Better days

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Better days.
Dirección: Derek Tsang.
País: Hong Kong.
Año: 2019.
Duración: 138 min.
Género: Drama.
Interpretación: Zhou Dongyu, Jackson Yee, Yin Fang, Zhou Ye, Wu Yue y Huang Jue., Zhang Yifan, Liu Ran, Xie Xintong, Zhang Yao, Zhang Jialu y Gao Jialin,
Guion: Lam Wing-Sum, Li Yuan, Xu Yimeng.
Producción: Xu Yuezhen.
Música: Varqa Buehrer.
Fotografía: Fisher Yu.
Distribuidora: Yoda Films.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Cuando se dispone a enfrentarse a los exámenes que pueden decantar su futuro, una chica sufre bullying por parte de un grupo de acosadoras. Pero, tras conocer a un delincuente común de forma fortuita, llega a un acuerdo con él.

   LO MEJOR: Recuerdo que cuando "Otra ronda" (con Mads Mikkelsen) ganó el Oscar a la mejor película extranjera, estuve plenamente satisfecho. No conocía que esta película, a la que ganó, y que ahora he podido comprobar que lo merecía mucho más, y ya es decir. No solo es que la considere una maravilla de película sino que la elevo, por muy exagerado que pueda parecer, a la categoría de obra maestra. Y se convierte en mi nueva película favorita del cine asiático. Por encima de títulos como "Parásitos" u "Oldboy". Y eso que no viene ni del coreano ni del japonés, los orígenes más habituales del cine que nos llega de Asia, sino del chino. Porque funciona en todos los planos posibles. Es la mejor película en torno al tema del bullying que yo haya visto, que sirve como drama de denuncia y que debería impartirse en institutos. Pero a la vez es una historia de amor bellísima. Y por si fuera poco, también se apunta tantos en el terreno del thriller policíaco de intriga, donde cambia el montaje a un estilo no lineal y a seguir la trama en paralelo. Es lo que tiene el cine asiático muchas veces, capacidad de mutar dentro de la película de un género a otro, entremezclándolos con la naturalidad que le otorga, en este caso, un guion perfectamente engrasado, que funciona como un reloj, con un mensaje que llega al cerebro pero una historia que llega al corazón (me he emocionado en varias ocasiones). Una película que está bien en lo que cuenta y mejor en como lo cuenta. Ojo a la sutileza, y hasta elegancia, con la que están rodados momentos tremendamente duros de la historia.

   Interpretación: Para nada siempre es así ero en bastantes ocasiones, el cine asiático nos trae interpretaciones muy exageradas y parecidas entre sí. Aquí no solo no pasa eso sino que además brinda una masterclass de como saber expresar desde la contención, desde las miradas. Me da igual quienes estuvieran nominadas al Oscar de mejor actriz ese año pero Zhou Dong-yu debería haber estado entre ellas y con serias aspiraciones de ganar. Pero es que lo que hace Jackson Yee no es mucho menos destacable. Y no te digo ya la química absoluta que hay entre ambos, que es la columna vertebral de la película.

   Escenas (SPOILERS!!): La sutileza de la que hablo se ve perfectamente mostrada en la escena del suicidio de una estudiante. Sabemos lo que ha pasado, percibimos lo horrible que es la imagen a través de los ojos de la protagonista, pero no llegamos a ver el cuerpo ni la sangre. Y no le resta nada de impacto a la situación. Lo mismo podemos decir de la que considero la secuencia más dura de la película. Cuando Chen Nian (Dong-yu) es atacada por sus acosadoras, la desnudan y la graban en vídeo. Apenas lo vemos. Nadie le hubiera reprochado al director, Derek Tsang, que hubiera mostrado la escena de forma más explícita para transmitir la dureza de la agresión. Pero igualmente lo hace desde el fuera de plano. No obstante, me quedo con escenas como la del beso. Es forzado pero el significado lo vale, le besa para que dejen de pegarle. Al igual que cuando Xiao Bei (Yee) se rapa el pelo cuando tiene que rapárselo a ella porque se lo han cortado las acosadoras. Lo que hace es tener la misma apariencia que ella. La interpretación del final es para cada uno. Yo prefiero pensar que ella, ya cuando es profesora, acompaña a la alumna para protegerla, como había prometido hacer, proteger al mundo. Y él la protegería a ella. Eso es lo que yo veo, que han cumplido su promesa.

   LO PEOR: No tiene nada negativo que reseñar. Pero conviene advertir que es una historia dura, difícil de ver desde el plano psicológico por poca empatía que se tenga. Debe ser así y debe verse de todas modos.

   REFERENCIAS: Se basa en la novela de cuyo título traducido significa "En tu juventud, en tu belleza" de la autora Jiu Yuexi. Hay películas que comparten temáticas pero muy diferentes tratamientos de ellas, como "Princesa" (2013), "Confessions" (2010), o la serie "Por trece razones" (primera temporada), . . . 

   CONCLUSIÓN: 9. Un desgarrador drama de denuncia sobre el bullying pero a la vez una de las historias de amor más bellas que se puedan ver en una película, que probablemente sea una de las mejores que ha dado el cine asiático en este siglo.

