martes, 29 de junio de 2021

Escenas Míticas: Posesiones - Stigmata

 


   A algunos les puede parecer que el meter este título en el ciclo de posesiones está un poco por los pelos y casi con calzador. Pero la explicación es bastante sencilla. Aunque inicialmente la trama presenta un personaje que sufre una serie de lesiones emparentadas con las que sufrió Jesucristo, es decir, estigmas, a lo largo del desarrollo de la historia, se plantea que la razón es una posesión, bien la de uno de los apóstoles o del propio demonio.
 




   En la fé cristiana, los estigmas se refieren a una serie de heridas que se corresponden con las que Jesucristo recibió en la “Pasión”, justo antes o durante su crucifixión. Normalmente sufridas en la piel de muy devotos seguidores religiosos. Lo cual no es el caso de la protagonista, y eso ya tiene un mensaje en sí mismo.



   De forma sumamente efectista, Frankie Page (Arquette) manifiesta todos los estigmas uno detrás de otro, pero como si lo sufriera de igual forma que Jesús, no solo apareciendo las heridas. De tal forma, va siendo “atacada” por los estigmas; los clavos en manos y pies, la corona de espinas o la flagelación. La forma en como nos lo presentan es uno de los atractivos de la película.



   Tampoco vamos a decir que sea un film con fines reivindicativos o de denuncia. Hay que dejar claro que es un producto puramente estético y por tanto comercial. Aún así, figura en muchas listas como una película religiosa y más concretamente como una de las más controvertidas de la historia del cine en función del revuelo que levantó en relación con la reacción de la Iglesia, que la catalogaba de blasfemia.



   Las razones son dos. Una es basarse en un texto de origen gnóstico (místico), considerado apócrifo (es decir, no canónico y aceptado por la Iglesia Católica) encontrado en Egipto, el “Evangelio de Tomás”, que básicamente venía a echar por tierra la construcción de cualquier edificio (sea Iglesia, catedral o lo que sea) en su nombre así como toda la parafernalia creada por la Iglesia (obispos, sacerdotes, Papa) en su nombre pues él estaba en todas partes. La otra es plantear una conspiración en pleno seno Vaticano. Aparte de una relación amorosa entre una mujer y un sacerdote.



   Lo cual generó una gran polémica que a la película le sirvió de publicidad extra por mucho que su director se empeñaba en señalar que había sido respetuosa con la imagen de la Iglesia. Pues menos mal porque los pone a caer de un burro. Un Rupert Wainwright venido del mundo de la televisión y el videoclip, lo cual se hace bastante patente en el efectismo con el que presenta las imágenes más impactantes de la película.



   Éste fue su primer film en pantalla grande. El segundo (y último) fue el remake “Terror en la niebla”, bastante fallido la verdad, al que tampoco beneficiaba ser comparado con un maestro de la serie B como el gran John Carpenter. Por cierto, a su estética videoclipera se le sumaba el encargar la banda sonora al líder del grupo de rock “Smashing Pumkins”, Billy Corgan, haciendo un buen trabajo.



   Tiene un reparto bastante competente a pesar de lo que pudieran decir algunos críticos en su momento. Como fueran los comentarios recibidos por Patricia Arquette y Gabriel Byrne (quién incluso recibió una nominación al Razzie). Paradójicamente, ese mismo año, Byrne interpretaría al mismísimo diablo en “El fin de los días”. El elenco lo completaban Jonathan Pryce, Nia Long y Portia de Rosi.



   Respecto a los que dijeron de Patricia Arquette carecía de ningún talento, a pesar de ya haber dejado muestras de él en su anterior película “Carretera pérdida” de David Lynch, tan solo unos años después recibió su primer Emmy, en 2005, por la serie “Medium”. Premio qué volvió a ganar en 2019 por “The act”, por lo que además ganó el Globo de Oro. Premio en el que también repetía, siendo su tercer galardón de este tipo. Aunque su mayor reconocimiento fue por la película "Boyhood", por la que ganó un Oscar y un Bafta. O sea que el recuento es de 1 Oscar, 1 Bafta, 2 Emmys y 3 Globos de Oro. No está mal para no tener talento. Que dios les conserve la vista a algunos.


