Escenas Míticas: Terror racial - Candyman (2021)

 

   Siguió la moda implantada en otras sagas, como la de “Halloween”, de saltarse las secuelas anteriores y realizar una secuela directa, porque ésto no es un remake como muchos creyeron, de la primera, que a la vez funcionara como reboot y reinicio de una franquicia que probablemente no se vaya a dar a juzgar por los resultados de la opinión del público.

   No los de taquilla, que en este aspecto no fueron mal. La película costó 22 millones de dólares y recaudó 77 en las salas de cine, y eso que tuvo varios retrasos el estreno a causa de la pandemia y fue una de las primeras en estrenarse tras el confinamiento. Pero, como ya le pasó a la original, es una película que tiene mejores notas por parte de la crítica profesional que de los espectadores.

   En gran parte por uno de los grandes males del cine moderno, las expectativas. La gente iba pensando que se encontraría un festival de sangre y gore y lo que se encontró fue otra cosa. Una labor de dirección más cuidada en cuanto a la puesta en escena, más insinuada y menos explícita, buscando generar más suspense que terror puro.

   Algo que ya venía bastante marcado desde el guion coescrito por el propio Jordan Peele, que además la produce. Y si no la dirigió fue por problemas de agenda, por lo que esta película encaja a la perfección en este ciclo. Porque la mano de Peele se nota especialmente en el afán de darle una connotación de crítica social al asunto y más concretamente en el ámbito racial.

   La idea era utilizar la figura de Candyman, que ya en la primera película tenía una visión racial, habiendo sido víctima de un apaleamiento popular por racismo, como emblema del vengador justiciero por todos los agravios de detenciones injustificadas y brutalidad policial, haciéndose eco del clima de escándalos policiales sobre la raza negra en los Estados Unidos.

   De tal manera que varias personas podían meterse bajo la apariencia de Candyman. Y en este caso un nuevo Candyman se va fraguando en el personaje interpretado por Yahya Abdul-Meteen II. Fue considerado como protagonista Lakeith Starfield, que conocía a Peele de “Déjame salir” y era un fan de Candyman.

   Pero estaba pensado no para ser el nuevo Candyman sino un personaje similar al de Virginia Madsen en la primera película, cosa que finalmente no se da. Madsen que no llegó a aparecer en ésta ni como cameo. Si lo hizo Tony Todd, actor conocido precisamente por interpretar a Daniel Robitaille y a la postre el Candyman de las tres películas anteriores.

   El reparto lo completaban Colman Domingo, conocido por la serie spin-off “Fear the walking dead” y Teyonah Parris. Esta última repetirá en la próxima película de la directora negra Nía DaCosta, “The Marvels”, secuela de “Capitana Marvel” que se espera para el próximo año 2023. Anteriormente solo tenía una película “Little Woods”, un western protagonizado por mujeres.

   La historia está basada en el cuento “Lo prohibido “, escrito por Clive Barker, que fue adaptado en 1992 por Bernard Rose, que además dirigía. Tuvo dos secuelas, “Candyman 2” y “Candyman 3, el día de los muertos”, todos con Tony Todd, pero bastante inferiores a la primera.

Nop

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Nop.
Dirección: Jordan Peele.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 130 min.
Género: Fantástico, terror.
Interpretación: Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Brandon Perea, Steven Yeun, Terry Notary, Donna Mills, Michael Wincott, Barbie Ferreira, Jennifer Lafleur, Ryan W. Garcia, Sophia Coto, Andrew Patrick Ralston, Conor Kowalski, Gloria Cole, Lincoln Lambert, Mark Casimir Dyniewicz, Griffin Fenady, Evan Shafran.
Guion: Jordan Peele.
Producción: Jordan Peele, Ian Cooper.
Música: Michael Abels.
Fotografía: Hoyte van Hoytema.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos hermanos poseen un rancho en California. En su entorno comienzan a ocurrir una serie de sucesos extraños. Su objetivo es captar pruebas para enseñárselo al mundo.

   LO MEJOR: Este Jordan Peele es la leche. Lo ha vuelto a hacer. Tres de tres. Tres películas con tramas totalmente distintas pero con un sello autoral propio evidente. Esta vez no tomando exclusivamente el género de terror sino mezclándolo con la ciencia-ficción, y si me apuras incluso con el western, porque tiene una ambientación muy de western, a veces potenciada por la música. De hecho, hay una sensación un tanto retro en la película pues la ciencia-ficción que propone recuerda a la de los años cincuenta o sesenta. Aunque las influencias en cuanto a puesta en escena son más modernas y serían un híbrido entre Steven Spielberg y Night Shyamalan. También en cuanto a que toma su tiempo para presentarnos a los personajes. No obstante, Peele no pierde su identidad y podemos ver elementos ya muy característicos de su cine. Como las metáforas, en este caso simbolizadas en una secuencia que no tiene nada que ver con la trama principal pero sirve para dar sentido al mensaje de la historia, que viene a ser un poco una crítica de la industria de entretenimiento y la arrogancia del ser humano a la hora de explotar ciertas cosas. Y no se puede decir más en ese sentido sin revelar más de lo debido. La otra característica de Peele es salpimentar la narración con humor negro.

   Interpretación: El reparto está genial al completo. Porque a Daniel Kaluuya ya le conocemos, de hecho, es la segunda vez que trabaja con Jordan Peele tras “Déjame salie”, pero a Keke Palmer no tanto y su concurso es apabulllante. También hay que resaltar las aportaciones secundarias como la de Steven Yeun, Brandon Perea y un impagable Michael Wincott.

