Escenas Míticas: Héroes de leyenda - La máscara del Zorro

 

   El Zorro ha sido adaptado al cine más de cuarenta veces, lo que le coloca en quinto lugar como personaje con más adaptaciones cinematográficas, solo por detrás de Drácula, Sherlock Holmes, precisamente, Robin Hood, como recordábamos la semana pasada, y Tarzán. Y de todas ellas, esta es mi favorita, la más entretenida y divertida, sin perder nunca el respeto a la esencia del personaje.

   Doblemente interpretado por Anthony Hopkins y Antonio Banderas, dando uno el relevo al otro. Prácticamente como ha ocurrido a lo largo de la historia del cine que, como ocurrió con Robin Hood, ha sido interpretado por varios actores en cada época. Como Douglas Fairbanks en los años veinte, Tyrone Power en los cuarenta o Alain Delon en los setenta.

   Así que podríamos decir que Banderas ha sido el Zorro de los noventa (y 2000 porque también lo hizo en su secuela). A él y a Hopkins les acompañó Catherine Zeta Jones, que precisamente fue lanzada gracias a esta película y posteriormente tuvo una provechosa carrera participando en títulos como "Traffic", "La terminal" o "Chicago", con la que consiguió el Oscar.

   Sin embargo, ninguno de ellos fue la primera opción. Para el papel del joven Zorro se había pensado en Andy García, para el viejo zorro en Sean Connery y para el de Elena, agárrate, en la cantante Shakira. Salvo la última, todas hubieran sido buenas elecciones. Pero cuando se pensaba en poner tras las cámaras a Robert Rodríguez, éste se empeñó en Antonio Banderas, con el que había trabajado recientemente en "Desperado".

​

   Eso fue cuando Steven Spielberg iba a ser el productor principal. Pero la dilatación del proyecto hizo que se quedara solo como productor ejecutivo. Y Robert Rodríguez terminó saliendo del proyecto por su empeño en una visión más violenta y oscura y el enfrentamiento a causa del presupuesto, que curiosamente luego fue muy superior al que pedía el director mexicano.

   Que llegó a doblarse y más, alcanzando los 96 millones de dólares, cifra bastante alta para la época, pero que rindieron perfectamente en pantalla, obteniendo una taquilla de 250 recaudados. Además de muy buenas críticas generalizadas. Y en eso hay que darle su justo mérito al que sustituyó a Rodríguez tras la cámara.

   Que fue Martin Campbell. Venía de firmar una película poco reconocida pero tremendamente entretenida como "Escape de Absolom", pero sobre todo de resucitar la saga 007, con la primera película del James Bond de Pierce Brosnan, "GoldenEye". Movimiento que repetiría también con la primera película de otro Bond, Daniel Craig, en la que es mi película favorita de toda la saga, "Casino Royale".

   Antes de eso se ocupó de otra película bastante infravalorada, "Límite vertical", y de la secuela de la que hoy comentamos, "La leyenda del Zorro", que no tuvo tanto éxito. A partir de ahí, no tuvo títulos tan destacados, incluso tuvo algún descalabro importante, como el de "Linterna Verde". Pero nadie puede quitarle el mérito de resucitar también el cine clásico de capa y espada con "La máscara del Zorro".

   Con un personaje tan arraigado que incluso mucha gente cree que está basado en alguien real cuando en realidad nació en las páginas de una novela por entregas publicada en una revista pulp, "The Curse of Capistrano", en 1919, de Johnston McCulley. Y sí, puede que se inspirara en algunos forajidos y líderes revolucionarios como William Lamport, Joaquín Murrieta (el Robin Hood mexicano) o Tiburcio Vásquez.

   Tomaba la película como referentes otros personajes míticos que hemos podido ver aquí en este ciclo, como el Cid o Robin Hood, y además las novelas de Alejandro Dumas, especialmente "Los tres mosqueteros". Pero además utilizaba una estructura de orígenes de héroes como el todavía poco explotado cine de superhéroes, como el "Superman" de Richard Donner o el "Batman" de Tim Burton.

​

   Aparte de ser un éxito comercial y de crítica, fue nominada al mejor sonido y mejores efectos sonoros en los Oscars. E influyó en películas posteriores como "Piratas del Caribe", "La venganza del Conde de Montecristo", la versión de 2011 de "Los tres mosqueteros", "El llanero solitario" o "La búsqueda".

Primitive War

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Primitive War.
Dirección: Luke Sparke.
País: Australia.
Año: 2025.
Duración: 130 min.
Género: Aventuras, terror. bélico.
Interpretación: Ryan Kwanten, Tricia Helfer, Nick Wechsler, Jeremy Piven, Aaron Glenane, Anthony Ingruber, Carlos Sanson Jr., Albert Mwangi, Adolphus Waylee, Henry Nixon, Ana Thu Nguyen.
Guion: Luke Sparke. Libro: Ethan Pettus
Producción: Luke Sparke, Carly Sparke, Carmel Imrie.
Música: Frederik Wiedmann.
Fotografía: Wade Muller.
Distribuidora: Rialto Distribution.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Durante la guerra de Vietnam, un comando de soldados es enviado a un valle donde una expedición de Boinas Verdes ha desaparecido. Su misión es encontrarlos o averiguar que les ha pasado. Pero la respuesta es algo que no entraba en las posibilidades.

