El final de Oak Street

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El final de Oak Street.
Dirección: David Robert Mitchell.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 99 min.
Género: Ciencia ficción, aventuras.
Interpretación: Anne Hathaway, Ewan Mcgregor, Maisy Stella, Christian Convery, Jordan Alexa Davis, P.J. Byrne, Hudson Meek, Anne Gee Byrd, Emily Kuroda, Simms May, Walker Russell, Michael-Christian Moore, David Alexander Kaplan.
Guion: David Robert Mitchell.
Producción: J. J. Abrams, David Robert Mitchell, Matt Jackson, Tommy Harper.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Mike Gioulakis.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un extraño fenómeno ocurre en la calle Oak y el barrio en torno a él, donde vive una familia que, empieza a encontrarse con animales que es imposible que vivan en ese momento.

   LO MEJOR: Lo dijo así de claro, por mí que saquen una de estas al mes. Por fin he podido ver una película de dinosaurios entera atacando por las calles. Aquello que solo nos dejó ver Spielberg en "Jurassic Park. El mundo perdido", solo en su tramo final, o que prometía "Jurassic World Dominion" pero solo cumplió en un par de escenas. Y me me alegro de que se hagan películas de dinosaurios fuera de una saga que los lleva acaparando más de treinta años. Recordemos que antes de que se adaptara la novela de Michael Crichton ya se habían hecho muchas películas de dinosaurios (viva el stopmotion). Curiosamente es al cine de Spielberg al que más mira "El final de Oak Street", pero tanto al dirigido como al producido en la década de los ochenta. Es el mismo modo de vida americana y el perfil de familia disfuncional que podemos ver en "E.T., el extraterrestre" o "Encuentros en la tercera". Por cierto, argumentos muy de serie B pero con dinero, como este. Que mezcla ciencia ficción con el género de aventuras (que domina), con unas gotas de terror. Porque sí, es cierto que hay más violencia que la que podemos ver habitualmente en la saga "Jurassic World", aunque no tanta como se está diciendo. También se cortan bastante. No obstante, hay que tener claro que no pretende ser otra cosa que una monster movie entretenida, una diversión veraniega. Que toca la comedia de vez en cuando introduciendo algunos gags de alivio cómico, con humor negro muchas veces. No ha tenido un inicio rompedor en taquilla pero espero que el boca a boca le de lo que merece la película.

   Interpretación: No deja de ser extraño ver a dos estrellas como Anne Hathaway y Ewan McGregor en una película de este tipo. Hathaway se ha propuesto tocar absolutamente todos los géneros cinematográficos en un mismo año. Lo cual habla bastante bien de la versatilidad de una actriz con innumerables registros tanto dramáticos como cómicos. Gracias a Christopher Nolan por rescatarla. Ella es lo mejor del reparto aunque parece que McGregor se lo pasa mejor.

   Escenas (SPOILERS!!): No es que explique demasiado lo que está ocurriendo. Es decir, sí se hace referencia a los agujeros de gusano, y de cómo posiblemente a través de uno de ellos, un barrio residencial entero se ha movido al pasado cuando vivían los dinosaurios. Pero ni se dice por qué ni ahora ni cómo. Tampoco parece importarles demasiado a los creadores. Destacaría cuatro secuencias. El primer ataque y persecución. Porque además vemos como los dinosaurios atacan a otros vecinos. Me ha recordado a "Gremlins" (producción de Spielberg). Me ha sorprendido mucho la muerte de Greg (McGregor), además primero arrancándole una pierna, aunque sea devorado fuera de plano. Y también es verdad que tenía truco porque luego se recupera al personaje. Y creo que la serpiente gigante se la han inventado, no creo que existiera nunca, pero es la mejor escena de la película.

   LO PEOR: Algunos medios se están, y lo voy a decir así, flipando con los titulares sobre la película. Es generar unas expectativas desmesuradas que perjudican a la película. "La mejor película de dinosaurios desde Jurassic Park", "La película de dinosaurios más terrorífica". No hay que exagerar tanto.

   REFERENCIAS: El director es David Robert Mitchell pero no tiene nada que ver con sus películas anteriores. Se nota la producción de J.J. Abrams. De hecho, es una mezcla de "Super 8", "Vivarium", "Jurassic Park" y la reciente, que ya pudimos ver aquí, "Primitive War".

   CONCLUSIÓN: 7. Por fin podemos ver a los dinosaurios por las calles en este divertido entretenimiento veraniego que tiene cierto regusto a serie B ochentera, pero con dinero. Que hagan más de estas cuando quieran.

Spiderman, Brand new day

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Spiderman, brand new day.
Dirección: Destin Cretton.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 145 min.
Género: Fantástico, acción, ciencia ficción.
Interpretación: Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo, Jon Bernthal, Jacob Batalon, Sadie Sink, Liza Colón-Zayas, Tramell Tillman, Marisa Tomei, Naomi Watts, Michael Mando, Keith David, Marvin Jones III, Olivia Booth-Ford.
Guion: Chris McKenna, Erik Sommers, Justin Kuritzkes. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee.
Producción: Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad, Rachel O'Connor.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Brett Pawlak.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Varios años después de que todos sus seres queridos olvidaran, a petición de él, que Peter Parker es Spiderman, se encuentra solo y se centra en proteger a los habitantes de Nueva York. Pero una amenaza se cierne sobre ella sin que pueda saber de donde viene.

