martes, 31 de enero de 2023

Escenas Míticas: Diminutos - Viaje alucinante

 

   El estreno de “Ant-Man y la Avispa: Quantamania”, nos sirve como reclamo para hacer un repaso de varias películas en las que se miniaturizaba a los personajes, que he llamado “Diminutos”, y que nos da la posibilidad de tocar unos cuantos títulos muy divertidos, como este clásico del cine fantástico y de ciencia-ficción.



   Clásico que no fue inspirado en la novela homónima de Isaac Asimov sino al revés, fue el famoso escritor quien se inspiró en la película. El mundo al revés, como decía. La película en lo que se basó fue en la historia escrita a modo de relato corto de Jerome Bixby y Otto Klement. Pero luego fue trasladado al guion por parte de Harry Kleiner y David Duncan, con la supervisión del director, Richard Fleischer.


   Un Fleischer que venía avalado como director de cine de aventuras con ejemplos como “20000 leguas de viajes submarino” (que ya revisamos aquí) o “Los Vikingos“. Aunque, en realidad, era mucho más todoterreno, tocando géneros como el cine negro, “Testigo accidental”, o las películas de asesinatos como “Impulso criminal” o “El estrangulador de Boston”, que vendría después de la que hoy comentamos, al igual que clásicos de la ciencia-ficción como “Como cuando el destino nos alcance” o el bélico, “Tora, tora, tora”.


   El objetivo de Richard Fleischer, según se deduce de sus propias palabras, era que los jóvenes tomaran conciencia de la complejidad que suponía la máquina  del cuerpo humano. Para ello, durante el rodaje, que duró alrededor de un año, estuvieron asesorados por un equipo de médicos. Es más, la película fue usada como referencia para enseñar anatomía en las universidades estadounidenses hasta principios de los ochenta.


   Además de ser inspiración para Asimov, aunque éste apuntó que tenía inconsistencias científicas, lo fue también para una serie de dibujos animados, y no, no era la francesa “Érase una vez la vida” sino “Un viaje alucinante” con 17 episodios. Y también para un cuadro de Salvador Dalí. Además, de ser clara referencia para “El chip prodigioso” de Joe Dante.


   El reparto estaba formado por Stephen Boyd, Raquel Welch (que ese mismo año había estrenado “Hace un millón de años”, convirtiéndola en una sex symbol), Donald Pleasance (el Doctor Loomis de “La noche de Halloween” y el villano Blofeld de la saga Bond) y Edmond O’Brien. Por cierto, hay una anécdota del rodaje, precisamente en relación a la Welch como mito erótico y su anatomía.



   Durante la secuencia en la que la actriz era atacada por los anticuerpos, quedaba totalmente impregnada en una especie de “escarcha” de la que debía ser liberada por sus compañeros de reparto, que fueron tan caballerosos de no tocar sus partes íntimas, por lo que al terminar parecía tener un bikini de escarcha. Fleischer abroncó a los intérpretes masculinos que tuvieron que repetir la escena sin tanto miramiento. Lo curioso es que después todos coincidieron en ir a por sus pechos. Fleischer tuvo que intervenir de nuevo para “repartir” las partes de su cuerpo de los que debían ocuparse.


   Hoy pueden parecer muy rudimentarios y haber envejecido mal pero por aquel entonces se consideraban sus efectos especiales como muy avanzados, lo que le valió ganar el Oscar en esa categoría, junto al de dirección artística. Y eso que compartían estudio, de la Fox, con el equipo de la serie “Viaje al fondo del mar” (inspirada en la película homónima de 1961) que rodaban por la noche, mientras que ellos lo hacían por el día.


   Por cierto, una de las maquetas del Proteus (el submarino en el que viajan) fue robado por un cuervo cuando la dejaron demasiado cerca de la ventana. Para la escena del buceo por el plasma sanguíneo, se realizó en seco con los actores suspendidos por el aire mediante cables y la imagen se ralentizó un 50%. Y en la del ataque de los glóbulos blancos, los gritos de Donald Pleasance eran reales pues la espuma con la que fue envuelto era muy abrasiva y se le metió en los ojos. Costó cinco millones de dólares y recaudó doce en taquilla. Se especula con un remake dirigido por Guillermo del Toro y producido por James Cameron, pero a día de hoy no se sabe nada, Y Cameron parece estar a otras cosas, azules para más señas.



lunes, 30 de enero de 2023

Trailerfilos: The Boogeyman (tráiler oficial)


   Más material salido de la mente de Stephen King, en este caso con la adaptación de un relato. Terror sobrenatural y temas recurrentes en su obra es lo que puede deducirse del tráiler. Lo curioso es que estaba destinada para su estreno directo en plataformas, pero la buena acogida que tuvo en los pases de prueba les convenció de hacerlo en salas de cine, concretamente el 2 de junio. Dirige Rob Savage, autor de una de las películas más terroríficas de la pandemia, "Host", y en el reparto estará Sophie Thatcher, de la que muchos seguimos esperando la segunda temporada de la serie "Yellowjackets".