   LO MEJOR: Con "Jurassic Park", Steven Spielberg hizo la misma operación que con "Tiburón", llevarse un subgénero predominantemente de serie B, como el de las monster movies, al terreno del blockbuster, y desde entonces, los dinosaurios no se han bajado de él, porque rara vez los hemos visto fuera de esa saga. Ésta es uno de ellas pero en regreso a esa serie B donde habitaban antes de que los rescatara Spielberg, salvo en excepciones como las distintas versiones de "King Kong". De hecho, "Primitive War" va donde "Jurassic World" no pudo gracias a no depender de la calificación por edades, que aquí es un R como una casa, muy merecida, pues hay mucha sangre y también tiene gore, lo que le permite acercarse mucho más al terror, aquí mezclado con el género bélico, con cierto toque de ciencia ficción. Porque es una exploitation en toda regla, donde su director, Luke Sparke, ha cogido prestado de todas partes. Todo para llevarse los dinosaurios a una especie de mundo perdido situado en el Vietnam de finales de los sesenta. Una completa locura de argumento que solo es una mera excusa para meter a un comando de soldados estadounidenses en un infierno pero no de Charlies, sino de dinosaurios. De los cuales hay un montón (la última media hora es un festival) y no solo mostrados de noche y en semioscuridad para maquillar su falta de recursos, sino exhibidos a plena luz. Y sí, eso hace que a veces canten un poco, pero para tener un presupuesto de tan solo diez millones de dólares, los efectos especiales son más que dignos. La película no estará muy bien calificada pero yo me lo he pasado bomba.

   Interpretación: El reparto está plagado de desconocidos. Y las caras conocidas vienen por parte de habituales secundarios, como Jeremy Piven ("Ases calientes") o de la televisiva, la hipersensual androide de la serie remake de "Battlestar Galáctica", Tricia Helfer. Pero en definitiva, no es precisamente el apartado interpretativo lo más destacado de la película.

   Escenas (SPOILERS!!): La primera vez que los soldados tienen contacto con los dinosaurios, en un brutal ataque nocturno, es desde una puesta en escena de terror bastante potente, que me ha sorprendido. El ataque de los pterosaurios, como decía, a plena luz, donde se ven perfectamente y no están nada mal hechos, es de las secuencias más divertidas. Pero donde un amante de los dinosaurios y las películas donde los sacan, puede disfrutar más, es sin duda, en la venganza del Tiranosaurus Rex contra la base rusa. Y como no, el posterior tiroteo a pie de helicópteros, contra los deinonychus.

   LO PEOR: Lo dicho, cuando no tienes mucho dinero y encima no tienes reparo en mostrar tus efectos especiales a plena luz, a veces se les ve el cartón. Y creo que se le va al metraje un poco, diez o quince minutos de recorte de la parte central le podrían haber ido bien.

   REFERENCIAS: Debe tener su público cuando se ha aprobado una secuela que podría llegar en 2027. En cuanto a esta, ya decía que toma de todas partes. En la parte bélica de "Apocalypse Now" y "Doce del patíbulo". En la de dinosaurios de "Jurassic World" y "Kong, la isla Calavera". Y en la mezcla de soldados y monstruos, "Depredador" y "Dog soldiers".

   CONCLUSIÓN: 6’5. Si el "mundo perdido" estuviera en un valle de Vietnam, saldría algo tan entretenido y divertido como esta película de bajo presupuesto, que devuelve a los dinosaurios a la serie B, mezclando el bélico con las monster movies.

Música de Película: La Odisea

 

   A estas alturas, en la que ya es la tercera colaboración de Ludwig Göransson con Christopher Nolan, ya no se le puede considerar el sustituto de Hans Zimmer sino el compositor de cabecera del director. Göransson se ha alejado de las músicas de películas tipo "Gladiator" o "Braveheart", optando por un estilo más atmosférico y con la percusión como sonido predominante.

Tema: The trial of the bow.

Película: La Odisea.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.

Tema: Odysseus.

Película: La Odisea.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.

Tema: Troy.

Película: La Odisea.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.

Escenas míticas: Héroes de leyenda - Robin Hood, príncipe de los ladrones

 

   Otro de los personajes míticos mil veces adaptado al cine y también a la televisión (recientemente se ha hecho otra serie la cual ha sido renovada para una segunda temporada). Al menos hay unas 38 versiones entre ambos medios, y de todas ellas esta es mi favorita. Me parece la más divertida. La que más se acerca al tono de cuento o fábula, quizá por contener esos elementos fantásticos.

   De hecho, gracias a su tratamiento de los paisajes naturales, a su fotografía (presencia de la niebla) y cierto aire de mundo mágico, se le llegó a considerar la “Excalibur” de Robin Hood. También por los paralelismos entre sus protagonistas. Porque, al igual que el Rey Arturo, no hay ninguna constancia de la existencia de Robin de Locksley, quien ni siquiera tenía un origen literario.