   LO MEJOR: Spiderman siempre es un seguro. No en vano es el superhéroe más leído por encima incluso de personajes como Superman o Batman. Pero también es verdad que en la etapa Holland hemos visto poco el de los cómics. Demasiado Vengador, demasiadas franjas doradas o negras y artilugios starkianos en su traje, y poco el héroe urbanita (el vecino y amigo) con un simple atuendo de rojo y azul. Esta película sí lo trae, además dándole un salto de madurez al personaje bastante notable, que casi sirve como reinicio pero teniendo muy en cuenta lo pasado. Y, a través de su enfrentamiento con un gran villano. No nos vamos a engañar, Spiderman siempre ha tenido buenos e icónicos villanos (Duende Verde, Octopus, Venom), pero nunca se les ha dado un tratamiento tan serio, tan psicológico como se le ha dado al de este. El nuevo director, Destin Cretton, toma una premisa muy nolaniana, la de que tu héroe es más grande cuanto más lo es su antagonista. Curiosamente, para dar la sorpresa con el elegido para esta nueva entrega, se han saltado el canon sin ningún problema, ofreciéndonos un enfrentamiento imposible de esperar pues nunca ha ocurrido en las viñetas. Y yo se lo aplaudo. Además, pocas veces han estado mejor rodadas las escenas de acción de Spiderman. En lo que se refiere a rodar acción, Cretton ya lo pudimos comprobar en "Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos". En definitiva, es la mejor película del Spiderman de Tom Holland, Top 3 o incluso Top 2 de todas las películas del personaje en el cine y la mejor película de superhéroes desde "End Game". Me hace tener esperanza sobre el camino que puede tomar Marvel en el género.

   Interpretación: Tom Holland está mejor que nunca tanto como Spiderman como Peter Parker. El cambio de tono le beneficia para poder ver lo buen actor que es. Lo mismo que a Zendaya, a pesar de salir menos. La incorporación de Jon Bernthal es un acierto y su química con Holland es total. Y tenemos las "visitas" de Florence Pugh (casi cameo) y Mark Ruffalo. Pero la verdadera bomba es la participación de Sadie Sink, con mucha mayor relevancia de lo esperado y está maravillosa.

   Escenas (SPOILERS!!): No esperaba que se presentara a Sadie Sink como Jean Grey en una película de Spiderman, y mucho menos como antagonista suya. Ha sido toda una sorpresa. Ella eleva la película a medida que va apareciendo más. Ojo a cómo muestra su poder de saltar de un cuerpo a otro (eso sí, inventado), que recuerda a la película de Denzel Washington, "Fallen", pero narrado de forma espectacular. Aunque a nivel espectáculo hay que hablar de dos secuencias impresionantes. Una es, sin duda, la de Hulk. Y la otra en la que Jean Grey paraliza media población de Nueva York, con la pelea de Spiderman contra la Mano de por medio.

   LO PEOR: No voy a decir nada sobre la película pero sí sobre algo alrededor. No soy fan de Jon Watts y su Spiderman me parecía demasiado infantil. Pero tampoco vi que las películas fueran criticadas por la gente. Sus tres películas recaudaron 3.900 millones de dólares. ¿A qué viene insultarle ahora? ¿Tanta necesidad tienen algunos de odiar? Id al psicólogo.

   REFERENCIAS: Está más cerca de "El Caballero Oscuro" o "The Batman" que de la trilogía anterior de Jon Watts. Dentro del personaje, me recuerda a lo mejor que se había hecho sobre él, "Spiderman 2", de Sam Raimi.

   CONCLUSIÓN: 8. La mejor película del Spider-Hollandverso, una de las mejores del personaje en el cine y la mejor película de superhéroes desde el final de los Vengadores, mantiene la esperanza en un género que no levantaba cabeza.

Supergirl

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Supergirl.
Dirección: Craig Gillespie.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 107 min.
Género: Ciencia ficción, fantástico, acción.
Interpretación: Milly Alcock, David Corenswet, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts, Diarmaid Murtagh, Ferdinand Kingsley, Jason Momoa, Emily Piggford, Bruce Lennox, Audrey Brisson, Avye Leventis, Wil Coban, Keeley Forsyth, David Krumholtz, Paul Hunter, Charlie Rawes, Leo Bill, Craig Binning, Clara Rosager, Heather Agyepong, Alice Hewkin, Luke Rollason, Adam Young, Thalissa Teixeira, Winnie Ama.
Guion: Ana Nogueira. Cómic: Tom King. Personajes: DC Comics.
Producción: James Gunn, Peter Safran.
Música: Claudia Sarne.
Fotografía: Rob Hardy.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Kara Zor-El se ve obligada a encontrar a unos piratas espaciales para dar con el antídoto de un veneno que le han inyectado a Krypto. En el viaje a contrarreloj la acompaña una niña cuya familia fue asesinada por esa misma banda.

   LO MEJOR: Es verdad que iba con unas expectativas muy bajas. No por los pobres resultados de taquilla, un dato al que suelo atender muy poco, sino porque la anterior película de este Gunnverso me había supuesto la mayor decepción de su año. Pero, objetivamente, podría afirmar que "Supergirl" no es peor que la mayoría de títulos del género de superhéroes de los últimos años. De hecho, me parece más entretenida que el último "Superman". También es cierto que dura como 45 minutos menos, lo que favorece mucho su ritmo. Incluso diría que es mejor visualmente. Hablo de puesta en escena, planos y demás, no de espectáculo visual. Pero sí, amigos, Craig Gillespie rueda mejor que James Gunn. No obstante, el problema es que el género de superhéroes está muy quemado, e incluso propuestas mucho mejores que esta, como "Thunderbolts" o "Los Cuatro Fantásticos", han tenido respuestas taquilleras mucho menores de lo esperado. Ya veremos si esto afecta a la próxima película de "Spider-Man" o de "Vengadores", pero está claro que esto, más que un aviso, es una confirmación. De todos modos, tiene algunos aspectos interesantes, como moverse más en el terreno de la space opera con un marcado tono de aventuras, y lo que cuenta sobre los antecedentes familiares y el origen de Kara Zor-El. Ese era el camino, lo que pasa es que le dedican muy poco tiempo.