   Escena (SPOILERS!!): Vamos directos al lío, a las escenas que hay que explicar. Lo primero es recalcar que aunque parezca que el tráiler revela demasiado, yo también lo pensé, la mayoría de las cosas que se ven en él no son lo que parecen. No hay un platillo sino una criatura viva alienígena, la mano que vemos bajo la mesa pertenece a un chimpancé, la cara de la mujer tapada por el velo es porque ha sido mutilada precisamente por él. Por cierto, inspirado en un hecho real. Es más, diría que la secuencia del ataque es la más terrorífica de toda la película. Pero, ¿que nos quiere decir? Que el ser humano no respeta ciertas fuerzas de la naturaleza. Creemos que podemos controlarlo todo, incluso a otros animales. Es lo que ocurre en esa escena, con gran dominio del fuera de plano por parte de Peele, que asustan al animal, se cabrea y finalmente impone su ley. Pasa igual con el caballo que llevan al rodaje y mucho más gráficamente con la criatura extraterrestre. El personaje de Steven Yeun cree que puede explotarle y no entiende que es una fuerza imposible de dominar, no aprendió que si él sobrevivió es por no mirar al simio. Al igual que evitando mirar al alien se salvan. Respecto a si O.J. (Kaluuya) está vivo o muerto al final, me da que lo segundo. Él mismo ya había tenido alucinaciones con su padre muerto. De repente, ¿está ahí como si no le hubiera pasado nada? No lo creo, pero el director quiere dejarlo abierto.

   LO PEOR: Para los impacientes todo el tiempo que se toma para la presentación y desarrollo de los personajes en el primer acto les resultará lento. Y luego posee algunas situaciones que a muchos les pueden parecer absurdas. Hay que tener en cuenta que más que terror o ciencia-ficción, es cine fantástico, lo que implica abrir la mente.

   REFERENCIAS: A pesar de la diferencias con sus dos películas anteriores, se nota que es una película de Jordan Peele. Pero también podemos reconocer ecos de “Encuentros en la tercera fase”, “Take shelter” o “Señales”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Jordan Peele lo ha vuelto a hacer, esta vez mezclando el terror con la ciencia-ficción e incluso con el western, mientras salpimenta con su humor negro. Un consejo, no tomar como referencia el tráiler, nada es lo que parece.

Microcríticas Express: Entrenador Carter/Garra

 

   Me llama la atención la cantidad de películas norteamericanas de deportes basadas en personajes en edades comprendidas en sus etapas estudiantiles, sea a nivel de institutos o universidades. Por ejemplo, yo no recuerdo ninguna de baloncesto que sea de la NBA, que la habrá, pero en cualquier caso son muchas más las que hablan de chavales. Y puede ser porque de lo que realmente hablan estas películas, y ésta así lo confirma, no es de deporte, sino que lo utiliza como un medio para dar un mensaje. En este caso, basada en hechos reales, otra de las características típicas de este género, en concreto en el hecho de que un entrenador, Ken Carter, priorizó los resultados académicos a los deportivos, buscando que sus jugadores tuvieran un futuro más prometedor. De hecho, creo que así fue, es decir, lo consiguió. La película nos habla de las diferentes situaciones de los chicos, ya sean de tipo familiar, de fracaso escolar o incluso delincuencia. De este género he visto varias últimamente y no es ésta la que más me haya gustado, creo que le sobra metraje, lo que no quiere decir que esté mal, en absoluto. Además, está ahí Samuel L. Jackson para que merezca la pena. También está un joven Channing Tatum. 6’5.

 

  Una de las pocas películas de baloncesto que habla de ese deporte en la etapa profesional. Además desde un punto de vista nada habitual, concretamente desde el de un ojeador. Muestra perfectamente el funcionamiento de captación de jugadores jóvenes en este deporte. Pero sobre todo es la historia de un perdedor, es más, de dos perdedores. De hecho, el mensaje viene a ser cuanto talento hay en presuntos perdedores solo porque no tienen suerte. La relación entre ambos personajes como alianza para cambiar esa suerte en ambos es la que hace que funcione la película. Mucho más gracias al interpretado por Adam Sandler. Ya le quité la etiqueta de que es un mal actor y de que en todo caso solo sirve para comedia. Ni una cosa ni otra. Cuando se pone en plan dramático me ha sorprendido mucho y no es nada mal actor, y para muestra, “Diamantes en bruto”, y ahora ésta. No me convence tanto la otra pata en la que se apoya la historia. El personaje coprotagonista interpretado por el jugador español de baloncesto, Juancho Hernangómez, al que se le nota horrores que no es actor. No es culpa suya, supongo que le eligieron porque querían un jugador profesional que no fuera muy famoso y les encajaba en el perfil. Pero es que es muy inexpresivo, por mucho que algunos hayan querido ensalzar su actuación. No es el único que pertenece realmente al mundo del baloncesto, hay muchas figuras de la NBA que aparecen en la película, sea como cameos o papeles muy breves. 6’5.

Todo a la vez en todas partes

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Todo a la vez en todas partes
Dirección: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 139 min.
Género: Comedia, acción, ciencia ficción, fantástico.
Interpretación: Michelle Yeoh, Jamie Lee Curtis, Jonathan Ke Quan, James Hong, Anthony Molinari, Audrey Wasilewski, Stephanie Hsu, Peter Banifaz, Brian Le, Andy Le, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum Jr., Biff Wiff, Aaron Lazar, Sunita Mani, Narayana Cabral, Chelsey Goldsmith, Craig Henningsen.
Guion: Dan Kwan, Daniel Scheinert.
Producción: Hermanos Russo, Mike Larocca, Dan Kwan, Daniel Scheinert.
Música: Son Lux.
Fotografía: Larkin Seiple.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una inmigrante china en Estados Unidos, dueña de una lavandería, intenta poner el negocio en orden respecto a los impuestos, cuando descubre que existen un montón de universos paralelos y que ella es clave para evitar la destrucción del mundo.