   Sino que nace del folclore inglés generado alrededor de los siglos XIII y XIV por los canciones de juglares y trovadores. La teoría más aceptada y también más plausible es que Robin Hood estuviera inspirado en la combinación de varios forajidos de la época, que como otros tantos héroes mitificados, no eran tan honorables como se les retrataba.

   Muchos actores se han metido en la piel del que se decía que robaba a los ricos para dárselo a los pobres. Desde los clásicos Douglas Fairbanks y Errol Flynn, pasando por Sean Connery, y por una versión paródica con Cary Elwes en “Las locas aventuras de Robin Hood”, de Mel Brooks, solo dos años después de la de Kevin Costner, hasta los más recientes de Russell Crowe, Taron Egerton o la de este mes de Hugh Jackman.

   Incluso ese mismo año de “Robin Hood, príncipe de los ladrones”, 1991, se estrenó otra película sobre el personaje protagonizada por Patrick Bergin. Que fue totalmente opacada por esta, la cual se convirtió en una de las películas más taquilleras de ese año, recaudando 390 millones de dólares, habiendo invertido en ella 48. Además, de ser un éxito en el posterior mercado de alquiler.

   Le gustó más al público que a la prensa especializada, que mezcló más las críticas positivas y negativas, aunque predominaban más las primeras. El que se llevó la peor parte fue el propio Kevin Costner por su acento norteamericano. Quien quiso forzar el inglés pero no convenció el director, Kevin Reynolds,

   A Costner le acompañaron Mary Elizabeth Mastrantonio (que tuvo que sustituir in extremis a Robin Wright por su embarazo), Morgan Freeman (a nadie le importó que se eligiese a un actor afroamericano, es más, fue uno de los favoritos del público), Christian Slater y Michael Wincott. Y Sean Connery realizó un cameo de un par de minutos como Ricardo Corazón de León, por el que cobró 250000 dólares.

   Pero quien se robaba la función, incluso parte del protagonismo de Kevin Costner, fue un impagable Alan Rickman, quien solo aceptó el papel de villano cuando le aseguraron la libertad para interpretarlo, lo cual hizo de forma un tanto paródica. Su trabajo incluso le reportó una nominación al Bafta como mejor actor de reparto.

   Tras la cámara estaba Kevin Reynolds, que volvió a contar con el otro Kevin, Costner, desde su debut para el cine en la comedia “¿Dónde dices que vas?”. Reynolds se especializó en películas de aventuras, como en la infravalorada “Waterworld” (también con Costner), “Rapa Nui” y “La venganza del Conde de Montecristo”. Y, por supuesto, “Robin Hood, príncipe de los ladrones”.

   En todas sus colaboraciones con Kevin Costner mantuvieron tensos enfrentamientos, lo que no impidió una cuarta en la miniserie western “Hatfields y McCoys”. De hecho, entre ambos hay una amistad que se remonta a los inicios del director. Y como en toda relación, hay peleas, quizá por aquello de “la confianza da asco”.

   El éxito comercial de la película revitalizó el cine medieval y basado en leyendas clásicas, abriendo el camino a títulos posteriores como “El último mohicano” o “Braveheart”. Existe una versión extendida con doce minutos más de metraje. Y la canción de Bryan Adams para la película fue todo un éxito, fue nominada para el Oscar, aunque no lo ganó.

La Odisea

 

   FICHA TÉCNICA

Título: La Odisea.
Dirección: Christopher Nolan.
País: Reino Unido.
Año: 2026.
Duración: 172 min.
Género: Aventuras, fantástico.
Interpretación: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong'o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Bill Irwin, Samantha Morton, Jesse Garcia, Will Yun Lee, Rafi Gavron, Shiloh Fernandez, Mia Goth, Corey Hawkins, Nick E. Tarabay, Jimmy Gonzales, Maurice Compte, Michael Valais, Iddo Goldberg, Josh Stewart, Cosmo Jarvis, Ryan Hurst.
Guion: Christopher Nolan. Obra: Homero.
Producción: Emma Thomas, Christopher Nolan.
Música: Ludwig Göransson.
Fotografía: Hoyte van Hoytema.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras la caída de Troya, Odiseo emprende el largo camino de vuelta a casa, en Ítaca, pero el viaje alberga muchas más dificultades de lo esperado. Mientras su reino se ve amenazado por los pretendientes para sucederle.

   LO MEJOR: Menuda Odisea. Cuántas veces habremos acuñado esta palabra sin pararnos a pensar de dónde viene. Pues Christopher Nolan se ha encargado de recordarlo. Eso sí, es “La Odisea” de Nolan , no de Homero, al igual que “Troya”, era la versión de Wolfgang Petersen de “La Ilíada”, o “Braveheart”, el William Wallace de Mel Gibson. No es un documental ni un libro de historia, básicamente porque la referencia literaria original es pura mitología. Nolan ha hecho una película muy marca de la casa pero a la vez la más diferente al resto de su filmografía, como ya marcaba con “Oppenheimer”, su madurez cinematográfica, saliéndose de sus géneros de confort, acción y ciencia ficción, confirmándose en la cima de los mejores cineastas actuales. Aquí nos brinda un apabullante espectáculo tanto visual como sonoro, que funciona tanto como puro cine de aventuras épicas como de conspiraciones palaciegas, pero cambiando notablemente la idea de Homero en su obra literaria, y haciendo que gire en torno a la manera poco honorable de tomar Troya, en un claro mensaje antibelicista, por lo que los temas que imperan son la culpa y el castigo. Para ello tiene mucho sentido el montaje de la película, en qué orden nos cuentan las cosas, porque no deja de ser Nolan, por tanto, la narración tampoco aquí es lineal. Ese montaje, además, imprime un ritmo perfecto, ni acelerado ni lento, que hace que a pesar de sus tres horas de duración, se pase volando. Personalmente no hubiera tenido problema en que durara más, porque es un blockbuster pero de esos que dejan un sabor como dejaban “Lawrence de Arabia” o “Ben-Hur”. Por cierto, ya sabemos que podría hacer perfectamente una película de terror, aquí ha dejado varias secuencias que lo demuestran.

