viernes, 31 de octubre de 2014

100000 visitas!!! Gracias




      Quien me iba a decir a mí que cuando comencé con el blog (hace dos años), casi por casualidad y como un mero entretenimiento, iba a llegar a tener seguidores que semana tras semana leen las críticas, ven las escenas que selecciono y escuchan los temas musicales que pongo.

   Quizá para otros blogs más potentes ésta cifra les parezca irrisoria pero para mí es un motivo de orgullo, de ilusión y de ganas de seguir adelante, pues este mismo verano llegué a plantearme dejarlo, pero, ante los mensajes recibidos para que continuara, no pude hacer otra cosa volver a ponerlo en marcha. Y bien que me alegro de haberlo hecho.

    Muchas gracias a todos los que me acompañáis, tanto directamente desde aquí como por las redes sociales. Ahora hay que ir a por las 200000, jajaja.


   MUCHAS GRACIAS A TODOS



miércoles, 29 de octubre de 2014

Escenas Míticas: Viajes espaciales - Naves Misteriosas




   Sin duda, lo más destacable del mes y, yo diría, del año, es el estreno de la nueva peripecia cinematográfica de uno de los mejores directores de la actualidad, es decir, el "Interstellar" de Christopher Nolan. Es por ésto que la temática de este mes para la sección serán "los viajes espaciales". Y comenzamos con este clásico de los setenta, "Silent running", o como se tituló en España, "Naves misteriosas", lo que es bastante distinto (cosas de las traducciones).




   La película contó con un presupuesto bastante modesto, lo que no la eximió de proporcionarnos unos efectos especiales muy dignos. De hecho, el director fue Douglas Trumbull, precisamente un especialista en esa materia ("2001", "Star Trek", "Blade Runner"). Las maquetas aportadas para dar vida a las naves que transportaban esos minibosques me resultaron muy logradas. Es más, se reutilizaron para la serie "Galactica", creo.



   La banda sonora original tiene una gran belleza y es especialmente adecuada para las imágenes del espacio en combinación con el de los preciosos y coloridos jardines del interior de los Domos (esas enormes cúpulas de cristal a modo de burbujas donde guardan los restos de los bosques que se supone se habían extinguido en la Tierra). Destacaba el tema cantado por Joan Baez en esta escena.



    No es casualidad que el nombre del protagonista, Freeman Lowell, sea una especie de alegoría a la libertad, al movimiento hippie. Y que precisamente él sea el enamorado de la naturaleza y defensor a ultranza de los animales y los árboles, y que por ello sufra las burlas de sus compañeros en la tripulación.



     Bruce Dern nunca ha ejercido como estrella. Aunque si es cierto que ha protagonizado numerosas películas. Personalmente siempre me ha parecido un actor de notable nivel. En el film interpreta a un controvertido astronauta botánico que decide contravenir las órdenes de sus superiores, deshaciéndose de sus colegas. Y eso demostrando tener una extraordinaria sensibilidad por lo ocurrido.



   El mensaje de la película es descaradamente ecologista. Aunque no se entiende como se vive en la tierra en ausencia de plantas y vegetales (se supone que no tendríamos oxígeno), o que pintan las naves en Júpiter. Pero, en líneas generales, es una película que recuerdo con nostalgia, y que no deja de ser un posible y lamentable futuro para la humanidad.
   Por cierto, los robots Huey y Dewey me parecen un precedente de lo que sería el R2D2 de "Star Wars" y merecen estar en la historia de los robots del cine de ciencia-ficción.