   LO MEJOR: El título no puede ser más adecuado porque son muchas películas a la vez. No que haya varias películas en ella, sino que son todas al mismo tiempo lo que ya de entrada le da un punto de surrealismo. Pero no es decir por decir; Es un drama, una comedia, es ciencia ficción, fantástico y acción, más concretamente de artes marciales ¿Cómo es posible que funcione ésto? Pues habría que preguntarle a los Daniels , que es como se hacen llamar la pareja de directores, Dan Kwan y Daniel Scheinert. Lo que han conseguido supone un soplo de aire fresco y originalidad a través de una parodia de las historias de universos alternativos, que de paso deja en pañales a cualquier cosa que hayan hecho en Marvel, llevándolo todo al extremo tanto en lo visual como en el guion. Y solo gastando 25 millones de dólares. Sin embargo, al final es una historia pequeña sobre la familia. Eso sí con un ritmo endiablado y con una locura de montaje. De hecho, más que intentar seguir todos los giros, todo el entramado del argumento, el mejor consejo que se le puede dar al espectador es que se deje llevar y que se divierta con lo hilarante de sus escenas, sus momentos cómicos, sus elaboradas escenas de peleas de artes marciales, pero también quedándose con sus poesías y su mensaje, porque esta película es todas esas cosas a la vez y en todas sus partes.

   Interpretación: Curiosamente, los tres protagonistas son veteranos y tuvieron cierto protagonismo en la década de los ochenta. La protagonista total es una Michelle Yeoh, maravillosa. Es una actriz incombustible, que nunca falla y aquí está fantástica. La acompaña, sorprendentemente, Jamie Lee Curtis, que tres cuartas de lo mismo, aunque en un rol más secundario. Y luego está Jonathan Ke Quan, o lo que es lo mismo, el Tapón de “Indiana Jones y el Templo Maldito”, y el Dota de “Los Goonies”. Pero es que además está James Hong, el villano de “Golpe en la pequeña China”.

   Escena (SPOILERS!!): A parte de las escenas de peleas, cuyas coreografías son muy buenas y están muy bien rodadas, como la primera de las riñonera o el combate contra los que tenían que meterse algo por el culo para activar sus poderes, si así, cómo suena. Pero es que tenemos escenas de piedras hablando, universos en que los personajes tienen salchichas por dedos, mapaches cocineros y así sucesivamente. Sin embargo, lo que realmente viene a decir la película, lo que realmente cuenta, es como una madre arregla sus problemas con su hija. En el argumento son la heroína y la villana, pero solo cuando la protagonista acepta a su hija, a su pareja (Curtis) en otro universo, cuando hace el bien, ayuda a todos, es cuando consigue cambiar la dinámica destructiva de la historia.

   LO PEOR: Ojalá lo fuera pero no es una película para todo el mundo. Uno se puede ver superado y perderse en todos giros, en ese laberinto de universos. Además, en bastantes ocasiones el humor llega a ser muy absurdo. Es el estilo de los Daniels, y si no entras en él, si no te dejas llevar, no te va a gustar. De hecho, personalmente me gustó más en el segundo visionado.

   REFERENCIAS: Parece China pero en realidad es una producción estadounidense. De hecho, la producen los Hermanos Russo (saga “Vengadores” y “Capitán América”). Llevan al extremo lo planteado en “Doctor Strange” “El universo de la locura” pero haciéndole guiños constantes a “Matrix”. Son los directores de “Swiss army man”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Es tantas cosas a la vez y en tantas facetas que supone un soplo de aire fresco entre tanto blockbuster. Es tan original, tan entretenida, hilarante y surrealista que merece la pena que te dejes llevar por su locura.

Escenas Míticas: Terror racial - Antebellum

 

   No, no tiene nada que ver Jordan Peele con ella. Ni la apadrina, ni figura como productor, guionista o consejero de la película. Y sin embargo, tiene que ver con esa corriente de películas de terror asociadas al mensaje antirracista creada por Peele con su primera película y con la discriminación social en la segunda. Dudo que existiera esta película sin la figura del director afroamericano en el horizonte.

   También era la ópera prima de la pareja de directores Gerard Bush y Christopher Renz, que precisamente simbolizan la primera muestra de integración racial al ser de distinta raza, el primero negro y el segundo blanco, en una película que precisamente denuncia el gran problema de racismo inherente en los Estados Unidos. Por el momento es su única película, aunque personalmente me gustaría estar atento a su próximo proyecto.

   Otra pareja profesional, esta vez ambos de color, tienen gran importancia en la película a través de la música compuesta para la película. Curiosamente ni Roman Gian Arthur ni Nate Wonder son compositores de bandas sonoras. De hecho son artistas y músicos pero de otros géneros, como el rap. Sin embargo, realizan una poderosa música de corte clásico apoyada principalmente en los violines.

   Antebellum se refiere al periodo histórico previo a la Guerra Civil Americana en el que los estados del sur incrementaron sus ideas secesionistas, es decir, la supremacía blanca y la esclavitud de las personas de raza negra, lo que provocó precisamente lo que se llamó Guerra de Secesión. Aunque la película se titula así, lo que nos cuentan estaría históricamente situado en plena guerra, o sea, en 1861 y 1865.

   Lo cual después descubrimos que tampoco es verdad y que nos encontramos en la actualidad, lo que es el verdadero mensaje de la película, que esas ideas supremacistas y ese racismo recalcitrante existe en nuestros días. Y ahí es donde conecta con dos títulos que en el momento de la crítica que hice para el blog no pude incluir en el apartado de referencias porque era en sí mismo un enorme spoiler.

