Escenas Míticas: Especial Brian de Palma - Vestida para matar

 

    Tenía preparado un ciclo de películas de DC pero el retraso del estreno de “Wonder woman 1984” eliminaba la excusa. Así que preparé uno sobre el whodunit con el pretexto del estreno del remake de “Muerte en el Nilo”, pero también ha sido retrasado. Ambas se “supone” que podremos verlas en diciembre, aunque no es ni mucho menos seguro visto cómo va está maldita pandemia.
 

 

 

    Así que me he decantado por hacer un ciclo sobre lo que me apetezca sin atender a la inestable actualidad cinematográfica. Y viendo por casualidad que esté mes de octubre se cumplen 36 años del estreno de “Doble cuerpo”, que mejor que dedicar el mes a uno de mis directores favoritos de todos los tiempos, Brian de Palma. Aunque ya en otros ciclos temáticos he incluido películas suyas como “Los intocables”, “El precio del poder”, “Misión imposible” o la que considero su mejor película, “Carrie”.

 

 

    Por eso esta vez vamos a centrarnos en su faceta más característica, la del thriller de suspense, aunque De Palma siempre ha utilizado muchos mecanismos del terror, más concretamente del giallo y el slasher. Y no es ningún secreto que su máxima inspiración siempre ha sido el cine de Alfred Hitchcock.

 

 

    Lo que le ha valido la acusación de estar plagiando constantemente al “maestro del suspense”. Aquí tengo que hacer la misma aclaración que ya hice con Quentin Tarantino, acusado frecuentemente de lo mismo, en cuanto la diferencia entre plagio y homenaje. Plagio es cuando un director copia intentando que no se note el engaño. Pero cuando se hacen guiños a escenas tan sumamente icónicas que cualquiera se daría cuenta, lo que se está haciendo es homenajear.

 

 

    Éste es el caso de “Vestida para matar”, que homenajea hasta en tres veces a “Psicosis”. La primera es matando a su estrella a la media hora de metraje cambiando la ducha de la película de Hitchcock por un ascensor y el cuchillo por una navaja de afeitar. Aunque la propia ducha también se homenajearía en la escena final de la película. Otro guiño sería la escena en la que un psiquiatra explica el trastorno que sufre el asesino, que en ambas sería la doble personalidad.

 

 

    No obstante, el origen de la historia viene de otra parte. De Palma tenía intención de adaptar “A la caza”, pero que terminó dirigiendo William Friedkin. Pues dos subtramas que el director italoamericano pensaba incluir en ella fueron la base para "Vestida para matar". Pero además, hay mucho de autobiográfico en la película, como lo de ir a ligar a museos, las visitas al psiquiatra o su obsesión por la tecnología.

 

 

    Además repetía ciertas escenas puramente suyas. Aparte de hacer uso de lo que es uno de los signos más identificativos de su cine, la pantalla partida (también del de Hitchcock pero que no aparece precisamente en "Psicosis"), la escena de la ducha que abre la película, donde la protagonista fantasea con una violación, lo que le valió no pocas críticas, tiene similitudes con la que abre "Carrie", con desnudos explícitos ambas. Al igual que el despertar del sueño final recuerda al de Amy Irving  también en "Carrie". Por no mencionar la gran carga erótica, lo que se puede apreciar en el affair en el taxi, la secuencia de seducción con lencería negra, la forma de desvestir a la enfermera, . . .

 

 

    Su estrella era Angie Dickinson, estrella veterana ya, con casi treinta años de carrera a sus espaldas en aquel 1980, que había trabajado con directores como Howard Hawks, Samuel Fuller, John Boorman, Sidney Pollack o Gus Van Sant pero que era mayormente conocida por su papel en la serie "La mujer policía", primera vez que una mujer era protagonista en el género policíaco, que fue un precedente de lo que serían "Los ángeles de Charlie".

 

 

    La acompañaban Nancy Allen, con la que De Palma se había casado un años antes y que ha había aparecido en "Carrie", al igual que después lo haría en "Impacto", más o menos hasta que se acabó su matrimonio en 1984. Y Michael Caine, aunque primero se pensó en Sean Connery que, aunque estaba interesado, tuvo que negarse por problemas de agenda. Caine está en pantalla menos de lo que se cree porque solo una de la veces en que se viste de mujer es el propio actor, la del final. Todas las otras veces fue la actriz Susanna Clemm. Resulta que Michael Caine no se sentía muy cómodo travestido, no fuera que le gustara.

