Posesión infernal, En llamas

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Posesión infernal, En llamas.
Dirección: Sébastien Vanicek.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 110 min.
Género: Terror.
Interpretación: Souheila Yacoub, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Erroll Shand, Tandi Wright, Maude Davey, Greta van den Brink, George Pullar, Keanu Karim, Victory Ndukwe, Tapiwa Soropa.
Guion: Sébastien Vanicek, Florent Bernard
Producción: Sam Raimi.
Música: Double Danger.
Fotografía: Philip Lozano.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras la extraña muerte de su marido, una mujer pasa las horas siguientes en una casa de la familia de él. Pero poco a poco todos sus miembros parecen estar poseídos por una forma demoníaca.

   LO MEJOR: Es la sexta entrega de la saga pero habría que separar la trilogía inicial de Sam Raimi, de las tres siguientes, de las cuales, una es un remake y las otras dos, una de ellas es esta, no tienen continuidad argumental más allá de que el hilo conductor sea que la amenaza para los distintos grupos de personajes, es la misma. Pero funcionan de forma independiente solo que formando parte del mismo universo. Y es una fórmula que les está funcionando bastante bien porque permite verlas sin tener que saber todo lo que ha pasado anteriormente. Aunque esto no es cierto al 100%. Ahora bien, si tienen una coherencia estilística bastante evidente. Que es ser un terror extremadamente brutal en cuanto a lo explícito de su gore, y a lo violentísimas que son sus escenas, despojadas de ese humor original de Raimi (aunque este siga como productor) que servía de alivio cómico a tanto salvajismo. Aquí, salvo un par de chistes, el tono es mucho más serio y eso se está convirtiendo en su marca de identidad propia respecto a los orígenes de la saga. Otra de ellas es cambiar de escenario. Ya no es una cabaña ni tampoco un edificio de apartamentos, sino una casa grande en medio del campo. No dirige Lee Cronin pero Sebastián Vaniček ha tomado buena nota de lo hecho por su predecesor en el puesto en la anterior entrega, en cuanto a la brutalidad y la violencia de la historia, pero lo ha rodado de forma diferente, con un montaje mucho más rápido y un ritmo cercano al género de acción. No me entra entre las mejores películas de terror de 2026 porque este año está siendo tremendo en este género. En otro año quizá sí habría entrado.

   Interpretación: El reparto es bastante desconocido para el gran público. A algunos les puede sonar Hunter Doohan de la serie “Miércoles”. Aunque la protagonista, dentro de que es una película bastante coral, es la actriz Souheila Yacoub (“Clímax”, de Gaspar Noé). Podemos ver a Alisha Sutherland pero no diré en qué contexto.

   Escenas (SPOILERS!!): Salvo aquí, ya con spoilers. Porque Alisha Sutherland vuelve como Ellie, en lo que es la única conexión con “Posesión infernal, el despertar”, pero en una de las escenas postcréditos, en la segunda. Algo interesante es como incide la película en que la forma de transmitirse la posesión es como una enfermedad, es decir, por contacto físico. No puede ser casualidad. En cuanto a cuáles son las mejores secuencias de la película, creo que está bastante claro. La primera escena, lo que prácticamente es un prólogo, la muerte de los pescadores, es una carta de presentación que confirma el tono de la anterior película. Aunque personalmente me quedo con la lucha dentro del coche, que termina con la muerte de la novia del hijo. Y, especialmente, el regreso de este a la casa y el horror y el caos que supone para los demás miembros supervivientes de la familia.

   LO PEOR: Y es que uno de los aspectos que le bajan la nota final a la película es el guion, que no puede ser más simple. A ver, tampoco nos volvamos locos, no ha sido nunca los guiones lo más destacado de estas películas pero es que el de esta es meramente un pretexto para dar paso a sus set pieces de muertes.

   REFERENCIAS: Es un sucedáneo de “Posesión infernal, el despertar” y va en la línea de la también película de Lee Cronin de este año, en su versión de “La momia”. Y a veces trae cierto aire al terror extremo francés de hace veinte años.

   CONCLUSIÓN: 6’5. En la línea de su predecesora en la saga, tras su reinicio, es decir, toneladas de sangre y gore de lo más divertido, que incrementa, si es que eso era posible su nivel de violencia, pero no hay nada nuevo.

The Bear

 

   Parecía imposible que una serie de cocina pudiera resultar tan interesante pero no solo lo ha sido sino que además ha sido una de las mejores de los últimos años y, además, de forma reconocida en cuanto a premios se refiere. Es verdad que en su tercera temporada se desvió un poco de lo que tan bien funcionaba en su primera y segunda temporada, que era un ritmo extenuante y una intensidad dramática altísima, porque abusó de los flashbacks y se gustaba demasiado a sí misma. Pero recuperó el tono en la cuarta temporada. Y la última, sencillamente, ha sido para enmarcar.