   Por un lado, “El bosque“, de M. Night Shyamalan, que quien no la haya visto mejor que deje de leer ahora mismo. Porque precisamente en ella, aunque los personajes fueran de la actualidad, recrearon un momento histórico del pasado aislándose del resto de la sociedad, en ese caso huyendo de la delincuencia..

    La otra referencia es la serie “El cuento de la criada”, donde también viven en la actualidad, pero se pretendía volver a un modo de vida pasado, basado en el fanatismo religioso, la esclavitud (de las mujeres) y el machismo. “Antebellum” viene a ser una mezcla de ambas, pero con el componente racial como base reivindicativa de su propuesta.

   Como protagonista una gran Janelle Monae, que no sería la única película en la que participa encuadrada en esa época, como, por ejemplo, en “Harriet”. De hecho, entre otras facetas, Monae es una gran activista por los derechos afroamericanos y ha participado en otras películas con toque racial, como “Moonlight” o “Figuras ocultas”. La acompañaban Jena Malone, Jack Huston, Robert Aramayo (“Juego de tronos”) y Kiersey Clemons (la Iris de la versión de Zack Snyder de “La liga de la justicia”).

   Si hay un vínculo con Jordan Peele, es el productor de sus dos primeras películas,”Dejame salir” y “Nosotros” que es el mismo que el de ésta, Sean McKitrich, blanco, por cierto. La película tuvo críticas mixtas y no tuvo una gran respuesta en taquilla, aunque tiene la excusa que fue una de las películas que se pospuso por causas de la pandemia y fue una de las primeras en estrenarse tras el confinamiento, cuando todavía la gente tenía miedo a acudir a los cines. Solo recuperó 7 de los 10 millones de dólares que costó.

La bestia

 

   FICHA TÉCNICA

Título: La bestia.
Dirección: Baltasar Kormákur.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 93 min.
Género: Thriller, terror.
Interpretación: Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley, Leah Jeffries, Mel Jarnson, Anzor Alem, Billy Gallagher, Dorian Hedgewood, Kate Grisley, Travis Lemrick, Robby MacIsaac, Damon Burtley, Hudson Anne-Black.
Guion: Ryan Engle. Historia: Jaime Primak Sullivan.
Producción: James Lopez, Will Packer, Jaime Primak Sullivan.
Música: Steven Price.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

    SINOPSIS: Tras la reciente muerte de su mujer, un médico regresa al lugar donde la conoció, Sudáfrica, y así visitar una reserva de animales con sus dos hijas. Pero durante el camino se cruzan con un león vengativo que no tiene la intención de dejarles ir.

   LO MEJOR: Que sería de nuestros veranos cinematográficos sin la película de depredador (no alienígena) de hombres de turno. Si no fuera porque es casi una tradición y por la participación del actor protagonista quizá incluso ni se habría estrenado en cines y habría quedado como una monster movie de serie B más. Lo que no significa que no tenga su mérito. Porque está muy bien dirigida por el islandés Baltasar Kormakur, que se ha empleado especialmente la puesta en escena, combinando esos planos largos para situarnos constantemente en el paisaje africano, con mucha cámara en mano en la distancias cortas. Hay que tener en cuenta que gran parte de la historia ha sido rodada en espacios tan pequeños como el interior de un coche. También buscando ese efecto claustrofóbico en ocasiones para incrementar el suspense, bastante bien manejado con el que se acerca al tono del género de terror. Porque la película intensa es de sobra. Aunque también transite por el camino de las aventuras. En cuanto al guion, se agradece que las decisiones de los personajes casi siempre tengan sentido, sean realistas y estén justificadas. No tanto la del verdadero protagonista de la función, el león. Pero lo compensa lo bien recreado que está, lo que ayuda y mucho a que sus dosificadas apariciones sean generosamente impresionantes, es decir, este león da miedo. Y bueno, ya por el camino se hace una crítica a la situación de la caza furtiva.

   Interpretación: Solo hay cuatro personajes con peso en la historia. Dos son las hijas, Iyana Halley y Leah Jeffries. Otro es Sharlto Copley, por cierto, verdadero autóctono de la zona porque es sudafricano. Y está bastante correcto. Pero es que luego está Idris Elba, con su imponente presencia en pantalla. Me atrevo a decir que la película está en cines gracias a él, porque ya justifica el interés por la película.

   Escena (SPOILERS!!): La breve secuencia del prólogo es corta pero nos revela toda la información sobre “la bestia”. Han matado a toda su manada, es más listo que los demás, está cabreado y además es muy grande. Todos los ataques del león al coche son realmente efectivos en cámara. Cada vez que aparece en pantalla hay una sensación de peligro que se transmite al espectador, gracias a un realismo que no había visto antes con este animal, pues siempre se habían utilizado leones amaestrados, lo que limita mucho, y los recreados digitalmente no los había visto tan logrados como éste. Ahora vamos a esos problemillas de guion. La escena de lucha cuerpo a cuerpo del final es impresionante, me ha recordado a la del oso de “El renacido”. Pero seamos claros, no se la puede creer nadie. Le habría matado diez veces. Un león que ha arrasado un poblado entero y un comando de furtivos. Por cierto, debía estar constipado porque el olfato no le iba muy bien.

   LO PEOR: Al menos no han caído en eso de que el animal sea tan astuto que incluso pueda jugar al ajedrez. No, se comporta como lo que es, un animal. Aunque hay comportamientos difíciles de explicar que especifico en la zona spoilers.

   REFERENCIAS: Seguro que a muchos se les va el recuerdo a “Los demonios de la noche”, y algo hay, pero la historia tiene más parecido con una más mala “Safari sangriento”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Entretenida típica película veraniega de animales devoradores de humanos, que se mantiene en pie gracias a una lograda puesta en escena, unos buenos efectos especiales y la presencia de Idris Elba, sobre todo.