 

 

    La película tuvo buenas críticas en general, donde algunos le acusaron de copiar a Hitchcock y otros sostenían que merecía incluso la comparación con él en cuanto a talento. Costó 6 millones de dólares y recaudó 31 en taquilla. Personalmente es de mis favoritas, puede que la mejor tras "Carrie", exceptuando la tripleta de gangsters ("El precio del poder", "Los intocables de Elliot Ness", "Atrapado por su pasado"), aunque no la considero ni mucho menos una obra maestra porque hay que reconocer que es bastante tramposa.

 

Cobra Kai

 

    FICHA TÉCNICA

Título: Cobra Kai.

Dirección: Josh Heald (Creador), Jon Hurwitz (Creador), Hayden Schlossberg (Creador), Jon Hurwitz, Josh Heald, Hayden Schlossberg, Jennifer Celotta, Steve Pink, Michael Grossman, Lin Oeding.

País: Estados Unidos.

Año: 2018.

Duración: 30 min (2 temporadas de 10 episodios).

Género: Comedia. Acción.

Interpretación: William Zabka, Ralph Macchio, Courtney Henggeler, Xolo Maridueña, Tanner Buchanan, Mary Mouser, Jacob Bertrand, Gianni Decenzo, Martin Kove, Nichole Brown, Vanessa Rubio, Rose Bianco, Hannah Kepple, Griffin Santopietro, Diora Baird, Randee Heller, Ed Asner, Dan Ahdoot, Bret Ernst, Joe Seo, Annalisa Cochrane, Kwajalyn Brown, Bo Mitchell, Jonathan Mercedes, Owen Morgan, Ken Davitian, Candace Moon, Vas Sanchez, Peyton List, Paul Walter Hauser, Aedin Mincks, Khalil Everage, Nathaniel Oh, David Shatraw, Kim Fields, Rob Garrison, Ron Thomas, Tony O'Dell, Cameron Markeles.

Guion: Josh Heald, Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg, Stacey Harman, Luan Thomas, Michael Jonathan Smith (Personajes: Robert Mark Kamen)

Producción: Will Smith, Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg, Josh Heald, James Lassiter, Caleeb Pinkett.

Música: Leo Birenberg, Zach Robinson.

Fotografía: Cameron Duncan, Paul Varrieur, D. Gregor Hagey.

Distribuidora: YouTube Red, Netflix.

    CRÍTICA

    SINOPSIS: Treinta años después de la derrota en el campeonato de All Valley, Johnny Lawrence se encuentra en una etapa desastrosa de su vida. Pero al ayudar a un chico que sufre bullying, despierta en él sentimientos pasados y decide reabrir Cobra Kai, lo que desata de nuevo la rivalidad con Daniel LaRusso.

    LO MEJOR: Para nada voy a decir que es una de las mejores series del año porque francamente no lo es. Pero sí que es una de las que más rápido he consumido porque es sumamente adictiva, y la duración de media hora por episodio ayuda a ello. Si, es nostálgica y apela descaradamente nuestro corazoncito. No lo esconde ni le importa. De hecho, los flashback a la saga de películas son constantes. Y, aunque se desarrolla en la actualidad, la apuesta por el tono ochentero, apoyado por gran cantidad de canciones de la época acompañando, es total. No solo recurre a la nostalgia sino que hace de ella su bandera, por lo que es sincera y no pretende engañar a nadie. Es más, tiene méritos propios y lecturas en los que supera a las películas. Que tampoco es que “Karate kid” fuera “Rocky”. Era un producto de entretenimiento juvenil. Pero la serie se decanta por una inversión en el protagonismo. Aunque intenta mantener un paralelismo a este respecto, es bastante evidente que dramáticamente la balanza se decanta de que fue el villano haciendo un retrato de un perdedor, inadaptado, bruto, inculto, atrapado en el pasado, que tiene una historia detrás que no conocíamos. Pero además trata aspectos del bullying mostrado en la película original desde otro ángulo más interesante, como la transformación del acosado en acosador.

    Interpretación: Como decía, aunque se intenta que haya un protagonismo bicéfalo y Ralph Macchio está muy bien, esta vez es William Zabka el verdadero puntal de la serie y es con él en pantalla cuando mejora. Se gana el espectador mediante el carisma de un personaje que antaño no lo tenía y eso tiene mérito. Hay que recordar que Macchio, fuera de la saga “Karate kid” y de su participación en “Rebeldes”, no ha tenido demasiado éxito. Se repesca a otros antiguos personajes aunque casi como invitados. Salvo Martín Kove (Kreese) que si tiene gran importancia.

    Escena (SPOILERS!!): El final de la primera temporada es casi un revival del final de la primera película con otro campeonato pero con resultado al revés. Pero supone el inicio del cambio de mentalidad de Lawrence (Zebka) y eso da mucho juego en la segunda temporada. De todos modos, es cuando ambos personajes se juntan cuando se ve que tienen más cosas en común de lo que parece. El último episodio es un momento doloroso e injusto para Lawrence, que vuelva a ser cruelmente castigado. Pero abre una posibilidad interesante, la posible vuelta de Ally ( Elisabeth Shue), que casualmente es cirujana y eso no está puesto ahí porque si, teniendo en cuenta que su alumno está en el hospital pendiendo de un hilo.

