sábado, 31 de octubre de 2020

Microcríticas Express: Defending Jacob/The boys T2/La maldición de Bly Manor

 



   La propuesta no es que sea muy original pero su ejecución es tan sólida que eleva notablemente su calidad. Fundamentalmente apoyada en el trabajo del trío protagonista que que son los integrantes de una familia en la que el hijo es acusado de asesinato. Transita por el terreno del thriller policíaco pero verdaderamente es un drama de intriga, en el que Chris Evans (demuestra que sabe hacer algo más que ser el Capitán América), Michelle Dockery (“Godless”, está magnífica) y Jaeden Martell (“It”) sufren los efectos del juicio social paralelo al judicial y las dudas que hacen quebrar los lazos familiares. Porque las preguntas que planean durante la serie son; ¿Conocen los padres realmente a sus hijos?¿Se conocen realmente las parejas entre si?¿Podrías llegar a dudar que alguno de ellos hubieran cometido un asesinato? Además, la trama engancha porque mantiene la incógnita hasta el mismísimo final e incluso llegando a él, da lugar a interpretaciones, porque de lo que venía a hablar era de esas otras cosas. 7.

 

    La primera temporada me gustó por su propuesta de ideal de superhéroe muy alejada de lo que estamos acostumbrados, más como un producto de marketing comercial y rendidos a sus propios intereses. Pero esperaba que en esta segunda temporada, ya liberados de las presentaciones, le dieran profundidad a la trama, cosa que ha hecho solo a medias. En gran parte parece más preocupada de demostrar lo gamberra que es que en desarrollar, lo que me ha llevado a la sensación de ser una sucesión de escenas, plagada de burradas (jamás había visto reventar tantas cabezas) que difícilmente pueden verse en ninguna otra serie, más que una historia, que cuando finalmente se ha puesto a ello, ha transitado por temas ya conocidos en algunas películas del género. Solo en el personaje de Patriota he visto una evolución palpable. Así que no, no la veo tan genial como a todo el mundo le parece. Aún así, como propuesta de evasión es de las más divertidas, es atrevida y transgresora (más en lo visual que en lo temático), me gusta, me río, me lo paso en grande, pero solo la veo como una diversión, nada más. 6’5.
 
 
   Basada en la novela “Otra vuelta de tuerca”, que ya fue adaptada en 1961 en “Suspense”, a la que hacen unos cuantos guiños en la serie. No es una adaptación muy fiel porque toma elementos de otros relatos del escritor del libro, Henry James, todos ellos de terror gótico, y los mezcla con la trama principal. Pero no es muy terrorífica, más que una historia de fantasmas, es una historia de amor a lo clásico con fantasmas. Personalmente me ha gustado a pesar de ser inferior a la primera temporada. Porque ese es su único problema, que existe “La maldición de Hill House” y es anterior, y claro, el listón estaba muy alto. Y porque esta vez se nota demasiado que Mike Flanagan no ha estado tan implicado en la dirección. De hecho, creo que era un compromiso con el que cumplir para que Netflix le produjera la que realmente es un proyecto personal, “Midnight Mass”. Pero aún así, tiene aspectos interesantes como el juego onírico-psicológico y el desarrollo de las relaciones entre los personajes, interpretados por un reparto muy coral que cumple, con algunos actores de la temporada anterior pero en papeles diferentes. 6’5.

jueves, 29 de octubre de 2020

Escenas Míticas: Especial Brian de Palma - Ojos de serpiente

 

 
    Llegamos al final (de momento) del repaso de la filmografía de Brian de Palma en el que nos hemos centrado en su faceta más de thriller. Tiene otras como su cine de gangsters (“Scarface”, “Los intocables de Elliot Ness” o “Atrapado por su pasado”), de acción (Misión imposible”) o terror (“Carrie”). Pero he querido focalizar sus títulos más típicamente de suspense y también más criticados.
 
 

 
   Cómo es el caso de “Ojos de serpiente”, qué se caracterizó por la división de opiniones, dónde unos alabaron su depurada técnica, y otros criticaron sus trampas y, sobre todo, su final. Personalmente es una de mis favoritas del director, una de las más De Palma y una de las que más disfruto, que vista otra vez más, no ha perdido lo que me gustaba.
 


   Sí es cierto que su final podría haber sido mejor. Pero no considero su guion tan tramposo como otros del director. Y es que esta vez escribía David Koepp. Está claro que De Palma estaría por ahí metiendo baza (me da que la idea del desenlace es suya) pero en general es un guion mejor construido que en anteriores títulos que hemos repasado.
 


