Oppenheimer

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Oppenheimer.
Dirección: Christopher Nolan.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 180 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Cillian Murphy, Emily Blunt, Robert Downey Jr., Matt Damon, Florence Pugh, Kenneth Branagh, Rami Malek, Casey Affleck, Ben Safdie, Josh Hartnett, Dane DeHaan, Jason Clarke, Jack Quaid, Alden Ehrenreich, David Krumholtz, Matthew Modine.
Guion: Christopher Nolan. Libro: Kai Bird, Martin J. Sherwin. Biografía sobre: J. Robert Oppenheimer.
Producción: Christopher Nolan, Charles Roven, Emma Thomas.
Música: Ludwig Göransson.
Fotografía: Hoyte van Hoytema.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El brillante físico Robert Oppenheimer es puesto al frente del Proyecto Manhattan, en busca de la creación de una bomba de tal potencia que cambiará el trascurso de la Segunda Guerra Mundial, pero también hará plantearse al científico la moralidad de utilizarla.

   LO MEJOR: Para aquellos que tildaban a Christopher Nolan de cierto encasillamiento temático esta película ha sido un golpe en la mesa tan contundente como una bomba atómica. Porque en ese aspecto es totalmente distinta al resto de su filmografía y aún así se siente absolutamente suya. Porque comienza como un biopic convencional pero poco a poco va llevándolo hacia un thriller político tremendamente tenso, repleto de intriga, a pesar de ser hechos históricos, que recuerda al cine de conspiraciones en el que mejor se emplearon Oliver Stone y Alan J. Pakula. Es lo que tienen los grandes autores, que toman lo que sea y lo llevan a su terreno, a su estilo personal. Es por ello que es reconocible el montaje vibrante que le da un ritmo ágil a la narración, que como ya es marca de la casa, también juega con los tiempos, con las líneas temporales desde las que nos cuentan la historia. No es el espectáculo visual que cabría esperar de Nolan, aunque es impecable en la factura técnica, pero posee el mejor efecto especial que tiene el cine desde siempre, los actores, a los que el cineasta hace brillar bajo un guion de diálogos intensos. No voy a decir que Nolan haya llegado a la madurez, pues hace tiempo que llegó, pero si a otro grado superior de ella. De hecho, con su descripción del “origen” de la carrera armamentística atómica hace un reflexión sobre el uso de las armas nucleares que tenemos en la palestra hoy mismo. Ha llegado el momento de cubrir de premios a Christopher Nolan porque, lo siento (o no) por sus haters, ha creado una obra maestra. Otra más.

   Interpretación: Nolan le debía un papel protagonista a Cillian Murphy después de ser uno de sus fijos pero en papeles secundarios. Aquí le ha dado un caramelito que le debería transportar directamente y sin pasar por la casilla de salida a la nominación al Oscar. Murphy recoge el guante y se marca la que probablemente sea la mejor interpretación de su carrera. Pero es que el resto del reparto, da igual la extensión de su participación en pantalla, está soberbio. Todos tienen un momento de lucimiento en la trama. Matt Damon, Robert Downey Jr., Emily Blunt, Florence Pugh, Josh Hartnett, . . . todos.

   Escena (SPOILERS!!): Se ha hablado de la secuencia de la prueba de la bomba y es lógico. Pero yo destacaría como Nolan no busca tanto el impacto visual en el espectador sino a través de la forma de reaccionar de los personajes. Y la intervención pública de Oppenheimer tras el bombardeo de Hirosima y Nagasaki, donde ya apreciamos esas visiones de culpabilidad. Es más, de vez en cuando la imagen se ilumina subiendo el brillo hasta resultar casi cegador representando el estallido de la bomba desde la mente del protagonista. Respecto a los desnudos “gratuitos” de Florence Pugh, bueno son un par de escenas de cama normales, no sé a que tanto revuelo. Sin embargo, la más importante es en la que menos ha reparado la gente. La brevísima escena de sexo que solo ocurre en la imaginación de Oppenheimer pero que para nosotros es una escena de sexo en público en plena sala de interrogatorio. En ese mismo escenario ocurre otra intervención femenina relevante, el duelo de Emily Blunt con Jason Clarke.

   LO PEOR: Nada. Tan solo que muchos vayan pensando que esto iba a ser un espectáculo de acción y tal, y se lleven una decepción. Por lo demás no le encuentro defectos.

   REFERENCIAS: Igual les puede chocar a algunos pero salí del cine pensando, es la “JFK, caso abierto” de este siglo, porque juega en esa liga, en la de “Todos los hombres del presidente”. Ese es el nivel.

   CONCLUSIÓN: 9. Nolan se sale de sus registros habituales para crear su obra más madura. Que conjuga con el magistral trabajo de su reparto, encabezado por un excepcional Cillian Murphy. Hollywood, ha llegado el momento de cubrirle de premios.