    LO PEOR: Da la sensación que en un principio no se lo tomaron demasiado en serio. Hay algunas situaciones tan ridículas que solo se explican desde el plano de la comedia. Y eso tampoco es que sea malo. Pero si el guion estuviera más pulido, el mensaje sería más sutil.

    CITAS: “El dolor no existe en este dojo”. “Pegar primero. Pegar duro. Sin piedad”. “Ésto solo es pintura negra en una pared blanca”. “Estrictamente hablando le pateé la cara”. “No sé que te ha contado pero no creas nada de lo que te ha dicho este tío o acabarás como él”. “Te enseñaré a despertar la serpiente que hay en tu interior”. “La pelea termina cuando tú lo decides”. “No te enseñé a pelear así”.

    REFERENCIAS: Se ha vendido como un spin-off de la saga “Karate kid” pero es claramente una secuela. Aunque la idea para la serie surge de una broma en la serie “Como conocí a vuestra madre” dónde ambos actores fueron invitados para una escena de un episodio y se comenta que el verdadero karate kid era Johnny Lawrence. Y se lanzaron a hacer la serie que circuló por YouTube durante dos años, hasta que Netflix la ha acogido, doblado y promocionado.

    CONCLUSIÓN: 7. No solo no esconde su apelación a la nostalgia sino que la toma por bandera. Pero si hay novedades interesantes, como la inversión del protagonismo (no tanto de los roles) y una lectura más profunda del bullying y de como el acosado puede convertirse en acosador.

Música de Película: Antebellum

 

 

    Roman GianArthur Irvin y Nate 'Rocket' Wonder son dos músicos y productores vinculados a la cantante pero también protagonista de la película, Janelle Monaé. Imagino que eso habrá influido en su elección. Aunque sinceramente no los conocía hasta ahora. Pero han conformado una banda sonora muy interesante, especialmente con su potente tema central dominado por los violines.

   

 

 

 

Tema: Opening.

Película: Antebellum.

Intérprete o compositor: Roman GianArthur Irvin, Nate 'Rocket' Wonder.

Escenas Míticas: Especial Espionaje - Enemigo público

 

 

    Han pasado más de veinte años y curiosamente varios temas de los planteados en esta película allá por 1998, están, no solo vigentes todavía, sino más de actualidad que nunca. Y eso que en el momento de su estreno prácticamente se la podía considerar, y así lo definieron algunos críticos, como ciencia-ficción.

   Porque aquello que se calificó como inverisimil, de que la gente pudiera ser espiada mediante satélites, cámaras, micrófonos, se tomó como fantasioso y hoy es un riesgo totalmente real, dos décadas después, que a esos dispositivos hemos añadido el más eficaz y que, para colmo, llevamos de forma complatamente voluntaria, los móviles.

   Hoy en día, gran parte de la población recela de las aplicaciones para controlar los contagios del Covid-19 e incluso de las propias vacunas, sospechando conspiraciones como que nos van a implantar chips para espiarnos. Algo paradójico porque, sin embargo, no se tiene problemas para envejecer e incluso camabiar de sexo nuestros rostros en imágenes que nosotros mismos les proporcionamos, aceptando todas sus condiciones sin leer de esas apps.

 

   A finales de los noventa, internet apenas estaba desarrollando lo que es ahora. No existían las redes sociales, y la invasión de nuestra privacidad parecía que tenía que venir de cotas más altas, de servicios secretos gubernamentales, escudándose en la seguridad nacional. Pero ahora, esa invasión puede venir de cualquier parte y encima le damos nuestro consentimiento.

   Pero hablemos de la película. concretamente de su director. Tony Scott, tristemente fallecido en 2012, y durante toda su carrera a la sombra de su hermano Ridley, aunque parece que eso no provocaba recelos en él. Pero no debe ser fácil tener un hermano que haya firmado obras maestras del cine como "Alien, el octavo pasajero" y "Blade Runner".

   Sin embargo, personalmente siempre he considerado a Tony Scott un seguro de entretenimiento sumamente eficaz. Si, con un estilo más puramente comercial, repleto de montajes desenfrenados (a veces cercanos al videoclip) y primeros planos, pero que sabía crear tensión y montar un producto muy atractivo para el espectador.