   Es que, cómo vengo insistiendo, Brian de Palma es un gran director, uno de mis favoritos de todos los tiempos pero no tan bueno como guionista. De hecho, ya dije que le habría venido bien tener un co-guionista en los que ha firmado en solitario. De hecho, venía de trabajar con David Koepp en “Misión imposible”, lo que también le vino bien al film porque el oficio de Koepp en la escritura supera en esa premisa a De Palma.
 


   “Ojos de serpiente” es la última buena película puramente característica del director. Después vino “Misión a Marte” (no terminó de resultar), “Femme fatale” (menospreciada pero muy rescatable y que si conserva el estilo del director), “La Dalia negra” (muy decepcionante teniendo todo para ver sido genial), “Redacted” (buena pero no parece ni suya), “Pasion” (De Palma solo se hace notar en su último tercio) y el fiasco de “Domino”.
 


   La película arranca con uno de los mejores planos secuencia que un servidor haya visto. Trece minutos de virgueria visual. Un rollo entero. La gente debería pararse a pensar la enorme dificultad técnica que supone una maniobra de esta envergadura. Lo que supone es que durante trece minutos todo debe estar perfectamente coordinado.
 


   Es decir, todo debe estar planificado; cómo seguir al personaje por el escenario (que aquí son varios), todo el mundo debe entrar en el momento preciso que corresponda. Para colmo, de esta escena volveremos a ver varios de sus tramos desde otros ángulos, lo que añade dificultades al gran ritmo narrativo que le imprime De Palma y esa gran labor de montaje.



   Contaba con Nicholas Cage como protagonista. No se confunda nadie, en ese momento estaba en un gran momento de su carrera. Tan solo tres años antes había conseguido el Oscar por “Leaving las Vegas”. Volvería a ser nominado cuatro después por “El ladrón de orquídeas” y entre medias cosechando varios éxitos de taquilla en el campo de la acción. Aún hoy le considero perfectamente recuperable para el alto nivel a pesar de lo farragoso de su filmografía últimamente.
 

 
   Le acompañan el efectivo Gary Sinise, la siempre espléndida Carla Gugino (pocas veces ha estado más bella), el tristemente fallecido John Heard, Stan Shaw y Luis Guzmán (“Atrapado por su pasado”). También Kevin Dunn, que por cierto es el nombre del personaje y de Sinise. La película, como decía, tuvo críticas mixtas. Costó 73 millones de dólares y recaudó 103 en taquilla.

miércoles, 28 de octubre de 2020

Cómic-Club - La broma asesina

 


    Creado: Alan Moore/Brian Bolland.
    Primera publicación: 1988, DC Cómics.
    Formato: Novela gráfica (one shot - un capítulo).


    El título en inglés, “The killing joke”, viene a decir más exactamente que es “una broma para morir de risa”, aunque ha sido traducido con la connotación más criminalista. Está considerada una de las historias más importantes acerca del personaje del Joker, donde incluso se cuentan algunos datos sobre su origen, cosa que no se había hecho en ningún otro cómic, y se relata su primer encuentro con Batman. A su vez, es una de las historias más violentas, lo que supuso cierta polémica, colocando a héroe y villano como modelos de personajes más parecidos, con un Batman casi tan enfermo como el propio Joker, y donde los temas desarrollados son los conceptos de la maldad, la locura y el bien.
 
 
   Tiene gran influencia de una de las obras anteriores de su autor, “Watchmen” en cuanto al estilo en el uso de la viñetas. Aunque el propio Alan Moore no se mostró satisfecho con el resultado de su creación, este hombre no se aguanta ni a si mismo, y eso que la acogida del público fue muy buena. Está considerado como uno de los títulos cumbre de la llamada “edad moderna del cómic” que va de 1980 hasta la actualidad. Por su trabajo en ella, Brian Bollard fue mencionado como uno de los mejores dibujantes de su año de publicación, 1988. Además, varias películas han tomado aspectos de ella, como “El caballero oscuro” y “Joker”, además de inspirar videojuegos como “Batman, Arkham Asylum”.








domingo, 25 de octubre de 2020

Femme fatale

 

    FICHA TÉCNICA


Título: Femme fatale.
Dirección: Brian De Palma.
País: Francia.
Año: 2002.
Duración: 112 min.
Género: Thriller, intriga.
Interpretación: Rebecca Romijn, Antonio Banderas, Peter Coyote, Gregg Henry, Eriq Ebouaney, Rie Rasmussen, Fiona Curzon, Edouard Montoute, Régis Wargnier, Jo Prestia, David Belle, Matthew Géczy, Jean-Marc Minéo, Thierry Frémont.
Guion: Brian De Palma.
Producción:Tarak Ben Ammar.
Música: Ryuichi Sakamoto.
Fotografía: Thierry Arbogast.
Distribuidora: Warner Bros.