   Interpretación: Tiene uno de los repartos corales más impresionantes de una película en mucho tiempo, contando con actores de gran nivel hasta en los papeles más secundarios. No vamos a nombrarlos todos porque sería interminable, pero sí vamos a destacar, por supuesto, a Matt Damon.  También a Anne Hathaway, y me ha sorprendido la importancia del papel de Tom Holland, y Robert Pattinson en un personaje muy poco agradecido, odioso.

   Escenas (SPOILERS!!): Evidentemente era imposible incluir todos los capítulos de tan vastísima obra como la de “La Odisea”, y han tenido que dejar unos cuantos fuera. Lo interesante es el tratamiento que le ha dado a algunos de los que sí han incluido en la película, que son los más icónicos, y que Nolan los ha mostrado desde una puesta en escena claramente de género de terror. Como todo el tramo con el cíclope (Polifemo), la visita al Hades e incluso el ataque de los Lestrigones (aquí con imponentes armaduras, las que han suscitado esa absurda polémica). Pero, sobre todo, en la transformación de los soldados en cerdos por parte de Circe (Samantha Morton), es terrorífica. Y atención a cómo rueda la toma de Troya, que hace palidecer la de Wolfgang Petersen, y eso que no estaba nada mal.

   LO PEOR: Lo único que puedo decir es que me he quedado con las ganas de ver un ataque de las sirenas, o al menos verlas. Es donde me hubiera gustado que Nolan se hubiese tomado esa libertad de no hacerlo como en el libro. Y tampoco tiene mucho sentido rodar la película en un formato que no se puede ver en prácticamente ningún sitio.

   REFERENCIAS: Podría ser la secuela de “Troya” (2004), aunque es otro tono. Sus dos primeras horas están cerca del cine de aventuras de “Jason y los argonautas” y “Furia de titanes”, pero la tercera muestra la llegada de Odiseo a Ítaca, como en “El regreso de Ulises” (2024), aunque es mucho más teatral.

   CONCLUSIÓN: 9. Nolan lo ha vuelto a hacer. Un apabullante espectáculo visual y sonoro que, a falta de lo que tenga que decir Villeneuve al respecto, se perfila como la película del año y que debería optar a todo en la temporada de premios.

Escenas Míticas: Héroes de leyenda - Excalibur

 

   Del mito del rey Arturo, al menos, hay unas cincuenta versiones. Las que más recuerda el público son las más recientes. Como la de "El primer caballero" (1995), de Jerry Zucker, con Sean Connery y Richard Gere, "El rey Arturo" (2004), de Antoine Fuqua, con Clive Owen, o "El rey Arturo: la leyenda de la espada" (2017), de Guy Ritchie, con Charlie Hunnan. Pero la mejor, y de muy largo, es, sin duda, "Excalibur".

   Y no es precisamente la más realista. Todo lo contrario. Su director, John Boorman, quiso alejarse lo más posible del tono histórico. Quería que la película fuese una especie de cuento, una fábula fantástica y mágica, pero para adultos. Lo digo para los que critican de antemano el rigor histórico de "La Odisea", de Christopher Nolan.

   Porque allá por 1981, cuando se estrenó, a nadie le preocupó si las armaduras eran las de la época o si era normal que hubiese una espada clavada en una roca. Solo iban y veían la película, sabiendo que no era un documental sino un espectáculo. Claro, tampoco tenían la lacra de las redes sociales, expertos en prejuzgar antes de ver.

   Porque, como "La Odisea", el rey Arturo no es historia, ahora entraremos en ello. Lo que ha dado para que se hicieran tantas versiones y tan diferentes. Si es que hasta los Monty Python hicieron la suya, "Los caballeros de la mesa cuadrada". Porque cuando un tema no se basa en la realidad sino en una serie de mitos y leyendas, admite muchas interpretaciones.

   No hay pruebas de la existencia del rey Arturo, eso sí es un hecho. Pudo ser un jefe militar británico mitificado por su enfrentamiento contra los sajones en la Edad Media o quizá la mezcla de varios líderes diferentes, como pasaba con el vikingo Ragnar Lothbrok, por ejemplo, o incluso Robin Hood o el propio William Wallace. A veces un nombre encarna a varias figuras más desconocidas.