Microcríticas Express: Oso vicioso/Renfield/Piraña 3DD

 

   A ver que excusa va a poner esta vez Elizabeth Banks, que ante las críticas de su anterior película, acusó a todo el mundo de machista y demás. Y eso que a mí su versión de “Los Ángeles de Charlie” me había parecido entretenida. Pero aquí ha perdido la oportunidad de marcarse una gamberrada de verdad y no la ha aprovechado. Porque lo que si marca la película es la indefinición. A veces parece para adultos, otras para todos los públicos, luego vuelve a hacer burradas, . . . En mi opinión debería haber seguido por el camino que se propone inicialmente, con mucha sangre y gore, y haber evolucionado hacia una comedia de terror. En su lugar se vuelve una comedia . . . familiar. A ver, no voy a decir que no sea divertida, te ríes, tiene algunas secuencias buenas, como la de la casa del guardabosques o la de la ambulancia, pero en la parte final me pensaba que estaba viendo “El bosque de Tallac” (la de Jackie y Nuca, si). Además, tiene una falta de ritmo evidente, ha habido ratos que hasta se me estaba haciendo larga (y dura 95 min). Lo de los personajes vamos a dejarlo porque son tan idiotas que no necesitan un oso enfarlopado para que los mate, son perfectamente capaces de matarse solos. Que pena que este fuera el último papel de Ray Liotta. Por cierto, lo de que está basada en hechos reales vamos a dejarlo también. Un oso se comió un montón de cocaína y se murió, ya está. No se puso a atacar a gente ni nada de eso. 4. 

   Ver a Nicholas Cage como Drácula era muy tentador. Este tío tiene mi más sincera admiración. Mucha gente critica el declive de su carrera en los últimos años y es normal porque tiene algunos títulos muy difíciles de tragar. Pero es un trabajador incansable, sigue teniendo talento cuando le dejan y una gran capacidad para reírse de si mismo. Aquí está en su salsa, con libertad para desplegar su festival de expresiones faciales y se nota que pasándoselo en grande. Aunque no es el protagonista (que es otro Nicholas, Hoult para más señas, que está digamos aguantable) si es la atracción. La que no lo está, o más bien es que no puedo con ella es Awkwafina. Lo siento pero no. El guion tampoco es que sea una maravilla, por mucho que venga coescrito por Robert Kirkman (The Walking Dead), de hecho, es un sinsentido continuo en el que vale todo con tal de ponerle al espectador unas cuantas escenas de acción, con peleas que son bastante buenas, la verdad, y repletas de sangre y gore. Aunque es sangre digital y a mí esto como que me sigue pareciendo muy falso. No obstante, son tan burras estas secuencias que tengo que confesar que me he divertido. Con eso y la presencia de Cage se salva la película, que por otra parte cuando no está en pantalla, la cosa baja pero mucho. 6.

   Vaya por delante que el remake que hizo Alexandre Ajá me pareció divertidísimo, una experiencia erótico-sangriento-festiva que funcionaba perfectamente como cine de esparcimiento con el único objetivo de entretener. Hay que recordar que aunque la recordemos más terrorífica, la propia “Piraña” original ya era una parodia/homenaje exploitation de “Tiburón”. Pero aquella tenía a un tal Joe Dante como director, el remake a Ajá y esta a . . . aquí parece que no haya nadie al volante. Quiere llevar todo lo que había funcionado en su antecesora mucho más allá. Todo es más absurdo, más gore (no, en eso no supera a la anterior) y el número de desnudos femeninos gratuitos es mayor. El problema es que se olvida de dos elementos importantes. Que una comedia no es poner una idiotez detrás de otra sin ton ni son. Y que si quieres hacer una comedia de terror, tiene que haber comedia pero también terror, y ahí falta la habilidad en la puesta en escena de los directores mencionados antes. Y eso que la idea de llevar la acción a un parque acuático (nada original, por cierto) tenía su interés. Lo mejor, la autoparodia de David Hasselhoff (interpretándose a si mismo) como vigilante de la playa y los cameos de Christopher Lloyd y Ving Rhames. Lo peor, el resto. 3.

Trailerfilos: El exorcista: Creyente

 

   Blumhouse se propone repetir la fórmula que tan bien le ha funcionado con la saga "Halloween", es decir, crear una trilogía pero como secuela directa de un gran clásico del terror, saltándose las secuelas posteriores. En esta ocasión de "El exorcista", volviendo a tirar del mismo director David Gordon Green. Y como ya hiciera con Jamie Lee Curtis, aquí recuperan otro personaje icónico de la película original, el de Chris McNeil, interpretado por Ellen Burnstyn, la madre de Reagan. Precisamente la participación de Linda Blair está más en el aire. Se sabe que estuvo en el rodaje pero la productora sostiene que en calidad de asesora (no me lo creo). El caso es que la primera entrega de esta trilogía la tendremos en cines el 13 de octubre.

Escenas Míticas Indiana Jones - El Reino de la Calavera de Cristal

 

   Ya podéis afilar vuestros comentarios más críticos porque vamos a hablar de la entrega más odiada de la saga. Considero todos estos apaleamientos desmesurados y desorbitados, amplificados por las redes sociales en un fenómeno de eco mediático negativo. Dicho esto, estoy de acuerdo en que es la más floja de toda la franquicia pero no por tanta diferencia como la gente sostiene. Hay dos datos objetivos que apoyan lo que digo.