El día de la revelación

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El día de la revelación.
Dirección: Steven Spielberg.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 145 min.
Género: Ciencia ficción, intriga, thriller.
Interpretación: Emily Blunt, Josh O'Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, Henry Lloyd-Hughes, Elizabeth Marvel, Hettienne Park, Tommy Martinez, Gabby Beans, Jeremy Shamos, Brandon Wilson, Priyanka Kedia, Grace Zhao, Lora Lee Gayer, Lance Archer, Chavo Guerrero Jr., Brian Cage, Elliot Villar, Noah Robbins.
Guion: David Koepp, Steven Spielberg. Historia: Steven Spielberg.
Producción: Kristie Macosko Krieger, Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos personas, que no se conocen entre si, son perseguidas por una agencia del gobierno para impedir que revelen un secreto que provocaría un gran cambio en la sociedad, que esas personas consideran que el mundo merece conocer.

   LO MEJOR: El tema del contacto de los humanos con los extraterrestres es recurrente a lo largo de la filmografía de Steven Spielberg pero siempre lo ha abordado de forma diferente, desde ángulos y tonos distintos. Incluso en esta ocasión, en la que algunos incluso se aventuraron a adelantar que sería una especie de secuela de la maravillosa “Encuentros en la tercera fase”, que no lo es, aunque no desentonaría una sesión doble con ella. Porque gran parte de la historia transita por el terreno de las persecuciones y conspiraciones del cine de los setenta, al estilo de “Los tres días del cóndor” o “Marathon man”, y por otro lado, por el género de ciencia ficción ochentera que él mismo puso de moda. Lo que sí es cierto es que se puede afirmar que es una película muy Spielberg y eso es una muy buena noticia, porque a sus 79 años sigue siendo uno de los mejores (si no el mejor) narradores en imágenes. Muchos directores actuales de acción que creen haber inventado la rueda cortando cada dos segundos y moviendo la cámara como si estuviera apoyada en una lavadora centrifugando, deberían aprender de como rueda este señor una secuencia de acción, más desde la tensión que desde lo trepidante. Spielberg, no obstante, utiliza la trama como excusa para hablar de temas como la empatía de nuestra sociedad, critica que los grandes secretos de nuestro mundo estén en manos de unos pocos poderosos y rompe una lanza a favor de nuestra especie. Porque Spielberg siempre ha sido un humanista, y ha vuelto a emocionarme.

   Interpretación: Steven Spielberg recurre a un gran reparto de actores pero no de grandes estrellas conocidas. Salvo en el caso de una magnífica Emily Blunt que está maravillosa. Sé que no la van a nominar por esto pero bien estaría que lo hicieran. Pero también están rayando a muy buen nivel Josh O’Connor, Eve Hewson, Colman Domingo y, sobre todo, Colin Firth.

   Escenas (SPOILERS!!): El ritmo narrativo que Spielberg es capaz de imprimirle a la película es excelente. Pero como suele acostumbrarnos a dejar dos o tres secuencias memorables, y aquí ha vuelto a pasar. No se puede rodar mejor la del paso a nivel y los trenes, generando un suspense brutal a pesar de que sabes que los protagonistas van a salvarse. Más innovadora en cuanto a la puesta en escena es la de la casa “invisible”, y como los hombres que la atacan chocan contra algo que no ven. Al igual que los camiones de bomberos, también invisibles, salen del lugar. Aunque la escena más emocionante, sin duda, es la de la emisión en las noticias de los vídeos de alienígenas uno detrás de otro. Respecto al mensaje final, no es que esté cortado, es que el mensaje es ese: “Escuchad”. Que escuchemos.

   LO PEOR: No sé por qué tanto celo en ocultar la trama, incluso sin estrenarla en festivales previos cuando tampoco tenía giros realmente sorprendentes. Sí mantiene bastante el misterio pero el desenlace es previsible, y el CGI con el que recrean a los alienígenas es francamente mejorable.

   REFERENCIAS: Desde luego, dentro del cine de Spielberg, la más cercana sería “Encuentros en la tercera fase”, y jugaría en la misma liga de “Contact” o “La llegada”.

   CONCLUSIÓN: 8. A sus 79 años, Spielberg sigue siendo un maestro en la narración en imágenes. Aquí vuelve a uno de los temas favoritos, el contacto extraterrestre, pero como excusa para hablarnos de los que más le preocupan de los humanos.

Escenas Míticas: Moda - Cruella

 

   Quizá a algunos les sorprenda pero Cruella De Vil está en las listas de mejores villanos del cine, y más concretamente como la primera en villanas. De hecho, su nombre juega con el concepto de cruel pero en femenino y el apellido con el de devil, es decir, demonio. Vamos que vendría a ser “demonia cruel”. Sin embargo, poco se sabía sobre de donde salía el personaje.

   Es justo lo que se cuenta aquí, el origen del personaje, como se convierte, en este caso, Estella en Cruella De Vil, abordado como una historia de orígenes muy al modo de los villanos del género de superhéroes, porque Cruella no deja de ser un alter-ego, aunque aquí lo trate de como una se convierte en la otra.

   De tal manera que si Cruella De Vil inicialmente estaba inspirada en los gestos y miradas de Bette Davis, la Cruella de esta película tiene mucho de la Catwoman de Michelle Pfeiffer en “Batman vuelve”, de Tim Burton o incluso del Joker de Heath Ledger en “El Caballero Oscuro” de Christopher Nolan. Y quien no me crea que se fije en las apariciones públicas de Cruella.

   Sin embargo, la Baronesa claramente se parece mucho a la Miranda Priestly de Meryl Streep en “El diablo viste de Prada”, que a su vez se basa en Ann Wintour, la directora de la revista Vogue. Para interpretarla se manejaron nombres tan potentes como Nicole Kidman, Charlize Theron, Julianne Moore o Demi Moore, pero se impuso el de Emma Thomson.