   Su primera aparición literaria fue en "Historia Regum Britanniae", en el siglo XII, a la que diversos autores ingleses y franceses fueron añadiendo las leyendas de Merlín, Lanzarote, Ginebra, los Caballeros de la Mesa Redonda, el Santo Grial, Camelot y, por supuesto, Excalibur. La que dio título a esta película que además engloba todas esas historias.

   Aunque John Boorman tomó como base para su película, "Le morte d'Arthur" (La muerte de Arturo), de Thomas Mallory, de 1485, a la cual, curiosamente, tiene bastante fidelidad porque comparte el aire de magia y mitología que quería darle a la historia.

   Hay que tener en cuenta que Boorman venía de la frustración de no poder sacar adelante su intento de adaptación de "El Señor de los Anillos", por su alto coste.
A la postre, John Boorman sería reconocido especialmente por "Excalibur", pero tiene otras muy buenas películas y de cortes muy distintos. En su filmografía podemos ver títulos como "Defensa", "La selva esmeralda", "A quemarropa", "Infierno en el Pacífico", y sí, también esa horrible secuela de "El exorcista", aunque con el tiempo quedaría como un título de culto.

   Salvo en el caso de Helen Mirren, curiosamente, los que acapararon los papeles principales; Nigel Terry, Nicol Williamson, Nicholas Clay y Cherie Lunghi, no fueron los que más popularidad adquirieron con el tiempo. Sino los secundarios, unos muy jóvenes Liam Neeson, Gabriel Byrne y Patrick Stewart.

   Tan solo fue nominada en los Oscar a la mejor fotografía. No a su vestuario a pesar del enorme trabajo del diseño de unas armaduras que pesaban como las reales y obligaban a los actores a un gran esfuerzo físico. En eso fue de los pocos aspectos que se pretendió que hubiese cierto realismo. La película tuvo buenas críticas y funcionó en taquilla. Costó 11 millones de dólares y recaudó 34.

   Hay varios directores, como Ridley Scott, Peter Jackson o Zack Snyder, que han reconocido esta película como referencia. Y su influencia se hace notar en títulos como "El reino de los cielos", "Braveheart" o precisamente la saga de "El Señor de los Anillos". Y más recientemente en películas como "El Caballero Verde" o "El hombre del norte". Incluso en la serie "Juego de Tronos".

Supergirl

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Supergirl.
Dirección: Craig Gillespie.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 107 min.
Género: Ciencia ficción, fantástico, acción.
Interpretación: Milly Alcock, David Corenswet, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts, Diarmaid Murtagh, Ferdinand Kingsley, Jason Momoa, Emily Piggford, Bruce Lennox, Audrey Brisson, Avye Leventis, Wil Coban, Keeley Forsyth, David Krumholtz, Paul Hunter, Charlie Rawes, Leo Bill, Craig Binning, Clara Rosager, Heather Agyepong, Alice Hewkin, Luke Rollason, Adam Young, Thalissa Teixeira, Winnie Ama.
Guion: Ana Nogueira. Cómic: Tom King. Personajes: DC Comics.
Producción: James Gunn, Peter Safran.
Música: Claudia Sarne.
Fotografía: Rob Hardy.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Kara Zor-El se ve obligada a encontrar a unos piratas espaciales para dar con el antídoto de un veneno que le han inyectado a Krypto. En el viaje a contrarreloj la acompaña una niña cuya familia fue asesinada por esa misma banda.

   LO MEJOR: Es verdad que iba con unas expectativas muy bajas. No por los pobres resultados de taquilla, un dato al que suelo atender muy poco, sino porque la anterior película de este Gunnverso me había supuesto la mayor decepción de su año. Pero, objetivamente, podría afirmar que "Supergirl" no es peor que la mayoría de títulos del género de superhéroes de los últimos años. De hecho, me parece más entretenida que el último "Superman". También es cierto que dura como 45 minutos menos, lo que favorece mucho su ritmo. Incluso diría que es mejor visualmente. Hablo de puesta en escena, planos y demás, no de espectáculo visual. Pero sí, amigos, Craig Gillespie rueda mejor que James Gunn. No obstante, el problema es que el género de superhéroes está muy quemado, e incluso propuestas mucho mejores que esta, como "Thunderbolts" o "Los Cuatro Fantásticos", han tenido respuestas taquilleras mucho menores de lo esperado. Ya veremos si esto afecta a la próxima película de "Spider-Man" o de "Vengadores", pero está claro que esto, más que un aviso, es una confirmación. De todos modos, tiene algunos aspectos interesantes, como moverse más en el terreno de la space opera con un marcado tono de aventuras, y lo que cuenta sobre los antecedentes familiares y el origen de Kara Zor-El. Ese era el camino, lo que pasa es que le dedican muy poco tiempo.

   Interpretación: Si alguien merece salvarse de la quema esa es Milly Alcock. No es culpa suya que le hayan pedido una Supergirl macarra y borrachuza. Ella cumple a la perfección con ese perfil y también con la dramática cuando le toca. Repito, ella está bien. En cuanto a la aportación de Jason Momoa es bastante menor de lo que proponía el tráiler y la promoción de la película. Además, su personaje está metido con calzador. Pega muy bien como Lobo, pero sigue siendo Aquaman, porque sigue haciendo de sí mismo, de Momoa.