   El primero es que es la más taquillera de la saga, con 790 millones de dólares. Es verdad que también es la más cara, con 185 millones de presupuesto. Y que el valor de las entradas se incrementó en los casi veinte años que la separan de “La última Cruzada”. No obstante, queda claro que no solo no fue un fracaso de taquilla sino todo lo contrario. El otro dato es que la mayoría de las críticas profesionales fueron positivas.

   Así que analicemos porque se tiene tan demonizada esta entrega. Uno de los ataques más generalizados son hacia algunas escenas. Y se apunta frecuentemente a la del frigorífico. Desde luego es inverosímil, pero no mucho más que la de “El Templo Maldito”, cuando se lanzan desde un avión en marcha sobre una barca para caer sobre la nieve totalmente ilesos.

   Pero si tiene alguna secuencia ridícula de verdad como la de las lianas y el hijo de Indy desplazándose por ellas cual Tarzán. La otra crítica más habitual es hacia su final. Siempre ha habido elementos sobrenaturales en los desenlaces de las otras películas. Hemos visto espíritus salir del Arca de la Alianza o un cruzado de setecientos años, entre otras cosas. Así que, ese final con los extraterrestres, aparte de visualmente espectacular, viene muy acorde con el resto de la filmografía de Steven Spielberg.

   Otra de las cosas que más molestaron, sobre todo a la comunidad latinoamérica, y más concretamente a la peruana. Fueron las imprecisiones históricas y culturales sobre ese país. Esto es inapelable, llevan razón. Pero también es algo corriente. Recordemos que “Misión Imposible 2” mezclaron las Fallas con la Semana Santa . A nosotros nos molestó mucho pero al resto del mundo ni le importó, ni se enteró.

   Sin embargo, es verdad que la película no tiene la misma magia que la trilogía precedente, a pesar de estar dirigida por Spielberg nuevamente. Entre las razones podría estar las vueltas que estuvo dando el proyecto, posponiéndose en varias ocasiones por otros de George Lucas y Steven Spielberg, pasando por varios guionistas, entre las cuales estuvieron Frank Darabont y Night Shyamalan hasta llegar al de David Koepp (“Seven”).

   El cual aprobaron tanto Lucas, Spielberg como Harrison Ford, que por supuesto repetía. Como Karen Allen, a la que se recuperaba de “En busca del Arca Perdida”. A los que se unían Shia Labeouf (otra de las grandes críticas del público, al no verlo como lo que parecía que preparaban, al sucesor de Indiana Jones, yo tampoco lo veía), Cate Blanchett (la cual tomó como referencia a Marlene Dietrich), Ray Winstone, John Hurt (muy desaprovechado) y Jim Broadvent.

   Vamos, como en las otras, con algunas curiosidades. Nuevamente se hacen guiños a entregas anteriores. De hecho, el almacén del prólogo es el que se dejó el Arca de la Alianza de la primera, que ahora descubrimos que era del Área 51. Y otra vez vemos las figuras de R2D2 y C3PO en un jeroglífico, concretamente en la sala final de los alienígenas. Eso sí, esta vez los villanos no son los nazis sino los rusos.

   Por cierto, del vestuario de Shia Labeouf está claramente copiado del de Marlon Brando en “Salvaje”. Y el sonido de las hormigas gigantes fue el resultado de combinar el maíz en grano al verterse, la rotura de cáscaras de huevo y voces humanas aceleradas y puestas al revés. Por lo demás, si, inferior a sus compañeras, pero bastante entretenida, no para tanto era el disgusto.

Pearl

   FICHA TÉCNICA

Título: Pearl.
Dirección: Ti West.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 101 min.
Género: Terror.
Interpretación: Mia Goth, David Corenswet Tandi Wright, Matthew Sunderland, Emma Jenkins-Purro, Alistair Sewell, Amelia Reid.
Guion: Ti West, Mia Goth. Personajes: Ti West.
Producción: Jacob Jaffke, Ti West, Kevin Turen, Harrison Kreiss.
Música: Tyler Bates, Tim Williams.
Fotografía: Eliot Rockett.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Pearl se encuentra atrapada en la granja de sus padres mientras espera a que su marido vuelva de la Primera Guerra Mundial. Pero sus sueños van mucho más allá. Ansía convertirse en una bailarina o actriz de éxito y poder salir de allí.

   LO MEJOR: Aunque exista una película previa en la que conocíamos al personaje y esta sea una precuela, una historia de orígenes, los de una psicópata en toda regla, y que todo encaja perfectamente con su predecesora, introduce tantos nuevos elementos, tonos y puntos de vista que posee una poderosa propia identidad y la película podría verse perfectamente de forma independiente. Porque si repite el mismo escenario, aunque un buen puñado de años antes, también supone un retrato del América profunda, pero la de época de la Primera Guerra Mundial (con ecos de la pandemia que hemos pasado recientemente), e incluso sigue jugando en el terreno del slasher. Pero introduce, o más bien, lo mezcla con otros géneros como el drama costumbrista o el thriller de suspense. Al igual que la otra, tarda en entrar en el del terror, preparando el plato final a fuego lento, pero cuando lo pone en la mesa en el tercer acto resulta nuevamente perturbador e inquietante. En cuanto a su relación con su predecesora, entendemos cosas que en aquella quedaban insinuadas; como la frustración por no poder ser artista, lo que contiene el sótano de la casa, su “mascota” el cocodrilo y su deseo sexual. Incluso hay un guiño al cine para adultos. Eso sí, nunca justifica el comportamiento de la protagonista. Y todo lo hace con un metraje muy medido. Ti West me parece uno de los directores referentes en el terror nostálgico actual.