   Todo lo contrario que para el personaje de la protagonista, para el que siempre se tuvo clara una sola opción, Emma Stone. Aunque sí hubo rumores de otras opciones como las de Margot Robbie, Anya Taylor-Joy, Lady Gaga o Cara Delevingne. Pero eran más producto de los deseos del público en las redes sociales.

   Pero ahora nadie sería capaz de ver a otra que no fuera Emma Stone, en su versión joven. Para la más mayor también es insustituible Glenn Close en el live action de la versión animada de “101 dálmatas” y en su secuela “102 dálmatas”. Todo salía de la novela homónima de Dodie Smith publicada en 1956. La idea le surgió a raíz de tener precisamente nueve dálmatas en casa.

   La Baronesa von Hellman interpretada por Emma Thomson también se inspira en alguien real, en Vivienne Westwood, una diseñadora de moda de los setenta. A ambas les acompañaban en el reparto nombres como Paul Walter Hauser, Joel Fry o Mark Strong en papeles secundarios. Glenn Close no aparece en la película pero ha expresado que le encantaría trabajar con Emma Stone en una secuela, aunque no se sabe si podría ser posible.

   Porque “Cruella 2” está confirmada y en desarrollo, con el regreso de Stone al personaje. Dado que la primera recaudó en taquilla 283 millones de dólares, habiendo invertido 100 en ella y con el mérito de estrenarse simultáneamente en cines y en la plataforma de Disney Plus como “Mulan”, pues es una de esas películas post pandemia que siguió esa estrategia.

   De hecho, fue el primer gran estreno con alfombra roja tras la pandemia. Pero al público le seguía costando acudir a las salas de cine. Por eso se considera un gran logro lo recaudado y se espera una buena respuesta para una secuela, que llegará en 2027.

   ¿Y qué tiene todo esto que ver con el tema del ciclo? Pues mucho porque el mundo de la moda es el campo de batalla en el que se enfrentan Cruella y la Baronesa, es un duelo de diseñadoras, un duelo entre lo clásico y la innovación. Si “Última noche en el Soho” homenajeaba el Londres artístico de los sesenta, esta hace lo propio con el de los setenta. Así que sí, paradójicamente, la moda tiene un gran peso en la trama. Además, ganó el Oscar al mejor vestuario.

   Dirige Craig Gillespie, que si bien no tuvo un inicio demasiado brillante con el remake de “Noche de miedo”, al que siguió la correcta “La hora decisiva”, sí mostró un gran talento en “Yo, Tonya”, que confirmó con “Cruella”, y que, sinceramente, es la única esperanza de que “Supergirl” sea mejor que el “Superman” de James Gunn.

Ruta de escape

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Ruta de escape.
Dirección: Bart Layton
País: Reino Unido.
Año: 2026
Duración: 140 min.
Género: Thriller, policíaco.
Interpretación: Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Barry Keoghan, Monica Barbaro, Corey Hawkins, Jennifer Jason Leigh, Nick Nolte, Halle Berry, Tate Donovan, Babak Tafti, Payman Maadi, Deborah Hedwall, Devon Bostick, Paul Adelstein, Drew Powell, Matthew Del Negro.
Guion: Bart Layton. Novela: Don Winslow.
Producción: Chris Hemsworth, Eric Fellner, Tim Bevan, Derrin Schlesinger, Shane Salerno.
Música: Blanck Mass.
Fotografía: Erik Wilson.
Distribuidora: Amazon MGM Studios.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un sofisticado ladrón de diamantes planea dar un gran golpe para llegar a la cifra que considera necesaria para retirarse definitivamente. Pero sus intenciones se cruzan con las de un policía que le persigue, una vendedora de seguros frustrada y un ladrón rival de métodos mucho más violentos que los suyos.

   LO MEJOR: Ya no se ven películas como esta, al menos en salas de cine. Quedan relegadas directamente al streaming y desde propuestas de serie B como la muy disfrutable “La conductora”, con Samara Weaving. Pero películas policíacas buenas en su vertiente de robos ya no se ven. Esta lo es. No solo porque tenga excelentes escenas de acción, muy bien rodadas, sobre todo en cuanto a lo que se refiere a las persecuciones. De hecho, la acción está muy dosificada. Sino porque se fundamenta en un guion muy sólido. La historia se construye desde sus personajes, hasta el punto que, en cierto modo, parece una de esas películas de historias cruzadas, aunque sabemos que no, que todas están en la misma trama. Pero es interesante que vaya creciendo desde ellos y no al revés. Por eso, aunque no esté llena de acción, ya digo que está colocada de forma eficiente pero no constante, mantiene todo el tiempo el interés, pues nos está hablando continuamente del código moral de esos personajes, desde ángulos diametralmente opuestos. Es eso lo que hace que el ritmo sea tan equilibrado, que siempre estén pasando cosas, sean de acción o no, y lo que hace que sus casi dos horas y media se pasen volando.

   Interpretación: Chris Hemsworth no es un gran actor pero cuando es llevado adecuadamente desde la dirección, demuestra que sabe hacer algo más que contar chistes con el martillo de Thor en la mano. Y su presencia física en pantalla es incuestionable. Pero quienes están más destacados son Mark Ruffallo y especialmente Halle Berry, sin duda, la mejor de un reparto que llega a muy buen nivel por lo general. Aunque desaprovecha y bastante a un actor como Barry Keoghan. Y ya de paso también el veterano Nick Nolte.