   Escenas (SPOILERS!!): ¿Alguien me puede explicar por qué son tan oscuras la mayoría de escenas de acción? Es que casi no se ve nada. Normalmente se hace para ocultar unos malos efectos visuales, pero es que el presupuesto de la película era de 170 millones de dólares. Y han vuelto a profanar la esencia del personaje, al igual que hicieron con Superman, a quien sus padres le recomendaban poco menos que formar un harén de humanas para hacer muchos supermancitos. Pues aquí Supergirl se carga a sangre fría al villano y además ensañándose para rematarlo. Esto no es propio de Superman, pero tampoco de Supergirl.

   LO PEOR: Mucho alardear de dar libertad a los directores pero a la mínima que alguien se ha salido de la dirección marcada por James Gunn, este ha intervenido recortando, retocando y modificando lo que había hecho Craig Gillespie, apagando la personalidad que podíamos verle en "Yo, Tonya" y "Cruella", para acercarla más a la película que lleva haciendo toda la vida Gunn, "Guardianes de la Galaxia". Para colmo, le ha encargado el guion a una actriz que debutaba en esta materia, Ana Nogueira, y lo siento pero se nota muchísimo.

   REFERENCIAS: Se supone que adapta el cómic "Supergirl: Woman of Tomorrow", pero yo no veo mucho de él en la película, solo una premisa argumental inicial. Es más una mezcla de "Guardianes de la Galaxia" con las últimas películas de "Mad Max". Porque no es la Supergirl de Helen Slater, ni de Melissa Benoist, y mucho menos la de Sasha Calle.

   CONCLUSIÓN: 5’5. A pesar del batacazo, no es peor que la mayoría del cine de superhéroes de los últimos años, lo que confirma el agotamiento que sufre este género y pone en jaque el futuro del Gunnverso cuando apenas había iniciado. 

Microcríticas Express: The Smashing Machine/Michael/Marty Supreme

 

   Más que un biopic sobre la vida de Mark Kerr, un mítico luchador de la UFC cuando esta estaba iniciándose y apenas tenía reglas, porque solo muestra un tramo, un intervalo de años de su carrera, concentrándose en el descenso a su infierno personal donde una derrota (interesante la lectura que hace de como afecta a alguien que solo conocía las victorias) hace que su vida de un vuelco, cayendo en el abuso de los medicamentos, lo que se unió a la difícil relación con su pareja. Para contárnoslo, Bennie Sadfie utiliza un estilo de filmación casi como un documental, lo que le da bastante realismo pero creo que comete un error, hace que ese formato este omnipresente, que sea como si los personajes siempre tuvieran un cámara delante. Me da la sensación de que estoy viendo más un reality show y eso es perjudicial para las escenas íntimas, me refiero, a que hasta cuando discuten en casa o el protagonista muestra sus sentimientos, sus miedos y demás, sigue pareciendo un reality, y eso ha terminado por sacarme de la historia, es decir, lo contrario de lo que pretende. Además, que me parece que perjudica especialmente a Emily Blunt, lo que hace que la desaprovechen. Pero beneficia a Dwayne Johnson, que claramente realiza la mejor interpretación de su carrera. Es verdad que tampoco era difícil superar a lo anterior pero no le quita el mérito de ofrecer un esfuerzo dramático elogiable, aunque tampoco es que lo vea para que lo hubieran nominado al Oscar. Pero si es interesante como muestra a un personaje que continuamente está conteniendo su furia e intentando ser amable. La película es buena pero menos de lo que podría haber sido. 6’5.

   Partinmos de que todos lo biopics de cantantes “blanquean” la imagen del personaje en cuestión, que tienden a ser más un homenaje que una representación fiel de la realidad. Y todos lo hacen, salvo algunas excepciones como “The Doors” o “The Dirt”. “Bohemian Rhapsody”, que a mí me gustó, lo hacía, pero al menos tocaba, en mayor o menos medida, ciertos temas polémicos, no hacía como si no existieran, no tomaban al espectador por tonto, como si no hubiera estado en este planeta mientras eran de todos conocidas ciertas situaciones en torno a una figura pública. Es lo que hacen aquí. Que si Janet Jackson no quiere aparecer en la película, hacemos como que nunca nació. Que Michael Jackson era adicto a la cirugía plástica, pues en una escena le sacamos diciendo que se va a operar y en otra le ponemos una tirita en la nariz. Eso si, metemos catorce escenas en las que visita un hospital o en las que se compra una mascota y demuestra su amor por los animales. Es decir, el objetivo es mostrar a Michael Jackson como un ángel en la tierra, casi beatificado. Si vas a hacer esto, di que es una película inspirada en la figura idealizada de Michael Jackson, no en su vida. Porque como película, o sea, cinematográficamente, funciona bien. Es bastante entretenida (si lo tomas como ficción), se me ha pasado bastante rápido y eso que supera las dos horas. La recreación de las actuaciones es claramente lo mejor, están clavadas, gracias, en gran parte, a que el actor, Jaafar Jackson, emula de maravilla el lenguaje físico y gestual del que fuera su tío. Aunque funciona mucho mejor sobre el escenario que fuera de él, donde mantiene exactamente la misma expresión siempre. Habrá que ver si en la segunda parte se atreven a más, pero teniendo en cuenta que a esta le quitaron cuarenta minutos, que está de productor John Branca (su protector) y los hermanos metiendo mano, va a ser otra tomadura de pelo. Para fans del cantante, pero para fans incondicionales. 6.