   Solo en la década de los noventa, aparte de la que hoy comentamos, su aportación al género de acción fue más que generosa, con títulos como "El último boyscout", "Marea roja", "Fanático" y "Amor a quemarropa" (con guion de Quentin Tarantino), que tampoco tuvieron malas críticas y funcionaron perfectamente en taquilla. "Enemigo público" costó 90 millones de dólares y recaudó 250, por ejemplo. 

 

   El reparto lo encabezaba Will Smith, aunque optaron al papel Mel Gibson, Tom Cruise y George Clooney. Se eligió a Smith que venía de cosechar varios éxitos de taquilla consecutivos con "Dos policías rebeldes", "Independence day" y "Men in black". Le acompañaba Gene Hackman (se había pensado en Sean Connery), con el que Scott había trabajado recientemente en "Marea roja", y cuyo personaje casi era un guiño al interpretado en la película de Coppola, "La conversación".

 

 

   El resto del reparto estaba plagado de nombres conocidos como Jon Voight, 

 Tom Sizemore, Lisa Bonet, Regina King, Gabriel Byrne, Stuart Wilson, Jason Lee, Jack Black e incluso Jason Robards. Eso si, con papeles más bien cortos. Todo para un thriller trepidante típicamente noventero y muy efectivo.

Mulan

 

 

    FICHA TÉCNICA

Título: Mulan.

Dirección: Niki Caro.

País: Estados Unidos.

Año: 2020.

Duración: 120 min.

Género: Aventuras, acción, bélico.

Interpretación: Liu Yifei, Donnie Yen, Gong Li, Jet Li, Jason Scott Lee, Rosalind Chao, Utkarsh Ambudkar, Tzi Ma, Yoson An, Doua Moua, Jimmy Wong, Ron Yuan, Chen Tang, Roger Yuan, Cheng Pei-Pei, Xana Tang, Nelson Lee, Jen Sung, Arka Das, Jenson Cheng, Chum Ehelepola, King Lau, Kenneth De Abrew, R.J. O'Young, Owen Kwong.

Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek, Elizabeth Martin.

Producción:Jason Reed, Chris Bender, Jake Weiner.

Música: Harry Gregson-Williams.

Fotografía: Mandy Walker.

Distribuidora: Walt Disney Pictures.

    CRÍTICA

    SINOPSIS: Para defenderse de la amenaza de las tropas invasoras procedentes del norte, el emperador de China decreta que todas las familias deben aportar un hombre al Ejército Imperial. Mulan decide ocupar el lugar de su padre, guerrero condecorado pero enfermo, y hacerse pasar por un hombre.

    LO MEJOR: Lo más destacado, al menos lo más llamativo, es como se ha trabajado concienzudamente en dar una fidelidad a la versión animada en cuanto a lo visual. La labor de ambientación para llevarla al campo del live-action, a la imagen real, es verdaderamente impresionante. Tanto los escenarios como el vestuario, y en general todo el diseño de producción están especialmente cuidados. Los colores, la fotografía, todo recuerda la sensación visual de la película original. Pero personalmente, cuando más he disfrutado es en sus escenas de acción que es cuando más se aproxima al tan distintivo género chino del .wuxia. Y nos poblan la pantalla de abundantes combates con cables, con unas coreografías realmente espectaculares para adornar un puñado de momentos de épica. Por cierto que creo que nunca había visto morir tanta gente en una película tan puramente de Disney. Aunque ésto tiene un pero que después señalaré. En cuanto al alegato feminista tampoco me ha sorprendido, Mulán siempre ha sido un personaje descaradamente representativo del empoderamiento femenino. Solo que en esta época queda como más subrayado.

    Interpretación: La protagonista está mejor de lo que esperaba. Liu Yifei es consciente de lo que demanda su personaje y ella se lo da. No es que sea brillante pero cumple bien. Claro que palidece cómo lo hace cualquiera que comparte encuadre con ella cuando está Gong Li en él. Cuenta con tres actores casi leyendas del cine asiático y de las artes marciales, como son Jason Scott Lee (que ya interpretó nada menos que a “Dragón, la historia de Bruce Lee”), Donnie Yen y Jet Li. Scott Lee si cumple como villano. Pero ¿para que traer a los otros dos si no los vas a hacer luchar?

    Escena (SPOILERS!!): La parte del adiestramiento tiene momento curiosos, incluso cómicos, con Mulan escondiendo sus condición de mujer. Pero donde destaca la película es en los combates, como la batalla, el alud o la pelea final. Aunque tiene momentos un tanto absurdos. El personaje de Gong Le se deja matar. Es de largo el personaje más poderoso de la historia, bastante capaz de acabar con el de Jason Scott Lee ella solita, bastante más que Mulan. Tiene varias oportunidades. Pero muere ridículamente recibiendo una flecha destinada a ella. Una casi diosa que puede transformarse en animales y convocarlos y tal.