   Escenas (SPOILERS!!): No es casualidad que se mencione en un diálogo la película “Bullit” porque en varias escenas parecen estar homenajeándola. Donde más claro se ve es en el primer robo de Davis (Hemsworth), pero mucho más inconfundiblemente en la persecución de Orman (Keoghan), uno con un Dodge Charger y otro con una moto. Precisamente ahí se ve la diferencia entre los métodos y la violencia empleada entre ambos personajes, si comparamos el robo de los diamantes de Davis con el de la joyería de Orman. Pero los que realmente tienen dilemas morales interesantes son el policía Lubesnick (Ruffallo), que se plantea saltarse sus propios códigos, y Sharon (Berry), que se plantea pasarse al otro lado de la ley ante sus frustraciones profesionales.

   LO PEOR: Con secuencias de acción tan potentes como las de los robos y las persecuciones de coches y demás, cabría esperar un final más espectacular. No es que sea malo ni mucho menos, pero es menos potente que escenas anteriores. Y deja algunas situaciones un tanto abiertas, como si fuera a haber una secuela, aunque la novela en que se basa ya esté finiquitada.

   REFERENCIAS: Se basa en la novela corta de Don Winslow, “Crime 101”, que es el título original de la película. Pero está claro que el director, Bart Layton, admira mucho el cine de Michael Mann, en especial “Heat”.

   CONCLUSIÓN: 7´5. Buen thriller policíaco de los que ya no se hacen, cuya historia crece desde sus personajes hacia una trama en común y no al revés, mientras dosifica sus excelentes secuencias de acción y saca provecho de un buen reparto.

El Señor de las Moscas

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El Señor de las Moscas.
Dirección: Jack Thorne (Creador), Marc Munden.
País: Reino Unido.
Año: 2026.
Duración: 60 min (4 episodios).
Género: Aventuras, drama, terror.
Interpretación: Winston Sawyers, Lox Pratt, David McKenna, Ike Talbut, Noah Flemyng, Cassius Flemyng, Rory Kinnear, Rochelle Neil, Daniel Mays, Tom Goodman-Hill.
Guion: Jack Thorne. Novela: William Golding.
Producción: Jack Thorne.
Música: Cristobal Tapia de Veer, Hans Zimmer, Kara Talve.
Fotografía: Mark Wolf.
Distribuidora: BBC.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras un accidente aéreo, un grupo de niños ha sobrevivido varado en una isla. Los intentos de organizarse sin la ayuda de los adultos fracasan ante la irrupción de la violencia entre ellos.

   LO MEJOR: La novela me causó un gran impacto cuando la leí por primera vez para el instituto como opción de lecturas juveniles, y me lo volvió a causar hace pocos años cuando la volví a releer, confirmando la primera impresión que había tenido, que era una historia tremendamente oscura. Para los que no la conozcan, que nadie se lleve a engaño por estar protagonizada exclusivamente por niños. O por su tono inicial enclavado en el género de aventuras. Porque eso va derivando hacia el terreno del survival pero más en clave de terror psicológico. No hay fantasmas ni monstruos, pero sí unos niños convertidos en bárbaros con pinturas de guerra, a la caza de otros seres humanos. Y precisamente es más impactante verlo en personajes de esa edad. Porque es una perfecta representación de la deconstrucción de la civilización, de la tendencia humana al caos y la violencia cuando no se ve limitada por una autoridad, unas normas o una ley. Eso lo capta de maravilla esta miniserie, que, no solo es muy fiel al texto original, sino que además cuenta la historia cuidando especialmente la forma. Comenzando con una narración sencilla que va tornándose cada vez más compleja, a la vez que profundiza más en lo psicológico, lo cual va perfectamente acompañado por la evolución de la fotografía y la banda sonora a medida que avanza el relato. Espero que nadie se pare en detalles como preguntarse por qué no hay adultos o como han sobrevivido todos los niños a un accidente aéreo. Es una fábula alegórica, no esencialmente realista. Por ello, no solo es que me parezca la mejor adaptación de la novela, es que me parece la definitiva.

   Interpretación: Su estructura narrativa gira en torno a colocar sus cuatro personajes clave como más protagonistas de cada uno de los cuatro episodios de la miniserie. Y por eso los actores elegidos para darles vida son los más destacados, en un casting infantil maravilloso. Y esos son Winter Sawyers, Ike Talbot, pero sobre todo, David McKenna y Lox Pratt.

   Escenas (SPOILERS!!): La muerte del “niño de la mancha en la cara”, no llegamos a verla pero no por ello es menos triste. Es accidental, por la torpeza de provocar un incendio descontrolado en la isla. Pero ya introduce la primera tragedia en la convivencia de los chavales. El primer paso hacia la barbarie del grupo es la caza del jabalí, tremendamente violenta y salvaje. Que en evolución culmina en la caza de Simon (Talbot) asesinado con idéntica brutalidad. En ese punto el caos ya ha triunfado, representado por Jack (Pratt) sobre los personajes que representan la cordura y la civilización, es decir, Piggy, que también termina siendo asesinado de una pedrada, en el mismo momento que se rompe el elemento final de organización, la caracola que otorgaba la palabra, y Ralph, al que se disponen a cazar como a un animal. La llegada de los adultos a la playa muestra la vuelta de la autoridad, el fin del macabro juego.

   LO PEOR: Aunque no son demasiado extensos, me sobran todos los flashbacks. No aportan nada indispensable para la historia y te sacan del aislamiento casi claustrofóbico (a pesar de estar siempre al aire libre) de la isla.

   REFERENCIAS: Es la tercera adaptación de la novela homónima de William Golding. La primera fue en 1963 y la segunda en 1990, para televisión. El creador de esta miniserie es Jack Thorne (“Adolescencia”).