   CRÍTICA


    SINOPSIS: Una ladrona colabora colabora en el robo de unas joyas muy valiosas durante el Festival de Cannes. Tras traicionar a su equipo, huye y se encuentra a otra mujer idéntica a ella. La mujer decide quitarse la vida y la ladrona adoptar su identidad.

    LO MEJOR: Porque hacer una crítica de una película de casi veinte años, pues porque inicialmente pesaba incluirla en un tríptico de mini críticas de títulos de Brian de Palma que indicaban su declive. “La Dalia negra” y su última película, “Dominó” iban a ser sus acompañantes. Pero no, volviendo a revisar ésta, la impresión ha sido mucho más positiva de lo que recordaba y de la cantidad desmesurada de palos que se llevó por parte de la crítica, sobre todo en Europa. Así que, contra pronóstico, voy a reivindicar, ya no que sea buenísima (no está el nivel de otros ejemplos de la filmografía del cineasta) pero sí que ni mucho menos es tan mala. Porque a diferencia de “Dominó”, aquí se conservaba el pulso en la ejecución de las escenas, tan característico en De Palma. Hay rasgos muy reconocibles de su manera de rodar; el movimiento de la cámara, las pantallas partidas, los travelling, la ralentización, que la hace muy disfrutable para un seguidor suyo. De Palma hace un homenaje a la figura de la femme fatale clásica, tirando por una trama, de nuevo, hitchcockiana, pero aportándole una descarada carga, si no erótica, sí muy sensual. Pero lo más importante es que el poderío visual, la forma de presentar y desarrollar las secuencias, está ahí. Además, los giros no son tramposos (como un seguidor creía recordar) sino que vienen precedidos de un rastro de migas de pan que los venían preparando. Los señalaré en la zona spoilers.

    Interpretación: Rebecca Romijn no es una gran actriz pero madre mía qué presencia tiene en pantalla. Si no que se lo cuenten a los X-Men y como sin apenas frases de diálogo consigue que su Mystica se coma crudos a varios de los personajes principales. Y aún hoy sigue siendo mejor Mystica que la de Jennifer Lawrence. Antonio Banderas no es que realice una interpretación fuera de serie pero cumple y personalmente considero un orgullo patrio el que haya trabajado con un director como Brian de Palma. El que está ciertamente desaprovechado es Peter Coyote.

    Escena (SPOILERS!!): Vamos directos al lío. El tema de encontrarse a una persona idéntica responde al mito del “doppelhganger”, es decir, la teoría que dice que todos tenemos un doble exactamente igual a nosotros, incluso se le da connotación de que ambos puedan ser antagónicos, o sea, uno bueno y otro malvado. En cuanto al giro de que gran parte de la historia sea un sueño, no está sacado de la manga. Hay pistas repartidas por todo el relato. Desde el momento en que se sumerge en la bañera, las referancias al agua se hacen continuas. La pecera del apartamento de la verdadera Lily rebosa agua (como la propia bañera, se puede ver varias veces en primer plano. Después la lluvia se hace casi omnipresente durante esa fase de la película. Personajes siempre llenándose vasos de agua. El paso junto al río Senna en diversas ocasiones para acabar muriendo en sus profundidades. Pero es que hay varios personajes que ella ha visto antes en la escena de la bañera que en la parte que luego descubrimos que es onírica, cambia de rol. Y recordemos, todo lo que ocurre en el final está plasmado en la foto de enormes dimensiones que el fotógrafo (Banderas) tiene en su apartamento. Por cierto, no se trata de universos paralelos ni líneas temporales distintas ni nada por el estilo. Lo que ella tiene es simple y llanamente una premonición. Que pasen años en el sueño pero minutos en la realidad obedece a la no proporcionalidad del tiempo en los distintos medios, sueño y realidad. Ahí hay otro apunte, en dicho sueño, cada vez que el personaje mira el reloj, es siempre la misma hora. Así que las migas estaban ahí. Por lo demás, Rebecca Romijn nos deja dos escenas tremendamente erótico-sensuales, el robo lésbico y el streeptease.