    LO PEOR: Si vas a matar a tanta gente en pantalla no se puede creer que no haya absolutamente nada de sangre. No puede ser que la batalla haya personajes matando enemigos a diestro y siniestro y la hoja de su espada reluce como si nunca la hubieran usado. Ya sé que es Disney pero si vas a jugar a ésto, al menos dale algo de realismo. No pido decapitaciones y chorros de sangre, solo un poco, aunque sea de modo comedido. Y un mensaje para la directora, Niki Caro, si pones la cámara un metro más atrás, las peleas se ven mejor.

    CITAS: “El ave fénix se sienta a la derecha del emperador. Es su guardiana, su protectora. Es a la vez hermosa y fuerte”. “Tu deber es honrar a tu familia”. “Debemos ser fuertes. Esta vez no regresará”. “Tu entusiasmo es evidente pero hay algo que te retiene”. “Cuando descubran quien eres no tendrán compasión”

    REFERENCIAS: Pues aparte de la puesta en imagen real del clásico animado del mismo nombre, recuerda a películas como “Tigre y dragón” o “La casa de las dagas voladoras”.

    CONCLUSIÓN: 6. Muy espectacular en todo lo relativo a lo visual, desde su diseño de producción, fotografía, vestuario, . . hasta sus llamativas coreografías y sus batallas, aunque se queda a medio camino en lo que parecía proponer.

 

Microcríticas Express: The babysitter/Snatchers/The babysitter 2, Reina letal

 

 

   Me lo he pasado bomba. Y se nota que el reparto tres cuartos de los mismo. Me ha parecido muy divertida. Una especie de "Solo en casa" versión para adultos. McG (“Los ángeles de Charlie”, “Terminator salvation”) dirige y resulta que cuando no tiene la presión de una gran productora es capaz de sacarse de la manga una gamberrada como ésta, repleta de humor negro, muchísima sangre y un aire ochentero que entretiene y divierte. De hecho, claramente este hombre tiene más vocación por la comedia que por la acción, eso si, cuando le dejan desbarrar a gusto. Genial la protagonista Samara Weaving, tanto como canguro bombón tía guay y como malísima psicópata. Esta chica es una especialista en esta clase de papeles y ojo, no todas las actrices destilan esta frescura y se mueven tan bien en estos roles. Aquí hay algo más, talento. No sé a que esperan para hacerla una heroína de acción. 6’5.

 

 

   ¿A que el cartel sugiere que es una película bastante tonta? Es que lo es. Así que desde el propio poster publicitario se quiere ser sincero y no engañar a nadie. Su argumento es absurdo, va de una chica que al día siguiente de haber mantenido relaciones sexuales, está embarazada, pero ya directamente se levanta con un bombo que parece que el niño va a nacer con la comunión hecha. Es más, igual es el parto más brutal que he visto en una película, y rápido. A partir de ahí es un desmadre de burradas y sangre. Porque esa es otra, no se corta en lo más mínimo con ese tema. Alguna masacre y eso. Constantemente se está riendo de si misma y no esconde todas las referencias que coge prestadas de otras películas de “bichos”. Al parecer es el spin off de una serie que a su vez se basa en un corto de los mismos directores que después desarrollaron dicha serie y luego la película, así que le están sacando bastante rendimiento a una idea que empezó con un corto de seis minutos. Como encima hagan secuelas ya me parto. El caso es que no me he aburrido en ningún momento porque a lo tonto me ha resultado muy entretenida y divertida, y no lo esperaba. 5’5.

 

 

   No le tenía fé, a pesar de que la primera me ha gustado mucho y ha sido una total sorpresa. Pero claro, la otra contaba con el carisma de una actriz que se echaba la película a las espaldas y que aquí hace poco más que un cameo, Samara Weaving. Pero recuperaba al resto del reparto, que tampoco es que fuera una maravilla, y McG volvía a dirigir, y este tío cuando está desatado, le salen unas comedias muy gamberras. El resultado es inferior a la primera pero nuevamente muy divertido. Que nadie se fije en el guion porque parece que lo han hecho en un bar y ya bastante cargados de alcohol. Prácticamente es una sucesión de sketches que incluso parodia a la película anterior, a si misma y al género de terror teen. Me hubiera gustado estar en el rodaje porque se lo han debido pasar bomba. Es más burra, más sangrienta y también más sin sentido que la primera pero me he echado una risas que esas no me las quita nadie, por muy absurda que sea. 5’5.

Greyhound

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: Greyhound.

Dirección: Aaron Schneider.

País: Estados Unidos.

Año: 2020.

Duración: 92 min.

Género: Bélico.