   Interpretación: Mia Goth estaba soberbia en la anterior película interpretando dos personajes. Aquí solo uno de ellos y vuelve a estar sublime. Hablo al nivel de optar a premios importantes. Incluso nominarla a los Oscars. No solo es arrebatadora en sus reacciones de furia, es que realiza varios monólogos que resultan perturbadores gracias a lo que les da ella. Muy bien también Tandi Wright como madre un tanto rollo madre de Carrie. Y también tenemos al que ya se ha confirmado que será el nuevo Superman de James Gunn, David Corensweet.

   Escena (SPOILERS!!): Una de las escenas más extrañas es el baile con el espantapájaros que deriva en una perturbadora secuencia pseudoerótica. Ya nos pone en situación de como anda el coco de la protagonista. Qué más allá de las escenas de sus asesinatos, en su escalada de violencia, como los del proyector del cine (brutal) o el de su cuñada (más brutal), hay tres momentos clave en la historia. Sin duda, la discusión con su madre en la cena que termina con esta medio quemada y prácticamente moribunda. Es aquí donde gira realmente la trama para Pearl (Goth). El segundo es la prueba de baile, cuya decepción desencadena toda su ira. Y el tercero es el monólogo en forma de confesión a su cuñada, que te deja de piedra. Atentos al plano final de su escalofriante expresión en buena parte de los créditos finales.

   LO PEOR: Quien tenga mucha prisa por ver salpicones de sangre y necesite que a los diez minutos ya hayan matado a alguien, es mejor que pase de esta película. Esto es otra cosa. Se adentra en la psicología de su protagonista y tarda en mostrar carnaza. No es apta para impacientes. Tampoco lo era la primera.

   REFERENCIAS: Es precuela de “X” pero también es un spin-off porque “Pearl” no era la protagonista de esa película, si lo era Maxine, también interpretada por Mia Goth, personaje al que volverá en el cierre de la trilogía en “Maxxxine”.

   CONCLUSIÓN: 7. Aunque sea una precuela/spin off, funciona perfectamente de forma independiente. Ti West vuelve a mostrar su nostalgia por el terror de antes y Mia Goth otro festival de interpretación que merecería premios.

Microcríticas Express: Sisu/Tyler Rake 2/El piloto

 

   Han definido al personaje como un cruce entre John Wick y Rambo. Bueno, en todo caso como el de la novela en la que se basa “Acorralado”, “Primera sangre”, bastante más violenta y explícita que la película, o como en las últimas dos entregas de la franquicia. Desde luego si le hace unos cuantos guiños (cuchillo, cicatrices, un hombre contra muchos, secuelas mentales). Aunque creo que ni uno ni otro. Lo que está claro es que en el argumento de esta, se metieron con el finlandés equivocado. Es una mezcla de cine bélico, acción y western. Un protagonista que prácticamente no dice una palabra durante casi toda la película (lo que hace que el actor lo exprese todo con sus ojos), que sabe matar de mil y una maneras (todas ellas sin armas de fuego), de la forma más sangrienta posible (incluso tirando de gore) y que literalmente “se niega a morir”. Tanto que en ocasiones es tan inverosímil que sobreviva que te tienes que reír. Pero no importa, es a lo que juega la historia, a crear una especie de leyenda sobre el personaje. Tiene unas escenas de acción brutales, aunque paradójicamente el ritmo es lento entre ellas, haciendo un gran uso del paisaje, con una excelente fotografía. Si queréis ver a un nórdico cabreado matando nazis, esta es la peli indicada. 6’5.

   La primera fue una gran sorpresa y esta no viene más que a confirmar que puede ser una de las mejores sagas (porque esto va a seguir) de acción actuales. De acción digo, lo dejo claro para aquellos que de repente les dio por mirar las comas del guion de “John Wick 4” (igual alguien se pensaba que se debería haber puesto a recitar a Shakespeare). Más que nada porque el de esta tampoco es una maravilla. De hecho, va exactamente de lo mismo que la anterior película y me juego lo que sea que la siguiente será muy similar. Es un guion funcional básico. Pero las escenas de acción son buenísimas. No digo ya por lo vistosas o espectaculares que sean, es que técnicamente tienen un nivel de complejidad coreográfica impresionante. Como en el plano secuencia que nos vuelven a ofrecer, esta vez de como unos veinte minutos brutales. Que si, que estará trucado porque es imposible hacer eso de una sola vez pero no deja de ser una puñetera maravilla. La única pega es que el resto, aún siguiendo estando muy bien, ya no puede superar este nivel de dificultad. Bueno, y que no se puede ver esto en una sala de cine. Porque Sam Hargrave dirige con un realismo impactante la acción, que ya había dirigido la primera (y no los hermanos Russo, que solo producen y escriben) y “Atómica” (que ya me moló y mucho esta peli). Además, Chris Hemsworth está mucho mejor aquí que haciendo chistes vestido de Thor. 7’5.