 
    La película no tuvo muy buenas críticas pero al público si le gustó. Hoy en día sigue siendo recordada positivamente. Costó 30 millones de dólares y recaudó en taquilla casi el doble, 89 millones. Como curiosidad, la estatua que sale al final de la película, al fondo, es la de San Francisco de Asís, considerada la primera persona en tener estigmas.
 

domingo, 27 de junio de 2021

Un lugar tranquilo 2

 

    FICHA TÉCNICA
 
Título: Un lugar tranquilo 2.
Dirección: John Krasinski.
País: Estados Unidos.
Año: 2021.
Duración: 97 min.
Género: Terror, ciencia ficción, thriller.
Interpretación: Emily Blunt, Cillian Murphy, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Djimon Hounsou, Wayne Duvall, John Krasinski, Lauren-Ashley Cristiano, Okieriete Onaodowan, Blake DeLong, Silas Pereira-Olson, Liz Cameron, Robert A. Coldicott, Scott Matheny, Michael Alan Collette, Joe Cappelli, Mick O'Keefe, Tim Saracki, Barbara Singer, Andy Rich, David Lundy, HasnainRaza, Jesse Huntz, Adrienne Welsby, Ashley Dyke.
Guion: John Krasinski. Personaje: Scott Beck, Bryan Woods
Producción: Michael Bay, Andrew Form, Brad Fuller, John Krasinski .
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Polly Morgan.
Distribuidora: Paramount Pictures.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: La familia Abbot, madre con sus tres hijos, uno de ellos recién nacido, deciden trasladarse en busca de otras personas, pero el camino es mucho más peligroso de lo que esperaban y necesitarán ayuda para sobrevivir. 
 
   LO MEJOR: Ya no es casualidad lo de John Krasinski, que sembraba dudas por su nula experiencia previa en el campo del suspense y el terror pero aquí viene a confirmar su buen tino a la hora de gestionarlos. Es más, me preguntaban, en relación a un posible remake de “Tiburón”, que director podría ser más adecuado, más allá de opinar si era buena idea lo de planteárselo. Yo contestaba que solo uno de un talento contrastado en el rango de Nolan, Fincher, Villeneuve o Scott. Pero viendo el trabajo de Krasinski en estas dos películas, no vería descabellado incluirlo como opción. En base a tres virtudes mostradas en ellas: la capacidad para generar tensión, la milimétrica dosificación de los monstruos y enfocar la verdadera importancia de la historia en los personajes. Es decir, lo mismo que aplicó Spielberg a su “Tiburón”. No en vano, esa película fue el modelo que utilizó Krasinski para la primera entrega. En la cual hizo del uso del silencio su principal baza. Aquí vuelve a jugar con el sonido pero de otro modo, mostrándolo desde varios ángulos; el de la niña sorda, el del resto de los personajes (con su banda sonora original) y el de los propios monstruos (amplificado). Si le añadimos un acertado manejo del montaje en paralelo para incrementar el suspense, con situaciones extremadamente asfixiantes, nos da lo mismo del primer film pero sin ser lo mismo. O más bien, siendo lo mismo pero dándolo de otra manera. Krasinski mide todo hasta el más mínimo detalle, como el metraje, pues dura lo que tiene que durar, ni un minuto más pero tampoco uno menos. 
 
   Interpretación: Por motivos argumentales, se perdía el protagonismo bicéfalo Krasinski/Blunt. Porque Emily Blunt sigue siendo un seguro de vida en su interpretación pero él solo aparece en el prólogo. ¿Como lo soluciona? Buscando un actor con suficiente talento como para sustituir a un protagonista que el público ya conocía. Y ese es Cilian Murphy, que en combinación como Milicent Simmonds, la niña que ya despuntaba en la primera entrega, forman un tandem excelente. 
 