Microcríticas Express: Tiburón blanco/Territorio Grizzly/Gran tiburón blanco

 

 

   Me ha engañado que estuvo en salas de cine, y quizá podría acercarse al nivel de películas de tiburones de la categoría de “Infierno azul” o “A 47 metros” (la primera). Ni por asomo. Tiene varias de las escenas más ridículas que he visto este año (y he visto bastantes). Un tiburón que es capaz de hundir un hidroavión pero no una barca inflable, o que ataca a pachas con otro a ratos. O mi favorita, un cadaver encontrado con el móvil en la mano, aún funcionando tras el ataque del día anterior y con batería (que me he estado intentando fijar en la marca porque quiero uno igual). Ésto tampoco estaría mal si se lo tomaran a cachondeo, si la película se riera de si misma. Si tiraran por el camino de “Piraña 3D”. Pero no, se lo toman muy en serio. Eso si, no se han cortado nada en saquear todos los documentales de National Geographic que ponen en agosto, a los cuales pertenecen el 90% de las imágenes de escualos de la película. Por cierto, los personajes deben ser los que peor equilibrio tengan de todo el planeta. Y eso sin beber. Si es que hasta aquella de “Tiburon 3D, la presa” me ha parecido mejor. 2.

   En mi defensa podría decir que es que no había visto ninguna de osos devoradores de hombres. Pero es que da igual, si es que veo de éstas todas la que haya, desde tiburones, cocodrilos, leones, . . . hasta castores, murciélagos o ratas. Si hicieran una de pelícanos también la vería. Así que lo que me pase me está bien empleado. En ese sentido, tengo que decir que esta película me ha parecido “algo” mejor que otras de este estilo. Para empezar tiene un reparto bastante competente con James Marsden, Thomas Jane, Scott Glenn, Billy Bob Thornton y Piper Perabo. No son estrellas ni están en los mejores momentos de sus carreras pero es raro ver un reparto de tantas caras conocidas en una película de este tipo. El problema está en la realización, que da mucho la impresión de ser un telefilm, aunque luego te encuentras con escenas bastante más sangrientas de lo esperable, incluso con alguna mutilación que otra, más propia de una serie B. Y a mí todo lo que se aproxime al tono de serie B de los setenta u ochenta, me parece bien. El guion también alberga algunas decisiones más que cuestionables. Además no saca todo el provecho que se podría del personaje del cazador. Pero vamos que si ves una película que se titula “Territorio Grizzly”, ya te imaginas que el guion posiblemente no lo haya escrito Shakespeare. Si se hace un buen uso de los escenarios naturales. Así que, con todos sus tópicos y debilidades, tampoco es que me haya aburrido, que no está mal eso. 5.

   Esta película me ha recordado todos los tópicos de las películas de tiburones y creo que repasándolos quedaría hecha la reseña porque los cumple todos. En primer lugar, el cartel de la película, que suele estar muy guapo, no tiene absolutamente nada que ver con lo que vas a ver, ojalá. Las víctimas suelen ser un grupo de personas que suman entre todos unas diez neuronas, que están en esa situación porque no han hecho ni puñetero caso a lo que cinco minutos antes les habían aconsejado y que está formado por cuatro tipos de personaje. Uno, el responsable, generalmente mujer considerada aburrida pero que aglutina nueve de las diez neuronas de todo el grupo, suele salvarse o sacrificarse por alguien que ni siquiera lo merece. Dos, machito guaperas que en realidad es un cobarde y que te tiras toda la película deseando que sea el siguiente, muere siempre. Tres, el que molesta, sea porque tiene más miedo que nadie, está gritando todo el rato, necesita su inhalador o no sabe nadar, da igual, siempre va a molestar, muere casi siempre. Cuatro, el resto solo está ahí para que antes o después sea devorado y a nadie le importe. El reparto es malísimo, recogido directamente de una agencia de modelos, nunca los has visto antes y nunca los verás después. Y el tiburón solo hará apariciones de entre segundo y segundo y medio, no te vayas a dar cuenta de lo mal hecho que está. Eso si, pasa por sorpresa delante de la cámara una media de diez veces. 3.

Trailerfilos: Wednesday (tráiler oficial)

 

   Se sigue sin saber cual será su fecha exacta de estreno pero si se sabe que lo será este otoño y en Netflix, con ocho episodios escritos por Al Gough y Miles Millar, los creadores de la serie "Smallville", y dirigidos nada menos que por Tim Burton. Nos traerá de vuelta, tras las dos películas en acción real de los noventa, a la familia Addams pero se centrará en el personaje de Wednesday, interpretada esta vez por Jenna Ortega, que este mismo año ha protagonizado dos películas en plan scream queen, los slasher "Scream (2022) y "X", así que parece que trabajo no le falta a sus 19 años. El reparto lo completarán Catherine Zeta Jones, Luis Guzman, Gwendoline Christie, y se ha confirmado que Christina Ricci tendrá un papel destacado, o al menos que no será un simple cameo. Lo mismo que Thora Birch.

Sagáfilos: Tiburón

 

ADVERTENCIA: este artículo contiene SPOILERS de las películas de la saga.

TÍTULO: Tiburón (1975).

DIRECTOR: EXCELENTE. Mira que la filmografía de Steven Spielberg es extensa y repleta de grandes títulos pero ésta para mí es su mejor película. La maestría con la que consigue crear suspense, a la vez que mezcla eficazmente los géneros de terror y aventuras, no hay quien la haya superado.