   Es un tipo de cine que se ha perdido en las salas de cine y que personalmente echo de menos. En los ochenta y noventa si era muy habitual. Era cine de acción sin pretensiones, al menos no otra que no sea la de entretener. Y parece que Gerard Butler se ha empeñado en abanderarlo en esta época. El resultado es un producto de evasión bastante efectivo, que entretiene aún sabiendo que no es ninguna obra maestra. Que es autoconsciente de lo que es y lo que quiere. Película que mezcla dos subgéneros muy habituales antaño, como el de catástrofes de aviones y el de terroristas. Funciona muy bien en cuanto al cambio de escenario precisamente del interior del avión a la isla donde van a parar, sobre todo por sus habitantes. Por supuesto, si nos ponemos a mirar el guion le vamos a encontrar cosas que no tienen demasiado sentido. Porque cualquier excusa es buena para dar leña y recurre a los atajos necesarios para mostrarla. Además, recupera la personificación del héroe “normal”, del héroe por accidente (nunca mejor dicho). Es un consumible que tras terminar pues te pones a otra cosa sin más pero mientras lo ves no te aburres en ningún momento. Sabemos que las hamburguesas no son el mejor alimento posible pero aún así nos apetecen y nos las comemos. Pues esto es igual. 6.

Escenas Míticas: Indiana Jones - La Última Cruzada

 

   Muchos consideran que la saga debería haber terminado aquí, y quizá no les falte razón. Desde luego, era la idea inicial tanto de Steven Spielberg como de George Lucas, realizar una trilogía. Para el primero además suponía una especie de revancha por las no unánimes críticas positivas de “El Templo Maldito” (aunque a mí me encanta). De hecho, en sus propias palabras, es su favorita de toda la saga.

   Para ello retomó el estilo de “En busca del Arca Perdida” (hay guiños como ver un fresco de ll Arca de la Alianza en una cueva). Volvieron los nazis como villanos (incluso hay un “cameo” de Hitler). Y volvía a su estructura argumental clásica (esa nunca se perdió), de comenzar con la propuesta de la búsqueda de un objeto y terminar con la elección por parte del protagonista entre ese objeto y una persona importante para él.

   Esta vez el objeto en cuestión era el mismísimo Santo Grial. No obstante, no fue la única trama que manejaron. Había una que se desarrollaba en un castillo escocés o una parte de la vida de Indiana Jones en el Tíbet. E incluso una propuesta de Chris Columbus para una historia en África, que se rechazó.

   Al margen de la trama, Spielberg quería que la historia realmente tratara de la reconciliación de Indy con su padre. Un tema muy presente en la obra del director, quien mantenía una relación complicada con el suyo. Para ello propuso a Sean Connery, que a la postre se convertiría en principal atractivo de la película. Lo cual no le hacía mucha gracia a Lucas, por considerar que recordaría demasiado a James Bond.

   Sin embargo, a Spielberg incluso le reforzó en su convencimiento para la elección de Connery. Nunca escondió que Bond fuera la principal inspiración para crear a su Indiana Jones y ahora tenía la posibilidad de que el primer actor que encarnó al agente secreto fuera el padre de su protagonista. James Bond sería el padre de Indiana Jones.

   No sería la única conexión con la franquicia 007. La compañía femenina (y villana) de Indiana fue Alison Doody, que también había sido chica Bond en “Panorama para matar” (junto a Roger Moore). Alison Doody sustituyó a Amanda Redman por su incapacidad de superar su miedo a las ratas, las dos mil criadas para una de las secuencias. Además, John Rhys Davis fue aliado de James Bond en “007, Alta Tensión” (con Timothy Dalton). Y Julian Glover villano en “Solo para sus ojos”. Así que, menos Harrison Ford, toda la columna vertebral del reparto de la película había participado en la franquicia Bond.

   Harrison Ford que tan solo tenía doce años menos que Sean Connery, aunque este ejerciera de su padre. Por cierto, Pat Roach, que moría en las dos entregas anteriores, volvía a hacerlo por tercera vez en esta. En el prólogo, River Phoenix, interpretó a Indy en su juventud, en un capítulo que explica muchas cosas de la personalidad del personaje. Phoenix declaró que su referencia para interpretarlo fue el propio Ford, no el personaje.

   River Phoenix, aunque se especuló con ello, no encarnó a Indy en la serie posterior, “Las aventuras del joven Indiana Jones”, sino Sean Patrick Flannery (principalmente), que tuvo tres temporadas, con 44 episodios en total, y se emitió entre 1992 y 1996. Phoenix moriría por sobredosis en 1993, siendo uno de los actores más prometedores del Hollywood de la época.

   En la parte final, se usó por primera vez los efectos digitales en la saga, en el envejecimiento del villano. Efectos visuales que fueron nominados pero no premiados. Si lo fue el sonido de la película. Costó 48 millones de dólares y recaudó 474 en taquilla, sólo superada por “Cazafantasmas 2” y “Batman” en 1989.