   CONCLUSIÓN: 8. Por muchos motivos me parece, no solo la mejor versión de la novela de Golding, sino la definitiva. Por su fidelidad al texto original, por la manera de captar esa evolución hacia la oscuridad, gracias a su joven reparto. 

Escenas Míticas: Moda - Última noche en el Soho

 

   Hemos tocado el mundo de la prensa de la moda y también el de las modelos. Toca el de los diseñadores. Esta lo será y también la siguiente. Porque es verdad que aquí la moda no es el tema central sino más bien un envoltorio e incluso un pretexto para contarnos un thriller con toques fantásticos y de terror. Eso sí, desde el prisma de una estudiante a diseñadora de moda.

   Aquí viene el enlace con el tema del ciclo que estamos mostrando. La protagonista, Eloise, es una ferviente admiradora de la década de los sesenta, en cuanto todo lo artístico y cultura pop. Y su fanatismo por lo vintage la hace idealizar el pasado a través de la ropa y la estética. Es justo lo que le hace conectar con una chica del pasado.

   Por tanto, en cierto modo, la moda es lo que sirve de vehículo de transporte del pasado. Y esos viajes en el tiempo la inspiran a la hora de diseñar sus vestidos. Además, su estado mental, afectado por esos traslados a los sesenta y a la vida de esa chica, aspirante a estrella de la canción, no solo afectan a su talento para diseñar sino que también intervienen en su forma de vestir.

   Pero por encima de todo es un homenaje al Londres de los sesenta y más concretamente a la zona del Soho, por el cual el director británico, Edgar Wright, sentía fascinación desde su infancia. Lo cual no le impide no mostrarlo desde la idealización, sino todo lo contrario, desde la desmitificación, desde su lado más oscuro, retratando un mundo del espectáculo londinense lleno de violencia y abusos. 

   Un ambiente lleno de depredadores masculinos de clase alta. De hecho, el personaje de Sandy está inspirado en todas esas chicas que llegaban al Soho en los sesenta con el sueño de ser estrellas pero que caían atrapadas en redes de acosadores y de tratos abusivos. Que en realidad eran la mayoría. La película a través de los ojos de Eloise muestra la caída en los infiernos de Sandy.

   Es la película más seria de Edgar Wright, la primera sin un atisbo de comedia, cuando esa era una de las características predominantes en su filmografía, con claros ejemplos como la trilogía del “Cornetto”, “Scott Pilgrim contra el mundo” o “Baby Driver”. Porque en su última película “The running man”, remake de “Perseguido”, sí tiene cierto toque de humor, que no le va muy bien, por cierto.

   También, “Última noche en el Soho” es su película más ambiciosa visualmente. En su multirreferencialidad, se inspira en títulos tan poco convencionales como “Amenaza en la sombra”, de Nicolas Roeg, y “Repulsión”, de Roman Polanski. Aunque también hay mucho del Brian De Palma de “Vestida para matar” o “Doble cuerpo”, y del giallo, especialmente el de Dario Argento, como en “Rojo oscuro”.

   Sin embargo, fue un fracaso de taquilla. Tan solo recuperó 22 de los 43 millones de dólares invertidos. Se puede justificar en parte porque las salas de cine aún sufrían el efecto post pandemia. La gente parecía que solo iba a ver secuelas de grandes franquicias y no apostaba por películas nuevas a la hora de ir al cine. Además dividió a la crítica. Pero el público que la vio la defendió fervientemente. Tiene todo para convertirse en título de culto.

   Era Anya Taylor-Joy quien iba a interpretar a Eloise pero Edgar Wright decidió cambiarla a dar vida a Sandy. Lo que hizo que ficharan a Thomasin McKenzie para Eloise y compartieran el protagonismo. Les acompañaba Matt Smith y los veteranos Terence Stamp y Diana Rigg, que murió antes de estrenarse la película y a la cual se le dedicó la película.

   La compenetración de Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie fue total, algo vital teniendo en cuenta que en muchas escenas, una era el desdoblamiento de la otra. El efecto espejo de esas secuencias no se logró de forma digital sino construyendo sets de rodaje idénticos, calculando milimétricamente los movimientos de la cámara, usando dobles en ocasiones y haciendo que sus actrices realizaran exactamente los mismos gestos.

Núremberg

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Nuremberg.
Dirección: James Vanderbilt.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 148 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Russell Crowe, Rami Malek, Michael Shannon, RIchard E. Grant, Colin Hanks, Leo Woodall, John Slattery, Wrenn Schmidt, Lotte Verbeek, Mark O'Brien, Andreas Pietschmann, Lydia Peckham, Steven Pacey, Paul Antony-Barber, Wolfgang Cerny, Peter Jordan.
Guion: James Vanderbilt. Libro: Jack El-Hai.
Producción: Richard Saperstein, Bradley J. Fischer, Vanderbilt Smith, William Sherak, Benjamín Tappan, Cherilyn Hawrysh, István Major, George Freeman.
Música: Brian Tyler.
Fotografía: Dariusz Wolski.
Distribuidora: Sony Pictures Classics.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras la Segunda Guerra Mundial, los oficiales nazis capturados se disponen para ser juzgados por sus crímenes de guerra en Núremberg. Un psiquiatra americano es llamado para analizar sus conductas, estableciendo una relación con Hermann Göring.