   SI, CHEF

   Porque la quinta y última temporada ha sido una vuelta a los orígenes, y más en concreto a las dos primeras, recobrando el formato de capítulos de media hora, uno de los aspectos más identificativos de la serie en sus inicios. Rodada casi como si fuese una película en ocho partes, que todas juntas completan un solo día, pero un crucial, de cuyo éxito o fracaso depende el futuro del restaurante y, en consecuencia, de las vidas de todos los que forman parte de él. Se acabó el desarrollo de personajes a base de flashbacks. No, los personajes están ahí y se la están jugando. La acción (sí, está bien dicho) y el suspense suceden al día. Más allá de que todo esté salpicado a momentos bastante dramáticos, aliviados con acertados y dosificados apuntes de humor. Lo del episodio siete es una auténtica maravilla, prácticamente perfecto. Todo en él está bien: la dirección, la intensidad, el montaje y especialmente las interpretaciones, el auténtico motor de la serie. Y si el séptimo episodio es el más emocionante, el octavo es el más emotivo. Un, más que digno, brillante final para una gran serie, que ha sabido cuando debía concluir y no extenderse de más.

   TODOS LOS SEGUIDORES CUENTAN

   Que como ya comentaba con "Euphoria", es un serie de autor indiscutiblemente, donde su creador, Christopher Storer, es además el escritor y director de todos los episodios. Digamos que es su criatura. Desconozco cuál es su próximo proyecto pero habrá que estar pendientes. De momento, ha conseguido emocionarme con este grupo de personas normales tratando de salir adelante con un restaurante.
No obstante, no solo Storer sale reforzado con la experiencia sino prácticamente todo su maravilloso casting. Buena parte de los premios que ha recibido la serie han recaído en los actores de su reparto, catapultándoles hacia arriba, como son los casos de Jeremy Allen White, Ayo Edebiri o Ebon Moss-Bachrach. Pero hay que tener muy en cuenta las apariciones más o menos cuantiosas en tiempo en pantalla, de los impagables Jon Bernthal, Jamie Lee Curtis, Will Poulter y Oliver Platt.

Escenas Míticas: Monstruos acuáticos - Infierno azul

 

   Cómo no iba a haber una de tiburones en este ciclo. Si las hay todos los veranos, incluso fuera de ellos, este año “Embestida”, por ejemplo. Tan cierto como que demasiado habitualmente el nivel ha sido muy bajo y son muy pocos los títulos de este subgénero que uno repite o hasta que pueda recordar una semana después de haberlas visto. Bueno, las de “Sharknado” se recuerdan pero por motivos muy distintos.

   Por supuesto, hay excepciones. Más allá de la secuela de la propia instigadora de la oleada de monster movies que se produjo después, “Tiburón” (ojo, la primera, es decir, “Tiburón 2”, las demás mejor olvidarlas), ha habido películas que se salvan de la quema. Como la divertidísima “Deep blue sea”, “Open water”, “A 47 metros” o incluso “Megalodón”. Y desde luego “Infierno azul”.

   Que probablemente es la mejor película de tiburones desde la de Steven Spielberg. Su éxito creó una avalancha de imitadoras de su fórmula, que nadie logró emular y que aplicaron a cualquier argumento con un animal amenazando vidas humanas, no solo tiburones. Personalmente solo destacaría dos por encima de las demás: “Piraña” y “Orca, la ballena asesina”.

   Porque yo siempre recomendaré, eso sí, sabiendo muy bien lo que es, “El último tiburón”, una típica exploitation italiana, que no tuvieron la más mínima vergüenza de vender como “Tiburón 3”, y que copia sin pudor el armazón argumental de la película de 1975. Desde luego, no es buena, incluso podría calificarse de infame, pero qué bien te lo pasas viéndola.

   El responsable de “Infierno azul” es un director bastante infravalorado en general por no tener un sello personal. De esos calificados “de encargo”. Pero que saben dirigir, que muy pocas veces fallan, lo que yo llamo un artesano efectivo. Hablo del español Jaume Collet-Serra. Prueba de que los productores sí aprecian esa efectividad es que nunca le falta trabajo.

   Collet-Serra debutó con el remake de “La casa de cera”, a la que considero bastante mejor versión de lo que se dijo. Y siguió con lo que ya es un clásico moderno del thriller de terror, “La huérfana”. Además, de un puñado de thrillers de intriga y suspense protagonizados por Liam Neeson, con el que prácticamente formó una sociedad. Quizá por su experiencia en el género es por lo que ha sido elegido el cineasta para el también remake de “Máximo riesgo”.

   Sin embargo, no fue la primera opción, el elegido había sido el francés Louis Leterrier (“Transporter”) pero rechazó la oferta por diferencias creativas y porque quería un presupuesto más amplio. Que finalmente fue de 17 millones de dólares, que se materializaron en un gran rendimiento en taquilla, en total 116 de recaudación. Y, en general, buenas críticas por parte de la prensa y el público.

   Jaume Collet-Serra le hace varios guiños a la película que todo el que hace una película de tiburones tiene como referencia desde hace cincuenta años, “Tiburón”. Esos planos desde debajo de las víctimas, recortando su silueta contra la superficie del agua o la forma en la que brota la sangre y tiñe el mar. Quién no ha copiado eso de Spielberg. Pero el homenaje más claro es situar una boya como elemento básico en la parte final de la historia.