   Interpretación: Si alguien merece salvarse de la quema esa es Milly Alcock. No es culpa suya que le hayan pedido una Supergirl macarra y borrachuza. Ella cumple a la perfección con ese perfil y también con la dramática cuando le toca. Repito, ella está bien. En cuanto a la aportación de Jason Momoa es bastante menor de lo que proponía el tráiler y la promoción de la película. Además, su personaje está metido con calzador. Pega muy bien como Lobo, pero sigue siendo Aquaman, porque sigue haciendo de sí mismo, de Momoa.

   Escenas (SPOILERS!!): ¿Alguien me puede explicar por qué son tan oscuras la mayoría de escenas de acción? Es que casi no se ve nada. Normalmente se hace para ocultar unos malos efectos visuales, pero es que el presupuesto de la película era de 170 millones de dólares. Y han vuelto a profanar la esencia del personaje, al igual que hicieron con Superman, a quien sus padres le recomendaban poco menos que formar un harén de humanas para hacer muchos supermancitos. Pues aquí Supergirl se carga a sangre fría al villano y además ensañándose para rematarlo. Esto no es propio de Superman, pero tampoco de Supergirl.

   LO PEOR: Mucho alardear de dar libertad a los directores pero a la mínima que alguien se ha salido de la dirección marcada por James Gunn, este ha intervenido recortando, retocando y modificando lo que había hecho Craig Gillespie, apagando la personalidad que podíamos verle en "Yo, Tonya" y "Cruella", para acercarla más a la película que lleva haciendo toda la vida Gunn, "Guardianes de la Galaxia". Para colmo, le ha encargado el guion a una actriz que debutaba en esta materia, Ana Nogueira, y lo siento pero se nota muchísimo.

   REFERENCIAS: Se supone que adapta el cómic "Supergirl: Woman of Tomorrow", pero yo no veo mucho de él en la película, solo una premisa argumental inicial. Es más una mezcla de "Guardianes de la Galaxia" con las últimas películas de "Mad Max". Porque no es la Supergirl de Helen Slater, ni de Melissa Benoist, y mucho menos la de Sasha Calle.

   CONCLUSIÓN: 5’5. A pesar del batacazo, no es peor que la mayoría del cine de superhéroes de los últimos años, lo que confirma el agotamiento que sufre este género y pone en jaque el futuro del Gunnverso cuando apenas había iniciado. 

Escenas Míticas: Superheroínas - Viuda Negra

 

   Rompió, como ya había hecho “Wonder Woman” unos años antes, la regla de que las superheroínas no funcionaban en el cine en solitario. Y tiene más mérito tratándose de un personaje que formaba parte de una saga, “Vengadores”, que ya había terminado, pues es la siguiente del UCM, la número 24, tras “End Game”, y también por la cantidad de dificultades con las que se encontró.

   

    De primeras, contar una historia que se encontraba entre “Civil War”, fue casi como una “Vengadores 2.5” e “Infinity War”. Una película que llegaba de forma demasiado tardía, que sufrió hasta tres retrasos en su estreno a causa de la pandemia del Covid-19, lo que hizo colocarla como primera película de la Fase 4 del UCM cuando su historia era más de la Fase 3.

   Para colmo, fue una de las películas que sufrió la polémica estrategia comercial de Disney que, al igual que “Mulan” y “Cruella”, fue estrenada de forma simultánea en cines y en su plataforma de Disney Plus. Donde, por cierto, funcionó de maravilla pero afectó su recaudación en taquilla.

   Aún así no impidió que recaudara 380 millones de dólares en una época con limitaciones de aforo en las salas de cine. Había costado 150 millones, por lo que gracias a su rendimiento en streaming se la considera rentable. Aunque si se hubiera estrenado en cines de forma exclusiva lo habría sido aún más probablemente. Y eso es lo que reclamó precisamente su protagonista, Scarlett Johansson.

   Que ejercía también como productora y tener un empeño personal en que la película saliera adelante para despedirse dignamente del personaje al que había interpretado en ocho ocasiones ya, este sería la novena, y que significaría dar el relevo a otra actriz en un rol principal, aunque no igual. Es decir, no para dar vida a Natasha Romanoff sino a otra Viuda Negra, Yelena Belova.

   No obstante, a su ya prominente sueldo de 20 millones de dólares, Scarlett Johansson añadió un porcentaje de la taquilla, por lo que estrenar la película simultáneamente en streaming perjudicaba su rendimiento en salas, por lo que le  demandó a Disney, que terminó abonándole otros 20 millones más en concepto de indemnización.

   Al papel de Yelena Belova aspiraron Saoirse Ronan, la favorita, y Emma Watson. Sin embargo, se impuso Florence Pugh. Decisión acertada a juzgar por la enorme química que tuvo con Scarlett Johansson. A las que acompañaron Rachel Weisz, David Harbour, Ray Winstone, Olga Kurylenko, William Hurt, y la joven Ever Anderson, hija de Milla Jovovich.

   Para la dirección se eligió a la desconocida Cate Shortland, que aparte de una serie de cortos y su habitual trabajo en televisión, tenía una película de la que la Johansson era fan, “Lore”, que hizo que insistiera fuertemente por ella. Shortland también tenía otro título interesante, “El síndrome de Berlín”.