domingo, 26 de octubre de 2014

Al filo del mañana





   FICHA TÉCNICA

 Película: Al filo del mañana.
Título original: Edge of tomorrow.
Dirección: Doug Liman.
País: USA.
 Año: 2014.
Duración: 113 min. 
Interpretación: Tom Cruise (William Cage), Emily Blunt (Rita Vrataski), Bill Paxton (General Farell), Brendan Gleeson (General Brigham), Jonas Armstrong (Skinner), Tony Way (Kimmel), Kick Gurry (Griff), Noah Taylor (Dr. Carter), Dragomir Mrsic (Kuntz), Charlotte Riley (Nance), Franz Drameh (Ford).
Guión: Christopher McQuarrie, Jez Butterworth y John-Henry Butterworth; basado en la novela “All you need is kill”, de Hiroshi Sakurazaka.
Producción: Gregory Jacobs, Jason Hoffs, Tom Lassally, Erwin Stoff y Jeffrey Silver.
Música: Christophe Beck
Fotografía: Dion Beebe.
Montaje: James Herbert.
Diseño de producción: Oliver Scholl.
Vestuario: Kate Hawley.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En el futuro la Tierra es invadida por una raza extraterrestre. A la batalla definitiva es mandado un comandante que no tiene ninguna experiencia en combate llamado William Cage. Ese día muere. Pero vuelve a despertar entrando en un bucle temporal.
   LO MEJOR: Hay que reconocerle a Tom Cruise su buen tino a la hora de elegir proyectos de ciencia-ficción, si recordamos sus anteriores incursiones en el género (“Minority Report”, “Oblivion”), y le añadimos ésta. No es nuevo comprobar que Doug Liman es un director de un pulso muy acertado, que otorga un ritmo espectacular. No es una idea original pero la forma de llevarla a cabo si es muy efectiva. La película entretiene y mucho, y da como resultado algo fresco, sin cometer demasiados excesos. Dicho sea de paso, es lo mejor de Liman desde la magnífica “El caso Bourne”. Además, los efectos especiales son bastante buenos.
   Interpretación: Tom Cruise tiene tal facilidad para llevar el protagonismo de una película que parece insultante. Es que parece que pone el piloto automático y a actuar. Y le moleste a quien le moleste, lo hace muy bien. Y tenerle en el reparto es un seguro para la recaudación del film. También destaca una de esas actrices que tiene un “no sé que” pero que me gusta, Emily Blunt. Y secundarios como Bill Paxton y Brendan Fraser.
   Escena (spoiler): La primera batalla es toda una rememoración del desembarco de Normandía tipo masacre de “Salvad al soldado Ryan” en versión ciencia-ficción. Interesante es su primer despertar para comprobar que está volviendo a revivir el mismo día una y otra vez. Da la sensación de estar viendo un videojuego en el sentido de ir pasando pantallas. Una de ellas es la secuencia en la que consiguen sobrevivir a la batalla y encuentran una especie de helicóptero. Y claro, el enfrentamiento final.
   LO PEOR: Tampoco hay que engañar a nadie, es un producto más de forma que de fondo. La historia no está mal pero lo más interesante es ver como está rodado. Además, el propio argumento hace que, inevitablemente, se abuse de ciertas situaciones que se van haciendo repetitivas, aunque casi es un mal necesario.
   CITAS: “Lo único honesto que usted me ha dicho hasta ahora es su nombre”. “Ven conmigo cuando despiertes”. “¿Qué pasó la primera vez que moriste”.
   REFERENCIAS: Forma parte de ese grupo de películas que se juega con el tiempo en plan “el día de la marmota” como en “Atrapado en el tiempo” o “Código fuente”.
   CONCLUSIÓN: 7’5. Es como jugar a un videojuego y tener continuaciones infinitas.



martes, 21 de octubre de 2014

Escenas Míticas: Tony Scott - Marea roja




   Los productores Jerry Bruckheimer y Don Simpson volvieron a reunirse con Tony Scott para realizar una película de temática militar poniendo en marcha la fórmula que ya funcionara con "Top Gun". Y si aquella se realizara en el aire, ésta se metían bajo el océano, a bordo de un submarino nuclear norteamericano.




   Tony Scott contaba con mucho más crédito a la hora de abordar este proyecto. Su sentido estético, muy ligado al comercial, y por tanto, a la taquilla, les venía al pelo a los productores para hacer una buena película que encima atrajera al público a las salas.



   A bordo del Alabama, el capitán y sus oficiales discuten temas más filosóficos que otra cosa. Sirva la escena para demostrar los tan diferentes planteamientos que mantienen al capitán Ramsey (Gene  Hackman) y su segundo Hunter (Denzel Washington) y que se pondrá de manifiesto más adelante.



   Scott demostró una vez más su buena mano a la hora de manejar actores de gran calibre. La escena es de una tensión brutal. El director saca partido a través de sus característicos primeros planos de la enorme capacidad interpretativa de Gene Hackman, que está soberbio, y Denzel Washington, que no le va a la zaga. Comparo este duelo interpretativo con el mantenido por Tom Cruise y Jack Nicholson en "Algunos hombres buenos".