Misión Imposible: Sentencia mortal - Parte 1

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Misión Imposible: Sentencia mortal – Parte 1.
Dirección: Christopher McQuarrie.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 163 min.
Género: Thriller, acción.
Interpretación: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Hayley Atwell, Pom Klementieff, Vanessa Kirby, Hannah Waddingham, Simon Pegg, Shea Whigham, Ving Rhames, Nick Offerman, Esai Morales , Henry Czerny, Holt McCallany.
Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen.
Producción: Tom Cruise.
Música: Lorne Balfe.
Fotografía: Fraser Taggart.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Es revelada una nueva y poderosa arma que amenaza con acabar con el mundo tal y como lo conocemos, por la cual pugnan todos los gobiernos del planeta. Ethan Hunt y su equipo deben adelantarse a todos ellos.

   LO MEJOR: Este tío no falla, lo ha vuelto a hacer. Porque aparte de como protagonista hay que poner en valor como productor, como líder de sus proyectos y como generador de taquilla. Ha hecho mucho por las salas de cine, situando sus blockbusters como alternativa de mayor calidad que todo el cine de superhéroes actual y que sagas como “Fast and furious” e incluso la franquicia Bond (por mucho que un servidor sea fan de ella). Porque su saga de “Misión imposible”, salvo el resbalón de la segunda entrega, en calidad aunque no en diversión, ha sido un in crescendo constante hasta llegar a esta séptima parte. No obstante, es cine de acción pero también de espionaje, con tanta o más relevancia que su nivel de espectáculo, lo que le obliga a tener guiones más elaborados que no solo supongan una mera excusa para poner escenas trepidantes en circulación. Esta película es un buen ejemplo de ello, un guion efectivo, sin fisuras, donde todos los personajes tienen su espacio, donde el interés del espectador no se disipa cuando no le están mostrando un gran espectáculo visual sino todo lo contrario y en el que cabe la inclusión de cierta dosis de humor, de forma sutil, fluida, natural, y no una payasada de chistes como algunas películas de superhéroes. Una película que hace mucho énfasis en ser una historia de grupo, lo que incide en la principal diferencia con las entregas bondianas. Todo funciona y funciona muy bien. Como su montaje, con especial habilidad en abordar secuencias en paralelo, y en mantener un ritmo perfecto hasta el punto que sus 163 minutos de metraje parezcan la mitad.

   Interpretación: Me molesta ya la absurda animadversión de cierto sector hacia Tom Cruise, una de las pocas estrellas de verdad que le quedan a Hollywood. Un tipo que prioriza la atención al público por encima de todo, que apoya activamente a las salas de cine . . . y que es muy buen actor, con una autoexigencia extrema y un nivel de perfeccionismo excelso, capaz de llevar a cabo la mayoría de sus escenas de riesgo, a pesar de superar los sesenta tacos. Pero es que Tom Cruise no es tonto, como buen productor, por muy estrella que sea, sabe trabajar en equipo, por eso el resto del reparto brilla también. Ojo a la importancia de las mujeres en la trama, sin forzar inclusiones metidas con calzador. Solo hay que ver las interpretaciones de Rebecca Ferguson, Hayley Atwell o Vanessa Kirby. Y a la potente presencia física de Pom Klementieff (si, la de las antenas de “Guardianes de la galaxia”).

   Escena (SPOILERS!!): Es muy importante la evidente fisicidad de las escenas de acción, prescindiendo de los efectos digitales todo lo que pueden. Eso se hace patente en la secuencia de la persecución de Roma, por cierto, integrando perfectamente el humor en ella. Pero sobre todo en la de Venecia, con esa ya mencionada habilidad para montar secuencias en paralelo. Luego hay escenas como la del prólogo que recuerdan a títulos como “La caza del Octubre Rojo”. O tan espectaculares como la de los vagones del tren. Y también de diálogo, como la partida de ajedrez dialéctica a varias bandas en la discoteca. Destacar también el acierto de que el villano, el verdadero villano, ni siquiera sea una persona, una especie de Skynet que ejerce de antagonista fantasma.

   LO PEOR: Solo una pega, no está completa y todavía tendremos que esperar hasta el año que viene para poder ver concluida la historia. Por lo demás es prácticamente perfecta.

   REFERENCIAS: Hay claros guiños al inicio de la saga, a la primera película de Brian de Palma. Luego, tras una segunda parte que se quiso aproximar a James Bond, volvió al buen cauce a partir de al tercera, siendo cada entrega mejor que la anterior. Y aun nos queda la segunda parte de esta “Sentencia mortal”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. No falla Tom Cruise y no falla su saga estandarte, que ha ido superándose entrega tras entrega hasta llegar a esta séptima parte y hacer lo que parecía misión imposible, volver a ser mejor que la anterior.

Música de Película: En busca del Arca Perdida

 

   Que se puede decir más de John Williams, de su asociación con Steven Spielberg a lo largo de las carreras de ambos, y de una de las bandas sonoras más reconocibles de la historia del cine. Bueno, pues fue nominada pero nunca se llevó el Oscar.

Tema: Main theme.

Película: En busca del Arca perdida.

Intérprete o compositor: John Williams.

Escenas Míticas: Indiana Jones - El Templo Maldito

 

   Muchos la consideran la peor de la trilogía inicial. Muy probablemente no sea la mejor desde luego, eso está claro que le corresponde a “En busca del Arca Perdida”. No obstante, no me parece que esté por debajo de “La última cruzada”, y a mí particularmente me gusta más que ninguna. Si, no es la mejor pero aún así es mi favorita, creo que es la más divertida y con la que me lo paso mejor.