   Además, compartía la visión de su estrella. Que es no llevar el tono de la película por el camino del género de superhéroes sino del cine de espías en su vertiente de acción, es decir, tomando como referencias las sagas de “Misión Imposible” y “Jason Bourne”. Por tanto, funciona más como un thriller y alejándose del tono fantástico. De hecho, las coreografías de peleas son mucho más realistas que en la saga “Vengadores”.

   Ese tono se puede apreciar ya desde la secuencia de créditos del inicio, facturado con estética de videoclip y con cierto paralelismo de la captación de las Viudas con la trata de blancas, y esa versión del tema “Smells like teen spirit” de Nirvana, a cargo de la cantante Malia J. Un spin off de la Viuda Negra pero que termina siendo una historia de grupo, recuperando personajes del cómic menos conocidos como Iron Maiden y Guardián Rojo.

   “Viuda Negra” fue un proyecto que llevaba planeándose durante diez años y que se planteó con el personaje en solitario en 2004, mucho antes del debut en la pantalla grande en “Iron Man 2” en 2010. La cuestión es que es una de mis películas de superheroínas favoritas y también del UCM en general, a la altura de títulos como “Capitán América: El Soldado de Invierno”.

Escenas Míticas: Superheroínas - Flash

 

   Ahora que ya definitivamente se estrena la nueva “Supergirl”, de Craig Gillespie y con Milly Alcock como protagonista, voy a reivindicar la que considero la Supergirl más interesante que he visto en cines y que es una pena no haberla podido ver en una película para ella sola, que era la intención si no fuese porque este “Flash” prácticamente puso punto final al Snyderverse.

   Porque incluso, en un principio, se pensó que podría servir de nexo entre el Universo DC creado por Zack Snyder y el que le iba a seguir, el de James Gunn. Pero aunque hubiera sido un éxito, que no lo fue, ahora sabemos que Gunn nunca lo tuvo como opción, a juzgar a como barrió de mala manera, incluso con Henry Cavill renovado ya como Superman, con todo lo que no tuviera que ver con lo que él hubiera hecho.

   Como decía, aunque es indiscutible que la Supergirl más icónica siempre ha sido Helen Slater, es esta de Sasha Calle la que más me ha interesado. Si, un personaje que no era precisamente lo más fiel al cómic de Supergirl. De hecho, se aleja bastante, mucho más oscura y seria, y precisamente por eso. Además, de no ser la protagonista. Pero claro no iba a casar bien con el tono infantiloide que Gunn quería buscar.

   Ahora que tampoco comparto la campaña de odio, otra más, que está sufriendo Milly Alcock cuando la película ni siquiera se ha estrenado, lo que por desgracia tampoco es una novedad. La propia Sasha Calle sufrió una similar, llegando a decir de ella que no era lo suficientemente femenina y criticando su ascendencia latina (colombiana) aunque ella es estadounidense. Eso sí, esa gente siempre negaba ser machista o xenófoba, y se ofendía mucho cuando se lo llamaban.

   Supongo que se alegrarían mucho de no volver a verla con la capa roja pues la película fue un fracaso de crítica y público porque dividió a la prensa y no fue rentable económicamente. Costó 200 millones de dólares y solo recaudó 270 en cines. Un gran batacazo a tenor de las expectativas que se tenían aunque explicable si repasamos el caldo de cultivo previo al estreno.

   Un proyecto que tardó en gestarse casi una década, con al menos once reescrituras de guion y que terminó de concretarse cuando el público ya estaba harto del tema de los multiversos, explotados hasta la saciedad por Marvel. Y en un periodo convulso de cambios en la dirección de Warner. Es decir, llegó demasiado tarde.

   Para colmo, el estreno fue retrasado varias veces por los problemas legales de su protagonista, Ezra Miller, acusado varias veces en Hawái por alteración del orden público, acusado de robo y allanamiento en Vermont (Canadá) y de acoso de menores en Dakota del Norte y Massachusetts, en Estados Unidos. El actor se disculpó públicamente y anunció que iba a recibir ayuda profesional para su salud mental.

   A Miller y Calle les acompañan los regresos de Michael Keaton y Michael Shannon a sus respectivos personajes como Batman y Zod. Y se contó con la participación de Maribel Verdú y las sorpresas en forma de cameos digitales de los Superman de George Reeves, Christopher Reeve (junto con la Supergirl de Helen Slater) e incluso el de Nicholas Cage en ese “Superman lives” de Tim Burton que no llegó a concretarse.

   También aparecieron todos los Batman, salvo el de Val Kilmer y Christian Bale, desde el clásico de Adam West, pasando por Ben Affleck, el mencionado Michael Keaton, hasta llegar a George Clooney. También Jay Garrick, el Flash clásico, la Wonder Woman de Gal Gadot y el Aquaman de Jason Momoa.

   En la dirección estaba Andy Muschietti en la que era su primera película fuera del género de terror tras “Mamá” y las dos partes de “It”. Su trabajo no defraudó a James Gunn pues le eligió para ocuparse del Batman de su universo en “The Brave and the Bold”, que llegará entre 2027 y 2028. El primer corte de “Flash” fue de cuatro horas de metraje, que tuvo que recortarse hora y media.

   Más que adaptar, toma como punto de inicio el cómic “Flashpoint”, aunque también tiene algunas pinceladas de “Crisis en tierras infinitas”. La película también tuvo sus defensores, entre los cuales me cuento, pues personalmente considero que fue una obra injustamente tratada. Y con el tiempo ha ido ganando nuevos adeptos posteriormente, lo que ya es un clásico.