   Otro biopic que en realidad no lo es porque es una interpretación más que libre de la historia de un jugador de ping pong que si existió, que fue bastante controvertido y polémico pero que nadie sabe demasiado de su vida fuera de los torneos que jugaba y algunos escándalos que aireó la prensa. Aunque se base en un libro sobre las memorias de Marty Reisman, su director, el otro de los hermanos Sadfie, Joshua, ha reconocido que tres cuartas partes de la película son inventadas. Por eso no entiendo porque se le ha ido de metraje tanto, añadiendo escenas que me cuestan mucho creer y que no me aportan más que mostrar la personalidad de un tipo que tampoco es que me resulte demasiado interesante. Se me ha hecho larga porque todo lo que no tuviera que ver con la parte deportiva directamente me daba igual. Si tenía un romance con una actriz madurita, me daba igual, y si le perseguían porque debía dinero, me daba igual. Que encima son las partes inventadas. Nunca creí que diría una frase así pero, ojalá hubieran hablado más de ping pong. Me refiero a el tema de su peculiar estilo de juego, su rivalidad con el mejor jugador de Japón, eso si me parecía interesante. Porque cuando digo que se va de metraje es que le sobran veinte o treinta minutos pero muy a gusto. Eso si, Timothy Chalamet está magnífico. Me gusta mucho Michael B. Jordan y creo que hace una buena interpretación en “Los pecadores” pero, sinceramente, creo que le han robado el Oscar a Chalamet porque si la película tiene algún interés es por su interpretación, metiéndose además en un personaje que no cae precisamente simpático. Creo que si no fuera tan bocazas en sus entrevistas, le iría mejor, porque es descarado que está buscando la estatuilla dorada. 6.

Escenas Míticas: Héroes de leyenda - El Cid

 

   El estreno de la última película, probablemente la más esperada de este año, de Christopher Nolan, "La Odisea", nos va a servir como excusa para tratar un tema bastante interesante, el de los personajes adaptados al cine que o bien han sido totalmente idealizados o directamente inventados, que es justo lo que hizo Homero con los de su poema "La Odisea", por lo que aquellos que van de historiadores, ahora hay muchos, deberían tener en cuenta que es ficción y no historia y, por tanto, sus críticas son absurdas.

   Algo que no ocurría con el protagonista de esta película, el Cid Campeador, a pesar de las cuantiosas inexactitudes históricas y de ofrecerse una visión de esa figura bastante distorsionada de la realidad. Pero es que eran ellos, el público de aquella época, allá por los sesenta, los acertados y no nosotros, porque una película de aventuras no es un documental.

   No obstante, el Cid sí existió, fue el apodo de Rodrigo Díaz de Vivar pero la versión que se hace de él está basada en un poema, el "Cantar de Mio Cid", que es una romantización posterior de esa figura histórica, lo cual se convertiría en leyenda. Y aquí viene lo interesante, hasta el punto que gran parte del público considera lo que cuenta la película como muy fiel a la realidad.

   Efectivamente, el Cid se convirtió en un símbolo mítico español de la Reconquista contra los musulmanes durante la segunda mitad del siglo XI. Pero no fue un cruzado sino más bien un caudillo militar que sirvió sus capacidades de liderazgo y estrategia a diferentes reyes, que tuvo bajo sus órdenes tanto a cristianos como a moros y que estaba más cerca de ser un mercenario que de otra cosa.

   No hay pruebas de que obligara al rey Alfonso a jurar su no culpabilidad por la muerte de su hermano Sancho ni de que ganara la batalla de Valencia prácticamente muerto. Pero es que la película ni siquiera es demasiado fiel al "Cantar del Mio Cid", del que solo se toman algunas partes, como la de su destierro, porque toda la parte romántica con Jimena se tomó de la obra teatral "Le Cid", de 1637.

   Charlton Heston, que era un apasionado de la historia, estaba fascinado con la figura del Cid, precisamente desde esa visión heroica del personaje. Sin embargo, en un principio se manejó la opción del español Francisco Rabal, con Sean Connery y Orson Welles en el reparto. Incluso para el papel de Jimena se rumoreó un enfrentamiento entre Carmen Sevilla y Sara Montiel.

   No se sabe si esa pugna llegó a darse de verdad, pero en cualquier caso, el papel fue para Sophia Loren, que formó una pareja cinematográfica con Charlton Heston con quien tuvo una enorme química, de las más icónicas de la época y del cine en general. Les acompañaron Raf Vallone y John Fraser en papeles secundarios.

   La dirección cayó en manos de un cineasta tan reputado como Anthony Mann, con sobrada experiencia para dar carácter épico a sus películas. Estamos hablando del autor de clásicos como "Horizontes lejanos", "Winchester 73", "La caída del imperio romano" o "Cimarrón". Y, por supuesto, "El Cid".