Interpretación: Tom Hanks, Elisabeth Shue, Stephen Graham, Rob Morgan, Manuel García-Rulfo, Lee Norris, Karl Glusman, Tom Brittney, Alex Kramer, Jimi Stanton, Joseph Poliquin, Bill Martin Williams, Matthew Zuk, Devin Druid, Grayson Russell, Dave Randolph-Mayhem Davis, Michael Benz, David Maldonado, Adam Aalderks, Casey Bond, Jesse Gallegos, Parker Wierling, Maximilian Osinski, Craig Tate, Ian James Corlett, Stephan Goldbach, Jake Ventimiglia, John Frederick, Travis Quentin Young, Michael Carollo.

Guion: Tom Hanks (Novela: C.S. Forester).

Producción: Gary Goetzman, Tom Hanks.

Música: Blake Neely.

Fotografía: Shelly Johnson.

Distribuidora: Sony Pictures Entertainment.

    CRÍTICA

    SINOPSIS: Durante la Segunda Guerra Mundial, los convoys norteamericanos, para cruzar el Atlántico, quedaban expuestos a los submarinos alemanes, al quedarse sin cobertura aérea durante varios días. Para defenderse, llevaban varios barcos de combate escoltándolos.

    LO MEJOR: Todavía hay gente que va de viaje junto a Tom Hanks a pesar de lo moviditas que son las travesías con él. Aquí vuelve a ocurrir. Esta vez contando una parte poco conocida de la Segunda Guerra Mundial y homenajeando la labor de los buques de escolta que llevaban las flotas de suministros para defenderse de los submarinos alemanes cuando no gozaban de la cobertura aérea necesaria. De hecho, la mayoría de las batallas navales se enfocan desde el punto de vista de los integrantes de los submarinos, lo que casi ha constituido un subgénero en sí mismo. Pues aquí está tratado justo desde el ángulo contrario. Y no era nada fácil hacerla interesante desde el tema visual, por qué un barco no puede hacer virajes espectaculares ni acrobacias. Pero lo es, hasta el punto que es una pena que sea uno de los títulos que no hemos perdido en una sala de cine. Una película de tan solo hora y media, gracias a que prescinde de cualquier clase de relleno (o casi), lo que hace que el ritmo sea bastante alto, prácticamente sin dar tregua al espectador, manteniendo la tensión constante, y haciendo de un gran sentido del realismo una de sus principales armas. Lo más curioso es que el guion es del propio Tom Hanks, y se apaña muy bien con gran cantidad de términos técnicos navales.

    Interpretación: No voy a venir yo a descubrir a Tom Hanks porque probablemente esté entre los cinco mejores de los últimos treinta años. Y si, aquí vuelve a estar sensacional. Solo le falta hacer de villano alguna vez. El problema es que tampoco hay ningún otro actor que el ejerza de contrapeso, porque aunque Stephen Graham es, como siempre, un buen secundario, tiene poco peso. Lo de Elisabeth Shue casi no merece ni mención. Tan solo una escena, la inicial, y ella está fría como el hielo. Es una película para el lucimiento de Hanks.

    Escena (SPOILERS!!): El primer combate naval contra el submarino, que es casi a continuación del prólogo, es tan emocionante que uno no puede creer que no sea el final. Pero claro, es que quedaban muchas escaramuzas. Como todas las tropelías de los submarinos durante la noche, atacando desde los flancos como lobos. En uno de los pocos momentos de descanso, el capitán se da cuenta de que su cocinero ha sido sustituido. Es que ha muerto en uno de los ataques. Esta escena ejerce de contrapunto dramático a tanta acción y significa que entre tanta vorágine está muriendo gente. Seguramente la escena más emocionante es como mediante las indicaciones del capitán consiguen esquivar dos torpedos de forma casi milagrosa.

    LO PEOR: Entiendo que la escena del prólogo se incluya para situar el protagonista sentimentalmente pero lo cierto es que aporta poco o nada, y además no pega con el tono del resto de la película. Por otro lado, y casi era evitable, a veces cuesta saber dónde están los barcos, es un poco caótica en ese sentido.

    CITAS: “Los llevaremos al infierno desde lo alto”. “Te estoy buscando. Aunque estemos a miles de kilómetros de distancia”. “Estará fuera del alcance aéreo durante los próximos cinco días”. “La manda de lobos nos está cazando”. “Lo que hiciste ayer nos ha llevado hasta hoy”.

    REFERENCIAS: Es Tom Hanks quien adapta la novela de 1955, “El buen pastor”, de C.S. Forester. Cinematográficamente es como “Marea roja” o “El submarino”, pero desde el punto opuesto, el barco de arriba. Tampoco tiene nada que ver con películas como “Midway”.