   Escena (SPOILERS!!): La única secuencia en la que aperece John Krasinski es la del epílogo, un flashback que nos retrotrae al día en que comenzó todo y que nos da cierta luz de donde vienen los monstruos. Es sumamente intensa y perfectamente rodada. Sin duda, lo mejor de la película. Por lo que podría tener el mismo problema que se le achaca a la tercera parte de “Expediente Warren”, recientemente estrenada también, tener la mejor escena al comienzo y luego bajar mucho. Pero Krasinski lo compensa con otras cuantas escenas de un suspense altísimo. Como la caída del niño en un cepo, justo después de los créditos tras el prólogo. O la del vagón de tren, la del muelle o la de ella enfrentándose a uno de los bichos con una escopeta y unas bombonas de oxígeno. Es decir, hay mucho más. Porque todavía queda por mencionar el ataque de uno de los monstruos a la isla, ya en el final. 
 
   LO PEOR: Casi por decir algo porque me he tenido que parar a pensar que decir en este apartado, pero es cierto que estructuralmente es casi idéntica a la película precedente, no ha cambiado mucho en ese aspecto, casi que ni me parece algo negativo. 
 
   REFERENCIAS: Evidentemente muy en la línea de la primera película. Pero esta vez se ha acercado más al “Alien, el octavo pasajero” que al “Tiburón” mezclado con “No respires”. Y tiene algo de Night Shyamalan. 
 
   CONCLUSIÓN: 7’5. Krasinski confirma su talento a la hora de generar suspense de alto octanaje en una secuela que nos da lo mismo pero de otra manera, a través del juego con el sonido y el montaje en paralelo. Y vuelve a atenazarnos.



viernes, 25 de junio de 2021

Microcríticas Express: Cormoran Strike T4/Mare of Easttown/Your honor

 



   Pues me sigue gustando esta serie que sin hacer ruido se ha plantado en su cuarta temporada. Bien es cierto que son temporadas de tres o cuatro episodios. Los correspondientes a cada caso al que se enfrentan la pareja de detectives formada por Tom Burke y Holliday Grainger, que cada vez tienen más química, basados en unas novelas de la autora de Harry Potter, J.K. Rowling. Son una docena, así que todavía podrían continuar. Y no, no tienen nada que ver con lo fantástico. Son casos de género negro y policíaco, con bastante intriga. En esta cuarta entrega se ha desarrollado más los personajes protagonistas a nivel personal y especialmente en cuanto a su relación de tensión sexual, lo que no le aparta de lo realmente interesante que son las propias investigaciones y las resoluciones finales de éstos. Ella ha ganado mucha importancia en esta temporada. Me entretiene, es cortita, ligera y el carisma de ellos va creciendo, una serie modesta pero curiosa. 6’5.
 
 
   Para mí una de las mejores series en lo que llevamos de año. No es que sea muy original, tiene una trama muy típica, la de resolver un asesinato en un pequeño pueblo americano. Pero tiene dos aspectos tan cuidados que la hacen destacar. Uno es hacer un interesante retrato del lugar, mostrando un tejido poblacional en el que todo el mundo se conoce y en el que muchos tiene secretos que ocultar. El otro es que no descuida por ello el interés de la investigación a la que va dando empujones a base de giros, muy acertados la mayoría de las veces. No obstante, no sería posible si no estuviera apoyado en un reparto absolutamente acertado. Ya no solo por Kate Winslet, que no voy a descubrir yo ahora el pedazo de actriz que es, que la carga psicológica que debe imprimirle a su personaje hacía necesario una intérprete de su talento; pero también del resto del elenco. Aunque me extraña coger a un actor como Guy Pearce para un rol tan poco relevante. El caso es que en conjunto es una serie que engancha, que no tiene episodios de relleno y que no se resuelve hasta el mismísimo final. Por cierto, muy difícil de adivinar y sin sacárselo de la manga, lo que se agradece. 8.
 