   El rodaje fue todo un acontecimiento en España, donde fue filmada casi de forma íntegra, con localizaciones como Ávila, Burgos, Madrid o Toledo entre otras muchas. Se llegaron a utilizar hasta 7.000 extras (de los reales, no digitales), gran parte de ellos estaban cumpliendo el servicio militar. Se confeccionaron 10.000 trajes y se construyeron 35 barcos y 50 máquinas de asedio.

   Es una de las películas favoritas de Martin Scorsese, bajo cuya supervisión se realizó la restauración de la película en 1993. La película tuvo muy buenas críticas y es considerada un clásico incuestionable de la historia del cine. Tuvo tres nominaciones a las categorías de dirección artística, canción original y banda sonora. Costó 6 millones de dólares y recaudó 26 en taquilla, es decir, un éxito.

   Se cita muy poco a "El Cid" como influencia en el cine posterior, mucho menos que otros títulos clásicos como "Lawrence de Arabia" o "Ben-Hur". Pero lo cierto es que influyó, y mucho, en el cine épico de Ridley Scott, especialmente en "El reino de los cielos", "Gladiator" y "Robin Hood", y en películas de corte épico y de leyenda como "Excalibur" o "Braveheart".

Obsession

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Obsession.
Dirección: Curry Barker.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 108 min.
Género: Terror, thriller.
Interpretación: Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Andy Richter.
Guion: Curry Barker.
Producción: James Harris, Haley Nicole Johnson, Christian Mercuri.
Música: Rock Burwell.
Fotografía: Taylor Clemons.
Distribuidora: Focus Features.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un chico que está enamorado de una compañera de trabajo, pide el deseo de ser correspondido. Pero el resultado no es como esperaba, porque el comportamiento de ella está bastante lejos de ser normal y convierte su vida en una pesadilla.

   LO MEJOR: Pues es la tercera vez que este año menciono a un título como la película de terror del año porque después de "Backrooms", pensé que el listón se habría quedado muy alto para superarlo. Pero efectivamente esta "Obsession" lo ha hecho. Lo que reconfirma el excelente año en el género de terror, como además el más rentable. Este ha recaudado trescientas veces lo invertido en ella. Además con una propuesta totalmente diferente a la anteriormente mencionada o a "La momia de Lee Cronin", por ejemplo. Aquí trabajando mucho más desde lo psicológico que desde el terror puro, que se apoya más en el suspense que en el horror. Una película que es un in crescendo constante de tensión pero que no renuncia a los jump scare (muy seleccionados) ni a los estallidos de violencia explícita, que cuando hacen acto de presencia lo hacen como si un tren de mercancías irrumpiera en la pantalla. Como en "Háblame", "Devuélvemela" o "Backrooms", un youtuber veinteañero, que además debuta en el largometraje, Curry Barker, nos regala una muy buena película de terror, con más imaginación que dinero. Que además tiene valor temático desde un argumento que podría ser el de una comedia romántica, pero que muestra una relación retorcidamente tóxica, aunque en el sentido contrario del que parece. Porque ¿Qué hay más tóxico que obligar a alguien a que te quiera? Porque ese descenso hacia la locura que es mitad posesión, mitad desdoblamiento de personalidad, te obliga a pensar que hay que tener mucho cuidado con lo que deseas.

   Interpretación: No la desconocía, ya había visto a Inde Navarrette en la serie "Superman y Lois", precisamente por eso me he llevado esta sorpresa. La joven actriz se pasa el juego hasta la última pantalla. Qué capacidad de cambiar de expresión. No lo van a hacer, porque ya sabemos lo que pasa con este género pero lo merece, Inde Navarrette estará entre las interpretaciones femeninas del año, y deberían nominarla. Vale, el personaje era un caramelo. Pero ya sabemos lo que hacen otros con estos caramelos. Y no a su nivel pero sí muy bien, está Michael Johnston.

   Escenas (SPOILERS!!): Para explicar lo que le pasa a Nikki (Navarrette) tras que Bear pide el deseo, es que no es que se enamore de Bear, es que es poseída por otra Nikki, como superpuesta, pero la Nikki verdadera sigue dentro, por eso de vez en cuando sale. Su cuerpo está siendo usado para satisfacer el deseo de él, pero esa no es la Nikki verdadera. Ella es la víctima aquí, la prisionera dentro de su propio cuerpo. Que la cosa se vaya de madre y termine suponiendo una pesadilla para el chico no es más que una cuestión de karma, es su castigo por obligarla a quererle. Tiene el que probablemente es el jump scare del año y también una de las escenas más violentas, sí, la muerte de Sarah (Megan Lawless).

   LO PEOR: Lo único que se puede decir es que sí es verdad que el argumento es bastante simple. Vale, no es muy complicada. Pero Curry Barker piensa que menos es más y le funciona.

   REFERENCIAS: Si cogemos "Big" y "Al diablo con el diablo" y lo pasamos por el filtro del cuento de "La pata del mono", con un poco de "Together, juntos hasta la muerte", puede salir algo como esto.

   CONCLUSIÓN: 8. Cuidado con lo que deseas si lo que quieres es obligar a alguien a que te quiera, porque te sale una brutal Inde Navarrette para convertir la historia en la, esta vez creo que si (o no), película de terror del año.