nos ofrecen en las dos secuelas siguientes.

   REFERENCIAS: Muy lejos de la primera pero que supera ampliamente a la segunda y la cuarta. Empataría con la tercera. Habrá que esperar porque se supone que será una trilogía. Aunque más que secuela parece un reinicio, lo que llamaban en ”Scream”, una recuela.

   CONCLUSIÓN: 7. Probablemente sería más valorada si no fuera secuela de quien es, porque como película de posesiones y exorcismos está por encima de la media, pero como continuación de "El exorcista" se queda a demasiada distancia.

Escenas Míticas: Especial Posesiones - El ente

 

   Ya decía que no íbamos a referirnos a películas de posesiones estándar sino a buscar algunas variantes. Sin duda, esta es una bastante peculiar porque si normalmente el espíritu/fantasma/demonio/entidad tiene el objetivo de poseer el cuerpo de la víctima, prácticamente tomándolo como una especie de avatar, aquí lo que quiere es poseerlo pero sexualmente. En otras palabras, lo que sea viola sistemáticamente a una mujer.

   De hecho, los aficionados a programas de misterio y temas relacionados quizás perciban que el caso corresponde más a un poltergeist. Pero también, porque en ese caso los fenómenos están vinculados al lugar, a una casa habitualmente, y pueden estar relacionados también con la manifestación mental de la persona. Aquí, los fenómenos persiguen a la víctima donde quiera que vaya.

   Aclarado esto vayamos a la historia original. La cual incluso se llegó a considerar un bulo promovido por la propia película para ejercer como publicidad extra en el momento de su estreno. Pues no, el caso existió. Luego cada uno puede creer lo que quiera, incluso que fuera un engaño, pero existir existió y fue previo a la película.

   Es más, esta se basa en el libro homónimo de Frank de Felitta acerca del caso de Carla Moran, que afirmaba ser agredida sexualmente y de forma muy violenta por algo que no podía ver. Carla fue sometida a diversos estudios. Primero psiquiátricos, donde a pesar de tener una infancia en la cual pudo haber sufrido abusos sexuales por parte del padre, no pudo determinarse que padeciera ningún trastorno psicológico derivado.

   Después parapsicológicos, por parte de un equipo de la universidad de UCLA, en los que sometieron a Carla Moran a una observación constante llegando incluso a recrear una imitación de su casa en las instalaciones de la universidad con el fin de poder aislar al ente. Donde presenciaron como su cuerpo claramente era tocado por algo, como una especie de dedos invisibles presionaban su piel. Además, posteriormente presentaba moretones, arañazos e incluso, en exploraciones ginecológicas, lesiones compatibles con una violación.

   Como decía, ya cada uno puede tener su propia opinión sobre ello. No obstante, yo siempre me pregunto, qué gana la persona con mentir. Carla Moran no ganó dinero con esto. Su familia sufrió el estigma de la sombra de la estafa. Tampoco consiguió popularidad o fama, pues sentía la misma vergüenza de cualquier otra víctima de violación, incluso se mudó a otro estado y se cambió de nombre. Si estaba mintiendo, no sacó nada de ello.

   El papel fue ofrecido a Jill Clayburgh, Bette Midler y Jane Fonda con idéntica respuesta negativa, llegando a Bárbara Hershey, curiosamente ya considerada una sex symbol tras su polémica interpretación como María Magdalena en “La última tentación de Cristo”, y que consiguió con su actuación como Carla Moran quizás el mejor y más icónico personaje de su carrera. La acompañaba Ron Silver (“Acero azul”).

   Dirigía Sidney J. Furie, para el cual también quedaría como la mejor película de su filmografía, que no es que fuera la leche, con las cuatro entregas de la saga “Águilas de acero” o “Superman IV”. Aunque antes había tenido algún título interesante como “Ipcress” o “Los chicos de la compañía C”.

   La película tuvo muy malas críticas y apenas salvó los muebles en taquilla, consiguiendo recaudar 13 millones de dólares, habiendo invertido 9 en su producción. Sin embargo, la gente que acudió a las salas de cine salía describiéndola como angustiosa, incómoda y aterradora.

   Comercialmente quizá fue perjudicada también por el estreno cercano de "Poltergeist". Con el tiempo, es una película que se ha ido revalorizando hasta llegar a la categoría de título de culto, siendo muy apreciada por el público.

   Personalmente me parece una de las mejores películas sobre el tema fantasmas y demás, las escenas de las agresiones me resultaron ya en su momento sumamente impactantes, potenciadas por la banda sonora. Y Martin Scorsese, que algo sabe de cine, la situó entre las once mejores películas de terror de toda la historia.