 
   Bryan Cranston vuelve al nivel que tuvo en “Breaking bad” en el papel de un juez cuyo hijo se ha visto envuelto en un atropello y fuga. Para colmo el atropellado es hijo de un poderoso capo de la mafia. Tranquilos, es solo la sinopsis básica inicial. Lo que consigue muy bien es hacer que te pongas en todos los ángulos, en el del juez, el del hijo y el del mafioso, y los dilemas en los que se ven envueltos a la hora de tomar decisiones muy importantes para sus vidas. A caballo entre el thriller de suspense y el judicial, cada episodio va añadiendo más tensión, otra vuelta de tuerca más a una trama que se va complicando por momentos. Es por lo que engancha y va elevando la apuesta hasta un final explosivo. Aunque es conveniente avisar que la historia queda abierta a una segunda temporada y quizá la deberían haber cerrado. 7’5.

martes, 22 de junio de 2021

Escenas Míticas: Especial Posesiones - El exorcismo de Emily Rose



 
    Ni se sabe la cantidad de películas cuyo título comienza por “El exorcismo de…”. Todas ellas pretenden emular, copiar o extraer de la gran maestra nunca superada, “El exorcista”. Pues de todas ellas quizá la mejor es ésta. Porque precisamente intenta alejarse de ella, consciente de que cualquier comparación solo podría perjudicarla. Así que, aunque evidentemente, tiene ramalazos de aquella, toma su propio camino.
 
 



   Como en “El exorcista”, se basa en un hecho real, quizá el mejor documentado de toda la historia, provocado por la difusión de las pruebas mostradas en un juicio posterior y que también recoge la película. De hecho, ésta se podría dividir en dos partes. La primera mitad sería la exposición del caso, lo que se supone que pasó, la parte terrorífica. Y la segunda es un drama judicial.



   Pero vayamos a la historia de origen. La verdadera protagonista fue una joven alemana de 23 años llamada Anneliese Michel, que vivía en Baviera, Alemania Occidental, cuándo comenzó a sufrir una serie de violentas manifestaciones inexplicables que respondían a la descripción de una posesión demoníaca. Concretamente aseguraba estar poseída por seis: Lucifer, Caín, Judas, Nerón, Belral y Legión. Incluso se mencionó a Hitler.



   La chica fue tratada con abundante variedad de fármacos y se le aplicaron agresivos tratamientos psiquiátricos e incluso fue internada en un centro especializado. Nada de ello funcionó. Entonces sus padres recurrieron al párroco de su zona quién se puso en contacto con dos sacerdotes que determinaron que Anneliese era víctima de una posesión. Solicitaron el permiso a la Iglesia para practicar un exorcismo, quién aunque inicialmente declinó, finalmente dio su aprobación.



   La muchacha fue sometida a un exorcismo durante prácticamente un año cuando definitivamente falleció a causa de la debilidad provocada por la desnutrición y la deshidratación. Padres y sacerdotes fueron llevados a juicio y fueron condenados por negligencia. Oficialmente se piensa que Michel tenía el síndrome de Tourette y además padecía una epilepsia diagnosticada en el lóbulo temporal.



   Si no sé es muy impresionable, se pueden encontrar fotos reales del estado de la chica antes de morir y aseguro que son realmente impactantes, más que las imágenes de la película. Aunque en ella se puso especial empeño en recrear los espectaculares trances de la chica. Para lo cual necesitaban una actriz con gran capacidad de expresividad física. Y la encontraron en Jennifer Carpenter, quién demostró una gran flexibilidad. Hay que recordar que Anneliese Michel murió con las rodillas destrozadas por genuflexión (gesto de apoyo de la rodilla en el suelo con el que los cristianos adoraban a Jesucristo).


 
   Carpenter convenció inmediatamente e incluso en la prueba algunos bromearon sobre si la actriz de estaba poseída realmente. La acompañaron Laura Linney, Tom Wilkinson y Campbell Scott. Por cierto, el personaje real fue también interpretado un año después en una película alemana aunque también cambiando el nombre en “Requiem, el exorcismo de Micaela”.



   Pero quizá la elección más sorprendente fuera la del director, Scott Derrickson. Hoy se le podría considerar un especialista en el género de terror pero por aquel 2005 solo había rodado una película cinco años antes y no muy bien valorada, “Hellraiser V: Infierno”. Pero después de la que hoy comentamos hizo el remake de “Ultimatum a la tierra” y una de las películas que personalmente considero más terroríficas de la última década,”Sinister”. Después vendría “Líbranos del mal” y, cambiando de registro, “ Dr Strange”.   
 