   Y como en aquella, las apariciones del escualo están muy dosificadas. Por cierto, realmente bien recreado, totalmente por ordenador. La que no lo fue, es decir, es completamente real, fue la gaviota que acompaña a la protagonista buena parte de la película y con la que la actriz logró crear un lazo de confianza. Fue sacada de una organización conservacionista.

   Paradójicamente, la secuencia más compleja de filmar fue la conversación con los surfistas, para la que se necesitaron nueve barcos y setenta personas. Porque prácticamente todas las tomas submarinas fueron rodadas en un tanque de agua. Y probablemente la escena más visualmente fuerte fue la de la autosutura, donde la protagonista se cierra la enorme herida en la pierna con apenas unos pendientes que lleva.

   Que fue Blake Lively, en una de las mejores, si no la mejor, interpretaciones que ha hecho. Espoleada por su marido, Ryan Reynolds, para aceptar el papel, pues tenía ciertos paralelismos con el que acababa de hacer él, “Enterrado”, es decir, pasar gran parte de la película solo. Por eso no podemos destacar a más miembros del reparto, más allá de las breves participaciones de Óscar Jaenada y Brett Cullen.

El final de Oak Street

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El final de Oak Street.
Dirección: David Robert Mitchell.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 99 min.
Género: Ciencia ficción, aventuras.
Interpretación: Anne Hathaway, Ewan Mcgregor, Maisy Stella, Christian Convery, Jordan Alexa Davis, P.J. Byrne, Hudson Meek, Anne Gee Byrd, Emily Kuroda, Simms May, Walker Russell, Michael-Christian Moore, David Alexander Kaplan.
Guion: David Robert Mitchell.
Producción: J. J. Abrams, David Robert Mitchell, Matt Jackson, Tommy Harper.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Mike Gioulakis.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un extraño fenómeno ocurre en la calle Oak y el barrio en torno a él, donde vive una familia que, empieza a encontrarse con animales que es imposible que vivan en ese momento.

   LO MEJOR: Lo dijo así de claro, por mí que saquen una de estas al mes. Por fin he podido ver una película de dinosaurios entera atacando por las calles. Aquello que solo nos dejó ver Spielberg en "Jurassic Park. El mundo perdido", solo en su tramo final, o que prometía "Jurassic World Dominion" pero solo cumplió en un par de escenas. Y me me alegro de que se hagan películas de dinosaurios fuera de una saga que los lleva acaparando más de treinta años. Recordemos que antes de que se adaptara la novela de Michael Crichton ya se habían hecho muchas películas de dinosaurios (viva el stopmotion). Curiosamente es al cine de Spielberg al que más mira "El final de Oak Street", pero tanto al dirigido como al producido en la década de los ochenta. Es el mismo modo de vida americana y el perfil de familia disfuncional que podemos ver en "E.T., el extraterrestre" o "Encuentros en la tercera". Por cierto, argumentos muy de serie B pero con dinero, como este. Que mezcla ciencia ficción con el género de aventuras (que domina), con unas gotas de terror. Porque sí, es cierto que hay más violencia que la que podemos ver habitualmente en la saga "Jurassic World", aunque no tanta como se está diciendo. También se cortan bastante. No obstante, hay que tener claro que no pretende ser otra cosa que una monster movie entretenida, una diversión veraniega. Que toca la comedia de vez en cuando introduciendo algunos gags de alivio cómico, con humor negro muchas veces. No ha tenido un inicio rompedor en taquilla pero espero que el boca a boca le de lo que merece la película.

   Interpretación: No deja de ser extraño ver a dos estrellas como Anne Hathaway y Ewan McGregor en una película de este tipo. Hathaway se ha propuesto tocar absolutamente todos los géneros cinematográficos en un mismo año. Lo cual habla bastante bien de la versatilidad de una actriz con innumerables registros tanto dramáticos como cómicos. Gracias a Christopher Nolan por rescatarla. Ella es lo mejor del reparto aunque parece que McGregor se lo pasa mejor.

   Escenas (SPOILERS!!): No es que explique demasiado lo que está ocurriendo. Es decir, sí se hace referencia a los agujeros de gusano, y de cómo posiblemente a través de uno de ellos, un barrio residencial entero se ha movido al pasado cuando vivían los dinosaurios. Pero ni se dice por qué ni ahora ni cómo. Tampoco parece importarles demasiado a los creadores. Destacaría cuatro secuencias. El primer ataque y persecución. Porque además vemos como los dinosaurios atacan a otros vecinos. Me ha recordado a "Gremlins" (producción de Spielberg). Me ha sorprendido mucho la muerte de Greg (McGregor), además primero arrancándole una pierna, aunque sea devorado fuera de plano. Y también es verdad que tenía truco porque luego se recupera al personaje. Y creo que la serpiente gigante se la han inventado, no creo que existiera nunca, pero es la mejor escena de la película.

   LO PEOR: Algunos medios se están, y lo voy a decir así, flipando con los titulares sobre la película. Es generar unas expectativas desmesuradas que perjudican a la película. "La mejor película de dinosaurios desde Jurassic Park", "La película de dinosaurios más terrorífica". No hay que exagerar tanto.

