miércoles, 28 de abril de 2021

Escenas Míticas: Especial Artes marciales - La casa de las dagas voladoras

 
 
 
   Estamos ante una de las mejores representantes, desde luego mi favorita, del género conocido como Wuxia, y de la filmografía de su director, al cual también tengo gran admiración, Zhang Yimou, que a algunos les sonará por la que no es precisamente uno de sus mejores películas pero que se hizo famosa por el protagonismo en ella de Matt Damon, “La gran muralla”.
 
    
 

   Pero ¿Qué es el Wuxia? Literalmente significa “caballeros de las artes marciales” o “héroes de las artes marciales” y es un género, tanto literario como televisivo y cinematográfico, específicamente de la cultura china. Se le considera un género diferente al de artes marciales aunque éstas siempre están presentes. Pero tiene otros rasgos distintivos; un escenario histórico, lucha de espadas, énfasis en el melodrama y temas como la amistad, la lealtad y la traición. Además de cierto tono fantástico.
 
 

   El propio Yimou tiene otros buenos ejemplos de wuxia en su obra, como “Hero”, “La maldición de la flor dorada” o “Sombra”. Pero ya digo que personalmente “La casa de las dagas voladoras” es la mejor. Perfecta representante del estilo característico de Yimou, repleto de acrobacias a cámara lenta, combates con cable y un sentido de lo visual tremendamente poderoso.
 
   

   Porque es una película de extraordinaria belleza visual. Cada plano, cada movimiento de cámara, cada minuto del metraje, está exhaustivamente planificado para una presentación estética exquisita. Hasta los propios combates, que prácticamente parecen danzas, son notablemente artísticos. Por cierto, coreografíados por el prestigioso Ching Siu-Tung, que ya participó en una obra de culto del género como “Una historia china de fantasmas”. 
 
 

   El título original en China no tiene que ver con el dado para la comercialización en el mercado anglosajón. Viene a ser “Shi mian mai fu” y es el nombre de una pieza musical tradicional china para pipa (una especie de laúd), dónde se narra la batalla entre dos dinastías de la China antigua. Pero además la película se inspira en un poema popular (no voy a reproducir el título) en el que “ una mujer causa aflicción a dos hombres”. 
 
 

   De hecho, si hay una aportación personal de Yimou como variante del wuxia es precisamente que lo que realmente es la película, con sus combates y todo lo demás, es una historia de amor. Una a tres bandas, cuyo juego de pasiones y traiciones conforman un conflicto a muerte cercano a las tragedias griegas o incluso a las shakespearianas. 
 
 

   La película fue, sin embargo, rodada en Ucrania. Al parecer, según el propio director porque en China ya no quedan grandes bosques. De hecho, la secuencia en el bosque de bambú responde a la tradición del cine chino de artes marciales de incluir una lucha enmarcada en un escenario natural de bambú. Yimou consideraba que dicha escena no podía rodarse en China. 
 
 

   La protagonista absoluta de la historia es la bellísima Zhang Ziyi, quién ya había aparecido en otras películas típicamente características del wuxia, cómo “Zu Warriors” y lo que probablemente es la más popular de todas “Tigre y dragón”. Aunque la actriz ha hecho también carrera en Estados Unidos apareciendo en películas como “Memorias de una geisha” (como protagonista), “The Cloverfield Paradox” o las dos últimas de “Gozdilla”. Para preparar su papel de ciega, convivió dos meses con una niña ciega a causa de un tumor cerebral. 
 
 

   El film fue seleccionado por el gobierno chino para pugnar por el Oscar como Película de habla no inglesa. Pero no fue nominada a pesar de si haberlo sido para el Globo de Oro. Por cierto, que ese año ganó la española “Mar adentro”. Tuvo excelentes críticas y económicamente fue un éxito de taquilla. Costó 12 millones de dólares y recaudó 93.
 