    LO PEOR: Que no sean tramposos no significa que De Palma no sea un poco esclavo de sus giros y, como en otros títulos de su filmografía, el director italoamericano se muestra más preocupado de sorprender al espectador que de la narración de la historia. Lo demuestra ese síndrome multifinal que padece y que aquí vuelve a darse.

    CITAS: Soy una mala chica... muy mala”. “¿Sabes por qué ninguna buena acción queda impune? Porque el mundo es el infierno y no eres más que un cabeza de turco”. “ – Perdone, me resulta familiar ¿No nos hemos conocido en alguna parte? – Solo en mis sueños”.

    REFERENCIAS: No es la primera vez que De Palma señala a una mujer como destructora, en “La furia” o la propia “Carrie” ya se ve. Y tiene algún paralelismo con su película “Hermanas”. Pero curiosamente, cuando mejor ha tratado la figura de la femme fatale es en “Vestida para matar”, en la que la que la protagonista no era realmente una mujer.

    CONCLUSIÓN: 6’5. Homenaje a la figura clásica de la femme fatale en una trama hichcockiana pero salpimentada de carga erótica, donde De Palma hace alarde de todo su repertorio técnico.




sábado, 24 de octubre de 2020

Microcríticas Express: El diablo a todas horas/Enola Holmes/Orígenes secretos

 


 
   Me la habían recomendado mucho y entiendo porque, aunque para mí tiene nubes y claros. Claros porque es interesante en cuanto al tema principal que trata que es el fanatismo y perversión de la religión. Por enlazar varias décadas haciendo un retrato de la América rural, en una historia dura, tensa y cruda. La ambientación está muy lograda y consigue que sus personajes interesen. El problema es que desaprovecha
a algunos y como consecuencia a sus intérpretes, como es el caso de Mia Wasikouska o Jason Clarke. Además, el guion se vale de demasiadas casualidades para conseguir enlazar las microhistorias y es muy irregular en la narración, provocado por tanto salto en el tiempo y porque le sobran como veinte minutos pero muy a gusto. No obstante, su reparto salva la función, especialmente en tres ejemplos; Robert Pattinson (en un papel nada agradecido), Eliza Scanlen (madre mía que futuro tiene esta chica) y Tom Holland (debería dejarse de hacer gracietas como Spiderman y ponerse con papeles como éste, porque este actor tiene mucho más talento del que Marvel le deja desplegar). 6.

   El personaje sale de una saga de novelas escritas por Nancy Springer que toma varios de la saga Sherlock Holmes pero como secundarios. El de Enola es de creación propia. La película adapta el primer libro, y además ejerce de presentación de ella. La verdad es que está entretenida. Tiene buen ritmo. Y algunos recursos narrativos curiosos, como alguna que otra animación y la ruptura de la cuarta pared, hablándole directamente al espectador. Ésto me ha resultado gracioso porque no abusa de ello, está bien dosificado. Millie Bobby Brown está especialmente inspirada. Se la nota más madura y si no se tuerce, puede llegar a ser una gran actriz, porque maneras tiene. Ella se carga la película a las espaldas. Lo que no me ha impedido echar de menos a Henry Cavill (aunque parezca que en cualquier momento se le va a romper la chaqueta del traje) como Sherlock Holmes (menudo poker de personajes como consiga ser el próximo Bond). Pero es que en estas novelas, por desgracia, Sherlock es solo un secundario. En cuanto a la trama, el misterio no es que sea muy intrigante, de hecho, parece más de aventuras que otra cosa. 6’5. 


 ¿Que es lo que pasaría si se coge la película “Seven”, se sustituyen los pecados capitales por un puñado de referencias al mundo de los superhéroes en las viñetas, se sitúa la acción en Madrid y se torna todo a un tono de comedia casi paródica, de tal manera que incluso la jefa de policía es una cosplayer bastante cañón? Pues esta película. El caso es que como todo ese mundillo friki me es familiar, pues empatizo perfectamente con varios de los personajes, y sinceramente, me ha resultado por lo menos simpática la película. Sobre todo porque se hace un homenaje al cómic, más concretamente el de superhéroes, pero más especialmente a esa figura del friki, el de las tiendas de cómics, el coleccionista de figuras, de objetos emblemáticos de la ficción, del cinéfilo. Vamos que me podrían haber llamado para salir en la peli y no habría tenido que interpretar ni nada. Por eso, por muy tonta que me parezca, me lo he pasado bien viéndola. Aunque varias veces, mientras lo hacía, he pensado en como habría salido si se la hubieran tomado en serio. 5’5.

jueves, 22 de octubre de 2020

El juicio de los 7 de Chicago

 

 
    FICHA TÉCNICA


Título: El juicio de los siete de Chicago.
Dirección: Aaron Sorkin.
País: Estados Unidos.
Año: 2020.
Duración: 129 min.
Género: Drama.
Interpretación: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Mateen II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson.
Guion: Aaron Sorkin.
Producción: Marc E. Platt, Stuart M. Besser, Tyler Thompson, Matt Jackson
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Distribuidora: Netflix.