   REFERENCIAS: El director es David Robert Mitchell pero no tiene nada que ver con sus películas anteriores. Se nota la producción de J.J. Abrams. De hecho, es una mezcla de "Super 8", "Vivarium", "Jurassic Park" y la reciente, que ya pudimos ver aquí, "Primitive War".

   CONCLUSIÓN: 7. Por fin podemos ver a los dinosaurios por las calles en este divertido entretenimiento veraniego que tiene cierto regusto a serie B ochentera, pero con dinero. Que hagan más de estas cuando quieran.

Euphoria

 

   Casi hizo más ruido el inicio de su tercera y última temporada que su final. Quizás porque por el camino mucha gente se fueron desenganchando decepcionados por confirmar que ya no era una serie de jóvenes estudiantes muy pasados. Ya lo adelanto, yo no soy uno de ellos. Porque si en la segunda temporada los integrantes de su reparto ya eran plenamente adultos, ahora cuatro años después, lo son aún más, rondando la treintena y algunos superándola. Era absurdo que siguieran interpretando a adolescentes, que esto no es "Grease".

   SI PUDIERA SER UNA PERSONA DIFERENTE, LO SERÍA

   Y es que "Euphoria" nunca ha sido una serie para grandes masas. Todo lo contrario, corresponde mucho más con un producto de culto, una serie de autor, el que es Sam Levinson, que ha escrito y dirigido casi todos los episodios de sus tres temporadas. Con una historia que representaba un enorme riesgo tanto en lo argumental como en lo artístico, donde ha sido tan vital lo que cuenta como cómo lo contaba. Que nunca ha estado exenta de polémica por mostrar de forma sumamente explícita un mundo juvenil marcado por el sexo, las drogas y la violencia. Por no hablar que visualmente es una absoluta maravilla artística, que funciona más por los mecanismos visuales del cine que de la televisión. "Euphoria" nunca ha sido una serie fácil, pero es que tampoco lo ha pretendido.

   ¿ESTA PUTA OBRA ES SOBRE NOSOTROS?

   Personalmente me ha enganchado más esta tercera temporada que la segunda. No obstante, más que una tercera entrega, es una secuela de un combo formado por la primera y la segunda. Es como que nos han querido contar qué es lo que ha pasado con esos personajes que conocimos en la historia contada en las dos primeras temporadas, habiendo pasado varios años, lo que me parece más coherente que seguir mostrándolos yendo al instituto. Es acorde a las edades de su reparto y a las trayectorias de sus personajes. Y sí, se convierte en una historia de traficantes, matones, prostitutas, strippers y plataformas eróticas. Porque no sé si es que el público se ha perdido por el camino pero estos personajes no tenían mucha pinta de terminar siendo cirujanos, abogados o arquitectos. ¿De verdad a alguno le extraña que Cassie se convierta en modelo de OnlyFans, Jules en prostituta de un hombre mayor y Rue acabe en el mundo de las drogas? Y sí, no podría ser un desenlace feliz, esto siempre ha sido una tragedia, con cierto humor negro, pero la historia trágica de un grupo de jóvenes actuales.

   TIENES DOS CAMINOS EN LA VIDA, EL QUE ELIGES, Y EL QUE TE ELIGE A TI

   "Euphoria" ha sido una auténtica fábrica de estrellas hoy indiscutibles. Es donde Zendaya, casi empeñada adrede en aparecer lo menos bella posible, se convirtió realmente en actriz, una a la que hoy no le faltan proyectos de envergadura. O como Sydney Sweeney, que casi se autoparodia a sí misma y a su imagen sexualizada, que ella misma no rechaza y hasta explota, a la que le llueven los contratos. Pero también a Jacob Elordi o Hunter Schaffer. Y en menor medida, Maude Apatow y Alexa Demie. Algo habrá hecho bien esta serie. No solo saber elegir un casting sino además darles personajes y líneas de guion para que crecieran de tal manera que hoy se pelean por ellos.

Escenas Míticas: Monstruos acuáticos - El territorio de la bestia

 

   Si los tiburones son las estrellas de todos los veranos en el cine de monstruos, podríamos convenir que los cocodrilos, aunque a bastante distancia en cuanto a número de títulos, ocupan la segunda posición. Y si este no es el mejor de ellos sobre ellos, poco le falta. Hablo objetivamente porque, personalmente, mi favorita es una bastante menos seria pero tremendamente divertida, “Mandíbulas”.

    Pero sí, “El territorio de la bestia” probablemente es una de las más realistas de cocodrilos. Ese es el título que recibió en España, que en este caso no me parece desacertado pues el original es “Rogue” que vendría a ser como “Solitario”, pero que en el contexto animal es un término que se aplica a ejemplares que se apartan o se ven apartados de la manada y establecen un territorio propio, el cual defienden celosamente.

   Es justo lo que hace el protagonista reptil de esta, comportarse acorde a lo lógico en su especie. No es más inteligente de lo normal como los tiburones de “Deep blue sea”, no está alterado genéticamente ni sufre ninguna mutación. La corre cual Usain Bolt como el de “Cocodrilo, un asesino en serie”, ni ha salido de las alcantarillas como en “La bestia bajo el asfalto” (una de mis favoritas), ni viene como producto de una inundación como en “Infierno bajo el agua”.