   Si el reparto contaba con dos auténticas estrellas de la gran pantalla, no podemos decir que el elenco de secundarios fuera malo, ni mucho menos. El efectivo Geroge Dzundza, Viggo Mortensen (antes de ser el montaraz Aragorn), James Gandolfini, Jason Robards, Ryan Phillippe, . . .



La película tenía una ambientación clautrofóbica muy conseguida. Está llena de momentos de tensión e incluso plantea ciertos dilemas morales. Se colocaba a la par de filmes como "La caza del Octubre Rojo". Optó a varios oscars de carácter técnico (sonido, montaje, efectos sonoros) y tuvo buena respuesta tanto en taquilla como de crítica.
   Una pena la pérdida de este director.

domingo, 19 de octubre de 2014

X-Men, días del futuro pasado



   FICHA TÉCNICA

Película: X-Men: Días del futuro pasado.
Título original: X-Men: Days of future past.
Dirección: Bryan Singer.
País: USA.
Año: 2014.
Duración: 132 min. 
Interpretación: Hugh Jackman (Logan / Lobezno), Jennifer Lawrence (Raven / Mística), Michael Fassbender (Erik Lehnsherr), James McAvoy (Charles Xavier), Halle Berry (Tormenta), Ian McKellen (Magneto), Patrick Stewart (Profesor X), Anna Paquin (Pícara), Ellen Page (Kitty Pryde), Shawn Ashmore (Bobby / Hombre de Hielo), Peter Dinklage (Dr. Bolívar Trask), Nicholas Hoult (Hank McCoy / Bestia), Omar Sy (Bishop), Daniel Cudmore (Coloso), Evan Peters (Mercurio), Lucas Till (Havok), Bingbing Fan (Blink).
Guión: Simon Kinberg; basado en un argumento de Jane Goldman y Matthew Vaughn.
Producción: Bryan Singer, Simon Kinberg, Lauren Shuler Donner, Hutch Parker.
Música: John Ottman.
Fotografía: Newton Thomas Sigel. 
Montaje: John Ottman.  
Diseño de producción: John Myhre. 
Vestuario: Louise Mingenbach.  
Distribuidora: Hispano Foxfilm.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En el futuro, los mutantes son acosados y aniquilados por unos robots de última generación llamados centinelas. Así que deciden mandar a Lobezno al pasado para convencer a los mutantes pero de los setenta y evitar la creación de los centinelas.
   LO MEJOR: Mucho mejor de lo que esperaba. Brian Singer vuelve a la saga de la que no debió irse nunca, vistos los resultados de “Superman returns” por su lado y “X-Men 3” por el otro. Y regresa para a hacer todo un homenaje a la Marvel, a la saga, y para enlazar los “X-Men” clásicos con los de la precuela. Una idea refrescante llena de emoción. Incluso diría que es una de las mejores de la franquicia. La conjunción de imágenes de un futuro con los mutantes siendo cazados por una especie de terminators gigantes con la época de los setenta (bien recreada) con el origen de los mutantes, es todo un puntazo. Con unos efectos especiales (visuales) a una gran altura, que contribuyen a un espectáculo ejemplar.
   Interpretación: Es una completísima agrupación de muy buenos actores de distintas generaciones, tal como son los personajes que interpretan. Hugh Jackman vuelve a llevar el timón del protagonismo y no defrauda, una vez más. Pero destacaría a los actores que actuaron en la precuela, en especial al dúo de amigos-enemigos formado por James McAvoy y Michael Fassbender, en sustitución de Patrick Stewart Y Ian McKellen, que permanecen más secundarios. Y por supuesto, Jennifer Lawrence, que está impresionante como Mística. Sin olvidarme de Tyrion, quiero decir Peter Dinklage.
   Escena (spoiler): El prólogo en el futuro es un formidable espectáculo visual y de acción. Luego cualquier escena en la que aparezca Mística, con unas escenas de lucha de lo mejor de la película. No se corta el guión, aunque con trampa, cuando van cayendo uno a uno ante los centinelas, sobre todo la muerte de Magneto. O el final en los setenta, con el “traslado” del estadio de fútbol y el enfrentamiento final. Pero mi favorita es el tiroteo ralentizado cuando van a liberar a Magneto (Fassbender).
   LO PEOR: De verdad que no le veo fisuras. Quizá, y casi por decir algo., hay cierto apelotonamiento de escenas de acción. Todo va tan rápido que no da tiempo a digerirlas. Pero vamos, que si no os da tiempo, la veis otra vez.
   CITAS: “Hay un nuevo enemigo allá afuera. Un enemigo que hará inútiles sus arsenales, someterá a sus ejércitos y dejará indefensas a sus naciones”. “Solo vi a una persona que algún día me hará sufrir mucho”. “No había habido una causa que nos uniera como una sola especie, hasta ahora”.
   REFERENCIAS: Pues aunque esté englobada en la saga “X-Men”, adapta un comic independiente que sirve como nexo entre la precuela “X-Men, la nueva generación” y las más clásicas.
   CONCLUSIÓN: 8. La vuelta de Brian Singer para hacer un homenaje a toda la saga.