    CONCLUSIÓN: 7. Una parte poco conocida de la Segunda Guerra Mundial, dándole la vuelta a las batallas navales contra submarinos en una historia con gran ritmo, tensión y realismo, escrita por el propio Tom Hanks.

 

 

Escenas Míticas: Especial Espionaje - Con la muerte en los talones

 

 

    He aquí una de esas películas clásicas inolvidables y mejor calificadas de la filmografía de su director, Alfred Hitchcock. No en vano forma parte de la AFI Top10, es decir, una de las 10 mejores películas en un género, concretamente en el de misterio. Además de ser considerada de interés cultural, histórico, y estéticamente significativo por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

   

 

   Hitchcock llegaba en uno de los mejores momentos de su carrera, alternando episodios de su famosa serie de suspense, “Alfred Hitchcock presenta” con sus películas. Concretamente a ésta la preceden dos títulos muy importantes en su filmografía como son “El hombre que sabía demasiado” y “Vértigo”, que tienen algunas similitudes con “Con la muerte en los talones”.

 

   Aunque personalmente son sus dos siguientes películas las que considero mis favoritas de este mago del suspense, que son “Psicosis”, por ser una de las mejores películas de terror de toda la historia del cine y una de las precursoras del slasher. Y “Los pájaros”, una monster movie a su modo.

 

 

   El reparto es de auténticas campanillas. Como protagonista un Cary Grant al que Hitchcock consideraba básico para el personaje, después de haber trabajado con él en otros dos proyectos anteriores como “Sospecha” y “Atrapa a un ladrón”, pero al que tuvo que convencer ante la negativa inicial de Grant que tras leer un guion con tanta acción se consideraba mayor para el papel.

 

 

   Tras cambiar de opinión, se completó el reparto con Eva Marie Saint, prototipo de actriz que le gustaba el director británico que puede verse en varias de sus películas. Saint sería recordada también por su siguiente película, “Éxodo”. Hay una anécdota al respecto, tras comprobar Hitchcock que el vestuario de la actriz no tenía el nivel adecuado, se la llevó de compras para que ella misma eligiera sus vestidos. Y la factura fue astronómica.

 

   En los papeles secundarios pero muy importantes en la trama estaban James Mason y Martín Landau. Este último llegó a molestarse con el cineasta por mantener reuniones con los demás integrantes del elenco menos con él. Al preguntarle Landau si había algún problema con él, contestó que no y que precisamente no se reunía con él, porque todo lo hacía perfecto.

 

 

   La idea para la película no salió de la mente de los guionistas sino que fue inspirada en un hecho real ocurrido durante Segunda Guerra Mundial dónde varias secretarías con las que contaba la embajada británica en Oriente Medio inventaron la existencia de un agente secreto para despistar a los espías alemanes.

 

 

   Hitchcock pidió por activa y por pasiva rodar en el monte Rushmore, a lo que recibió sendas negativas por ser un monumento de interés cultural y proteger su integridad del rodaje. Por lo que tuvo que construir una réplica. Sin embargo, tras la también negativa de la ONU de rodar en sus instalaciones, Hitchcock coló varias personas en éstas con cámaras ocultas, al más puro estilo de espías.

 

 

   Sin duda una de sus mejores películas, repleta de escenas icónicas como la de la avioneta o en monte Rushmore. Qué es puro cine de evasión pero de calidad, tremendamente entretenida y muy divertida (tiene mucho sentido del humor). Con tres nominaciones Oscars (guion, dirección y montaje). Costó 4 millones de dólares y recaudó 10.

 

 

Antebellum

 

    FICHA TÉCNICA  

 

Título: Antebellum 

 Dirección: Gerard Bush, Christopher Renz  

País: Estados Unidos.  

Año: 2020.  

Duración: 105 min.  

Género: Intriga, thriller, terror.  

Interpretación: Janelle Monáe, Kiersey Clemons, Jena Malone, Jack Huston, Eric Lange, Gabourey Sidibe, Robert Aramayo, Lily Cowles, Marque Richardson, Devyn A. Tyler, Choppy Guillotte, Tongayi Chirisa, Caroline Cole, T.C. Matherne, Todd Voltz, Dayna Schaaf, Betsy Borrego, Grace Junot, Chelsea Cierria Davis, Kimani Bradley, Christine VonRobarie, Arabella Landrum, Achok Majak, Bill Martin Williams, Bernard Hocke, Geraldine Glenn, Lyle Brocato, London Boyce, Trula M. Marcus  

Guion: Gerard Bush, Christopher Renz  

Producción: Zev Forman, Raymond Mansfield, Sean McKittrick, Lezlie Wills.  

Música: Roman GianArthur Irvin, Nate 'Rocket' Wonder. 

Fotografía: Pedro Luque.  