Microcríticas Express: American horror story 1984/The crowded room/Cruel Summer T2

 

   La ventaja de esta serie es que es una especie de antología del terror en la que cada temporada cuenta una historia distinta y autoconclusiva. De hecho, ni siquiera soy un asiduo de ella, creo que he visto las dos primeras y ya. No obstante, como gran fan del slasher, esta que se presenta como un homenaje al  de los ochenta, me llamaba la atención. Y vaya si lo es, no solo por la ambientación, la música, el vestuario, los peinados, . . . es que toma  absolutamente todos los clichés de este subgénero de forma muy consciente. Porque esto es una parodia del slasher que para darle más risa al tema lo mezclan con el terror sobrenatural y de paso solucionan algunos problemas de guion como que los personajes se acabaran antes de llegar al final de la temporada. Porque, damas y caballeros, aquí muere mucha gente, muchísima, básicamente cada vez que ves a alguien en pantalla sabes que en algún momento va a morir, incluso varias veces. Pero que ese tono de comedia no engañe a nadie, además es muy sangrienta e incluso tiene sus nociones de gore, generalmente suave pero en otras ocasiones no tanto. Además, los giros son muy locos, loquísimos, prácticamente cualquier cosa que se les ha ocurrido para seguir poniendo la historia en funcionamiento la han metido en el guion sin ningún complejo. Así que si, en conjunto me ha parecido muy divertida, me lo he pasado bien. Tiene varios integrantes de repartos de otras temporadas, como la propia Emma Roberts, que además tiene experiencia en el slasher con otra serie, “Scream Queens” e incluso una de las secuelas de “Scream”, la 4. Por cierto, han tenido el cuajo de colocar a un asesino en serie real como uno de los personajes, y no en un cameo, sino como uno de los protagonistas, Richard Ramírez, el “merodeador nocturno”, tela marinera. 6.

   No tiene muy buenas críticas profesionales pero si buenas opiniones por parte del público. Las primeras aluden a que esconde muy mal su principal giro argumental y que copia descaradamente de cierta película de Night Shyamalan. No la menciono (que ellos si) pero también es que es absurdo porque es evidente. La explicación a ambas acusaciones es la misma. No esconde su giro porque está claro desde un principio. En los propios créditos iniciales de la serie ya dice que se basa en el libro “The minds of Billy Milligan”, de Daniel Keyes. Y esa película de Shyamalan se basa en este personaje real, confesado por el mismo director. Aunque no lo conozcas no hay que ser un genio para saber por donde van los tiros. La prueba es que cuando se presenta ese giro no se hace de forma efectista sino todo lo contrario. La razón es que no es un thriller emparentado con el psicokiller sino más bien un drama que denuncia la poca atención que se le otorgaba a la salud mental en las décadas de los setenta y ochenta (ahora tampoco demasiada). De hecho, la miniserie describe perfectamente este trastorno. Para ello era importante que el actor seleccionado hiciera un trabajo convincente y ahí Tom Holland demuestra que cuando se quita la máscara de Spiderman es un actor dramático muy solvente, aquí muy bien secundado por Amanda Seyfried (sobre todo), Emmy Rossum y Jason Isaacs. Hay que tener paciencia porque empieza lenta pero merece la pena. Para quien no sepa quien es Billy Milligan (ojo, no es una adaptación de su biografía sino que se toma su trastorno como referencia) hay un documental muy bueno en Netflix. 6’5.

   Segunda temporada de una serie que en la primera me supuso una agradable sorpresa porque se presentaba como un producto veraniego para adolescentes sin demasiada promoción pero tenía una trama muy adictiva. En esta ocasión nos traen otra nueva, que no tiene ninguna conexión ni argumental ni de personajes con la anterior temporada (que quedaba ya cerrada) pero que comparte el mismo modus operandi narrativo, que consiste en contar la historia desde tres líneas temporales correspondientes a tres años consecutivos, lo que permite ver la evolución de los personajes y como les afecta la situación que están viviendo. Otra de las similitudes con la temporada anterior es circular alrededor de un crimen, con varios adolescentes implicados, que hay que esperar hasta el último minuto para resolverlo, que alberga muchos giros y uno final muy sorprendente, que se autoconcluye pero que deja una resolución abierta. Aunque esa es la excusa argumental para montar la parte de thriller, porque de trasfondo nos vuelve a hablar de problemas inherentes en esa franja de edad de los personajes principales, por ejemplo en este caso con el tema de la educación de los hijos o de las relaciones tóxicas, pero escarbando en uno de los aspectos que me parecen más interesantes de estas historias, en el lado oscuro de las personas, incluso de las buenas personas. Me sigue pareciendo muy entretenida a pesar de que sigo pensando que se alarga demasiado. Se pueden ver ambas temporadas de forma independiente. Personalmente me gustó más la primera pero no me importaría que hicieran más. 6’5.