    CRÍTICA


    SINOPSIS: En 1969, tras una manifestación en contra de la guerra de Vietnam, resuelta con graves altercados de violencia policial, los líderes de los diferentes grupos protestantes fueron llevados a juicio acusados de conspirar contra la seguridad nacional.
 
    LO MEJOR: Pues ya tiene Netflix su película que puede aspirar a todos los premios porque es una de las mejores, si no la mejor, de lo que llevamos de año. No puede ser más oportuna atendiendo a la situación convulsa en Estados Unidos precisamente en relación a la brutalidad policial porque aquí se trata un hecho que quizás no conozca la gente demasiado pero que fue de suma trscendencia, uno de los mayores atropellos gubernamentales, un atentado a los derechos civiles cuando las fuerzas de seguridad emplearon con desmesurada violencia contra unos manifestantes que se oponían a la guerra de Vietnam y para colmo después acusaron a los cabecillas de conspirar contra el gobierno en un juicio que fue una pantomima. Y esa historia la plasma de maravilla Aaron Sorkin. No en vano está considerado uno de los mejores guionistas de Hollywood, y desde luego éste es un gran guion. Porque Sorkin se mueve como pez en el agua en el tema político (“El ala oeste de la Casa Blanca”) y en el judicial (“Algunos hombres buenos”). Pero aquí además dirige, y ya dio una buena muestra de lo que es capaz de hacer detrás de la cámara en su primera película en esa faceta, “Molly’s game”. Desde aquella, que ya fue buena, ha pulido varios aspectos, entre ellos la elegancia. A su excelente guion le da vigor con un muy ágil ritmo potenciado por una magnífica labor de trepidante montaje, que incluso tiene espacio para el sentido del humor.
 
    Interpretación: Terminaría antes diciendo quién no está bien con este film porque solo tendría que aportar una palabra: nadie. Son carne de Oscar. Lo único que el protagonismo es tan coral que me da que solo van a considerarlos para la categoría de secundarios. Pero desde luego que tanto Eddie Redmayne, Mark Rylance, Sacha Baron Cohen (especialmente) incluso Frank Langella, son perfectamente nominables. Pero también están geniales Jeremy Strong, Joseph Gordon-Levitt, John Carroll Lynch o Yahya Abdul-Mateen. Me dejo para el final a Michael Keaton, qué está soberbio con un papel muy corto pero importantísimo.
 
    Escena (SPOILERS!!):Todo lo que respecta a la reconstrucción histórica, tanto los momentos precedentes al evento, como los flashbacks (especialmente el de la cristalera) están perfectamente recreados. Bien dosificados y excelentemente rodados. Pero además tiene un puñado de momentos de gran intensidad, como cuando amordazan al líder de los Panteras Negras en pleno estrado, la simulación de interrogatorio de Eddie Redmayne, su enfrentamiento a Sacha Baron Cohen, cuándo son mucho más parecidos de lo que creen, por supuesto el testimonio de Michael Keaton (mi favorita), o la lectura final de los nombres de los caídos en Vietnam. Las reacciones del juez (Langella) casi son la nota cómica, porque es de risa que se le considerara apto para el juicio.
 
    LO PEOR: Diría que nada. Pero espero que algunos no aprovechen y prostituyan el concepto de juicio político que está en cuestión en la película para llevar el ascua a su sardina. No comparemos situaciones distintas. Y Netflix, entiendo que compras la película para explotarla en tu plataforma pero por dejarnosla un par de semanas en cines no pasaría nada.
 
    CITAS: Venimos a Chicago en paz. Pero nos den permiso o no, vamos para allá”. “Lso acusados tenían un plan, incitar un motín”. “Es el primero en sugerir que he discriminado a un hombre negro”. “Lidiamos con la manipulación del jurado, teléfonos intervenidos y un acusado litreralmente amordazado”. “Que conste en acta que soy el segundo”. “Les damos lo que quieren, un escenario y una gran audiencia”. “Todo el mundo está mirando”. “Así es como se ve una revolución”.
 