 

sábado, 18 de octubre de 2014

Música de Película - Maniac (2012)




   No conozco para nada al compositor de ésta película. De hecho, he tenido que tirar de wikipedia para poder contar algún dato sobre él. Al parecer lleva desde 2010 haciendo música para películas, ninguna reseñable que yo haya visto. Aunque si ha colaborado en el nuevo film de Alexandre Ajá, que ya produjo este remake de "Maniac". El caso es que me ha gustado ésta porque te teletransporta a las pelis de las décadas de los 70 y 80.




Tema: Main theme.
Película: Maniac.
Intérprete o compositor: Robin Coudert.



Tema: Haunted.
Película: Maniac.
Intérprete o compositor: Robin Coudert.

jueves, 16 de octubre de 2014

Divergente




   FICHA TÉCNICA

Película: Divergente.
Título original: Divergent.
Dirección: Neil Burger.
País: USA.
Año: 2014.
Duración: 140 min. 
Género: Ciencia-ficción.
Interpretación: Shailene Woodley (Beatrice ‘Tris’ Prior), Theo James (Cuatro), Kate Winslet (Jeanine Matthews), Ashley Judd (Natalie Prior), Jai Courtney (Eric), Maggie Q. (Tori), Ray Stevenson (Marcus Eaton), Miles Teller (Peter), Zoë Kravitz (Christina), Ben Lloyd-Hughes (Will), Amy Newbold (Molly), Mekhi Phifer (Max), Tony Goldwyn (Andrew), Ansel Elgort (Caleb).  
Guión: Evan Daugherty; basada en la novela de Veronica Roth.
Producción: Lucy Fisher y Douglas Wick.
Diseño de producción: Andy Nicholson.
Distribuidora: eOne Film.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En una sociedad futura formada tras una guerra, el mundo se divide en cinco grandes grupos, lo que llaman facciones; osadía, abnegación, verdad, erudición y cordialidad. Beatrice tiene un problema, posee todas esas virtudes, es divergente.
   LO MEJOR: Antes de nada decir que el público buscado por la película es claramente el adolescente, aunque puede resultar bastante interesante para cualquier otro. De hecho, visualmente está bastante cuidada y queda resuelta de forma bastante atractiva. Además, a pesar de tener una duración muy generosa no se hace pesada y tienen un ritmo adecuado que la hace entretenida. Está claro que las similitudes con “Los juegos del hambre”  son evidentes pero presenta algunas variantes, como las escenas oníricas, tanto inducidas como no, que dan un toque diferente.
   Interpretación: Ha nacido una estrella. Así, como suena. Y lo afirmo así porque Shailene Woodley reúne los requisitos para serlo. Es joven, es guapa y tiene talento. Además, su rol en la película es similar al de Jennifer Lawrence en “Los juegos del hambre”. Aunque, claro, la comparación sería injusta. Es pronto para juzgarlo. Lawrence es una actriz consolidada y confirmada. Woodley, una estrella emergente. Pero sus participaciones  anteriores, como en el caso de “Los descendientes”, presagian un buen futuro. Sin embargo, me da que se podría haber aprovechado mucho más el papel de la villana Kate Winslet, al igual que me pasaba con Jodie Foster en “Elysium”.
   Escena (spoiler): Lo más logrado del film son las secuencias de los sueños. Algunos como pruebas de nivel y demás. Especialmente el primer test donde se ve a si misma rodeada de espejos. O las distintas pruebas en el grupo de los de “osadía”, De hecho, no dejan de tener cierta originalidad en el diseño de cada escena de este tipo. Como pasa también con el examen final y luego en la parte más de acción que es el desenlace con un tiroteo bastante largo.
   LO PEOR: ¿Porque tiene siempre que haber un romance? Seré más explícito: ¿Por qué siempre tiene que haber un romance que lo estropee todo? La premisa de la película está muy bien pero la historia de amor, metida con calzador, estorba a la evolución del argumento. Además, se podría explicar un poco el porqué de esa distribución distópica de la población.
   CITAS: “Todo funciona. Todos saben donde pertenecen menos yo”. “El miedo no te paraliza, te hace reaccionar”.
   REFERENCIAS: Pues como llevo diciendo todo el rato, “Los juegos del hambre”, sobre todo la segunda parte, “En llamas”, con un tono diferente. En cuanto al tema romántico meloso va por “Cazadores de sombras” y “El huésped”.
   CONCLUSIÓN: 7. Ciencia-ficción adolescente pero bien cuidada en formas.