   LO MEJOR: A pesar de que James Vanderbilt ha ejercido la mayor parte de su carrera como guionista de películas comerciales, como director parece mucho más serio y comprometido, y con su segunda película no hace más que confirmarlo, también su tendencia al tema político. Aquí nos habla de lo que supuso la celebración de los juicios de Núremberg, donde se juzgó a varios importantes cargos del derrotado régimen nazi y que supuso todo un precedente histórico para lo que se denominaron crímenes de guerra. Pero lo hace desde un punto de vista interesante, desde la figura icónica de uno de los hombres más importantes del nazismo, Hermann Göring. A quien se intenta psicoanalizar, no solo como villano sino como símbolo del mal. Es lo verdaderamente curioso de la historia, como se intenta averiguar cómo era la naturaleza psicológica de los nazis para ser capaces de hacer lo que hicieron. Y no es casualidad que esta película salga ahora pues es evidente el paralelismo moral, aunque indirecto, que se establece con algunos líderes políticos actuales. Una película de corte puramente clásico que funciona como retrato histórico del evento, que en su último tercio apuesta más claramente por el drama judicial, que es a la vez su parte más vibrante.

   Interpretación: No es habitual la forma en que se reparte entre cuatro interpretaciones masculinas. Claro, algunos dirán que eso excluye la interpretación femenina. Pero creo que en esta ocasión viene al caso que sea así. Porque se apoya básicamente en el duelo de Rami Malek con Russell Crowe. Malek está realmente bien pero es que lo de Crowe es otro nivel porque se adueña de la pantalla y a Malek le toca casi siempre compartirla con él. Pero también hay que destacar la siempre efectiva aportación de Michael Shannon. Y la sorpresa de Leo Woodall.

   Escenas (SPOILERS!!): Hay un momento en el que se ofrece a la sala donde se está llevando a cabo el juicio, un vídeo donde se utilizan imágenes reales de archivo, mostrando los horrores de los campos de concentración alemanes. Independientemente de si era necesario o no, es imposible que no se te encoja el corazón. Personalmente, creo que sí es útil mostrar al público lo que esas personas juzgadas ahí gestaron allí. Por otro lado, en su tercer acto, es donde realmente se desarrolla la historia, que dependerá en gran parte de derrotar públicamente a Göring para que todos los demás cayeran con él. Es una especie de duelo a lo “Algunos hombres buenos”, que enfrenta a Russell Crowe con Michael Shannon, del que interpretativamente también sale victorioso el primero. No es culpa de Shannon, que está magnífico, es que Crowe devora a todo el que se le ponga delante.

   LO PEOR: Por mucho que se mencione, el análisis de la maldad que pretende hacer no es tan profundo como parece tener intención. Y tiene tramos en los que adolece de un ritmo excesivamente lento. No le haría falta tanto metraje. Aunque no resulte aburrida en ningún momento.

   REFERENCIAS: En cierto modo, puede recordar a “La caja de música”. Pero podría ponerse en un programa junto a “La solución final” y “La zona de interés”, que la complementarían. En una se deciden los crímenes y en otra se ejecutan.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Se disecciona la figura de uno de los hombres más relevantes del nazismo, Göring, interpretado por un imperial Russell Crowe, como preámbulo de uno de los juicios más importantes de la historia.

La Novia

 

    FICHA TÉCNICA

Título: La novia.
Dirección: Maggie Gyllenhaal.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 126 min.
Género: Terror, fantástico.
Interpretación: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Annette Bening, Penelope Cruz, Jake Gyllenhaal, Julianne Hough, Louis Cancelmi, John Magaro, Linda Emond, Jeannie Berlin, Matthew Maher.
Guion: Maggie Gyllenhaal. Personajes: Mary Shelley.
Producción: Maggie Gyllenhaal, Osnat Handelsman-Keren, Talia Kleinhendler, Emma Tillinger Koskoff.
Música: Hildur Guðnadóttir.
Fotografía: Lawrence Sher.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Es Chicago y en los años treinta. Frankenstein, tras varios intentos de contactar con ella, da con una doctora a la que le pide que le cree una compañera. Juntos resucitan a una mujer que había sido asesinada para que sea su Novia.

   LO MEJOR: Si la voy a salvar es por los pelos y casi haciendo un esfuerzo en base a unos motivos que ahora expondré. El primero de ello es que yo siempre voy a estar en el equipo de las cineastas valientes, los que tienen el atrevimiento de arriesgarse, que es justo lo que ha hecho Maggie Gyllenhaal, hacer algo totalmente distinto, hasta el punto de aproximarse al experimento formal. De hecho, algo que hay que aclarar es que no es un remake, casi ni siquiera una nueva versión de una de las mejores películas del cine de terror clásico, “La novia de Frankenstein”, que a su vez era secuela precisamente de uno de los grandes monstruos clásicos, “Frankenstein”, sino que es una historia independiente tomando como referencia los protagonistas de esas películas. Otra cosa es que el resultado sea satisfactorio. Y solo la puedo aprobar si la intención era hacer una caricatura, lo cual no solo no descarto sino que apuesto por ello. Porque solo eso puede ser la explicación para el cúmulo de excesos y exageraciones tanto desde la silla de la directora como desde las interpretaciones de sus personajes principales. Tiene algunos otros aciertos, como el impresionante diseño de producción y una serie de imágenes bastante potentes. Y narrativamente tiene ideas interesantes, como trasladar la acción a Chicago de los años treinta para acercarse al noir, o la inclusión del propio personaje de Mary Shelley (como impulsora de la posesión de la novia y narradora intermitente) o el tratamiento de la pareja protagonista como una mezcla de Bonnie y Clyde y el Joker y Harley Quinn.