REPARTO: EXCELENTE. Tres actores de gran talento, no estrellas, pero si muy buenos como columnas en las que se sostiene la carga dramática de la película. Roy Scheider, Richard Dreyfuss y Robert Shaw tienen además una química brutal, a pesar de que se llevaron a matar durante el rodaje.

HISTORIA: NOTABLE. Podría haberse inspirado, y de hecho se menciona, en una serie de ataques reales de tiburón que se produjeron en 1916. Pero lo interesante de la historia es la lectura de como los políticos reaccionan ante los problemas y el propio enfrentamiento de los tres hombres con la bestia.

EFECTOS TIBURÓN: NOTABLE. Hoy pueden quedar algo arcaicos pero lo cierto es que el tiburón estaba muy bien recreado y tenía una presencia imponente en pantalla. Otra cosa es que por su mal funcionamiento Spielberg se viera obligado a reducir su exposición, lo cual creo que terminó por favorecer el suspense de la película.

MUERTES: EXCELENTE. Todas están excepcionalmente mostradas desde la puesta en escena, todas. Pero lo icónica que fue la primera, la de la chica que sale a nadar de madrugada, sin ver al tiburón en ningún momento y con esa música de John Williams, es difícil de igualar. Y luego, la de Quint, todo lo contrario, perfectamente explícita. Creo que nunca olvidaré su grito cuando ya lo muerde por la cintura y se lo lleva.

PRESUPUESTO/TAQUILLA: 9/470.

CONCLUSIÓN: EXCELENTE. Obra maestra indiscutible del cine y que tiene que estar en todas las listas de películas más terroríficas de la historia. Para mí es la monster movie, luego todo lo que vino detrás, aún hoy, en mayor o menor medida, fue copiado de esta película. Marcó un antes y un después en el género y personalmente es una de las razones de que a mí me empezara a gustar el cine.

TÍTULO: Tiburón 2 (1978).

DIRECTOR: BIEN. Dirige Jeannot Szwarc, procedente del mundo de la televisión y a la que ha seguido vinculado después. Tiene títulos en su filmografía tan destacados como "Supergirl". Sin embargo, creo que aquí cumplió con bastante oficio. Por supuesto a millones de años luz de Spielberg.

REPARTO: NOTABLE. Solo repetía Roy Scheider entre los protagonistas pero los secundarios, como Lorraine Gary o Murray Hamilton si volvían, lo que le daba cierta identidad al reparto, aunque es Scheider el que lo sostiene todo, con mucho mérito porque aquí no tenía el respaldo de Dreyfuss y Shaw.

HISTORIA: BIEN. Que otro tiburón ataque la misma población repitiendo prácticamente el mismo esquema de la primera película, es difícil de creer. Pero la idea de la regata de los adolescentes de Amity a merced del escualo me pareció curiosa y funciona muy bien, hay que decir.

EFECTOS TIBURÓN: BIEN. Bastante aceptable. Lo curioso es que durante casi toda la película vemos al tiburón con las quemaduras en parte de la cabeza desde el ataque de la mujer de la lancha. 

MUERTES: NOTABLE. No están mal. La de la mujer de la lancha y el susto que te metes cuando aparece el cuerpo en la playa, la del chico que que se va con la novia en la barca (utilizando un recurso de Spielberg, por cierto). Y sobre todo la del helicóptero. La del propio bicho con el cable de alta tensión . . . bueno aceptamos pulpo.

PRESUPUESTO/TAQUILLA: 20/210.

CONCLUSIÓN: BIEN. Curiosamente en su momento fue la secuela más taquillera, claro que todo el mérito lo tiene el éxito de su predecesora. Aún así, siempre me ha parecido una película entretenida y bastante correcta.

TÍTULO: Tiburón 3-D (1983).

DIRECTOR: INSUFICIENTE. Joe Alves fue el diseñador de los tiburones de las dos primeras partes de la saga. Ya había sido propuesto para dirigir la segunda antes de contratar a Szwarc. Si fue elegido para ésta, que es la única película que ha dirigido en su vida, y no me extraña.

REPARTO: SUFICIENTE. No es que estén demasiado bien pero hay nombres en el reparto como Dennis Quaid (hacía de Mike Brody), Louis Gossett Jr. y Lea Thompson. Aparte de eso, poco más. Tampoco es que fueran los mejores momentos de sus carreras.

HISTORIA: BIEN. Sinceramente, la idea de un tiburón en un parque temático me parecía muy buena y con muchas posibilidades de explotarla para un buen entretenimiento. Pero mal ejecutada. Ya no hace falta irse hasta Spielberg, es que Renny Harlin hizo algo parecido pero mucho más divertido en "Deep blue sea".

EFECTOS TIBURÓN: MUY DEFICIENTE. El plano del holograma para que la gente pudiera ver al tiburón en tres dimensiones, acercándose a la cabina submarina abriendo levemente la boca y rompiendo el cristal posiblemente esté entre las escenas más ridículas que he visto en mi vida.

MUERTES: INSUFICIENTE. Entre las que casi no se ven y las que están mal ejecutadas pues es muy difícil quedarse con alguna. Si acaso cuando coge al especialista en tiburones y le lleva en la boca viéndose dentro la mano con la granada en ella.

PRESUPUESTO/TAQUILLA: 17/88.

CONCLUSIÓN: INSUFICIENTE. Se hizo una película italiana, con muy pocos medios, que aprovechó para promocionarse como "Tiburón 3", cuando realmente era "El último tiburón". Le echaron bastante jeta, como siempre hacían con sus películas "explotation" de las americanas. Bueno, pues esa me parecía mucho más divertida que ésta, con eso ya lo he dicho todo. Lo curioso es que fuera rentable en taquilla.

TÍTULO: Tiburón, la venganza (1987).