martes, 14 de octubre de 2014

Escenas Míticas: Tony Scott - El último boy scout


 

   Es mi favorita de Tony Scott. En su momento fue el guión mejor pagado y siguió siéndolo hasta que llegara el de "Instinto básico". Es cierto que es una ensalada de chistes fáciles y tiros a mansalva, pero me encanta. Tremendamente entretenida, el director británico firmó una de sus mejores películas.




   Tiene grandes dosis de acción, persecuciones y tiroteos. como curiosidad decir que la chica es una espectacular jovencita llamada Halle Berry, antes de ganar su oscar y de tener el caché que tiene actualmente.



   Se estrenó un año antes de la llegada de "Reservoir dogs", por lo que, seguramente batió el record de tacos en una sola película. El "jodido" tal , el "puto" cual, son expresiones que no pasan cinco minutos sin que se digan. Luego vendría Tarantino con la antes mencionada y "Pulp fiction" y se abonaría a esa clase de lenguaje.



   Ese lenguaje soez y la generosa cantidad de violencia consiguieron que la película tuviera una calificación muy alta en cuanto a resultar ofensiva para menores. No se puede negar, pero es cierto que muchas veces, como se ve en la escena, es bastante gracioso. Y si no, vean "El lobo de Wall Street", todo un ejemplo.



   Bruce Willis está en plenitud de facultades en su papel. Diría que es el personaje que más me gusta de su carrera por detrás de John McClane. El guión se le ajusta a la perfección y está desatado en su interpretación. Bruce Willis en estado puro. Y por supuesto, lleno de sangre y golpes por todos lados.



   Tony Scott ya había utilizado aquello de las buddy-movies en "Top Gun", también en "Superdetective en Hollywood 2" (para mí mejor que la primera), y le sacó todavía más rendimiento en este film, acercándose más a la línea marcada por "Arma letal" y "Límite 24 horas".



   La parte final es todo un tobogán de acción a raudales, muy a lo "Jungla de cristal". El caso es que aunque no fuera un exitazo de taquilla, se defendió bien y le sirvió a Bruce Willis para levantar el vuelo después de "El gran halcón", y a Tony Scott para aumentar su status.


domingo, 12 de octubre de 2014

Alien 3. Ver. Ext.