domingo, 29 de enero de 2023

El menú

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El Menú.
Dirección: Mark Mylod.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 107 min.
Género: Thriller, terror.
Interpretación: Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Ralph Fiennes, Hong Chau, John Leguizamo, Janet McTeer, Judith Light, Christina Brucato, Aimee Carrero, Paul Adelstein, Arturo Castro, Reed Birney, Rob Yang, Peter Grosz, Mel Fair, Adam Aalderks, Rebecca Koon, Mark St. Cyr, Jon Paul Allyn.
Guion: Seth Reiss, Will Tracy.
Producción: Adam McKay, Betsy Koch, Will Ferrell, DanTram Nguyen, Zahra Phillips.
Música: Colin Stetson.
Fotografía: Peter Deming.
Distribuidora: Searchlight Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una pareja asiste a una cena en uno de los restaurantes más exclusivos que hay, a cargo de un chef muy prestigioso. Pero durante la velada las cosas no irán como esperaba ninguno de los invitados.

   LO MEJOR: Una propuesta retorcida y con muy mala leche, pero sobre todo, muy disfrutable, que creo que incluso ganaría en un segundo visionado, porque entretiene y mucho, especialmente por cómo consigue tenerte enganchado gracias a la curiosidad que genera su trama, mucho más marcada en sus dos primeros actos, pero que una vez sabidas sus intenciones en el tercero, sería interesante verla por segunda vez para fijarse en ciertos detalles. Mark Mylord aprovecha un ingenioso guion y lo adorna con una dirección elegante, pero sobre todo se maneja muy bien en la mezcla de géneros. Porque es una película de terror pero no puro, hay mucho de sátira y, por tanto, de comedia muy negra. No obstante, el motor de la historia lo aporta la intriga por saber lo que va a pasar y porque está pasando. Historia desarrollada muy mayoritariamente en un único escenario, que no se corta con la violencia y con algunos giros que funcionan realmente bien. Con lo que se hace una crítica de la clase alta, de sus excesos, su superficialidad, su hipocresía y su bajo valor moral. Cómo llega a ello en su argumento es parte de la diversión. Porque dentro de sus excesos de violencia, es muy divertida.

   Interpretación: Ralph Fiennes es el chef de la historia pero también de la película en cuanto a su interpretación. Pues da toda una master class de como se puede interpretar a un perturbado sin salirse lo más mínimo de las líneas. De Anya Taylor-Joy que voy a decir, es la mejor actriz joven de la actualidad y no hay papel al que no le aporte algo con su actuación. Además, tenemos en el reparto a gente como Nicholas Hoult o John Leguizamo. Pero a la sombra del duelo Fiennes-Taylor Joy.

   Escena (SPOILERS!!): Más allá del repaso habitual de escenas vamos a explicar sus dilemas. ¿Qué está pasando y por qué? El Chef, Julian Slowik (Fiennes) se ha dado cuenta que lleva toda su vida sirviendo a gente a la que realmente repudia. Al igual que se repudia a sí mismo por haberlo hecho. No hay que justificar nada, está loco, es un monstruo, como reconoce en una ocasión. Pero la motivación es esa, ahí están pagando todos, por distintos motivos e incluidos los propios cocineros, por sus pecados. Siempre bajo el criterio de Slowik ¿Por qué no luchan más por sus vidas? Se hace un comentario acerca de eso, o sea que es adrede, y la respuesta es porque en cierto grado se sienten merecedores del castigo, tampoco se ven capaces de luchar. ¿Porque sobrevive ella? Porque de primeras ella no es de la clase social alta. Ella si lucha por su vida y además es más inteligente que los demás. Cuando le pide la hamburguesa, se gana a Slowik, le permite recordar por qué empezó como cocinero y darle la satisfacción de cocinar para alguien de verdad.

   LO PEOR: El porqué pasa todo es bastante interpretable y por tanto, puede acusarse de no explicar ciertas motivaciones de los personajes, confundiéndolos con agujeros de guion que no son tales. Al igual que no se entienden algunas reacciones de éstos. Pero realmente es parte del espectáculo e igual que el menú de degustación, todo está calculado. Incluso la teatralización de su puesta en escena.

   REFERENCIAS: Tiene cierta estructura de whodunit a lo “Diez negritos” pero como si el Lecter de “Hannibal” fuera el Poirot de turno. Mucho más retorcida, claro.