 

 

lunes, 26 de abril de 2021

Oscars 2021

 
 

 
 
Mejor Guión: Una joven prometedora 
Mejor Guión Adaptado: El Padre 
Mejor Película Internacional: Otra Ronda 
Mejor Actor de Reparto: Daniel Kaluuya, Judas y el mesías negro 
Mejor Maquillaje y Peluquería: La madre del blues 
Mejor Diseño de Vestuario: La madre del blues 
Mejor Director: Chloé Zhao, Nomadland 
Mejor Sonido: Sound of metal 
Mejor Cortometraje: Two Distant Strangers 
Mejor Corto de Animación: Si algo ocurre, te quiero 
Mejor Película Animada: Soul 
Mejor Corto Documental: Colette 
Mejor Documental: My octopus teacher 
Mejores Efectos Especiales: Tenet 
Mejor Actriz de Reparto: Yuh-Jung Youn, Minari 
Mejor Diseño de Producción: Mank 
Mejor Fotografía: Mank 
Mejor Edición: Sound of metal 
Mejor Banda Sonora: Soul 
Mejor Película: Nomadland 
Mejor Actriz: Frances McDormand, Nomadland 
Mejor Actor: Anthony Hopkins, El Padre
 
 
    Se ha dicho mucho que es un año extraño, con pocas películas donde elegir, a causa de la cancelación masiva de estrenos, o el retraso de los mismos para finales de este año o incluso durante el siguiente. Pero seamos claros, eso solo ha afectado a los blockbusters, a las películas de amplios presupuestos que necesitan que los cines estén a pleno rendimiento para poder recuperar sus generosas inversiones. Y esos normalmente no están en la terna para los Oscars. Tan solo se me ocurre "Dune" como posible aspirante de haberse estrenado en la fecha prevista anteriormente a la pandemia. Pero las demás, las películas más pequeñas, que suelen disputarse estos premios últimamente, estan todas. Y otras más grandes han llegado por medio de las distintas plataformas de streaming, como "Mank " o "El juicio de los 7 de Chicago". Así que, si este año no ha habido el nivel de otros años, que yo no lo creo, no es por culpa de la situación sanitaria mundial.
 
 


   Por lo demás, el reparto de estatuillas ha sido bastante predecible. Como era de esperar, Frances McDormand se ha alzado con su tercer Oscar, muy merecido aunque tenía la esperanza de que Carey Mulligan diera la sorpresa, y se confirma como una de las más grandes actrices de todos los tiempos. Pero si ha habido algo que no estaba en el guion y de lo que me alegro especialmente, es el premio a Anthony Hopkins. Personalmente no tenía ninguna duda de que la suya era la mejor interpretación masculina del año pero me temía una jugada posturista con ese gusto de la Academia de dar Oscars póstumos, otorgándoselo al fallecido Chadwick Boseman, en paz descanse.
 


     Poco más que no se esperara. La gran ganadora tenía pocos visos de perder sobre todo tratando un tema que viene tan al pelo para la época de crisis económica y de necesidad de resilencia ante la adversidad que tenemos en la actualidad. De paso se cumple el requisito integrista con los premios para los afroamericanos y asiáticos Yuh Jung Joun, Daniel Kaluuya y Chloe Zhao (como la primera mujer de esa raza en recibir el Oscar a mejor directora), sin quitarles absolutamente ningún mérito, pero ya sabemos que Hollywood se va a cuidar muy mucho de que todos los años los premios no sean solo para blancos, y oye me parece bien, pero tampoco que sea por decreto. Por cierto, que la mayor parte de los discursos se han concentrado en los asesinatos de personas negras a cargo de la policía.
 

 
 
   Entre los perdedores también los presumibles. Como "Mank", perfecto ejemplo de película más completa que ninguna, con más nominaciones pero también pocos premios. Pero me llama la atención que "El juicio de los 7 de Chicago" no hay rascado bola cuando, en mi opinión, era la mejor. Es que ni el guion original de Aaron Sorkin. Pero para perdedora Glenn Close, que por octava vez ya ve escapar la preciada estatuilla. Eso si, con vaya humor se lo toma. Madre mía, que al final se queda sin Oscar esta pedazo de actriz. Y bueno, el vacío que se le ha hecho a "Tenet" ya desde la nominaciones en las categorías importantes.
 


domingo, 25 de abril de 2021

Nomadland

 

    FICHA TÉCNICA
 
Título: Nomadland.
Dirección: Chloé Zhao.
País: Estados Unidos.
Año: 2020.
Duración: 108 min.
Género: Drama.
Interpretación: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie, Bob Wells, Gay DeForest, Patricia Grier.
Guion: Chloé Zhao. Libro: Jessica Bruder.
Producción: Frances McDormand, Peter Spears, Mollye Asher, Dan Janvey, Chloé Zhao
Música: Ludovico Einaudi.
Fotografía: Joshua James Richards.
Distribuidora: Searchlight Pictures.