   No, es un animal en su propio hábitat, comportándose como lo que es, un gran depredador ejerciendo su soberanía sobre su feudo. Junto con “Black water”, por cierto, estrenada en el mismo año, 2007, son las aproximaciones cinematográficas más realistas que nos han llegado de estos grandes lagartos. Porque no hace falta nombrar todas esas películas que muestran imágenes muy fantasiosas de los cocodrilos. No te digo ya los que saca Asylum, enfrentándolos con anacondas y otros bichos.

   No en vano está inspirada, que no basada, en un cocodrilo marino (el más grande y peligroso) real, Sweetheart. Como el de la película, era un ejemplar enorme, de más de cinco metros, muy aficionado a atacar embarcaciones que entraban en su territorio y que actuó entre 1974 y 1979. Aunque no se le registraron víctimas. Hay fotos reales de periódico en el bar de la primera escena de la película.

   Curiosamente, también “Mandíbulas” tomaba a Sweetheart como referencia, aunque el tratamiento que le da es muy diferente, más cercano al de “Tiburón”, de Steven Spielberg, bastante más grande de lo que son en realidad y con tendencia al asesinato en serie, aunque desde un tono más cómico y exagerado.

   Un factor importante es el escenario. Situado en la tierra de Cocodrilo Dundee, Australia, y de la patria de Sweetheart, un lugar con fama de tener más animales por kilómetro cuadrado que podrían matar a un humano. Pero sobre todo porque es de donde es su director, Greg McLean, quien parece especialmente inspirado en como mostrar y explotar ese espectacular paisaje australiano, que casi se convierte en un personaje más.

   McLean no solo dirige, también escribe y produce la cinta. Un cineasta que apuntaba bastante alto en el género de terror tras su opera prima y anterior película a esta, “Wolf Creek”, título de un slasher muy apreciado en la época. Sin embargo, no se cumplieron las previsiones pues tras la secuela de esta, encadenó una serie de películas de nivel bastante inferior, del que solo se podría salvar “La jungla”.

   El protagonista de “Wolf Creek”, John Jarratt está en el reparto de “El territorio de la bestia”, aunque prácticamente irreconocible y en un papel secundario. Porque los actores principales del elenco eran Michael Vartan y Radha Mitchell, el nombre más conocido en la época de este elenco. También participa Sam Worthington pero todavía no lo había hecho en “Terminator Salvation” y “Avatar”. Y una muy joven Mia Wasikowska.

   Otro de los aspectos positivos de la película es que la criatura no está para nada sobreexpuesta. Como buena aprendiz de “Tiburón”, sus apariciones son esporádicas y su imagen muy dosificada, hasta su final en el que podemos ver de lo lindo al cocodrilo, el cual está realmente bien recreado, mezclando efectos prácticos, animatrónicos, con digitales, los predominantes cuando le vemos de cuerpo entero.

   Sin embargo, a pesar de tener buenas críticas, bastante mejores de las que suelen tener las películas de este tipo, fue un fracaso de taquilla, recaudando apenas 4 millones de dólares, cuando habría empleado 26 en su presupuesto. Aunque, como casi ya es un clásico en estos títulos, tuvo una segunda vida en el mercado de DVD y Blu-ray.

The drama

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Drama.
Dirección: Kristoffer Borgli.
País: Estados Unidos
Año: 2026.
Duración: 106 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, YaYa Gosselin, Michael Abbott Jr.
Guion: Kristoffer Borgli.
Producción: Ari Aster, Lars Knudsen, Tyler Campellone.
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Arseni Khachaturan.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: A poco días de su boda, una pareja se enfrenta a una crisis que ha hace tambalear toda la confianza que existía entre ellos, tras una revelación sobre el pasado.

   LO MEJOR: Si te dejas llevar por el cartel, e incluso por el tráiler, donde menos mal que no revelan el verdadero meollo del asunto, lo más lógico es pensar que es una película romántica más. Pero si piensas que es una comedia romántica al uso, estás muy equivocado. Porque sí tiene romance y también comedia, pero bastante negra. De hecho, es mucho más retorcida de lo que cualquiera pueda esperar. Esto sí que es darle una vuelta al género. Claro, si menciono a su director, el noruego Kristoffer Borgli, seguramente no le diga nada a nadie, pero igual si recuerdo que su anterior película fue esa marcianada maravillosa de "Dream Scenario", pues ya puedes sospechar que esto no iba a ser algo exactamente convencional. Borgli también escribe el guion, que es la mejor baza de la película. Es muy inteligente en plantearle al espectador las mismas preguntas que se hacen sus protagonistas, lo que te hace empatizar con ellos. Es imposible no tener las mismas dudas que ellos, no ponerte en su lugar. ¿Hasta qué punto conoces a tu pareja? ¿O a cualquier amigo? ¿Hasta dónde serías capaz de perdonar algo de su pasado? ¿Pensar en hacer algo horrible es igual de grave que llegar a hacerlo? La segunda mejor baza de la película, en la cual también participa, aunque no esté a su cargo principalmente, es un montaje brillante. No solo para imprimir un ritmo adecuado, sino también siendo vital en cómo contar la historia. Por ejemplo, mostrando tanto lo que está pasando como lo que llamamos pensamientos intrusivos, esos que tenemos todos.