El día de la revelación

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El día de la revelación.
Dirección: Steven Spielberg.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 145 min.
Género: Ciencia ficción, intriga, thriller.
Interpretación: Emily Blunt, Josh O'Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, Henry Lloyd-Hughes, Elizabeth Marvel, Hettienne Park, Tommy Martinez, Gabby Beans, Jeremy Shamos, Brandon Wilson, Priyanka Kedia, Grace Zhao, Lora Lee Gayer, Lance Archer, Chavo Guerrero Jr., Brian Cage, Elliot Villar, Noah Robbins.
Guion: David Koepp, Steven Spielberg. Historia: Steven Spielberg.
Producción: Kristie Macosko Krieger, Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos personas, que no se conocen entre si, son perseguidas por una agencia del gobierno para impedir que revelen un secreto que provocaría un gran cambio en la sociedad, que esas personas consideran que el mundo merece conocer.

   LO MEJOR: El tema del contacto de los humanos con los extraterrestres es recurrente a lo largo de la filmografía de Steven Spielberg pero siempre lo ha abordado de forma diferente, desde ángulos y tonos distintos. Incluso en esta ocasión, en la que algunos incluso se aventuraron a adelantar que sería una especie de secuela de la maravillosa “Encuentros en la tercera fase”, que no lo es, aunque no desentonaría una sesión doble con ella. Porque gran parte de la historia transita por el terreno de las persecuciones y conspiraciones del cine de los setenta, al estilo de “Los tres días del cóndor” o “Marathon man”, y por otro lado, por el género de ciencia ficción ochentera que él mismo puso de moda. Lo que sí es cierto es que se puede afirmar que es una película muy Spielberg y eso es una muy buena noticia, porque a sus 79 años sigue siendo uno de los mejores (si no el mejor) narradores en imágenes. Muchos directores actuales de acción que creen haber inventado la rueda cortando cada dos segundos y moviendo la cámara como si estuviera apoyada en una lavadora centrifugando, deberían aprender de como rueda este señor una secuencia de acción, más desde la tensión que desde lo trepidante. Spielberg, no obstante, utiliza la trama como excusa para hablar de temas como la empatía de nuestra sociedad, critica que los grandes secretos de nuestro mundo estén en manos de unos pocos poderosos y rompe una lanza a favor de nuestra especie. Porque Spielberg siempre ha sido un humanista, y ha vuelto a emocionarme.

   Interpretación: Steven Spielberg recurre a un gran reparto de actores pero no de grandes estrellas conocidas. Salvo en el caso de una magnífica Emily Blunt que está maravillosa. Sé que no la van a nominar por esto pero bien estaría que lo hicieran. Pero también están rayando a muy buen nivel Josh O’Connor, Eve Hewson, Colman Domingo y, sobre todo, Colin Firth.

   Escenas (SPOILERS!!): El ritmo narrativo que Spielberg es capaz de imprimirle a la película es excelente. Pero como suele acostumbrarnos a dejar dos o tres secuencias memorables, y aquí ha vuelto a pasar. No se puede rodar mejor la del paso a nivel y los trenes, generando un suspense brutal a pesar de que sabes que los protagonistas van a salvarse. Más innovadora en cuanto a la puesta en escena es la de la casa “invisible”, y como los hombres que la atacan chocan contra algo que no ven. Al igual que los camiones de bomberos, también invisibles, salen del lugar. Aunque la escena más emocionante, sin duda, es la de la emisión en las noticias de los vídeos de alienígenas uno detrás de otro. Respecto al mensaje final, no es que esté cortado, es que el mensaje es ese: “Escuchad”. Que escuchemos.

   LO PEOR: No sé por qué tanto celo en ocultar la trama, incluso sin estrenarla en festivales previos cuando tampoco tenía giros realmente sorprendentes. Sí mantiene bastante el misterio pero el desenlace es previsible, y el CGI con el que recrean a los alienígenas es francamente mejorable.

   REFERENCIAS: Desde luego, dentro del cine de Spielberg, la más cercana sería “Encuentros en la tercera fase”, y jugaría en la misma liga de “Contact” o “La llegada”.

   CONCLUSIÓN: 8. A sus 79 años, Spielberg sigue siendo un maestro en la narración en imágenes. Aquí vuelve a uno de los temas favoritos, el contacto extraterrestre, pero como excusa para hablarnos de los que más le preocupan de los humanos.

Backrooms

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Backrooms.

Dirección: Kane Parsons.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 110 min.
Género: Intriga, terror, fantástico.
Interpretación: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Avan Jogia.
Guion: William Bromell, Kane Parsons. Historia: Kane Parsons.
Producción: Shawn Levy, Dan Levine, Dan Cohen, James Wan, Michael Clear, Roberto Patino, Chris Ferguson.
Música: Edo Van Breemen, Kane Parsons.
Fotografía: Jeremy Cox.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre descubre una puerta secreta en el sótano de su tienda de muebles. Lo que encuentra al otro lado es algo a lo que no puede dar explicación. Solo lo comparte con su psicóloga.