DIRECTOR: INSUFICIENTE. Joseph Sargent ha desarrollado casi la totalidad de su carrera en la televisión. Sin embargo, fue el director de una muy buena película, "Pelham 1, 2, 3". Pero cuando le encargaron ésta ya habían pasado 13 años de aquello. No es exclusivamente culpa suya el desastre de ella.

REPARTO: SUFICIENTE. Lorraine Gary volvía al papel de las dos primeras entregas, ahora como protagonista, conviertiéndose en el personaje que en más películas sale. Además, la acompañaban Karen Young, Mario Van Peebles y Michale Caine (nadie sabe que hacía en esta película un actor de su calibre ni como le convencieron).

HISTORIA: MUY DEFICIENTE. No puede ser más ridícula. Un tiburón que vuelve para vengarse de la muerte de su papi. ¿Pero a quien se le ocurrió semejante tontería? Es de vergüenza ajena. No hay por donde cogerla.

EFECTOS TIBURÓN: INSUFICIENTE. Se llevó el Razzie a los peores efectos especiales. Lo que no se sabe es como no ganó sus otras seis nominaciones. 

MUERTES: SUFICIENTE. Hay dos salvables. Siempre me ha gustado la primera del pequeño de los Brody en el embarcadero, mientras suenan los villancicos. Y la de la chica del pepino inflable al menos es espectacular por muy cutres que sean ambas. La casi muerte de Michael Caine es otra estupidez más del guion, y ya no digamos la del propio escualo que es un insulto a la inteligencia del espectador.

PRESUPUESTO/TAQUILLA: 23/51.

CONCLUSIÓN: INSUFICIENTE. Es difícil decidir cual es peor entre la tercera y ésta. Parecía que lo de la anterior entrega no se podía superar pero aquí lo igualaron, si no lo superaron. Tiene demasiados momentos ridículos para resultar divertida aunque sea para reírse de lo mala que es.

MEJOR PELÍCULA: Tiburón.

MEJOR DIRECTOR: Steven Spìelberg.

MEJOR REPARTO: Tiburón.

MEJOR HISTORIA: Tiburón.

MEJORES EFECTOS: Tiburón/Tiburón 2.

MEJOR MUERTE: Tiburón (la primera).

Trailerfilos: Cobra Kai T5 (tráiler oficial)

 

   No habrá que esperar a Navidad esta vez para ver la nueva temporada de "Cobra Kai", la quinta, que tras su paso por YouTube y posterior adquisición por parte de Netflix, ha tenido un éxito incuestionable. Si, abusa de la nostalgia. Si, no deja de ser lo mismo una y otra vez. Pero si, es muy adictiva. El 9 de septiembre volverá con otro paquete de diez episodios que se estrenará integramente. Para colmo de nostalgia parece que recuperará algunos personajes de la saga de películas, aunque por el momento no se sabe nada de Hilary Swank, que siempre ha sido uno de los rumores.

Escenas Míticas: Terror racial - Nosotros

 

   Se esperaba mucho esta película para confirmar si lo que habíamos visto en su opera prima, "Déjame salir", había sido el descubrimiento de un nuevo gran autor o si simplemente a Jordan Peele le había sonado la flauta. Para muchos de "nosotros" fue lo primero pero a juzgar por los resultados, esta obra no tuvo el mismo consenso que la primera y dividió más al público. Personalmente la considero incluso mejor que aquella.

   Aunque esta vez Peele no tiró tanto de la crítica racial. El hecho de que los protagonistas sean todos negros es una cuestión meramente anecdótica dentro del argumento. Creo que siempre veremos protagonistas negros en su cine, tratando de compensar esa falta de protagonismo en el resto de títulos. Pero aquí Peele se mostró más ambicioso realizando una crítica social de los Estados Unidos.

   

   El cineasta apuntaba más sus dardos hacia un gobierno que intenta controlar y manipular a sus ciudadanos. En el que la diferencia de clase supone una diferencia aún mayor de oportunidad. En el que las clases sociales bajas son utilizadas para incrementar exponencialmente el extremo capitalismo de un país. Aunque en el sentido más literal del título, el mensaje es algo más profundo.

   "Nosotros" viene a decir que siempre consideramos enemigo al otro, siempre echamos la culpa al otro, cuando en realidad los responsables somos nosotros mismos. Quizá por eso "La noche de los muertos vivientes" fuera una de la inspiraciones de Jordan Peele para esta película, la idea de que cualquiera de nosotros podría convertirse en un monstruo, solo debe encontrarse el entorno y las condiciones propicias para ello.

   No obstante, el propio director reconocía que también reconocía que también pretendía homenajear las películas de terror de familias amenazadas por un gran mal, como "Terror en Amityville" o "Poltergeist". Y, sin embargo, la lista de títulos que encargó ver a todo el reparto era más variada; "El resplandor" (es gran admirador de ella), "Dos hermanas", "La semilla del diablo", "Alien, el octavo pasajero" y "Los pájaros". Peele es un enamorado de las grandes películas icónicas del género.

   Pero argumentalmente juega con el concepto del doppelganger, es decir, la idea de que podemos tener una persona exactamente igual a nosotros desde el plano físico, pero con una connotación moral negativa, un gemelo malvado. Para darles vida, el reparto tuvo que rodar gran parte de las escenas dos veces, en unas interpretando a unos y en las otras haciendo lo propio con su doble.

   Un reparto encabezado fantásticamente por Lupita Nyong'o, seguida de Winston Duke, Elisabeth Moss, Yahya Abdul-Mateen II (le veremos como protagonista de otra entrega de este ciclo de terror racial) y shahadi Wright Joseph, que no hace mucho participó en otra serie de terror con tintes, esta vez si, raciales, bastante impactante, "Them".  