   CONCLUSIÓN: 7. Retorcida propuesta que mezcla el terror con la comedia negra en una sátira sobre la clase alta que resulta de lo más divertida, aderezado por el duelo interpretativo entre Ralph Fiennes y Anya Taylor-Joy.




sábado, 28 de enero de 2023

Microcríticas Express: Willow/Hunters T2/The old man

 




   No muchas veces he visto un contraste tan grande entre lo que dice la crítica, que generalmente la han puesto bien, con lo que dice el público, que generalmente la han molido a palos. ¿Donde me sitúo yo? En medio, porque ni tanto ni tan calvo. Creo que recupera el tono ochentero que tenía la película a la vez que logra tener identidad propia. Y sinceramente, salvo algún episodio como el 5, no me he aburrido, se me pasaban bastante bien. Además, tiene algunos escenarios bastante buenos. En cuanto al reparto recupera a Joanne Whalley y Warwick Davis, y alguna aparición especial que no revelaré. Pero no, no es Val Kilmer, eso era imposible. Además, aciertos de casting como Ellie Bamber. Pero de los demás no se puede decir lo mismo. El problema de la serie es querer servir a dos amos, por un lado a aquellos que vieron la película hace 35 años, apelando a su sentido nostálgico, y por otro, al público joven actual. Y por el camino se ha perdido algo que era vital, que tenía la película y de lo que se pasan toda la serie hablando pero de lo que carece, la magia. No la magia del argumento, de esa hay por un tubo, la magia de la emoción que deberían haber generado. Incongruencias como poner canciones modernas, que los personajes lleven peinados actuales y vestuarios que no encajan con la historia, que a veces parece un desfile de moda (hay hasta cremalleras), no hacen más que sacarte de la serie. Al menos, la aventura queda casi resuelta, aunque claro que dejan pie a continuarla, cosa que dado el recibimiento, dudo que pase. 5’5.


   
Tras la revelación final de la primera temporada, la trama se centra en la búsqueda de Hitler. Yo creo que a Tarantino le debe de gustar esta serie porque de alguna manera han intentado una especie de “Malditos bastardos”. No obstante, la trama no es que avance demasiado en ese sentido y nos entretiene con unas cuantas misiones, y los flashbacks de como se encontraron y recltaron a los distintos miembros del equipo. Así es como se las han apañado para recuperar a Al Pacino, además que para hacer alguna revelación importante. Y hay un episodio independiente (aunque no del todo) de lo más curioso, que te deja fuera de juego, porque no sale ninguno de los protagonistas y que se debate entre la comedia y el terror. Pero en cuanto a lo interesante, que es lo de Hitler, dejan pasar unos cuantos episodios, muy entretenidos, eso si, con mucha acción y sin rebajar un ápice la violencia, en espera del atracón final. Aparte de volver a contar con Pacino, han incorporado a Jennifer Jason Leigh (un acierto) y a Udo Kier (como el fuhrer). Quedan flecos pero si quisieran podrían perfectamente dejar ésto por zanjado y creo que es lo que deberían hacer porque no se me ocurre presa más importante que la que tienen en esta temporada y darle más vueltas al tema sería un error. 6’5.


   De verdad que no es por llevar la contra a todo el mundo pero no comparto las opiniones tan positivas de crítica y público. Desde luego no me parece una mala serie ni mucho menos. De hecho, es buena. Empieza como un tiro, el primer episodio es buenísimo. Se nota la dirección de Jon Watts en los primeros capítulos. La propuesta de una especie de John Wick de la tercera edad es interesante. Además, hay muy buenas escenas de acción, y no se cortan con la violencia. Y es interesante todo lo relativo a la trama en relación a la hija del protagonista. Por si fuera poco, tiene un gran reparto, con Jeff Bridges, John Lithgow y Amy Brenneman. Entonces, ¿cual es mi problema? Los puñeteros flashbacks. El flashback es un recurso que introducido de forma esporádica y bien dosificado, funciona muy bien para explicar cosas. Pero cuando la mitad de la narración de la historia es por medio de ésto, resulta reiterativo, me saca de la serie. Hay muchas películas y series contadas de esta manera y no se nota tanto porque no están tan descompensadas. Básicamente porque cuando nos hablan del pasado, nos privan de tener a Bridges y Lithgow en pantalla. Y hace demasiado frío sin ellos. Es tirarte la mitad de la serie sin tus dos bazas principales. Todo eso ha contribuido a que mi atención se haya ido disipando paulatinamente y para colmo el final de la temporada ha sido decepcionante, porque el giro me lo veía venir desde lejos. 6. 

viernes, 27 de enero de 2023

Trailerfilos: 65 (tráiler oficial)

 

   65 son los millones de años que viajará en el tiempo Adam Driver, encabezando un reparto muy corto, tras un accidente en un planeta que resulta ser la Tierra pero en la era de los dinosaurios, por lo que la película se presenta como un survival de ciencia-ficción, aventuras, acción y . . . terror, pues la pareja de directores formada por Scott Beck y Bryan Woods, que además firman el guion, hasta el momento solo han cultivado ese género. Además es lo que se desprende del tono del tráiler. Y por si fuera poco, Sam Raimi ejerce de productor. Se estrenará el 24 de marzo.




jueves, 26 de enero de 2023

Microcríticas Express: El prodigio/Fall/Las plagas de Breslavia

 