   LO MEJOR: ¿Está el género de terror salvando el cine actual? Pues tampoco diría tanto, pero sí que es el que más ideas originales está aportando, el que más películas está estrenando fuera de franquicias, creando nuevas y siempre tremendamente rentables, con costes habitualmente muy modestos y rendimientos en taquilla envidiables para no tener grandes campañas publicitarias. Todo eso lo cumple “Blackrooms”, que si hace algunas semanas destacaba “La momia de Lee Cronin” como aspirante a película de terror del año, ahora hago lo propio con esta. Eso sí, más en el terreno del terror psicológico puro con mezclas de subgéneros y formatos muy dispares como el found footage o la ciencia ficción con origen en el creepypasta. Porque gran parte de esta originalidad actual en el género de terror está saliendo de una generación de creadores surgidos en Youtube, que nos han dejado títulos como “Háblame”, “Devuélvemela”, “Obsession” y esta “Backrooms”, a cargo de Kane Parsons, autor de una serie de cortos sumamente inquietantes que puede verse en Youtube y de la que esta película es extensión. Como en esos cortos, Parsons despliega una puesta en escena genial, basada en una modesta pero impresionante diseño de producción, demostrando que la claustrofobia no tiene que ver con el tamaño del escenario sino de cómo lo muestras en pantalla. Junto con un uso del sonido y de la banda sonora (no de la música) hacen que sea tremendamente desasosegante, en ocasiones, agobiante a más no poder. Aun así, no he podido despegar los ojos de la pantalla por la curiosidad que me suscitaba.

   Interpretación: La noruega Renate Reinsve es una de las actrices más interesantes de la actualidad. La descubrí en la serie “Presunto inocente” y luego ha confirmado su talento en “A different man” o “Valor sentimental”. Aquí es la verdadera protagonista encubierta, aunque no inicia como tal. Rol compartido con Chiwetel Ejiafor. Ambos sostienen la película en sus hombros.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos directamente a “intentar” contestar a las preguntas. ¿Qué es Backrooms? Aunque en un momento dado puede parecer una proyección de la mente de Clark (Ejiafor), no es así. Es una dimensión que está allí físicamente porque ya hay un grupo de científicos, o una empresa de investigación, que está estudiándola. ¿Qué hace Backrooms? Fundamentalmente copia y recrea los recuerdos de la gente. No es que los deforme, es que los recuerdos no son exactos y cuanto más los recuerdas, más los cambiamos, algo que pasa especialmente con las caras. ¿Por qué al final todo lo que ha pasado en la película está dentro de Backrooms? Porque ha copiado los recuerdos de los personajes, y los últimos son los de Mary (Reinsve). Ella, al contrario que Clarck, ha logrado mantener la cordura, no ha sido consumida por el lugar como él, que literalmente es devorado por un personaje surgido de su cabeza, el pirata. ¿De dónde sale y por qué está ahí Backrooms? Eso no nos lo iban a decir en la primera película. Porque habrá más.

   LO PEOR: Eso sí, los amigos de los finales explicados que ni lo intenten. Explica algo, de hecho algo que no ocurre en los cortos pero es el espectador el que tiene que atar los cabos o elucubrar su propia explicación. Evidentemente no es para todo el mundo, ni mucho menos.

   REFERENCIAS: Habrá secuela y ya está en desarrollo. Como no, ha  recaudado más de diez veces su presupuesto. En cuanto a referencias, a parte de los cortos de Youtube, juega en la liga de “Viviarium”, “Come true” y la reciente “Exit 8”.

   CONCLUSIÓN: 7´5. Confirmación, una más, de que el género de terror está en excelente forma, con ideas originales y enorme rentabilidad económica. Ojo a los cineastas que están surgiendo directamente de Youtube sin pasar por la casilla de salida.

The Mandalorian and Grogu

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Mandalorian and Grogu.
Dirección: Jon Favreau.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 132 min.
Género: Ciencia ficción, acción.
Interpretación: Pedro Pascal, Sigourney Weaver, Jeremy Allen White, Jonny Coyne, Martin Scorsese, Stephen McKinley Henderson.
Guion: Jon Favreau, Dave Filoni, Noah Kloor. Saga creada por: George Lucas.
Producción: Jon Favreau, Dave Filoni, Kathleen Kennedy, Ian Bryce.
Música: Ludwig Göransson.
Fotografía: David Klein.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La Nueva República sigue buscando los señores de la guerra que operaron durante el reinado del Imperio y siguen traficando con armas y demás por la galaxia. Un cazarrecompensas es contratado para cazarlos.

   LO MEJOR: Que todo el problema sea ese, es lo que pensé cuando leí como crítica más habitual de esta película que era como ver varios episodios de la serie empalmados. Porque precisamente mi principal interés cuando supe que se iba a hacer una película, es poder ver en la pantalla de una sala de cine esta serie. Por eso tiene especial sentido verla allí y no esperar a verla en casa. “Star Wars” es muchas cosas. Ciencia ficción, fantástico, space opera, pero por encima de todo es género de aventuras. Eso es lo que explotaba la serie “The Mandalorian”, y lo que vuelve a hacer aquí, porque la película es un sin parar de aventuras, una tras otra, a veces incluso demasiado de continuo pero que no deja de suponer un muy buen entretenimiento veraniego, muy divertido, con el que es imposible aburrirse en sus más de dos horas de metraje. Y sí, es como la serie, como no iba a serlo, de hecho, cuenta con sus creadores, con Jon Favreau en la dirección y Dave Filoni al guion. Siempre pasa esto cuando se hace una película posterior a una serie, que se le acusa de ser un episodio más. Y si no, se hace lo propio pero por no respetar su esencia. Pues aquí se respeta pero además se nota que hay mucho más dinero, sobre todo en cuanto al nivel de espectáculo, y sus efectos especiales, aunque hay más efectos artesanales de lo que se podría esperar. Y saca más partido de los personajes “pequeños”, especialmente, como no, de Grogu, quien a veces es capaz de invertir el protagonismo.