    REFERENCIAS: Podemos recordar “Justicia para todos” cómo denuncia de sistema judicial corrompido. “Detroit” por el tema de brutalidad policial y juicio parcial. O “En el nombre del padre” por aquello de hacer un juicio político injusto.
 
    CONCLUSIÓN: 8’5. Netflix ya tiene su película que puede optar a todo porque Aaron Sorkin, además de escribir, ha dirigido una de las mejores películas del año, sabiendo hacer lucir todas las piezas que tenía en el tablero, sus actores.
 




martes, 20 de octubre de 2020

Escenas Míticas: Especial Brian de Palma - En nombre de Caín

 


    Mientras volvía a ver esta película para escribir este artículo el pensamiento que más me venía a la cabeza era el de que el guion es un completo caos. De hecho, de esta etapa de thrillers psicológicos que estamos repasando, probablemente ésta sea de las que más justificados sean los palos que se llevó. Pero es que aún así me sigue pareciendo un film entretenido, e incluso divertido, si no nos lo tomamos completamente en serio.
 
 


    Seamos claros, Brian de Palma es considerablemente mejor director que guionista. Creo que si hubiera contado con un co-guionista en todos esos proyectos, los guiones habrían sido bastante más coherentes. Aunque también habrían perdido ese punto de locura que tanta diversión aporta a sus historias. Porque está claro que cuando el director escribe, ya tiene en la cabeza como lo va a rodar, y se nota.
 

 
    Pero no pasa nada por reconocer que muchos de sus guiones se apoyan en casualidades, atajos, trampas y, en muchas ocasiones, incongruencias. No obstante, luego lo arregla cuando deja la pluma y toma la cámara, y con esa habilidad para rodar escenas es capaz de salvar lo que sea, como buen ejemplo es éste.
 
 

    De Palma, como no, vuelve a guiñar con el ojo a su idolatrado Alfred Hitchcock, y más en concreto a “Psicosis”, por si hubiera sido poco el homenaje que le brindó a este título con su “Vestida para matar”. Además de un par de escenas, como la del coche sumergiéndose en el río o la explicación de la doctora sobre la situación psiquiátrica del protagonista, se basa el argumento en un sujeto con personalidad múltiple. 
 


    No me creo que Night Shyamalan no tuviera en cuenta esta película aunque solo fuera como mera inspiración para su película “múltiple”, con un protagonista también con su mente fragmentada en varias personalidades. Por cierto, el tema de la personalidad, en este caso doble, ya fue recurrente para “Vestida para matar”, a la que también guiña con un plano de unas zapatillas similar al del final de la ducha en aquella.
 

 
    Pero hay más psicología todavía, aunque De Palma pretende hacer un retrato del psicópata, las intenciones del personaje de hacer un estudio psicológico con niños, en este caso secuestrados, se apoya en las teorías de dos psicólogos y filósofos con cierto paralelismo, B.F. Skinner (condicionamiento operante) e Igor Pavlov (condicionamiento clásico), que estudiaron el comportamiento humano bajo determinadas condiciones específicas.
 


    Al igual que James McAvoy, en la película en la película de Shyamalan, John Lightgow se luce dando vida a sus diferentes personalidades en el papel. Lightgow ya había trabajado con De Palma como villano en “Impacto”. También lo había hecho Steven Bauer en “El precio del poder” y Gregg Henry en “Doble cuerpo”. No así Lolita Davidovich, quien venía de aparecer en “JFK, caso abierto” aunque solo se la podía ver en su edición extendida. Y tras esta película lo más destacado fue coprotagonizar “Entre dos mujeres” con Richard Gere. Luego su carrera ha transitado más por la vía televisiva.



    Como en prácticamente toda la filmografía de De Palma, la música corre a cargo de su compositor de cabecera, el italiano Pino Donaggio, sin cuya colaboración las películas del director no serían lo mismo. Donaggio ha trabajado con directores como Darío Argento, Lucio Fulci o Joe Dante pero es con De Palma con quien ha repetido más veces. Llama la atención que no le haya reportado algún premio.
 