   Trata sobre una chica que, al parecer, lleva meses sin comer. Para realizar una labor de observación del fenómeno, mandan a una monja y una enfermera, en un clima social y religioso que recuerda al de “La bruja”. De hecho, no deja de ser un retrato del fanatismo en relación con la creencia. En las dos representantes que deben vigilarla se da un enfrentamiento entre la fé y la ciencia. La historia está muy bien ambientada y tiene una gran fotografía. Pero si por algo tiene valor la película es por el trabajo de las dos actrices, la joven Kila Lord Cassidy
y Florence Pugh que demuestra que es una de las actrices más en forma del panorama cinematográfico actual. Es una todoterreno que le da igual el tipo de papel que le den, lo salva siempre y salva con ello a la propia película. El problema de ésta es que la intriga por saber si el milagro es real dura relativamente poco e incluso se ve venir desde lejos, dando paso a que el drama tome el control, aunque era más interesante la otra parte de la trama. Además, ante ciertas resoluciones más que cuestionables del guion, hay que hacer suspensión de la incredulidad. Igual le deberían haber dado una vuelta más al guion. 6.


   Vendría a ser una mezcla de “Bajo cero” (aquella de unos chavales que se quedan atrapados en un telesilla) y “127 horas”. Eso y el propio cartel de la película ya dejan bastante claro de que va. Además, el guion no se complica y más lleno de tópicos no puede estar. Superación de traumas anteriores, amistad, paranoias mentales producto de la tensión, . . . Pero lo importante es si logra lo que pretende, que no es otra cosa que crear una situación lo suficientemente adrenalítica para enganchar al espectador. Y en gran parte si lo consigue, a pesar de algunos parones y conversaciones que lo único que hacen es alargar innecesariamente la historia y romper el ritmo. No obstante, por contra, las escenas de riesgo están muy bien rodadas y saben mantener la sensación de estar a gran altura. Han debido rodar con drones porque logran unas tomas muy espectaculares con planos desde todos los ángulos. Para los que tengan vértigo, como un servidor, hay secuencias en las que lo pasarán mal. De hecho, varias veces he pensado que menos mal que no la he visto en el cine porque hay momentos bastante angustiosos. En el apartado de la interpretación, las dos actrices no es que sean unas sobradas de talento en lo dramático pero está claro que han hecho un esfuerzo físico importante. Hasta he llegado a consultar si eran alpinistas de verdad, que para nada. 6.


   Película polaca que sigue tan descaradamente la línea de “Seven” en combinación con “Saw” que he llegado a pensar si no han tenido problemas de plagio. La trama es calcada a la primera y es tan explícita con el gore y la sangre como la segunda. Y por supuesto, va de un asesino en serie. Pero luego introduce algunos giros que si resultan sorprendentes, aunque el último esté cogido con pinzas. No obstante, el guion funciona lo suficiente como para mantenerte interesado. Además, el ritmo es altísimo, no te has recuperado del impacto de un asesinato cuando viene el siguiente. No da tiempo a aburrirse. Personalmente, en un psicokiller prefiero un poco más de pausa porque si no, la narración parece a matacaballo (nunca mejor dicho, viendo la película se entiende). Pero no se le puede negar que el resultado es de sobra entretenido, yendo siempre al grano, con un guion que ata bien los cabos, logrando que todo lo que nos han contado, desde la situación personal de las protagonistas hasta las pistas del caso, encajen, ya digo, a veces forzando un pelín. Buen entretenimiento. 6.

miércoles, 25 de enero de 2023

Club de Opiniones: Nominaciones Oscar 2023



   Menuda sorpresa que una película tan fresca y original, tan poco convencional y, sobre todo, nada académica como "Todo a la vez y en todas partes" sea una de las favoritas de esta edición. Ahora ¿Ganará a la mejor película? Pues ahora creo que tiene muchas posibilidades, o eso quiero creer porque desde ahora mismo me declaro TeamTodoALaVezYEnTodasPartes. No ha sido menos sorpresa que nominaran en la categoría más importante a "Top Gun: Maverick", aunque tanto ésta como "Avatar, el sentido del agua" están como representantes del cine taquillero, como reconocimiento a este cine pero no rascarán más que en los apartados técnicos, que lo harán, porque si "Avatar 2" no se lleva los efectos visuales es que alguien se está fumando cosas raras.

   En cuanto al director, tiene mucha, mucha pinta de Oscar para Steven Spielberg, con su película semiautobiográfica "The Fabelman" que posiblemente es la gran rival de "Todo a la vez y en todas partes".