   Derrickson aplicó un tono más serio huyendo del sensacionalismo habitual que le valió tener unas críticas más positivas que negativas. Además de algunos premios menores como el Scream Award, el MTV Movie o el Saturn. Y de funcionar muy bien en taquilla. Costó 19 millones de dólares y recaudó 144, así que fue un buen negocio.



domingo, 20 de junio de 2021

Oxígeno

 

    FICHA TÉCNICA


Título: Oxígeno.
Dirección: Alexandre Aja.
País: Francia.
Año: 2021.
Duración: 101 min.
Género: Ciencia ficción, thriller.
Interpretación: Mélanie Laurent, Malik Zidi, Marc Saez, Eric Herson-Macarel, Cathy Cerda. Voz: Mathieu Amalric.
Guion: Christie LeBlanc.
Producción: Alexandre Aja, Grégory Levasseur , Vincent Maraval, Brahim Chioua, Noëmie Devide
Música: Robin Coudert.
Fotografía: Maxime Alexandre.
Distribuidora: Netflix.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: Una mujer despierta en una cámara criogénica, sin recordar nada de que hace ni cuanto tiempo lleva ahí. El caso es que está encerrada y se está quedando sin oxígeno, buscar entre sus recuerdos podría salvarle la vida. 
 
   LO MEJOR: Alexandre Aja no es ningún maestro pero si un efectivo artesano, concretamente del entretenimiento. No busca mensajes, moralejas ni reflexiones. Su objetivo es que durante toda la duración de la película te mantengas entretenido. Le da igual si es en un lago repleto de pirañas asesinas o una casa repleta de cocodrilos, si es perseguido por un asesino slasher o por unos seres deformados. Ël tiene el objetivo de clavarte en el asiento. Y lo mejor es que, salvo algún resbalón, normalmente lo consigue, como en este caso. Porque aunque parezca que va a ir por el mismo camino de “Enterrado”, rápidamente se ve que va a darle al asunto otras connotaciones. De primeras, Ajá no tiene como propósito central generar la sensación de clasutrofobia. Desde luego que la hay, pero rompe con ella en varias ocasiones, sacándonos varias veces del reducido habitáculo e incluso intercalando flashbacks. Es más, a pesar de esas reducidas dimensiones, Ajá se las apaña para darle cierta profundidad, iluminándolo totalmente y dándole un aspecto de mininave espacial. De hecho, su mayor acierto es mezclar el suspense con la ciencia-ficción, sacándole partido a este aspecto mediante originales giros en momentos clave para que sigas intrigado por la trama. Y aunque, como decía, Aja no es de grandes reflexiones, si puede estar haciendo una metáfora del confinamiento al que fuimos sometidos por la situación sanitaria. 
 
   Interpretación: Que gran actriz es Melanie Laurent y que bien supo verlo Quentin Tarantino para su “Malditos bastardos”. Lo que llama la atención es que en Hollywood no parecen enterarse de que es una actriz sumamente aprovechable para películas en Estados Unidos con buenos directores. Aquí Alexandre Aja si lo ha tenido en cuenta, si tenía claro que había que fiarlo todo a Laurent. Ella es capaz de mantener la película en marcha ella solita. Ella es la película. 
 
   Escena (SPOILERS!!): Quizá el despertar es el que tiene más similitudes con aquella otra con la que es ineludible comparar, “Enterrado”. Pero precisamente los flashbacks nos alejan de esa propuesta. Aunque es cierto que aportan información pero que rompen la atmósfera claustrofóbica. Posiblemente sea la razón, ser otra cosa. Pero los dos grandes giros en el campo de la ciencia-ficción son lo más interesante. El primero es confirmar que la protagonista no está en ningún hospital sino en una nave espacial donde se encontraba hibernada, no criogenizada. El segundo es descubrir que ella solo es un clon de otros muchísimos con los que viaja. Lo que me sobra es el “happy end” con la visión de un planeta paradisíaco acompañada de su pareja. Habría sido mejor insinuar un futuro más aciago, o dejarlo en el aire. Incluso dejar abierto que esa imagen pudiera ser un sueño o una alucinación producto de la hibernación. Bueno, puede que lo sea. 
 