FICHA TÉCNICA

Película: Alien 3. Versión Extendida.
Dirección: David Fincher.
País: USA.
Año: 1992.
Duración: 144 min.
Género: Ciencia-ficción, terror, suspense.
Guión: Walter Hill, David Giler (argumento de Vincent Ward).
Producción: Gordon Carroll, David Giler, Walter Hill.
Música: Elliot Goldenthal.
Fotografía: Alex Thomson.
Distribuidora: 20th Century Fox.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras conseguir escapar del planeta de los aliens, la teniente Ripley es la única superviviente del viaje, que llega a Fiorna 161, otro planeta utilizado como cárcel penitenciaria y que está abandonada de la mano de dios. Pero Ripley no ha sido la única superviviente, en realidad.
   LO MEJOR: Hay que decir que David Fincher tampoco tuvo que ver en el montaje de ésta versión, pero aún así la mejora es más que evidente. En la película que llegó a las salas de cine había varios agujeros en cuanto a enlazar “Aliens, el regreso” con esta secuela. Eso queda mejor explicado aquí; el origen del alien y el destino de los acompañantes en la nave de Ripley. Tiene más sentido. Además, incluye más imágenes de exteriores. Por otro lado, resaltar lo que ya sabíamos que tenía, es decir, una lograda ambientación y una fotografía que ayuda bastante a ello. Todo en conjunto contribuye a que esta versión adquiera un mayor valor del conseguido con la otra.
   Interpretación: Sigourney Weaver está bien, como siempre. Ripley es un personaje de su propiedad tanto como Hannibal Lecter de Anthony Hopkins. Weaver es Ripley y Ripley es Weaver. No hay mucho más en el reparto salvo la participación de Charles S. Dutton. Y me habría gustado que el siempre efectivo Charles Dance no hubiera desaparecido (incomprensiblemente) tan pronto. Es un actor de talento y su personaje era interesante, incluso beneficiaba al de Weaver.
   Escena (spoiler): Hay notables diferencias. Resaltaré lo novedoso de este montaje. Desde luego, todo el prólogo inicial cambia la forma de llegar Ripley al planeta y los planos entre los títulos de crédito explican lo que ha pasado en la nave. También se ve, durante el funeral de Newt, de donde sale el alien, es decir, de uno de los bueyes que se ven en la playa. Además, la parte final está narrada de forma más emocionante, con más ritmo. Lo único que no me gustó es que cuando Ripley decide tirarse al metal fundido, me gustaba en el original como la cría intentaba salir de su cuerpo antes de caer y ella la sujetaba para que no escapara.
   LO PEOR: Pues lo verdaderamente negativo es que las productoras, a veces, no dejan a los directores dar rienda suelta a sus ideas. No obstante, aunque los minutos añadidos son muy positivos, con ellos la película se va hacia las dos horas y media, por lo que hace un poco más pesada, teniendo en cuanta que no posee el nivel de acción de su predecesora. Y bueno, digamos que los efectos especiales están más bien justitos (y eso que fueron nominados), sobre todo en planos de cuerpo entero del alien.
   CITAS: “No hay ninguna promesa. Nada es seguro. Solo algunos son llamados y otros salvados”. “En un mundo loco, un hombre sano puede parecer loco”. “Debo reeducar a algunos hermanos”.
   REFERENCIAS: Pues, enmarcada en la saga “Alien” pero con el cartel de peor secuela de la saga, en mi opinión, esta versión la elevaría de categoría hasta el tercer lugar a mí la cuarta no es que me entusiasme precisamente.
   CONCLUSIÓN: 7’5. Versión que mejora notablemente el resultado final.



sábado, 11 de octubre de 2014

Música de Película: Noé




   Creo que es la tercera banda sonora que pongo de este compositor. Y es que este tío es muy bueno. Esa mezcla de instrumentos tradicionales con un sonido más modernizado y no tan habitual en la música de películas queda muy fresco y original. Ésta no es su mejor creación (para mi sería "Réquiem por un sueño" o "La fuente de la vida") pero es unagran composición.



Tema: Main theme.
Película: Noé.
Intérprete o compositor: Clint Mansell.




Tema: Make thee and ark.
Película: Noé
Intérprete o compositor: Clint Mansell.



Tema: The judgement of man.
Película: Noé.
Intérprete o compositor: Clint Mansell.