    Por supuesto tuvo malas críticas pero no supuso tanto fracaso económico. Hay que decir que De Palma no es que le importe demasiado la taquilla, además sus películas generalmente son muy baratas. Ésta costó 11 millones de dólares y recaudó 37, por lo que tampoco funcionó tan mal. Por cierto, el plano final, el de que alguien esté detrás de un personaje ocupando justo el espacio de su silueta, lo ha utilizado varias veces, dando sendos sustos cuando el que está delante se aparta y vemos que alguien le está acechando a su espalda.
 



domingo, 18 de octubre de 2020

Ratched


 
 
    FICHA TÉCNICA


Título: Ratched.
Dirección: Ryan Murphy (Creador), Evan Romansky (Creador), Ryan Murphy, Michael Uppendahl, Nelson Cragg, Jennifer Lynch, Daniel Minahan, Jessica Yu
País: Estados Unidos.
Año: 2020.
Duración: 50 min (8 episodios).
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Sarah Paulson, Judy Davis, Harriet Sansom Harris, Cynthia Nixon, Hunter Parrish, Amanda Plummer, Corey Stoll, Sharon Stone, Jon Jon Briones, Finn Wittrock, Charlie Carver.
Guion: Ryan Murphy, Evan Romansky.
Producción: Paul Zaentz.
Música: Simon Dennis, Nelson Cragg, Blake McClure.
Fotografía: Mac Quayle.
Distribuidora: Netflix.


    CRÍTICA


    SINOPSIS: Mildred Ratched se traslada al norte de California y allí consigue trabajo en una institución mental en la que se están aplicando medidas revolucionarias para la curación de la mente. Al poco tiempo ya se ha hecho con el poder mediante su habilidad para la manipulación pues tiene un objetivo oculto.
    LO MEJOR: Tiene el gran mérito de hacer algo totalmente diferente de lo que se podría haber esperado de ella, de gustar a pesar de que las expectativas podrían ir por otro lado. Porque lo qué hace aquí Ryan Murphy es llevar el ascua a su sardina para desarrollar el proyecto en su propio terreno aplicando sus propias filias típicas de las obras del director. Ahí es muy notable la apabullante ambientación, recargada, barroca, excesiva, con una fotografía realmente llamativa, aplicando filtros de colores fuertes que cambian la sensación que transmite la escena en función del estado psicológico de los personajes, especialmente de la protagonista. Pasa prácticamente lo mismo con el vestuario. O los propios escenarios en interiores (que el “manicomio” parece un resort). Murphy tira claramente de recursos tanto narrativos como visuales que recuerdan claramente al cine de Hitchcock. Incluso con el uso de la banda sonora (una mezcla de la de “Psicosis” y “El cabo del miedo”). Por qué es un thriller pero a veces se aproxima al terror o otras al drama, lo que la hace muy entretenida, también gracias a su buen ritmo. Por cierto, es tremendamente violenta. Mucho más sangrienta de lo que cabría esperar, incluso tiene algo de gore.
    Interpretación: El reparto es uno de los alicientes de la serie. Sarah Poulson no es la enfermera Ratched que esperábamos. Quizá sabía que en la comparación con Louise Fletcher(que ganó un Óscar con este personaje) saldría perdiendo. Así que, al igual que el director, se lleva el papel a su terreno y lo hace suyo. Además, el elenco de secundarios está que lo borda. Tanto Cynthia Nixon cómo Sharon Stone están notables. Aunque es Judy Davis quién las gana la partida ambas como secundaria. Pero es que también podemos ver a Amanda Plummer o Corey Stoll.
    Escena (SPOILERS!!): Solo un apunte sobre una incongruencia bastante gorda. Louise Fletcher interpretó el personaje cuando contaba con 41 años. Sarah Poulson lo ha hecho con 46, aunque la trama se desarrolle 16 años antes. Sobran los comentarios. Pero vamos a la serie, tiene escenas realmente violentas, como la masacre de los sacerdotes, el tratamiento con agua ardiendo (que también se le aplica el personaje de Corey Stoll de forma brutal) o la lobotomía qué aplica Mildred Ratched a uno de los curas. Pero aparte de al cine de Alfred Hitchcock, se hacen guiños a películas como “Bonnie & Clyde” (la huida del hermano asesino y la enfermera) o “El silencio de los corderos” (la celda subterránea donde le tienen o cuando le vuelven a apresar y le ponen una máscara similar a la de Hannibal Lecter). La mejor secuencia es cuando se recrea el pasado de los dos hermanos con marionetas.
    LO PEOR: El personaje principal es muy interesante pero lo han llamado Ratched igual que podría haberlo llamado Manuela. Cuesta mucho pensar que pueda enlazar con la Ratched interpretó Louise Fletcher. No es que no se parezcan, es que no tienen nada que ver. Ya sé que ésto es una precuela pero debería haberse visto algo, lo que fuera, que nos indicará que ésta va a ser aquella. Y luego me sobra toda la reivindicación marcada por estos tiempos políticamente correctos en cuanto a la homosexualidad y el empoderamiento femenino. Está metida con calzador. No es obligtorio meter estos temas en todas partes.
    CITAS: Salva una vida y eres un héroe. Salva cien y eres enfermera”. “Ya le han causado suficiente dolor. Merece que alguien se apiade de usted”. “Que distinta sería yo de haberlo sabido”. “Estoy pensando en todo lo que voy a hacer”. “Dicen que está loco y eso le vuelve loco”. “Contratarme fue la mejor decisión de su vida”.
    REFERENCIAS: Hay que olvidarse totalmente de que esto supuestamente es una precuela de “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Recuerda más a otra serie de Ryan Murphy, “Americana horror story”, especialmente “Asylum”.
    CONCLUSIÓN: 6’5. Ryan Murphy se lleva la historia a su terreno creando un producto muy atractivo en lo visual y verdaderamente entretenido. Pero que nadie busque ningún atisbo de la enfermera Ratched que conocíamos, no hay ni rastro de ella, ni se la espera.