  Vamos con las interpretaciones. Todo lo que no sea que Brendan Fraser se lleve la estatuilla sería un sorpresón, completando así la resurrección de un actor que creo que mucha gente quiere que gane. Ni siquiera la mimética interpretación de Austin Butler (aunque se llevara el Globo de Oro) creo que le hará sombra. En actrices Cate Blanchett parte con ventaja, se lo está llevando todo, aunque albergo posibilidades para Michelle Yeoh (podría ser un reconocimiento a su carrera) e incluso a Ana de Armas. Además Blachett ya tiene dos. En cuanto a los de reparto, en el masculino es donde tengo más dudas. Quizá Brendan Gleeson. Me gustaría Ke Huy Quan al igual que en el femenino me encantaría que fuera para Jamie Lee Curtis, aunque creo que será para Angela Bassett, porque es de esas interpretaciones casi de protagonistas que meten en secundarios para que ganen.

   Por lo demás, sería muy raro que "Pinocho" de Guillermo del Toro no ganara como película de animación o "Sin novedad en el frente" como película de habla no inglesa. Al igual que "Todo a la vez y en todas partes" como mejor guion original.

   Ahora lo de olvidarse completamente de "El hombre del norte" es para hacérselo mirar.

   A continuación todas la nominaciones: 

   MEJOR PELÍCULA

Sin novedad en el frente
Avatar: el sentido del agua
Almas en pena de Inisherin
Elvis
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
TÁR
Top Gun: Maverick
El triángulo de la tristeza
Ellas hablan

   MEJOR DIRECCIÓN

Martin McDonagh (Almas en pena de Inisherin)
Dan Kwan y Daniel Scheinert (Todo a la vez en todas partes)
Steven Spielberg (Los Fabelman)
Todd Field (TÁR)
Ruben Östlund (El triángulo de la tristeza)

   MEJOR ACTOR

Austin Butler (Elvis)
Colin Farrell (Almas en pena de Inisherin)
Brendan Fraser (La Ballena)
Paul Mescal (Aftersun)
Bill Nighy (Living)

   MEJOR ACTRIZ

Cate Blanchett (TÁR)
Ana de Armas (Blonde)
Andrea Riseborough (To Leslie)
Michelle Williams (Los Fabelman)
Michelle Yeoh (Todo a la vez en todas partes)

   MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Jamie Lee Curtis (Todo a la vez en todas partes)
Angela Bassett (Black Panther: Wakanda Forever)
Hong Chau (La ballena)
Kerry Condon (Almas en pena de Inisherin)
Stephanie Hsu (Todo a la vez en todas partes)

   MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Brendan Gleeson (Almas en pena de Inisherin)
Brian Tyree Henry (Causeway)
Judd Hirsch (Los Fabelman)
Barry Keoghan (Almas en pena de Inisherin)
Ke Huy Quan (Todo a la vez en todas partes)

   MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

Eo (Polonia)
Argentina, 1985 (Argentina)
Sin novedad en el frente (Alemania)
Close (Bélgica)
The Quiet Girl (Irlanda)

   MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Pinocho, de Guillermo del Toro
Marcel the Shell with Shoes
Red
El gato con botas 2
El monstruo marino

   MEJOR CORTO ANIMADO

El niño, el topo, el zorro y el caballo
El marinero volador
Vendedores de hielo
My Year of Dicks
An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe it

   MEJOR CORTO

An Irish Goodbye
Ivalu
Le Pupille
Night Ride
The Red Suitcase

   MEJOR DOCUMENTAL

All that Breathes
La belleza y el dolor
Fire of Love
A House Made of Splinters
Navalny

   MEJOR CORTO DOCUMENTAL

El hombre que susurraba a los elefantes
Haulout
How Do You Measure a Year?
El efecto Martha Mitchell
Stranger at the Gate

   MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Applause (Tell It Like a Woman) - Música y letra de Diane Warren.
Hold My Hand (Top Gun: Maverick) - Música y letra de Lady Gaga y Bloodpop.
Lift Me up (Black Panther: Wakanda Forever) - Música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler y Ludwig Goransson. Letra de Tems y Ryan Coogler.
Naatu Naatu (RRR) - Música de M.M. Keeravaani y letra de Chandrabose.
This is a Life (Todo a la vez en todas partes) - Música de Ryan Lott, David Byrne y Mitski. Letra de Ryan Lott y David Byrne.

   MEJOR GUION ORIGINAL

Almas en pena de Inisherin
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
TÁR
El triángulo de la tristeza

   MEJOR GUION ADAPTADO

Sin novedad en el frente
Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion
Top Gun: Maverick
Living
Ellas hablan

   MEJOR SONIDO

Sin novedad en el frente
Avatar: La forma del agua
The Batman
Elvis
Top Gun: Maverick

   MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL

Sin novedad en el frente
Babylon
Almas en pena de Inisherin
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman

   MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Babylon
Black Panther: Wakanda Forever
Elvis
Todo a la vez en todas partes
El viaje a París de la señora Harris

   MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Sin novedad en el frente
Avatar: el sentido del agua
The Batman
Black Panther: Wakanda Forever
Top Gun: Maverick

   MEJOR FOTOGRAFÍA

Sin novedad en el frente
Elvis
TÁR
El imperio de la luz
Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades

   MEJOR MONTAJE

Almas en pena de Inisherin
Elvis
Todo a la vez en todas partes
TÁR
Top Gun: Maverick

   MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Sin novedad en el frente
Avatar: el sentido del agua
Babylon
Elvis
Los Fabelman

   MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Sin novedad en el frente
The Batman
Black Panther: Wakanda Forever
Elvis
La Ballena

martes, 24 de enero de 2023

Escenas Míticas: Darren Aronofsky - Madre

 


   La última película de Darren Aronofsky hasta la fecha de corte fantástico, que como las demás de esta vertiente en su filmografía, tiene un componente religioso, filosófico y alegórico, como fueron “La fuente de la vida” y “Noé”. Precisamente con la última tiene bastantes conexiones la que hoy nos ocupa pues nuevamente hace una interpretación muy libre de diversos fragmentos de la Biblia, entre los que está el Génesis.




   Una interpretación bastante polémica que le valió aplausos pero también abucheos, tanto así dividió a crítica y público. Aunque hay que decir que por muy furibundas que fueron las opiniones negativas, no superaron a las positivas. No obstante, si afectó a la taquilla, que solo llegó a los 44 millones de dólares habiendo invertido 33 en ella, por lo que solo le valió para cubrir gastos.



   Y eso que el reparto no podía ser mejor, todos los miembros principales si no habían conseguido el Oscar, como eran los casos de Javier Bardem y Jennifer Lawrence, los habían rondado con sendas nominaciones, como Ed Harris, Michelle Pfeiffer o Kristen Wiig. También es cierto que por esta película fueron nominados al Razzie los dos protagonistas principales, pero ya sabemos los criterios absurdos de ese “premio”.



   Completaban el reparto Domhnall y Brian Gleeson, que aparte de ser hermanos en la vida real interpretaban a dos hermanos también, y no cualquiera, a Caín y Abel. Aunque nunca se dice. Es más, a ninguno de los personajes se les menciona por el nombre, precisamente para acentuar el sentido simbólico de los personajes que representaban.



   De tal manera, que si ellos eran Caín y Abel, Javier Bardem era Dios (fue considerado Idris Elba para el papel), Jennifer Lawrence la Naturaleza, aunque en uno de los carteles se haga alusión a ella como la Virgen María. Ed Harris sería Adán (incluso se hace un guiño al tema de tener una herida en un costado) y Michelle Pfeiffer Eva, tentada por el cristal que simbolizaría el fruto prohibido. Mientras la propia casa sería el Mundo.



   Todo el caos que se produce en el último tercio de la película estaría representando las guerras, en una traslación de la historia mundial, que desencadenaría el Apocalipsis y posterior reinicio. La secuencia más controvertida de la película fue la de la muerte, desmembramiento y devoramiento del bebé, que vendría a ser cuando Dios entregó a Jesús a la humanidad y tomaron su carne y su sangre, en forma de vino y pan.



   Todo ésto hizo que Pfeiffer ni siquiera entendiera el guion en una primera lectura, calificándolo de esotérico, pero aceptando el papel porque le gustaba su personaje. Lawrence lo aceptó sin leerlo, pues para ella lo más importante era trabajar con Darren Aronofsky, con el que inició una relación sentimental, por cierto.



   Aunque su participación en la película le supuso un gran esfuerzo psicológico y físico, llegando a hiperventilarse en diversas ocasiones, e incluso dañarse una costilla. Lo que le llevó a exigir una habitación exclusiva para ella donde poder liberar tensiones, aunque al parecer solo usaba para ver el programa de las Kardashian. La actriz reconoció que tras la película le costó mucho volver a la normalidad.



   Una de cifras. El guion fue escrito en tan solo cinco días e inicialmente se tituló “Dia 6”. La película fue rodada en 16 mm, la cuarta de la filmografía del cineasta en ese formato. Fue la primera película en la que no salió en secundario que lo había hecho en todas sus películas, Mark Margolis. Y también sin su compositor de cabecera, Clint Mansell, en favor de Johan Johansson, habitual de Villeneuve.



domingo, 22 de enero de 2023

Los crímenes de la academia

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Los crímenes de la academia.
Dirección: Scott Cooper.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 128 min.
Género: Intriga, thriller, terror.
Interpretación: Christian Bale, Harry Melling, Gillian Anderson, Lucy Boynton, Toby Jones, Robert Duvall, Timothy Spall, Charlotte Gainsbourg, Charlie Tahan, Fred Hechinger, Simon McBurney, Hadley Robinson, Brennan Keel Cook, Gideon Glick, Joey Brooks, Harry Lawtey, Matt Helm, Steven Maier.
Guion: Scott Cooper. Novela: Louis Bayard.
Música: Howard Shore.
Fotografía: Masanobu Takayanagi.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: 1830. Un detective ya retirado es requerido para investigar unos crímenes que se están dando en la academia de West Point. Como apoyo, decide contar con la ayuda de uno de los cadetes llamado Edgar Allan Poe.