   LO PEOR: Tiene buenos giros pero al final tampoco inventa nada que de un modo u otro no hayamos visto antes. Además, aunque el ritmo es bueno y no aburre nunca, si es cierto que el metraje se podría haber ajustado un poco, como en unos diez o quince minutos. 
 
   REFERENCIAS: Ya lo hemos dicho y es que no queda otra que seguir señalándola como principal inspiración, “Enterrado” de Rodrigo Cortés. Que a su vez podría haberse visto influenciado por ese telefilm tan hitchcockiano que era “Sepultado vivo”, dirigido por Frank Darabont. 
 
   CONCLUSIÓN: 6’5. Alexandre Aja sigue a lo suyo de saber entretener y mantener al espectador clavado al asiento, dándole otra vuelta a la propuesta vista en “Enterrado” y entregándole la película a su protagonista, una gran Melanie Laurent.



sábado, 19 de junio de 2021

Top Personajes: Regan

 

    Nombre: Regan.

   Películas: “El exorcista”, “El exorcista 2, el hereje”, “El exorcista (serie)”.

   Intérpretes: Linda Blair, Geena Davis.

 
   Frases: ¿Has visto lo que ha hecho la cochina de tu hija? “. “¡Quietos todos, la cerda es mía! “. “Tu madre está con nosotros, Karras, ¿quieres enviarle un mensaje? “. “Me quema”. “Tu madre está lamiendo coños en el Infierno”. “ ¡Fóllame Karras! “. “Y yo soy el Diablo, ahora suelta estas malditas correas”. Magnífico día para un exorcismo”. “Sería una exhibición de mi poder demasiado vulgar”.¿Puede ayudar a un antiguo monaguillo?”
 
 
    Regan McNeil es una niña de doce años que en sus ratos libres juega con una tabla de ouija con la que aparentemente contacta con un tal Capitan Howdy. Poco después comienza a comportarse de un modo extraño, lo que provoca que su madre al médico. Pero su estado empeora y los diversos tratamientos no hacen más que empeorarla. Por lo que su madre decide acudir a un sacerdote ante la sospecha de que Regan está sufriendo una posesión demoníaca.
 
 








jueves, 17 de junio de 2021

Escenas Míticas: Especial Monstruos - Un lugar tranquilo

 

 
   Su secuela fue otra de las víctimas cinematográficas de esta pandemia que debería haberse estrenado hace prácticamente un año y que tras varios retrasos, lo hará finalmente. Por cierto que contará con la inclusión de Cilian Murphy y Djimon Hounsou en el reparto.
 



   Hay que señalar que esta película venía de la mano de la productora creada por Michael Bay junto a Brad Fuller y Andrew Forma, Platinum Dunes. Que se ha estado dedicando desde 2001 a hacer reboots de películas de terror clásicos ya, como "La matanza de Texas”, “Carretera al infierno”, “Pesadilla en Elm street”, “Viernes 13” o “La morada del miedo” (Amytiville). Vale, no todas con el mismo acierto pero algunas de ellas bastante interesantes.



   No es ningún reboot lo que nos ocupa hoy pero hay que reconocerle el mérito a Bay de traernos una de las mejores monster movies de los últimos años. Y uno de sus mayores éxitos. La fórmula de Platinum Dunes es hacer una inversión generosa pero contenida, con presupuestos como el de ésta, de 17 millones de dólares. En este caso el negocio fue redondo porque recaudó en taquilla 340.



   Pero el gran acierto es haberle dado las riendas a John Krasinski. Una elección casi clarividente porque es toda una sorpresa lo bien que resultó la idea. De hecho, Krasinski es un actor más bien de perfil bajo, que aparece normalmente de secundario. Ojo, que para nada me parece malo pero solo hay que repasar su filmografía como actor. Y como director, solo había dirigido dos películas, ambas a caballo entre el drama y la comedia, y no precisamente muy bien valoradas por la crítica.



   Sorprende, por tanto, que le dieran la responsabilidad de reescribir el guion, hasta el momento en manos de Scott Beck y Bryan Woods, y diera la versión definitiva. Un buen guion, por cierto. Y sorprende aún más que le encomendaran la dirección. Porque Krasinski se destapa como un gran director de terror, rodando magníficamente las escenas de suspense. De hecho, algunas de ellas resultan asfixiantes.