   Interpretación: Para no poderse quitar el casco nunca, a este mandaloriano le vemos la cara mucho. Claro, entiendo que en cada temporada de la serie y en esta película, tengan la tentación de mostrar aunque sea brevemente, a Pedro Pascal. Casi más que a una Sigourney Weaver, por desgracia, muy desaprovechada. Y para que tener a un actor como Jeremy Allen White si no vamos a verle la cara, solo para poner la voz. Lo mismo podemos decir del cameo de Martin Scorsese.

   Escenas (SPOILERS!!): El prólogo es espectacular y todo un guiño a la trilogía clásica de “Star Wars”, con el ataque a los AT-AT. Es la presentación para una película repleta de aventuras como el combate en la arena de esa especie de coliseo galáctico, recuperando otro enlace con lo clásico, especialmente con “El retorno del Jedi”, con los Hutt y ese descendiente de Jabba pero de buen corazón. Y no podía faltar un ataque aéreo final, como es marca de la casa. Aunque lo más emotivo es como Grogu cuida y salva la vida de Mando en el bosque de Kar-Zunn. Y me he partido de risa con los anzellanos, los pequeños mecánicos.

   LO PEOR: Salvo incidir aún más en la relación de afecto mutuo entre Mando y Grogu, es verdad que narrativamente no aporta nada. La historia no avanza, no hace progresar a los personajes como sí hace la serie en cada una de sus temporadas. Han ido a lo seguro, acción y aventuras sin parar.

   REFERENCIAS: Se aleja de cualquier vínculo con los Jedis, como en la segunda temporada de “The Mandalorian” y apuesta más por el espíritu de aventura de la primera, aunque sin el tono western.

   CONCLUSIÓN: 7. Es verdad que narrativamente no aporta nada nuevo a lo que ya conocíamos de los dos protagonistas pero no por ello deja de ser un buen entretenimiento veraniego que nos da la oportunidad de verlos en una pantalla grande.

Proyecto Salvación

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Proyecto Salvación.
Dirección: Phil Lord, Christopher Miller.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 156 min.
Género: Ciencia ficción, thriller, aventuras.
Interpretación: Ryan Gosling, Milana Vayntrub, Sandra Hüller, Ken Leung, Liz Kingsman, James Ortiz, Lionel Boyce, James Wright, Priya Kansara, Alice Brittain, Orion Lee, Aaron Neil, Isla McRae, Robert James Smith, Bastian Antonio Fuentes, Richie Cheung, Annelle Olaleye.
Guion: Drew Goddard. Novela: Andy Weir.
Producción: Amy Pascal, Ryan Gosling, Phil Lord, Christopher Miller, Aditya Sood, Rachel O'Connor, Andy Weir.
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Greig Fraser.
Distribuidora: MGM.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre despierta en una nave espacial sin saber porque está allí ni que tiene que hacer. Pero a medida que va recordando, se da cuenta que tiene entre manos una importante misión, salvar la tierra. En su tarea contará con la ayuda de un inesperado amigo.

   LO MEJOR: Que bien vienen algunas veces películas como estas, que desprenden buen rollo por todas partes, y además para todos los públicos pero con una propuesta madura y no infantilizada. Se nota que está basada en una novela de Andy Weir, que ya fue adaptado en “Marte”, por el tono y el estilo de la historia. Porque hace una perfecta fusión de géneros, como la comedia (pero sin excederse en su estado cómico), la ciencia ficción y las aventuras, que termina imponiéndose. Uno de los aspectos más interesantes es que la justificación científica, más allá de estar plenamente inventada, es bastante creíble y estar bien explicada. Aunque en realidad es la historia de una amistad. Independientemente de que asistamos a la “enésima salvación de nuestro planeta”, lo que de verdad es su espíritu, es el de una buddy movie. Una extraña e improbable relación entre dos seres de mundos tan distintos que uno nunca podría vivir en el del otro de forma natural, pero no supone problema para que se hagan amigos, formen equipo y arriesguen su vida por el otro. Es la relación con Rocky (“no el de la película”, hay que verla para entender esta referencia), sin duda, lo mejor de la película. Junto a sus efectos especiales, mucho más prácticos y artesanales de lo que sería esperable. Tiene momentos muy emotivos y también emocionantes. Me lo he pasado realmente bien.

   Interpretación: Que infravalorado está Ryan Gosling y que injusta la acusación de que es un actor inexpresivo. Igual algunos deberían atender a que esa calificación se la ganó por dos películas del mismo director, Nicolas Winding Refn, concretamente “Drive” y “Solo Dios perdona”, y que quizá era lo que le demandaba. Porque es un actor tan dotado para el drama como la comedia. Y si no, comparad su vuelta al espacio con la anterior incursión, con "First Man". Aquí le acompaña una gran actriz como Sandra Hüller.

   Escenas (SPOILERS!!): Personalmente me encanta la parte en la que están aprendiendo a comunicarse, que además ocupa una parte importante en el segundo acto. Aunque, sin duda, el momento más emocionante es el de que Rocky salva a Ryland (Gosling) de una muerte segura, a costa de poner la suya en peligro saliéndose de la cápsula que le protege de la atmósfera de la nave humana. Te temes lo peor. Y también la despedida entre ambos. Aunque quizá cuando vuelven a verse, cuando Ryland vuelve interceptando la nave de Rocky de camino a su planeta, debería haberse quedado ahí. Ya sabemos que va a salvarle. No necesitamos lo de la playa y los alumnos de Erid, el planeta de Rocky. Pero bueno, tampoco desentona.

   LO PEOR: No se hace para nada aburrida en ningún momento porque siempre están pasando cosas y cuando se para a desarrollar, siempre es entretenida. Pero quizá sí se va de metraje. Y posiblemente sea precisamente en su parte final.