 

sábado, 17 de octubre de 2020

Microcríticas Express: El hombre que mató a Hitler y después al Bigfoot/Bubba Ho-Tep/Objetivo Bin Laden

 



   Por mucho que pueda sugerir el título, no es la frikada en la que muchos pueden estar pensando. Si, está Hitler por ahí y también el bigfoot (que por cierto, no es que hayan tirado la casa por la ventana para recrearlo). Pero con la excusa nos meten un par de escenas de acción muy curiosas. Inverosímiles por supuesto. Y no hay quien se crea como lo hilan. Pero es que tampoco es el tema de la película, que más bien es un drama donde el protagonista reflexiona sobre la vejez y sobre las oportunidades perdidas de tener otra clase de vida, por lo que tira bastante del flashback. Y en ese aspecto la sorpresa es como tratan la historia, por muy rocambolesca que sea, de forma muy seria y madura. Aunque el mérito lo tiene un actor que creo que siempre ha estado infravalorado y que aquí hace una gran interpretación, que es Sam Elliot. Es él quien sostiene la película y no era fácil. Ah, tiene unos cuantos diálogos muy tarantinianos. Así que, sin ser nada especial, mejor de lo esperado. 5’5.

 

   Desde el punto de vista de la frikada, es una película que había que ver por narices. Si me dices que Bruce Campbell interpreta a un Elvis que no ha muerto y que está retirado en una residencia de ancianos, que a veces parece que es el mismísimo Ash, porque se homenajea claramente riéndose de si mismo. Y que se alíe con un compañero del centro (negro pero que asegura que es John F. Kennedy, que le tiñeron) para luchar contra una momia que se lleva las almas de los viejetes por las noches. Pues ésto tenía que verlo. Y me he echado unas risas más que generosas. Es cutre como ella sola pero muy divertida, aunque el ritmo es más bien pausado. Ver a ese Elvis de la tercera edad, con su andador, peleando con un no-muerto vestido de cowboy, ha sido muy grande. Tranquilos, que estos datos se ven muy al principio. Hay mucho más. Dirige Don Coscarelli (“El señor de las bestias”, “Phantasma”) y el mamón se habrá quedado a gusto. Aunque en el fondo está parodiando el hecho de hacerse mayor. Ahora, ¿Es el verdadero Elvis o le pasa como a su colega el JFK negro?. 6. 

 

   Me estoy haciendo muy fan de esta etapa de la carrera de Nicholas Cage. Vaya por delante que siempre me ha parecido un buen actor y creo que bajo la mano de un buen director es un actor muy recuperable. Pero en esta fase en la que podríamos decir que se ha “reinventado” se ha especializado en personajes digamos pintorescos. Y éste le viene al pelo. Pero es que lo más cachondo es que se basa en hechos reales y el tipo al que interpreta es así, por muy loco que pueda parecer. Un tío al que dios le dijo que se fuera a Afganistán a cazar a Bin Laden y ni corto ni perezoso cogió una katana y para allá que fue. Cage está desatado, no le han puesto ni el más mínimo freno. Estoy deseando verle como Joe Exotic, en la serie sobre “Tiger King”. A ver, es mala, pero me he reído con algunas escenas bastante. Ya sabía que para los Oscars no iba a estar. 5.


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