   Además que me resulta una película muy valiente. De primeras por ofrecer algo muy diferente a la primera. Si, está claro que mantiene las claves básicas que le habían dado el éxito a la anterior entrega. Sin embargo, cambiaba radicalmente el escenario. E introducía toques mucho más pronunciados de terror pero también de la screwball comedy de los años treinta del cine.

   De hecho, es de largo la película más violenta de la saga, lo que obligó a crear una nueva calificación por edades, la PG-13 (no recomendado para menores de trece años). Por cierto, aquí no aparecen los nazis por ninguna parte, es más es la única película de toda la saga en la que no ejercen de villanos. Así que sí, cambiaron unas cuantas cosas.

   Por si fuera poco, no pudieron contar con el guionista de su predecesora, Lawrence Kasdan. La historia nuevamente partía de la idea de George Lucas, que se basaba muy parcialmente en la película de 1939, “Gunga Din” y que ni siquiera era una secuela de “En busca del Arca Perdida” sino una precuela pues se desarrollaba un año antes que aquella.

   Es por ello que no haya ninguna alusión al Arca de la Alianza ni al personaje de Marion (aunque supuestamente Indy y ella se conocían previamente). Para acompañar a Harrison Ford, se sustituyó a Karen Allen por una de las chicas Indiana más demonizadas, Kate Capshaw, muy injustamente a mi juicio. El público no entendió, y tampoco lo hace ahora en parte, que lo que hizo la actriz con esa interpretación histriónica, llena de gritos y exageraciones, era hacer una parodia de la típica chica del héroe clásico.

    Por cierto, si alguien recuerda ver en la última ceremonia de los Oscars a Jonathan Ke Quan, cuando recibió la estatuilla por su papel en “Todo a la vez y en todas partes”, dar las gracias a Steven Spielberg por haberle dado su primera oportunidad en el cine, se refería precisamente a esta película cuando le escogió para hacer de Tapón. No solo eso, también intervino en que participara en “Los Goonies”, de la cual Spielberg era productor.

   Un Spielberg que venía de su ruptura matrimonial con Amy Irving (“Carrie”), lo mismo que George Lucas, y que tras esta película inició una relación sentimental precisamente con Kate Capshaw, con la que terminaría casándose. Profesionalmente, entre la primera y la segunda entrega de “Indiana Jones”, metió otro enorme taquillazo, “E. T., el extraterrestre”

   Ya decía que Lucas y él crearon a Indiana Jones con la vista puesta en James Bond. Eso se hace más patente en la escena de arranque de esta película, en la que el doctor Jones aparece incluso con un esmoquin. Por cierto, la escena comienza con un número musical (otra novedad) y la canción era cantada por Kate Capshaw en chino, lo cual se le avisó solo dos días antes de rodarla. Aún así, la sacó de sobra adelante. Otro punto para ella.

   Vamos con unas cuantas curiosidades. Hay varios guiños. Un par de ellos a “Star Wars”, como el bar llamado “Obi Wan” o la escena en la que Indy huye de una horda de enemigos, similar a una de Han Solo en “El imperio contraataca”. Y otro a la primera entrega cuando el protagonista se lleva la mano al revólver como en la escena en la que acababa con el espadachín, pero esta vez no está la pistola allí. Por cierto, si el nombre de Indiana venía de el del perro de George Lucas (que con ello se bromea en la tercera parte, "La última cruzada"), el de Willie (Capshaw) viene del perro del Spielberg.

   La película, que aún sigue prohibida en la India, tuvo una taquilla de 330 millones de dólares, colocándose la tercera de ese año, 1984, y la que mejor fin de semana de estreno tuvo, habiendo invertido solo 28. Además, ganó el Oscar a los mejores efectos visuales.

Missing

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Missing.
Dirección: Nicholas D. Johnson, Will Merrick.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 111 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Storm Reid, Nia Long, Amy Landecker, Ken Leung, Thomas Barbusca, Lisa Yamada, Joaquim de Almeida, Tim Griffin, Megan Suri, Tracy Vilar, Karina Noelle Castillo.
Guion: Nicholas D. Johnson, Will Merrick. Historia: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian.
Producción:Timur Bekmambetov.
Música: Julian Scherle.
Fotografía: Steven Holleran.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Cuando una mujer desaparece en un viaje de vacaciones a Colombia, su hija, por medio de toda la tecnología que tiene en su mano, desde su propia casa, intenta buscarla por todos los medios.