   REFERENCIAS: Como decía, se nota que tiene el mismo origen, del escritor de que se adaptó para “Marte”, y vemos elementos que recuerdan a películas como "Contact", “Interstellar” o “La llegada”. Pero está más cerca de Steven Spielberg en cuanto a tono, o Robert Zemeckis, especialmente en “Náufrago”.

   CONCLUSIÓN: 8. Su larga duración no es impedimento para que resultar un entretenimiento de primera clase, una buddy movie en el espacio, llena de buen humor y aventuras. Y un Ryan Gosling que da réplica a los que le tachan de inexpresivo.

Avatar, Fuego y ceniza

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Avatar, Fuego y ceniza.
Dirección: James Cameron.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 197 min.
Género: Ciencia ficción, aventuras, fantástico, acción.
Interpretación: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Britain Dalton, Trinity Bliss, Jack Champion, Bailey Bass, Kate Winslet.
Guion: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver. Personaje: James Cameron.
Producción: James Cameron, Jon Landau.
Música: Simon Franglen.
Fotografía: Russell Carpenter.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Jake y su familia deciden acompañar a Spider para entregarlo a los humanos porque consideran que es lo mejor para todos, pero en el camino son atacados y eso cambia el rumbo de los acontecimientos.

   LO MEJOR: A los que tanto se quejan de que esta película no aporta nada nuevo, que James Cameron ha hecho tres películas casi iguales y que no hace más que repetirse a sí mismo, les diría que reflexionaran pensando en si no es justo lo que ocurre en absolutamente cualquier otra saga (por eso lo son). Por cierto, no sé si serán los mismos que precisamente solo acuden a las salas de cine a ver secuelas para seguidamente ir a las redes sociales a quejarse de la falta de originalidad. El bucle podría continuar indefinidamente. Dicho esto, sí es cierto que una segunda repetición del patrón genere una sensación de deja vu, sobre todo porque sus tramos finales son calcados, reincidiendo en el enfrentamiento de naturaleza y máquinas, o nativos contra colonizadores. Y claro,  estamos hablando de prácticamente un tercio de la película. Pero no estoy de acuerdo en que los otros dos sean iguales. Aquí se integran varios elementos argumentales, que no voy a revelar, que aportan cosas nuevas. Sin inventar la rueda porque tampoco esto ha ido de hacerlo nunca. De lo que si ha ido es de ser una celebración del cine como evento para los que nos gusta ver las películas en una sala de cine, con una capacidad de convocatoria que ni Marvel en sus mejores tiempos (los que quiere recuperar con “Vengadores Doomsday”). Una celebración del cine como experiencia de la que sales como si hubieras estado subido a una montaña rusa durante tres horas, con un especialista como es Cameron en montar grandes fiestas. Muy pocos directores (me sobran dedos en una mano) tienen su capacidad de generar espectáculo épico. A nivel visual me sigue pareciendo el número uno. Ya no esta, las tres películas son insuperables visualmente y técnicamente una ha ido superando a la anterior porque si hay alguien que ha hecho evolucionar la tecnología aplicada al cine, si alguien es capaz de demostrar mejoría de una película a otra en cuanto a efectos especiales, ese es James Cameron.

   Interpretación: Zoe Saldaña siempre ha sido, de largo, la mejor de todo un reparto lleno de nombres. Además, creo que es la que más se reconoce bajo su apariencia digital azul. Por cierto, la técnica de captura de movimientos faciales, es incluso más depurada por lo que se aprecia mejor las interpretaciones de los actores. Saldaña sigue siendo la mejor pero aquí ha salido una dura competidora que incluso se permite el lujo de robarse el show cuando aparece en pantalla, Oona Chaplin.

   Escenas (SPOILERS!!): Evidentemente, lo más espectacular es la ya clásica batalla final que supera las de las dos películas precedentes. Pero coreográficamente, la mejor rodada es la emboscada de los mangkwan. Es difícil hacer una secuencia de acción mejor planificada desde la cámara. Pero vamos a sus elementos nuevos a los que me refería. Nos presenta un nuevo villano, villana mejor dicho. Que es na’vi pero completamente diferente a lo que habíamos visto. Una psicópata que solo quiere matar, renegada de Eywa y sin apego por su propio planeta. Luego tenemos la confirmación de los poderes de Kiri, clave en la parte final de la película, que además provoca el mayor dilema ético de ella, Spider. Si inicialmente ya está en tela de juicio que viva con los na’vi, cuando Kiri logra que pueda respirar sin máscara, se convierte en la mayor amenaza, si los humanos pueden replicarlo, lo que plantea el momento más tenso de la historia, su ejecución.

   LO PEOR: No obstante, sí creo que Cameron debería dejarlo aquí y dedicarse a hacer otras cosas. Ya no es un chaval y me gustaría ver cosas nuevas suyas. No se me entienda mal, si hace más, voy a ir a verlas sí o sí. Pero ya no hay más que contar. Ya está reciclando sus propias ideas. Sólo le queda hacer lo mismo pero más espectacular. Y ¿ como va a superar lo de esta tercera parte?.

   REFERENCIAS: Cameron ha tirado con seguro. Si el resultado es satisfactorio, puede continuar perfectamente. Pero si no, se puede considerar un buen final. Creo que es complicado que llegue a las cifras de recaudación de la segunda entrega, aunque se convierta, que lo hará, en la película más taquillera de 2025. Solo James Cameron decide.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Incluso repitiendo la misma propuesta que en las películas precedentes, es una celebración del cine como evento, como la experiencia de ir en una montaña rusa, porque visualmente, Cameron sigue en la cima.