Distribuidora: Lionsgate.  

  

 CRÍTICA 

 

 SINOPSIS: Una mujer negra se encuentra atrapada en una situación desesperada. Está esclavizada en una plantación de algodón al cargo de una serie de oficiales confederados. Pero ni todo es lo que parece ni siempre fue así. Por lo que planea escapar de allí.  

   LO MEJOR: Muchos caerán en el oportunismo de calificarla como oportunista a tenor del tema que trata y el momento que vive el país de las barras y estrellas en cuanto a disturbios derivados de las protestas por las graves agresiones policiales contra el colectivo afroamericano. Pero hagan sus cuentas, la película no se produjo en los últimos seis meses, ya estaba hecha antes de que la cosa explotara. Y es que ésta pone el dedo en la llaga señalando el pecado original de la sociedad norteamericana cuando cierta parte del país (los estados del sur) decidió esclavizar a unas personas porque tenían la piel de otro color. Así que al señor Trump le habrá "encantado". Pero la gracia del film está en como está contado, o más bien, como lo han montado, porque el montaje es vital, llevando a cabo un “mid point” (punto de inflexión a la mitad) de los que hacen época (nunca mejor dicho), jugando a ser dos tramas diferentes unidas de forma onírica. Lo interesante es que ambas funcionan. La primera está tan bien ambientada, es tan convincente su puesta en escena, que cuando llega el gran giro te deja totalmente descolocado. Para ello hace uso de varios géneros, yendo desde el drama de corte histórico hasta el survival con tintes de terror. Es ahí donde se nota la mano de Jordan Peele, aparte de la reivindicación antiracista. Pero me apunto el nombre de los directores, Gerard Bush y Christopher Renz. Si hacen ésto en su ópera prima habrá que poner atención a lo siguiente. Y ojo al tema principal de la banda sonora.  

   Interpretación: Aunque venga del mundo de la canción, todas sus intervenciones en el cine me han convencido. Aquí es la primera vez que veo a Janelle Monáe como protagonista absoluta. Ella lleva todo el peso. Ella es la película. Aunque no hay que perderse a los villanos de la función. Jena Malone logra ser odiosa, y últimamente parece aficionarse a ese rol. Y Jack Huston, al que no considero para nada un buen actor, pero es que este papel le viene al pelo.  

   Escena (SPOILERS!!): Vamos directamente al lío y explicar la historia. Esa mariposa que aparece tanto en el cartel como en varias escenas de la película alude al efecto mariposa generado por la acción reivindicativa de denuncia, su discurso antiracista y feminista como figura pública en el “presente”, lo que produce un movimiento o agita uno ya establecido de rechazo llevándola al “pasado”, en una involución histórica a la época en que los negros eran esclavizados por los confederados. ¿Como lo hace? En un principio nos hace creer que toda la parte de la plantación de algodón es un sueño de ella, que para colmo es escritora, que todo está en su cabeza y sale a relucir cuando duerme. Pensamos ésto porque vincula ambas parte mediante el despertar de ella una mañana. También porque nos mezcla, a medida que avanza, imágenes que podrían pertenecer a ambos segmentos, como el carruaje, los dibujos de la hija, el avión, los ejercicios de gimnasia, el sonido de los móviles, lo que provoca que creamos que está mezclándose la realidad con las alucinaciones. Pero no es así. Simplemente todo el primer acto ha pasado después del segundo, tras ser secuestrada y llevada a una especie de recreación de una plantación de algodón de antes de la guerra de Sucesión. Vamos que se marcan un “El bosque”. 

  LO PEOR: El mensaje de denuncia está demasiado subrayado en los diálogos. Es innecesario que nos remarquen tanto que es o que pretenden decirnos. Me sobran todos los discursos de la segunda parte. Un poco de sutileza habría venido de perlas. Curiosamente funciona mejor el mensaje en la primera parte cuando el diálogo es más escueto.  

   CITAS: “Somos los descendientes de los dioses. Esta tierra siempre ha sido nuestra”. “Estamos en ninguna parte y en todas partes”. “Tú no eres como los demás”. “Todo lo que erais antes se acabó”. “Está prohibido hablar entre vosotros, si no hay un blanco delante”.     

   REFERENCIAS: La más importante la he tenido que mencionar en el apartado Escenas porque hacerlo aquí sería hacer un spoiler como una catedral. Pero esa mezcla de denuncia social con el género de terror es muy de las dos películas de Jordan Peele, “Déjame salir” y “Nosotros”.  

  CONCLUSIÓN: 7. Cine de denuncia que viene al pelo en estos tiempos de problemas de racismo en los Estados Unidos, pero que formalmente es muy interesante como está contada y habrá que apuntar los nombres de sus directores.