jueves, 9 de octubre de 2014

Mindscape




   FICHA TÉCNICA

Película: Mindscape.  
Dirección: Jorge Dorado.
Países: USA, España y Francia.
Año: 2013.
Duración: 100 min. 
Género: Thriller.
Interpretación: Mark Strong (John Washington), Taissa Farmiga (Anna Greene), Brian Cox (Sebastian), Alberto Ammann (Tom Ortega), Saskia Reeves (Michelle), Richard Dillane (Robert), Indira Varma (Judith), Noah Taylor (Peter Lundgren).
Guión: Guy Holmes; basado en un argumento de Guy Holmes y Martha Holmes.
Producción: Jaume Collet-Serra, Peter Safran, Mercedes Gamero y Juan Solá.
Música: Lucas Vidal.
Fotografía: Óscar Faura.
Montaje: Jaime Valdueza.
Diseño de producción: Alain Bainée.
Vestuario: Clara Bilbao.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un experto investigador mental, con la capacidad para entrar en los recuerdos de los demás, acepta el caso de una adolescente. Durante sus sesiones se bate entre la duda de si es una chica víctima de un trauma o bien una psicópata calculadora.
   LO MEJOR: Tampoco es que albergara demasiadas expectativas. Quizá por eso la película me haya dado buena impresión. Mantiene un interés bastante constante. La trama está bien planteada y siempre llevada ordenadamente. Con ese buen pulso, se permite tener algunos buenos golpes de efecto que evitan que se caiga en la monotonía. Y es que tiene unos buenos giros que no resultan estridentes y que tienen buena lógica con el argumento y no metidas con calzador como en otros títulos similares. Todo englobado en una lograda atmósfera.
   Interpretación: Estamos acostumbrados a verle en un rol bastante secundario, a menudo, como villano, Sin embargo, Mark Strong es un actor de esos que siempre cumplen, y aquí hace lo mismo, a pesar de llevar todo el protagonismo. Protagonismo que comparte con Taissa Farmiga (si, es familia de Vera Farmiga, de hecho, es su hermana menor). La chica intriga cuando debe intrigar, desconcierta cuando debe desconcertar y hasta intimida también cuando debe.
   Escena (spoiler): Desde luego, el prólogo en el que vemos algo así como el comienzo de “Scream” pero que luego vamos dándonos cuenta que es algo muy distinto. Los giros más importantes, como cuando la culpabilidad apunta al personaje de Brian Cox. O cuando descubre Strong que le han colado las fotos de chicas desnudas y que la historia de Farmiga es pura ficción. Y claro, la trampa final, junto al descubrimiento que toda la película es una incursión en su memoria por parte de otro colega.
   LO PEOR: La trama está bien construida pero está plagada de tópicos que, muchas veces, hacen que los giros, aunque acertados, llegan a ser previsibles. Aunque más que previsibles es que dan la sensación de “esto ya lo he visto antes”. Además, la dirección es un tanto plana. Tanto se esfuerza el director en hacer las cosas de forma correcta que no se sale mucho del guión y no le da su propio estilo.
   CITAS: “Si alguna vez me ves particularmente atractiva en un sueño, quizá me lo esté inventando”. “No soy una psicópata pero puedo pensar como ellos”.
   REFERENCIAS: Tiene retazos muy sesgados de “Origen” en su tendencia onírica pero comparte muchos más nexos con las intromisiones en la mente de la gente que hacía Jennifer López en “La celda”, mucho menos barrocas, claro.
   CONCLUSIÓN: 7. Bien resuelta, con una trama interesante, aunque plana en estilo.



martes, 7 de octubre de 2014

Escenas Míticas: Tony Scott - Amor a quemarropa




   A juzgar por la diferencia entre sus estilos de sus cines, sorprendía que Tarantino se declaraba admirador de Scott y le ofreció el guión de "True romance", aunque el británico estaba más interesado en "Reservoir dogs", pero Tarantino se negó alegando que la dirigiría él mismo, como así fue. finalmente Tony accedió.




   Scott contó con un reparto lleno de caras conocidas para el público adolescente, lo que sirvió como gancho. Además, la película contaba con buenos tiroteos. Aquí vemos la breve pero interesante aparición de Gary Oldman, que en la versión original, se podía apreciar que tuvo que forzar su acento para darle más credibilidad al personaje.



   Quien haya leído un guión de Tarantino se habrá dado cuenta que Quentin segmenta mucho sus historias para profundizar en las escenas, que están muy diferenciadas. Este segmento genial con una parrafada "made in Tarantino" sobre que los sicilianos son en realidad negros, le correspondería a dos monstruos de los personajes secundarios como Christopher Walken y Dennis Hopper.



   Sin lugar a dudas, mi escena favorita. La resistencia espartana de la que hace gala una Patricia Arquette, como la adorable Alabama, ante el tristemente fallecido James Gandolfini, es épica. Muy violenta, eso si, viendo como el matón disfruta de la paliza que la está propinando antes de matarla. Brutal el momento cuando consigue doblegarle y se ensaña de lo lindo con él.