   Interpretación: Tener dos actores del calibre de Jessie Buckley (reciente ganadora del Oscar) y Christian Bale, te aseguras buenas interpretaciones y ellos las entregan. Pero da la sensación que no han contado con una buena dirección de actores y llama especialmente la atención teniendo en cuenta que la directora también ha sido actriz y de las buenas. En cuanto a los demás, Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard y Penélope Cruz, no se sabe muy bien qué hacen aquí. Si algo más Annette Bening. Todos excesivamente teatrales.

   Escenas (SPOILERS!!): Hay que ver lo bien resueltas que están escenas de acción, al menos en cuanto a lo formal. Como la caída de Ida (Buckley) por las escaleras, la pelea y asesinato de los dos tipos que la atacan, a cargo de Frankenstein (Bale) y el tiroteo final donde masacran a la novia como a Bonnie. Sin embargo, hay otras incomprensibles, gratuitas o que directamente sobran como el registro del policía propasándose con ella o las explicaciones que se dan los detectives, que parecen como un pegote.

   LO PEOR: El problema es que es un completo caos narrativo, con un guion que en ocasiones roza el disparate. Puede que la razón es que claramente ha sufrido tijeretazos y se haya mutilado la idea inicial. La cuestión es que los personajes saltan de una escena a otra como si faltaran partes entre medias. Hay otros metidos con calzador, como los detectives. Hay cosas que te cuentan mediante diálogos en lugar de enseñarlas con imágenes. Es un sindiós.

   REFERENCIAS: Se supone que era un remake de “La novia de Frankenstein”, de 1935, de James Whale, pero tiene más cosas en común, y no en el buen sentido, con “Joker: Folie à deux”. Y tal vez como ella, sea una de las decepciones del año.

   CONCLUSIÓN: 5´5. Una atrevida, original y muy arriesgada versión de Maggie Gyllenhaal de uno de los grandes clásicos del terror que, sin embargo, cae en el caos narrativo y en el exceso de las interpretaciones de sus protagonistas.

Bronca T2

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Bronca 2.
Dirección: Lee Sung Jin (Creador), Lee Sung Jin.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 45 min )8 episodios).
Género: Comedia, drama.
Interpretación: Oscar Isaac, Carey Mulligan, Charles Melton y Cailee Spaeny, Youn Yuh-jung, Song Kang Ho, Seoyeon Jang, William Fichtner, Mikaela Hoover y BM.
Guion: Lee Sung Jin.
Producción: Lee Sung Jin.
Música: Finneas O'Connell.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Cuando una pareja de jóvenes, que trabaja en un club de campo, presencia una violenta discusión entre sus jefes, que además son matrimonio, se desencadena una serie de situaciones que van creando cada vez más tensión entre ellos.

   LO MEJOR: No suelo hacer crítica larga de segundas temporadas de series salvo que aporten algo tan distinto como para comentarlo, como es el caso, de hecho, esta es una historia totalmente diferente a la de la anterior temporada y no tiene ninguna vinculación con ella. Porque la primera fue concebida como una miniserie y quedaba cerrada. Para hacer una segunda, su creador pensó en ofrecer una historia independiente pero con algunas características comunes, a modo de antología, de tal manera que, efectivamente, tienen argumentos distintos pero comparten espíritu. El de representar la naturaleza humana cuando es llevada al extremo en cuanto a tensión, y de paso servir de crítica de la diferencia de clases sociales, aunque aquí va más allá, en su retrato del sistema de poderes. Además, ambas se mueven en el terreno de la tragicomedia pero con toques de thriller, y argumentalmente inician de forma similar, con una gran bronca. No obstante, mientras en la primera, una discusión se torna en la escalada de un enfrentamiento cada vez más violento entre dos personas y se centraba en eso, en la segunda, es la discusión de una pareja la que los vincula casualmente a otra y ambas se ven envueltas en una trama más compleja ya preexistente. Así que sí, es una historia más enrevesada y llena de giros, basada en uno de los mejores guiones de una serie en lo que llevamos de año, que tiene la habilidad de mostrar a todos sus personajes con acciones bastante cuestionables sin poder considerarlos villanos. La ambigüedad es su mayor virtud.

   Interpretación: Aquí sí supera a la primera temporada, y no precisamente porque el trabajo tanto de Steven Yeun como de Ali Wong no fuera excepcional. Pero es que aquí tenemos un reparto en distintas franjas de edad y diferentes nacionalidades. Por un lado tenemos la pareja formada por Oscar Isaac y Carey Mulligan, por otro la de Cailee Spaeny y Charles Melton, y luego la de los coreanos Youn Yuh-jung ("Minari") y Song Kang-ho ("Parásitos"). Y todos están realmente geniales. Especialmente se merecen ser nominados.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos directamente a destripar el final de la serie. ¿Por qué Austin cambia de parecer en el taxi? Porque se da cuenta que se ha precipitado con Eunice, su voz por teléfono parece protocolaria, desapasionada. Le indica que no le quiere. Sin embargo, Ashley (Spaeny) le asegura, cuando ya está segura que le ha perdido, que siempre le querrá. Y puede resonarle la frase de ella, "al menos nosotros ya conocemos las mierdas del otro". Ashley se ha mostrado como una pareja tóxica y muchas de sus acciones son claramente cuestionables pero si bien, no están justificadas, si están explicadas. Ashley es la más traumatizada por el pasado y la más dañada en la historia y sus acciones se basan en el miedo, no en la maldad. Aunque al final se convierten en la pareja que en el principio habrían visto discutir violentamente. Los ricos usaban a Joshua (Isaac) y Lindsay (Mulligan) y ahora hacen lo mismo con Ashley y Austin.