   LO MEJOR: No entiendo porque la crítica no acompaña a esta película. Es cierto que Scott Cooper no es un director, digamos convencional, con un estilo sobrio y un ritmo lento, pero también que resuelve bastante bien sus películas a pesar de manejar géneros muy distintos. También es verdad que la trama es más simple de lo que cabía esperar, que engancha en un principio, yendo al grano, llevándote de una pista a otra, pero que en un momento dado se desvía de esa línea y tiene un bache evidente de ritmo. Sin embargo, claramente las virtudes superan a los de defectos. Una historia de misterio como las de antes, un thriller de asesino en serie, un psicokiller pero ambientado en el primer tercio del siglo XIX. Ambientación que es excelente, con una atmósfera gélida que casi puede palpar el espectador. Todo está cuidado en la película, los escenarios, el maquillaje y el vestuario, junto a una magnífica fotografía lúgubre, propia del Whitechapel del Londres de Jack, El Destripador, pero trasladado al paisaje nevado del West Point norteamericano, lo que ayuda a zambullirse en una investigación que resulta interesante desde el principio, aunque no mantenga la tensión en todo momento.

   Interpretación: Tiene un gran reparto pero es Christian Bale quien se echa la película a las espaldas. Es tan bueno, llena tanto la pantalla, falla tan poco (o nada), que parece reiterativo destacar su interpretación en una película pues se da por hecho. Es como, Bale está bien, como siempre. Lo que sorprende es que Harry Melling le sepa mantener el pulso a un monstruo interpretativo como Bale. Pero ahora mismo no se me ocurre mejor Edgar Allan Poe que Melling, que supera en mucho a John Cusack en “El enigma del Cuervo”. Pero además, están Gillian Anderson, Lucy Boynton, Toby Jones, Timothy Spall y Robert Duvall, aunque se los podría haber aprovechado más.

   Escena (SPOILERS!!): Vamos a explicar el final, que plantea alguna trampa de guion. El prólogo en el que vemos a Landor (Bale) lavándose las manos es justo después de cometer el primer asesinato. Que le encomienden la tarea de llevar la investigación es pura casualidad, que Landor aprovecha para investigar, no el crimen, pues ha sido él mismo, sino a los culpables de la violación de su hija, que provocó su posterior suicidio. Así va encontrándolos y asesinándolos. En todo ésto se cruza el robo del corazón de las víctimas, que también desvía la atención sobre él y que causa curiosidad al propio Landor. Finalmente se descubre que es la familia de la pareja de su ayudante, Edgar Allan Poe (Melling). Pero hay conflicto con la sorpresa final donde éste descubre la culpabilidad de Landor. ¿Porque incide en las marcas del cuello de la primera víctima? Quizá para ganarse la confianza de quienes le han encomendado la tarea, y de paso desviar la atención aprovechando el robo del corazón. ¿Por qué le da el trozo de papel a Poe? Si lo ha escrito él. La explicación podría ser para nuevamente desviar la atención aunque fuera momentáneamente, o quizá con la esperanza de que su prometedor ayudante finalmente lo descubriera forzándole a una confesión, pues una vez cumplida su venganza no tiene pensado salir indemne. Pero hay veces que Landor está reflexionando solo sobre la invstigación de las pistas y eso no tiene sentido.

   LO PEOR: Tiene más intriga que suspense, porque la curiosidad por descubrir quién es el asesino y porque está cometiendo esos crímenes está ahí siempre pero no la tensión, que desciende cuando la narración se desvía de la investigación principal hacia otras subtramas.

   REFERENCIAS: Adaptación de la novela de Louis Bayard, “The pale blue eye” (El ojo azul pálido). La ambientación sería un cruce entre “El enigma del cuervo” y “Sleepy Hollow”.

   CONCLUSIÓN: 7. Un misterio como los de antes, si bien algo irregular en su desarrollo, pero excelentemente ambientado y sostenido por el duelo interpretativo de un Melling que se pone respondón con el siempre titánico Bale.




sábado, 21 de enero de 2023

Música de Película: Noé

 


   Desde los inicios de su carrera cinematográfica, Darren Aronofsky siempre ha contado como Clint Mansell como compositor de cabecera. Sin embargo, ésta sería la última colaboración de ambos hasta la fecha, con otra gran banda sonora. Además, la canción de los créditos finales, de la veterana cantante Patti Smith, fue nominada al Oscar.



Tema: By man shall his blood be shed.

Película: Noé.

Intérprete o compositor: Clint Mansell.



Tema: The flood waters were upon the world.

Película: Noé.

Intérprete o compositor: Clint Mansell.



Tema: In the beginning, there was nothing.

Película: Noé.

Intérprete o compositor: Clint Mansell.




Tema: Mercy is.

Película: Noé.