   Interpretación: Zendaya no solo es una estrella de Hollywood, es una de las actrices más versátiles de la actualidad. Lo mismo te da una película de superhéroes, una space opera o una tragedia griega. Aunque donde más luce su talento es en una de este tipo, como hizo en "Rivales". Aunque tengo que decir que aquí está incluso mejor Robert Pattinson, recordándome al mejor Hugh Grant, genial en su representación de la duda. Y ojo a las aportaciones de Alana Haim y Hailey Gates.

   Escenas (SPOILERS!!): La polémica sobre la película ha surgido en torno a la confesión del personaje de Zendaya, Emma, sobre haber pensado en realizar una masacre estudiantil, hasta el punto de planearla. Un tema candente en la sociedad estadounidense, los tiroteos provocados por adolescentes. Pero eso es accesorio para hablar de la confianza dentro de la pareja, y también de la hipocresía, ¿por qué es peor pensar en hacer algo horrible, como Emma, o realmente hacerlo, como Rachel (Haim)? Porque ella dejó a un niño con problemas encerrado en un armario toda la noche y no se lo dijo a nadie. Podría haber muerto. Y eso lo hizo, no lo pensó. Por cierto, la edición está especialmente acertada en el uso de los flashbacks, los justos y necesarios, y el tiempo adecuado empleado en ellos. Y en mostrar en imágenes los pensamientos intrusivos de sus dos protagonistas, los cuales se mezclan con la realidad.

   LO PEOR: Precisamente su final es lo que podría corresponder más a una comedia romántica convencional, incluso podría considerarse predecible. No es malo, pero teniendo en cuenta la originalidad del resto del relato, desluce más.

   REFERENCIAS: Decía que es el director de "Dream Scenario". Pero temáticamente puede recordar a títulos como "Persiguiendo a Amy" o "Perfectos desconocidos".

   CONCLUSIÓN: 7. No es para nada una comedia romántica más, sino un giro retorcido al género, mientras pone el dedo en uno de los temas más controvertidos de la sociedad norteamericana, y luce el talento de su pareja protagonista.

Microcríticas Express: Cape Fear/La maldición de Widow´s Bay

 

   Considero que hay que ver las películas y las series de forma objetiva e independientemente de sus precedentes, pero también es verdad que es imposible que borremos de nuestro cerebro lo que hemos visto antes y, por tanto, establecer comparaciones involuntarias. Puede que le haya funcionado mejor a los que no hayan visto nada de esto antes. Personalmente solo esperaba que al menos conservara la misma tensión de las versiones anteriores. No ha sido el caso. La cuestión es que una historia que ya estaba bien contada en dos horas no daba para una duración cinco veces mayor. No lo pedía. Por lo que era de esperar que se tuvieran que añadir más subtramas y personajes al asunto. Pero solo es el relleno de un pavo que se ve apetitoso por fuera pero por dentro no tanto. El guion se convierte en un culebrón de hermanastros, hijos no reconocidos, infidelidades varias, abuelos, incestos, donde los guionistas te meten un golpe de efecto, un gran giro, en cada episodio, pero dando igual si tiene algún tipo de coherencia narrativa o no. Aquí lo importante es que el espectador se quede con la boca abierta. Y ya lo creo que yo me quedado también, pero de los bostezos. Porque llega un momento, y es bastante temprano, que no es posible creerse esta historia, donde la empatía por los personajes es nula, literalmente te da igual lo que le pase a esta familia que ya antes de ser amenazada por un psicópata estaba bastante tocada. Es más, agradecerías que quitaran de en medio a los hijos del matrimonio, que deben ser los más tontos del planeta Tierra, cometiendo dos y tres estupideces graves por episodio. Y sé que es Estados Unidos pero esta familia tiene más armas que un cuartel militar. Una gran decepción en la que parece que Steven Spielberg y Martin Scorsese solo han puesto el nombre en los créditos, a pesar de guiñarle a este último conservando la banda sonora original y el efecto de poner ciertas imágenes en negativo. Lo único que se salva es el reparto, que hacen lo que pueden para salvar esto. 5.  

    Estas son las mejores porque llegan por sorpresa, sin expectativas previas y dándose a conocer por el boca a boca. Esa es su ventaja inicial, ser una serie pequeña que va creciendo a medida que avanza pero gracias a la originalidad plasmada en su guion. Que sabe equilibrar perfectamente los porcentajes de comedia y terror, y homenajear teniendo voz propia. Porque es un homenaje al género de terror, tocando prácticamente todos los palos, incluso dedicando un episodio a cada subgénero. Tenemos folk horror, slasher, zombis, brujas, terror sobrenatural, psicológico, de todo. Pero plenamente integrado en la historia. Y si, tiene guiños a clásicos del terror, pero sin convertirse en un festival de referencias, como a “El resplandor”, “Carrie”, “La niebla”  o “Tiburón”. A esta última hay varios muy claros, de hecho, el propio protagonista podría haber sido el alcalde de Amity, y no creo que sea casualidad. Por cierto, interpretado magníficamente por Matthew Rhys. Aunque personalmente creo que el personaje de la serie es, sin la menor duda, el de Patricia, al que da vida una impagable Kate O’Flynn. De todos modos, en general el casting es maravilloso. Pero es que además, la trama no deja de tener giros, sobre todo en torno al sentido que tiene la maldición que impera en la isla respecto en sus habitantes. No siempre mezcla humor y terror, ojo al episodio en el que se cuenta el origen de la maldición, un flashback que es en si mismo una película independiente, con una gran Betty Gilpin. O el último episodio, que en lugar de caer en mostrar más acción, lo centra en un dilema moral con el que crear suspense. En definitiva, un entretenimiento muy divertido que fue renovado para una segunda temporada ya antes de finalizar la primera. Y menos mal, porque acaba con un enorme giro a la historia. 7’5.