   LO MEJOR: No tiene ninguna continuidad argumental con la primera película, “Searching”, la cual ya en su momento destaqué como gran sorpresa, aunque poca gente se hiciera eco de ello. Pero si comparte esencialmente el mismo formato y hasta estructura, que es contarnos un caso de desaparición a través de la pantalla de un ordenador principalmente, con algunas ayudas como webcam, cámaras de seguridad de establecimientos, de la señal de televisión de la prensa, o de la propia policía. Todo para justificar poder llevar a cabo la investigación del caso desde una habitación y un ordenador, lo cual guardaba en su predecesora, y esta repite, algunas sublecturas, como la exposición a la que voluntariamente nos sometemos en redes sociales y al no tan consciente control que hay sobre nosotros, por ejemplo, en cuanto a nuestra geolocalización constante. Aquí añaden otro tema, la incomunicación familiar (casi se averiguan más cosas abriendo las cuentas de una persona que hablando con ellas en persona). No obstante, básicamente vuelve a ser un producto de entretenimiento. Uno muy eficiente en cuanto a apañárselas para que todo tenga sentido desde este formato. Pero sobre todo muy efectivo, porque consigue que no despegues los ojos de la pantalla, bien es cierto que hay mucha información que debemos de leer de ella, pero especialmente por tener nuevamente un gran ritmo a pesar de superar en veinte minutos a la primera entrega. De hecho, su principal truco (no lo digo peyorativamente) es su vorágine de giros.

   Interpretación: Seamos claros, tampoco es que sea el apartado más destacado de la película, lo que no quiere decir que el reparto no esté lo suficientemente correcto. La protagonista es Storm Reid, que solo conocía previamente por la serie “Euphoria” y no precisamente como una de las protagonistas. En la película hay algunos secundarios reconocibles como Nia Long, Ken Leung, y sobre todo, Joaquín de Almeida.

   Escena (SPOILERS!!): Curiosamente toda la clave está en la escena del prólogo, que es verdad que hay que interpretarla de otra manera para descubrir que es lo que pasa. Por lo demás, me parece un acierto el tomar como personaje recurrente al mensajero en Colombia para justificar llevar la investigación en ese país desde la habitación de la chica. Solo se saltan ese ritual dos veces. Una cuando va a haber en persona a la abogada (bueno también lo había hecho brevemente en el aeropuerto mediante la cámara del móvil) a la cual encuentra muerta, lo que eleva la tensión de la trama. Y otra en la parte final de la película, con los ángulos de las cámaras de seguridad. Muy gracioso es cuando todo lo que se ve de la llegada de la policía, que en realidad no podría verse, es un episodio de una serie de true-crime. Muy ingenioso.

   LO PEOR: Para poder seguir la trama a veces se esfuerza un poco el hacerlo para que podamos verlo por las distintas cámaras. Aún así, me encaja mejor que en otras películas similares. Lo que sí es cierto es que a veces va tan rápido que te puedes perder algún giro si no estás atento totalmente.

   REFERENCIAS: He dicho que no tuvo mucha repercusión pero sí fue un éxito de taquilla “Searching”. Costó un millón de dólares y recaudó 75. Esta ha costado 7 y ha recaudado 49. Así que salen rentables.

   CONCLUSIÓN: 7. Siendo una historia distinta que no guarda relación con la primera película, mantiene todas las claves que funcionaron en aquella, y vuelve a dar resultado porque consiguen un producto de entretenimiento de lo más efectivo.

Microcríticas Express: Más allá de los dos minutos infinitos/El hombre de la tierra

 

   Otro perfecto ejemplo de que para hacer ciencia-ficción no hacen falta grandes presupuesto sino un buen puñado de imaginación que es justo lo que tienen en esta película japonesa, que tan solo costó 27000 dólares y prácticamente desarrolla toda la historia en un escenario, una cafetería. Mira que está trillado el subgénero de paradojas temporales y viajes en el tiempo, aunque yo reconozco que me las veo todas, pero aquí le han dado una vuelta de tuerca muy curiosa y sin tomárselo demasiado en serio. De hecho, el tono es de comedia, la puesta en escena prácticamente amateur (el director solo tiene esta película) y los medios no pueden ser más exiguos. No obstante, en el guion lo han echado todo. La trama que nos plantea ya es bastante interesante, donde los personajes descubren una pantalla en la que se puede ver que pasa dentro de los dos minutos siguientes. Pero es que no se queda ahí porque se las apañan para desarrollar la idea creando nuevos alicientes en el argumento y evolucionando desde lo que han planteado desde el inicio. Quizá es verdad que da una sensación un tanto teatral pero me ha parecido muy original, muy divertida y de sobra entretenida porque no deja de avanzar en sus tan solo setenta minutos. 7.

   Tenemos el concepto de que el género de la ciencia-ficción implica grandes presupuestos pero en realidad solo requiere de tratar un tema sobre ciencia pero que todavía es ficción. Como los protagonistas de esta película, que discuten sobre la posibilidad de que uno de ellos tenga 14000 años de edad, lo cual se plantea desde el principio, así que no he descubierto nada. Tan solo son un grupo de personas hablando sobre el tema en una habitación, pero es que es tan interesante la conversación, reflexionando sobre dilemas filosóficos y teológicos, que engancha totalmente. Influye que los personajes son un grupo de amigos bastante cultos e instruidos, incluso algunos son especialistas en distintas materias y que las argumentaciones de sus teorías están perfectamente construidas. No obstante, su principal atractivo está en que el planteamiento se le está proponiendo también al propio espectador, quien se tira toda la película con la curiosidad de saber si esa revelación inicial podría ser cierta o por el contrario está tomando el pelo a los demás, incluidos nosotros mismos. Cinematográficamente no tiene demasiado valor porque se basa en planos y contraplanos, pero el guion se reserva algunas sorpresas en forma de giros en la trama que amenizan el desarrollo de sus 87 minutos. 7.