   LO PEOR: Que no haya tenido la respuesta esperada por parte del público y eso conociendo a Netflix ponga seriamente en peligro una tercera temporada. Es verdad que es inferior a la primera y que en el último episodio se descontrola un poco pero sigue siendo un producto por encima de la media.

   REFERENCIAS: Continúa su creador, Lee Song Jin, dirigiendo y escribiendo, como en la primera temporada, pero la historia está más cerca de “The White Lotus” y “Parásitos”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Sin estar al nivel de a primera temporada, si lo está a uno superior a la media, con una historia totalmente independiente de su precedente pero con el mismo espíritu de la naturaleza humana sometida a presión.

Algo terrible está a punto de suceder

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Algo terrible está a punto de suceder.
Dirección: Haley Z. Boston (Creadora), Weronika Tofilska.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 60 min (8 episodios).
Género: Terror, drama.
Interpretación: Camila Morrone, Adam DiMarco, Jennifer Jason Leigh, Ted Levine, Jeff Wilbusch, Gus Birney, Karla Crome y Sawyer Fraser.
Guion: Haley Z. Boston.
Producción: Matt y Ross Duffer.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una pareja viaja hasta la casa de los padres de él, donde piensan casarse en una ceremonia íntima. Pero nada más llegar, ella empieza a notar que algo no va bien. Y comienzan a pasar una serie de situaciones extrañas.

   LO MEJOR: No hay tantas propuestas de terror en el campo de la televisión como en el del cine, sorprende ver una de esta calidad en el formato de serie. Por eso, quizá, me ha estado dando la sensación de estar viendo una película por partes, dado que vista de seguido está perfectamente cohesionada entre los finales de los episodios y los principios de los siguientes. Si a eso le sumamos una puesta en escena puramente cinematográfica, especialmente en cuanto a su ambientación, su atmósfera, uso de la música y función de los efectos sonoros, nos da más todavía la sensación de haber visto una película pero de unas siete horas. Hay algunos que se han quejado de que la fotografía es demasiado oscura. Me recuerda que fue la misma queja del episodio de Juego de Tronos, “La larga noche”. Recomendaría ver las series de la misma manera que deberían verse todas las películas en casa, es decir, igual que en una sala de cine, completamente a oscuras. Pero es que además tiene un guion novedosamente original. Previamente se podría esperar lo que ya avisa el título de la serie, pero en base a una especie de “La semilla del diablo”, ritual o familia loca. Y es por esos caminos por los que nos lleva, solo para que nos pillen más de improviso los giros, que son varios y muy buenos. Volantazos para llevarnos al verdadero tema de la historia, el miedo al compromiso y a que tu pareja no sea realmente la acertada. Hará dudar a muchos. Un título que se repite constantemente por lo que no se puede considerar spoiler que finalmente cumpla su palabra.

   Interpretación: Al parecer ya ha tenido algunos reconocimientos pero honestamente, aparte de verla brevemente en el remake de “El justiciero” y ser novia de Leonardo DiCaprio, no sabía nada de ella. Por eso me he llevado una gran sorpresa con la energía interpretativa de una Camilla Morrone que no solo es la protagonista total sino que además es el motor de la serie. Tras ella podemos destacar a Karla Crome y Gus Birney . Y la participación de los veteranos Ted Levine y Jennifer Jason Leigh.

   Escenas (SPOILERS!!): La estructura cinematográfica se pone en liza desde el primer episodio, que todo entero ejerce de prólogo, de hecho, termina con el título de la serie. También podemos apreciarlo en el episodio 7, rodado en plano secuencia, aunque trucado, son varios encadenados por fundidos, pero nuevamente un recurso técnico más de cine. Pero vayamos a la gran pregunta que se hace todo el mundo al final del octavo y último capítulo. ¿Por qué resucita Rachel (Morrone) y por qué es elegida por la maldición como nueva Testigo? Tras la “boda roja” que ha masacrado a la mitad de la familia Cunningham, Rachel es obligada a terminar la ceremonia, por tanto, muere desangrada (con un plano precioso en la nieve rodeada de su sangre). Pero resucita al morir el Testigo. La maldición posiblemente la elige porque Rachel ha sido honesta. No ha completado la trampa del ritual, ha ido al altar convencida de que Nicky es su alma gemela. Lo ha intentado. Que todo haya resultado un desastre no es culpa suya. Además, es una superviviente al igual que el zorro que aparece al final, que pierde su pata pero sigue adelante. Por eso la maldición la elige, pues no deja de ser un castigo para falsos enamorados, un castigo moral. Y ella la tiene. Es idónea para renovar el cargo de Testigo. Perfectamente podría tener una secuela en forma de segunda temporada donde la viéramos ejercer de ello.

   LO PEOR: No es que se haga larga en absoluto, todo lo contrario, se ve en un suspiro. Pero es inevitable pensar que es una película alargada. De hecho, no me extrañaría que originalmente se hubiera pensado como tal. No es algo negativo en sí.

   REFERENCIAS: A medio camino del thriller psicológico y el terror sobrenatural, aunque con trazas de comedia negra, juega en la misma liga de “La semilla del diablo”, “Hereditary” o “It follows”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Cuantas bodas se llegarían a celebrar si "algo terrible estuviera a punto de suceder" en caso de no tomar la decisión correcta en cada momento. A eso juega esta miniserie, que es un viaje tan adictivo como terrorífico.