Intérprete o compositor: Patti Smith.


jueves, 19 de enero de 2023

Trailerfilos: Scream VI

 
   El globo sonda lanzado con la película del año pasado, la quinta entrega de la saga, convenció sobradamente consiguiendo casi 150 millones de dólares en taquilla, por lo que sus creadores, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillet, los directores también de "Noche de bodas", no han perdido el tiempo para darnos otra secuela más. Por primera vez no se desarrollará en Woodsboro sino en Nueva York, y tampoco contará con su estrella principal, Neve Campbell, pero si con Courteney Cox y con las verdaderas protagonistas de la anterior película, Melissa Barrera y la ya nueva estrella del terror, Jenna Ortega. Además recupera a Hayden Penettiere (Scream 4). Y en el verano pasado se dijo que podría estar en el reparto Samara Weaving (ésto podría compensar la ausencia de Campbell), pero en el tráiler no aparece, aunque si en el cartel. A juzgar por las imágenes parece que nos presenta un Ghostface distinto. Se estrenará el 10 de marzo.



Microcríticas Express: Pinocho (Guillermo del Toro)/Troll/Mad Heidi

 



   Ha ganado el Globo de Oro y me extrañaría mucho que hiciera lo mismo con el Oscar.
Guillermo del Toro ha encontrado el formato que le permite tener mayor libertad creativa, lo cual quizá aplique para la adaptación que tanto ansía de la obra de Lovecraft, “En las montañas de la locura” y con la que lleva años peleando para poder hacerla. Con este Pinocho realmente ha hecho una versión diferente, situando la historia en la Italia de Mussolini, realizando un retrato del fascismo, a la vez que de la pérdida y el duelo. La calidad de la animación es impresionante y eso que es mediante stop motion, lo cual no se nota nada. Ha debido de ser una trabajo titánico. Además, aporta diferencias importantes, como el concepto de la muerte o el diseño del Hada Azul, que está más cerca del terror que de la fantasía infantil. Creo que le ha ganado la partida sobradamente a Robert Zemeckis y su otra versión del cuento, que era más poner en imagen real la historia clásica de dibujos animados. No obstante, tampoco me parece perfecta la de Del Toro. El muñeco me ha llegado a sacar de quicio, sobre todo en el principio de su participación en la historia. Y creo que la película se va de metraje, ha habido tramos que se me han hecho cuesta arriba. Con veinte minutitos menos la cosa habría quedado redonda en cuanto a ritmo. Aún así es de lo mejor en animación de todo 2022. 7.


   A ver, soy muy fan de las monster movies, veo prácticamente cualquier cosa de ese subgénero y, por tanto, ya voy preparado para ciertos productos. Algo así me esperaba de ésta. Por eso me ha sorprendido, porque está bastante mejor hecha de lo que preveía. Y no solo en cuanto a los efectos visuales, que también, sino en cuanto al tratamiento de la historia. Sin rehuir en absoluto de los tópicos del género, es más, bebe e incluso hace varios guiños a las que son claramente sus referentes, como puedan ser “Godzilla”, “King Kong” o “Jurassic Park”, pero aprovechando su propio folklore (Noruega) para llevárselo todavía más por el camino de lo fantástico. Aún así, aguantan bastante en modo realista para darle verosimilitud a lo que nos están contando, que ya es increíble de por si. Para ello, lleva al milímetro el manual de una buena monster movie, dosificar las apariciones del monstruo. Sé que mucha gente se queja cuando se hace ésto pero si sobreexpones a la criatura desde el principio, en la parte final llega demasiado visto. Además, no estoy diciendo que no salga, va incrementando su participación, pero de forma gradual para mantener la intriga, y cuando lo hace es de forma muy efectiva. Así que, nada nuevo bajo el sol (nunca mejor dicho) pero me ha parecido muy divertida y entretenida, porque dura lo que tiene que durar, y no más. 6.


   El que diga que no estaba avisado de lo que iba a ser la película es que no se entera. Porque vamos, el tráiler ya lo dejaba muy claro. Por tanto, hay que juzgarla teniendo en cuenta que clase de película estamos valorando. Y en ese sentido, “Mad Heidi” da lo que promete. No puede ser más tonta pero tampoco hay que tomarla muy en serio. Ya solo si atendemos a su planteamiento, que nos sitúa a Heidi en medio de un régimen dictatorial, haciendo clara alusión al nazi, donde todo el mundo está obligado a comer queso. Pensaba que solo era una broma con la que iniciar la historia pero no, todo gira en torno a esa premisa y la consiguiente persecución a los intolerantes a la lactosa. Con esta guisa que te puede esperar. Hay que decir que de la serie japonesa solo toma los nombres y cuatro rasgos. De hecho, te partes con como han emparentado a los personajes de Pedro (apellidado Cabra), Clara y el Abuelo. De tan absurda que es la película te tienes que reír. Tiene gags que son difíciles de ver
hoy en día con tanta corrección política y eso se agradece. Aunque estando de por medio los productores de “Iron Sky”, cabría esperársela incluso más gamberra. Por cierto, en el reparto está un Casper Van Diem bastante trasnochado. No descarto que haya secuelas. 5.

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