   Krasinski confiesa que se planteó como referencias principales películas como “Alien”, “No es país para viejos” y “ En la habitación”. Aún hoy desconozco qué pueden tener en común las dos segundas con la primera. Porque si es cierto que él pretendía hacer una metáfora sobre la familia y más concretamente sobre la paternidad pero básicamente es una monster movie en toda regla.



   Cuadra mucho más las películas con las que se documentó, ante su manifiesta inexperiencia en el género, para rodar escenas de suspense. Éstas fueron “No respires”, “Déjame salir” y “Tiburón”. Y esa mezcla de drama familiar y terror salió prácticamente perfecta pues fue muy bien valorada por la crítica profesional que la calificaba como “terror inteligente”, a la altura de títulos como “The babadock” o “La bruja”.


 
   Por cierto, otro de los aciertos fue la creación de las criaturas, qué Krasinski sabe dosificar su exposición pero cuyos efectos especiales le valieron incluso una nominación al Oscar en 2018. Aunque el mejor efecto especial es el sonoro y de como juego con el tema del silencio. Recuerdo estar viendo la película en la sala en total ausencia de ruido, lo que daba una sensación extra de tensión. Uno no quería ni comer palomitas para no romper el silencio.



   No como en buena parte de los títulos de este género, aquí los personajes importan y mucho, y el reparto logra que empaticemos con ellos. Junto a John Krasinski, que además de guionista y director, ejerce de protagonista, está la que también es su esposa en la vida real, Emily Blunt, aspecto relevante porque ambos acababan de ser padres de su segundo hijo. Ella repite en la secuela junto a los niños, Millicent Simmonds y Noah Lupe.


 
 

martes, 15 de junio de 2021

Escenas Míticas: Posesiones - El exorcista



   Sin lugar a dudas una de las más grandes películas de terror de todos los tiempos. No en vano, aún hoy en día, es inconcebible ver una lista de las películas más terroríficas de la historia del cine y que no esté entre las diez primeras. Es más, es muy habitual verla ocupando la primera posición. Para mí desde luego es la película que más miedo de largo me ha dado. Incluso después de haberla visto muchas veces, sigue inquietándome.
 



   Vayamos al origen. Es la adaptación de la novela homónima de William Peter Blatty publicada 1971, quién a su vez fue quién la adaptó dos años después, por lo que fue galardonado con el Oscar al mejor guión adaptado. Blatty confesaba que se inspiró en un artículo leído en su juventud sobre un chico presuntamente poseído por el demonio que había sido exorcizado.



   Ese chico era Robbie Mannheim, aunque ese fue un seudónimo que empleó el escritor que investigó la historia, Thomas B. Allen. Según éste, “Robbie”, tras la muerte de su tía, a la que se sentía muy unido, empezó a experimentar con una tabla de ouija para poder comunicarse con ella. En 1949, en Meryland, y cuando éste contaba con tan solo catorce años, comenzaron a ocurrir abundantes sucesos inexplicables.



   Mannheim cumplía con todos los requisitos para ser considerado “endemoniado”, hablar varias lenguas muertas no aprendidas, cambios físicos evidentes, fuerza desmedida. Lo que impulsó a la Iglesia Católica, qué muy habitualmente determinaba y aconsejaba el tratamiento médico, a aprobar el exorcismo del muchacho, que tras tres intensos meses aplicándole el Rituale Romanum, de repente cesó en manifestar esos síntomas.



   Oficialmente, Robbie Mannheim sufrió una grave afección histérica provocada por la muerte de su tía. Pero lo cierto es que ningún tratamiento psiquiátrico logró ayudarle. De hecho, incluso le empeoró. La noticia salió en el Washington Post y a Blatty le impresionó, lo que hizo que escribiera una novela que se convirtió en best seller rápidamente. Fue el propio escritor quién ejerció de productor de la película.



   Sin embargo, no fue nada fácil conseguir su distribución. Fueron considerados directores como Arthur Penn o Stanley Kubrick. Pero cuando ya se tenía un acuerdo con Mark Rydel, Blatty insistió en que el elegido fuera William Friedkin, impresionado por su última película, “French Connection”. Friedkin era un artesano pero logró una auténtica obra maestra, nivel que jamás volvió a emular siquiera, a pesar de realizar buenas películas como “A la caza” o “Vivir y morir en Los Ángeles”.