Música de Película: La máscara del Zorro

 

   Todos los compositores tienen ciertos rasgos autorales que se repiten en sus bandas sonoras, pero en el caso de James Horner eso va más allá, tomando cosas de otros colegas de profesión pero sobre todo copiándose a si mismo. Aquí venía de ganar el Oscar por "Titanic", sin embargo, la banda sonora para esta película si se diferenciaba bastante del resto de su obra, saliéndose de su zona de confort y aportándole a la música un tono latino reconocible.

Tema: Zorro’s theme.

Película: La máscara del Zorro.

Intérprete o compositor: James Horner.

Tema: I want to spend my lifetime loving you.

Película: La máscara del Zorro.

Intérprete o compositor: Marc Anthony/Tina Arena.

Escenas Míticas: Monstruos acuáticos - Deep Rising

 

   Una de esas películas que cumplen todos los requisitos para considerarse un título de culto. Porque si bien es claramente una película de monstruos y, por tanto, remite más al cine de serie B, su presupuesto no lo fue, porque 45 millones de dólares era una cifra bastante respetable para la época, los noventa, que no se correspondieron en taquilla pues solo recaudó 11, por lo que fue un fracaso comercial.

   Si a eso le añadimos que tuvo unas críticas predominantemente negativas, aunque no de forma unánime, pero que, sin embargo, tiene una generosa masa de fans que la defienden, entre los cuales me cuento, y que con los años las opiniones sobre ella han mejorado, digamos que tiene la combinación perfecta para considerarla cine de culto.

   Su director, Stephen Sommers, tenía el deseo de hacer una película de serie B, como homenaje a las películas de monstruos de la década de los cincuenta, aunque bebía de múltiples influencias. Se podría decir que es una mezcla de "La aventura del Poseidón" y "Alien", más casi su secuela "Aliens, el regreso", pero jugando en la liga de títulos que habían estado de moda diez años antes, como "Profundidad seis", "Leviathan, el demonio del abismo" o "La grieta". Porque "Abyss", otra de James Cameron, ya estaba en una división superior.

   Curiosamente el título original es el mismo que el de una película de 1977, la italiana "Tentáculos" (una de esas hijas del éxito de "Tiburón"), cuya criatura guarda bastante parecido con la de "Deep Rising", que es como terminó llamándose, quizá para no ser confundida con aquella o que la gente pensase que era un remake.

   Pertenece, por tanto, al igual que hay cine de tiburones o de cocodrilos, a las películas de pulpos, calamares gigantes o kraken (ahora van a estrenar una), como la mencionada "Tentáculos" o clásicos como "20.000 leguas de viaje submarino". Para su diseño se inspiraró en un artículo del National Geographic sobre medusas.

   Y para su recreación se mezclaron efectos prácticos y digitales. Precisamente la parte digital no les convencía, por lo que terminaron sustituyendo la empresa de efectos visuales por ILM (Industrial Light and Magic), por entonces de George Lucas, lo que supuso un retraso en la producción y un incremento en el presupuesto.

   El guion no se preocupa de explicar de dónde sale el monstruo, si es de origen alienígena, producto de una mutación o un animal prehistórico. Está ahí y ya está. Pero sí se insinúa al final que en la isla a la que llegan los supervivientes hay otros monstruos y que Octalus, que es como se llamó a la criatura, podría proceder de una especie de mundo perdido. De hecho, se especuló con que podría ser la Isla Calavera, hogar de King Kong.

   Lo cual desmintió el propio Sommers, pero que sí invitaba a una posible secuela de haber tenido éxito la película. No fue así. Su fracaso también se puede deber a una escasa promoción y a estrenarse en un mes tan poco propicio para la taquilla como enero. Pero como tantas de estas, tuvo una segunda vida en el mercado de VHS y DVD, tanto para alquiler como para venta.

   Stephen Sommers quería cine de monstruos marinos, pero mezclado con los géneros de aventuras y acción. Algo que se repetiría en sus siguientes películas, algunas de ellas gozando de bastante éxito y popularidad, como las dos primeras de "La momia" (las de Brendan Fraser), "Van Helsing" o "G.I. Joe".

   El papel protagonista estaba pensado para Harrison Ford y, de hecho, recuerda bastante al personaje de Han Solo. Pero lo rechazó y en su lugar se contrató a Treat Williams. Lo mismo que el papel femenino, donde la elegida era Claire Forlani, pero terminó en manos de Famke Janssen, que venía de ser chica Bond (villana) en "GoldenEye" y que posteriormente sería Jean Grey en "X-Men".