   Peele volvía a realizar un puñado de metáforas con significados a descifrar. Como que el arma predominante sean las tijeras, simbolizando duplicidad. O la de los conejos encerrados en jaulas. Conejos que pueden servir como alimento, entretenimiento o mascota, al igual que los ciudadanos de la sociedad. También hay muchos números 11, un palíndromo que se lee igual en un sentido que en otro y también representa la dualidad.

   Pero es el rojo el color que más nos llama la atención en la película. como el de los monos que llevan los "ligados", que se asemeja a los de los presidiarios. También es el color de la sangre. O, según la mitología griega, el color que representa al fuego, cuya domesticación representa a la civilización. Precisamente el rojo es el color asociado a la revolución americana de las Trece Colonias de 1775.

   También hace referencia al Hands Across America, que fue un movimiento contra el hambre, que se pretendió manifestar realizando una cadena humana cruzando todo el país, representados en las camisetas de promoción como monigotes rojos.

   Aunque las críticas fueron más mixtas que con su anterior película y al público no le convenciera tanto, volvió a ser un buen negocio. Costó 20 millones de dólares y recaudó 254 en taquilla.

Bullet Train

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Bullet Train.

Dirección: David Leitch.

País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 126 min.
Género: Acción, thriller, comedia.
Interpretación: Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Logan Lerman, Channing Tatum, Zazie Beetz, Masi Oka, Sandra Bullock, Miraj Grbic, Bad Bunny, Karen Fukuhara, Johanna Watts, Pasha D. Lychnikoff, Arnold Chun, Nancy Daly.
Guion: Zak Olkewicz. Libro: Kotaro Isaka.
Producción: David Letch, Antoine Fuqua.
Música: Dominic Lewis.
Fotografía: Jonathan Sela.
Distribuidora: Sony Pictures Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un asesino a sueldo sube al tren bala de Tokio con la misión de conseguir un maletín. Pero allí se da cuenta que hay otros buscando hacerse con él también. La cuestión es quien se saldrá con la suya antes del que el tren llegue a su destino.

   LO MEJOR: Se anuncia como del director de “Deadpool 2” pero también deberían resaltar que David Leitch es el director de “Atómica” y codirector de “John Wick”. Antes de dirigir fue especialista, de hecho, fue doble de Brad Pitt (con el que le une una amistad) hasta en cinco ocasiones, y luego pasó a ser coordinador de escenas de riesgo. Es decir, este tipo sabe como se ruedan las escenas de acción, lo que podría inclinarle a encadenar una secuencia de acción detrás de otra, como hacen hoy en día muchas películas de este tipo. Pero no es el caso, Leitch sabe cuando pararse, cuando dedicarle tiempo a los diálogos, a sus personajes, sin permitir que el ritmo se resienta en lo más mínimo. Quizá porque se apoya en un guion que se preocupa de esos personajes, que son los que le dan empaque a una historia, si, enrevesada y alocada a partes iguales, que va introduciendo pequeñas historias en forma de flashbacks un poco al estilo Tarantino. Aunque se asemeja más a uno de sus mejores emuladores, Guy Ritchie. Lo que también concuerda con que haya mucha violencia (aunque he visto niños muy pequeños en la sala) y muchísimo humor negro. De hecho, esta película es directamente una comedia. De acción, esa que también se le da a David Leitch rodar, pero una comedia. Es más, es una de las películas más divertidas del año.

   Interpretación: Brad Pitt está en su salsa, se nota que el han dejado a sus anchas y se lo está pasando bomba. Pitt tiene una gran vis cómica. Pero es que sus acompañantes están bastante a la altura, tanto Aaron Taylor-Johnson como Brian Tyree Henry. Y ojo a Joey king, que está que lo borda. Luego tenemos papeles breves como los de Logan Lerman o Hiroyuki Sanada. El resto los voy a comentar en la zona spoilers porque o son sorpresa o son cameos.

   Escena (SPOILERS!!): Porque el villano principal resulta que es Michael Shannon, con una breve aunque importante aparición final. Pero hay dos de los cameos que requieren de haber visto una película previa. Si no se ha visto no pasa nada pero si se ha visto “La ciudad perdida”, en ella Brad Pitt realizaba una especie de cameo largo, y aquí lo hacen Sandra Bullock y Channing Tatum, que eran los protagonistas. También aparece Zazie Beetz, que ya salía precisamente en “Deadpool 2”. Y mucho más brevemente Lady Gaga, Ryan Reynolds (también conocido de Leitch por “Deadpool 2”) y Famke Jenssen. Algunos de los cameos, muchos no se habrán dado cuenta. Como escenas espectaculares tenemos el choque de trenes y el descarrilamiento. Además de las innumerables peleas dentro de los vagones del tren. A mí me encanta la del vagón del silencio. Aunque lo mejor son las minihistorias, como el recuento de cadáveres, la botella de agua o el camión de mandarinas.

   LO PEOR: Si nos ponemos exigentes vamos a encontrar alguna fisura, hay algún giro forzado de más y tal. El guion es bueno pero está puesto al servicio de la diversión y se tiene muy en cuenta que tampoco hay que tomarse muy en serio a si mismos. No obstante, y ya le pasaba a “Atómica”, si es cierto que la narración, o más bien el montaje, es confuso.

   REFERENCIAS: Parte de la novela, “María Beetle”, del japonés Kotaro Isaka, que tiene un aire a “El caso Slevin” pero en un tren. Aunque, como decía, tiene un toque al Tarantino de “Kill Bill” y al Ritchie de “Snatch, cerdos y diamantes”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. David Leitch demuestra que para hacer una buena película de acción no basta con poner una escena detrás de otra, que tener un guion importa y si el reparto pone de su parte te puede salir una de las películas más divertidas del año.