   No obstante, el cineasta se entregó totalmente para esta película, empleando métodos cuando menos curiosos. Cómo rodar varias escenas del exorcismo en el interior de una cámara frigorífica para que el vaho y el frío de los actores fuera real. O asustarles con petardos para que estuvieran en una tensión constante. Al parecer, el vómito que recibió en plena cara el padre Karras (Jason Miller) fue totalmente por sorpresa así que su reacción es absolutamente veraz. Menos mal que solo era puré de guisantes.



   Para los papeles de padre Merrin y Karras, se pensó en Marlon Brando para el primero y Paul Newman o Jack Nicholson para el segundo. Finalmente, tras sus negativas, se consiguió a Max Von Sydow y el mencionado Jason Miller. A los que acompañaron Ellen Burnstyn, Linda Blair y Lee J. Cobb. Ambas actrices fueron nominadas al Oscar por sus interpretaciones, junto a la de Miller.



   Cómo buen clásico del terror, tuvo su leyenda negra. El rodaje estuvo plagado de problemas. Rollos de película que se velaban sin ninguna razón, varios accidentes del reparto (como Ellen Burnstyn y Linda Blair), o el incendio de todo el set de rodaje. Lo que provocó un grave retraso del proyecto y que se doblara el presupuesto inicial. Incluso se considera que Blair arrastró una maldición por toda su carrera, llevándola de fracaso en fracaso condenándola a la serie B y a tener que desnudarse muy habitualmente.


 
   Es de las pocas películas en la que los rumores de ataques de nervios, crisis de ansiedad y desmayos en plena sala de cine no era un reclamo comercial sino una completa realidad, lo que llevó a los propietarios de los cines a apostar ambulancias en las puertas de sus establecimientos. El film tuvo diez nominaciones, incluida la de mejor película, pero solo ganó dos, el sonido y el guion adaptado. Y otros cuatro Globos de Oro (aquí si ganó como mejor película dramática). Tuvo varias secuelas, "El exorcista 2, el hereje" (una de las peores secuelas de la historia) por John Boorman. "El exorcista 3", por el propio William Peter Blatty. Y una precuela, "El exorcista, el comienzo" (con dos versiones de Renny Harlin y Paul Schrader, respectivamente). Incluso tiene una parodia, "Reposeída", en la que participaba incluso la propia Linda Blair. Costó 12 millones de dólares y recaudó 440 siendo a día de hoy la película de teror más taquillera de todos los tiempos.

lunes, 14 de junio de 2021

Top Personajes: Ed y Lorraine Warren

 

    Nombre: Ed y Lorraine Warren.     

    Películas: Expediente Warren”, “Expediente Warren. El caso Endfield”, “Expediente Warren. Obligado por el demonio”.

    Intérpretes: Patrick Wilson, Vera Farmiga.

   Frases: A veces es mejor mantener al genio en la lámpara”. “ Un embrujo es como pisar un chicle, te lo llevas contigo“. “Nos llaman demonólogos, investigadores de lo paranormal... Pero preferimos que nos llamen simplemente Ed y Lorraine Warren”. “ Cuando Lorraine ve, siente o toca algo, le pasa factura. Siempre paga un precio”. “ Nunca quiero estar así de cerca del infierno”. “ Sé lo que es perder a tus amigos por ser diferente. Pero también sé que una persona puede cambiarlo todo, sólo tienes que abrirte a ella”. “Después de todo lo que hemos visto… ya muy pocas cosas nos estremecen”. “Requiere un voto de confianza. Para creer cuando nadie más lo hace”.


   Ed Y Lorraine Warren son un matrimonio que se dedica a ayudar a familias que manifiestan estar sufriendo sucesos inexplicables en sus casas. Ed, demonólogo reconocido por la Iglesia, y Lorraine, clrividente y medium, adquieren gran fama y son solicitados para dar charlas, participar en progrmas de televisión e inlcuso testificar en juicios.




















Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...