   Una de las partes más intensas es cuando Christian Slater, que está en una de sus mejores interpretaciones, pretende probar si le están engañando, apuntándole a la cabeza en el ascensor justo antes de la reunión para vender la droga. Y como pone la mano Clareance (Slater) para que no le salpique la sangre en la cara en caso de disparar.



    En una entrevista, Tarantino reconocía que él hubiera rodado la secuencia desde un plano general. Pero Tony Scott era un amante de los primeros planos y rodó, lo que quedó como un grandioso tiroteo a lo O.K. Corral entre polis, gangsters y traficantes, a su manera.
   A modo de cameo volvió a aparecer Val Kilmer (aunque no se le ve claramente) como la voz de la conciencia de Clearence, en forma de Elvis. También en una escena como colgado a Brad Pitt. La película tuvo buena respuesta y a la postre quedo como una obra de culto, un Bonny & Clyde de los noventa.


domingo, 5 de octubre de 2014

La bella y la bestia (2014)






   FICHA TÉCNICA

Película: La bella y la bestia.
Título original: La belle & la bête.
Dirección: Christophe Gans.
Países: Francia y Alemania.
Año: 2014.  
Duración: 114 min. 
Género: Fantástico, romance.
Interpretación: Vincent Cassel (La Bestia), Léa Seydoux (Bella), André Dussollier (padre de Bella), Eduardo Noriega.
Guión: Christophe Gans y Sandra Vo-Anh; basado en la obra de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve.
Producción: Richard Grandpierre.
Música: Pierre Adenot.
Fotografía: Christophe Beaucarne.
Montaje: Sébastien Prangère.
Diseño de producción: Thierry Flamand.
Vestuario: Pierre-Yves Gayraud.
Distribuidora: DeAPlaneta.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Adaptación del célebre cuento en el que un hombre se ve obligado a dejar que su hija se traslade al castillo de un enigmático hombre bestia tras cometer el error de cortar una rosa de su jardín.
   LO MEJOR: Lo que más me ha llamado la atención ha sido la espectacular recreación del mundo mágico de la bestia, con unos escenarios increíbles. Llega a tanto que la dirección artística corre el peligro de devorarse el resultado final de la película. Por tanto, es visualmente muy poderosa. Crea una atmósfera fantástica perfecta cercana a las fábulas tipo Tim Burton, aunque no tan oscura. Christophe Gans hace gala de todos los recursos estéticos que tiene en la cartera, llevando la historia más al terreno de la fantasía que al del propio cuento, Y me pareció interesante el modo en que se cuenta el pasado de la bestia.
   Interpretación: No hay actuaciones muy destacadas. El caso es que los actores pegan pero no consiguen hacerlo lucir. Vincent Cassel me parece una buena elección pero está demasiado enterrado en ese maquillaje digitalizado (un error). Mucho mejor hubiera sido el artesanal de toda la vida. Eduardo Noriega está desdibujado en un papel por debajo de lo que es capaz. Y Lea Seydoux simplemente está correcta.
   Escena (spoiler): Pues la entrada abrupta del padre en los dominios de la bestia es impresionante. El momento en el que se corta la rosa para su hija sorprende. Y es bastante interesante la caza de la cierva y lo que eso conlleva para la historia, contada a través de un gran espejo. Y la parte final con la máxima expresión del ambiente fantástico, sobre todo con el ataque de los gigantes controlados por la bestia.
   LO PEOR: Tiene mucho más envoltorio que caramelo. Si le quitas todos los trucos y reclamos visuales no queda demasiado. Donde es más alarmante es en el desarrollo del romance, que prácticamente es esbozado y en apenas un par de conversaciones, la bella ya quiere a la bestia. Además, no me queda claro ni creo que a nadie, a que tipo de público busca Gans, probablemente haya querido contar con un poco de todos y se ha quedado un tanto indefinido.
   CITAS: “Lleváis los ropajes de un príncipe pero sois una bestia cruel y solitaria”. “Sois como cualquier otro hombre, que decepción”.
   REFERENCIAS: Estaría en la línea de las últimas adaptaciones cinematográficas de cuentos como “Blancanieves”, Hansel y Gretel”, . . .
   CONCLUSIÓN: 6. Visualmente poderosa pero nada más.




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