   El reparto lo completaban nombres que hoy nos resultan bastante conocidos, como Djimon Hounsou, Wes Studi, Cliff Curtis, Kevin O'Connor o Jason Fleming. Personalmente, la película me parece entretenidísima y muy divertida, pues no se toma en serio a sí misma. Quizá hoy los efectos visuales hayan envejecido mal, pero es parte de su encanto.

Spiderman, Brand new day

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Spiderman, brand new day.
Dirección: Destin Cretton.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 145 min.
Género: Fantástico, acción, ciencia ficción.
Interpretación: Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo, Jon Bernthal, Jacob Batalon, Sadie Sink, Liza Colón-Zayas, Tramell Tillman, Marisa Tomei, Naomi Watts, Michael Mando, Keith David, Marvin Jones III, Olivia Booth-Ford.
Guion: Chris McKenna, Erik Sommers, Justin Kuritzkes. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee.
Producción: Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad, Rachel O'Connor.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Brett Pawlak.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Varios años después de que todos sus seres queridos olvidaran, a petición de él, que Peter Parker es Spiderman, se encuentra solo y se centra en proteger a los habitantes de Nueva York. Pero una amenaza se cierne sobre ella sin que pueda saber de donde viene.

   LO MEJOR: Spiderman siempre es un seguro. No en vano es el superhéroe más leído por encima incluso de personajes como Superman o Batman. Pero también es verdad que en la etapa Holland hemos visto poco el de los cómics. Demasiado Vengador, demasiadas franjas doradas o negras y artilugios starkianos en su traje, y poco el héroe urbanita (el vecino y amigo) con un simple atuendo de rojo y azul. Esta película sí lo trae, además dándole un salto de madurez al personaje bastante notable, que casi sirve como reinicio pero teniendo muy en cuenta lo pasado. Y, a través de su enfrentamiento con un gran villano. No nos vamos a engañar, Spiderman siempre ha tenido buenos e icónicos villanos (Duende Verde, Octopus, Venom), pero nunca se les ha dado un tratamiento tan serio, tan psicológico como se le ha dado al de este. El nuevo director, Destin Cretton, toma una premisa muy nolaniana, la de que tu héroe es más grande cuanto más lo es su antagonista. Curiosamente, para dar la sorpresa con el elegido para esta nueva entrega, se han saltado el canon sin ningún problema, ofreciéndonos un enfrentamiento imposible de esperar pues nunca ha ocurrido en las viñetas. Y yo se lo aplaudo. Además, pocas veces han estado mejor rodadas las escenas de acción de Spiderman. En lo que se refiere a rodar acción, Cretton ya lo pudimos comprobar en "Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos". En definitiva, es la mejor película del Spiderman de Tom Holland, Top 3 o incluso Top 2 de todas las películas del personaje en el cine y la mejor película de superhéroes desde "End Game". Me hace tener esperanza sobre el camino que puede tomar Marvel en el género.

   Interpretación: Tom Holland está mejor que nunca tanto como Spiderman como Peter Parker. El cambio de tono le beneficia para poder ver lo buen actor que es. Lo mismo que a Zendaya, a pesar de salir menos. La incorporación de Jon Bernthal es un acierto y su química con Holland es total. Y tenemos las "visitas" de Florence Pugh (casi cameo) y Mark Ruffalo. Pero la verdadera bomba es la participación de Sadie Sink, con mucha mayor relevancia de lo esperado y está maravillosa.

   Escenas (SPOILERS!!): No esperaba que se presentara a Sadie Sink como Jean Grey en una película de Spiderman, y mucho menos como antagonista suya. Ha sido toda una sorpresa. Ella eleva la película a medida que va apareciendo más. Ojo a cómo muestra su poder de saltar de un cuerpo a otro (eso sí, inventado), que recuerda a la película de Denzel Washington, "Fallen", pero narrado de forma espectacular. Aunque a nivel espectáculo hay que hablar de dos secuencias impresionantes. Una es, sin duda, la de Hulk. Y la otra en la que Jean Grey paraliza media población de Nueva York, con la pelea de Spiderman contra la Mano de por medio.

   LO PEOR: No voy a decir nada sobre la película pero sí sobre algo alrededor. No soy fan de Jon Watts y su Spiderman me parecía demasiado infantil. Pero tampoco vi que las películas fueran criticadas por la gente. Sus tres películas recaudaron 3.900 millones de dólares. ¿A qué viene insultarle ahora? ¿Tanta necesidad tienen algunos de odiar? Id al psicólogo.

   REFERENCIAS: Está más cerca de "El Caballero Oscuro" o "The Batman" que de la trilogía anterior de Jon Watts. Dentro del personaje, me recuerda a lo mejor que se había hecho sobre él, "Spiderman 2", de Sam Raimi.

   CONCLUSIÓN: 8. La mejor película del Spider-Hollandverso, una de las mejores del personaje en el cine y la mejor película de superhéroes desde el final de los Vengadores, mantiene la esperanza en un género que no levantaba cabeza.