    CRÍTICA


    SINOPSIS: Durante la recesión provocada por la crisis económica de 2008, una mujer, tras perder a su marido, su trabajo y su casa, se embarca en un nuevo modo de vida nómada, viviendo en su camioneta y viajando a lo largo de todo el país. 
 
   LO MEJOR: Sin duda, es una de las mejores películas del año. Un año extraño que ha hecho que entren películas en los Oscars que seguramente no hubieran entrado de no haberse alterado el calendario de estrenos. No es el caso de “Nomadland”, que si habría estado pugnando por la estatuilla más preciada igualmente. Ahora, ¿Es la mejor película del año? Objetivamente creo que no. Pero creo que aún así probablemente gane de todos modos. Porque el mensaje que trae no puede ser más idóneo para los tiempos que corren. Aunque se sitúa en la recesión producida por la anterior crisis económica, sus intenciones ajustan a la actual perfectamente porque subraya el fracaso de un sistema económico americano deficiente que ha dejado y deja abandonados a gran cantidad de sus ciudadanos a su suerte. Por eso este film es necesario, porque realiza el retrato de esos habitantes cuyos mundos se ha desmoronado pero que se niegan a rendirse, que se han inventado un modo de vida alternativo, el nómada, y que son un ejemplo de dignidad, orgullo y, sobre todo, resilencia, algo que necesitamos imperiosamente. Porque con esta road movie a medio camino entre el drama existencial y el western, Chloe Zhao da la visión positiva dentro de una situación tremendamente negativa, sin hacer apología de la tristeza que tan fácilmente podría haber explotado, sin adornar la narración con alardes sensibleros (y aún así ser conmovedora), dejando fluir la historia. Aunque si se percibe un estilo personal en el modo de rodar de la directora, con abundante cámara en mano, muchos primeros y medios planos (para acercarnos a los personajes) y haciendo un uso del paisaje muy fordiano, lo que da a la película una belleza que, a pesar de su tono independiente, es muy disfrutable en pantalla grande.  
 
   Interpretación: Lo digo así de claro, Frances McDormand es una de las mejores actrices de la historia del cine. Y me quedo tan a gusto. Posee dos Oscars merecidísimos y si no intervienen postureos falsarios, debería llevarse el tercero, porque está interpretación es incluso mejor, y ya es decir, que las de “Fargo” y “Tres anuncios a las afueras”, aunque personalmente disfrute más de esas películas que de ésta. Pero además tiene un secundario de esos que nunca falla, David Strathairn. Por cierto, hay unos cuantos personajes que ya no es que sean reales es que están interpretándose a sí mismos, como los casos de Linda May, Charlene Swankie y Bob Wells. 
 
   Escena (SPOILERS!!): No hay frase que pueda definir mejor la dignidad y el orgullo de estas personas que cuando una niña le pregunta a Fern (McDormand) si no tiene donde vivir y está le contesta: “si tengo donde vivir, lo que no tengo es una casa”. Sobran las palabras. Una persona que en el prólogo vemos sutilmente a alguien que lo ha perdido todo, su marido (cuando besa esos pantalones), su casa, su trabajo y hasta el pueblo en el que vivía, todo. Una persona que aún así se ha adaptado a vivir en su furgoneta, a la que considera hogar, cómo les dice a los mecánicos del taller donde le dicen que la venda pues la reparación de la avería es muy costosa y ella no sabe cómo explicarle su significado. O como cuando se sale de la cama que le han dejado en la casa para irse a dormir a su furgoneta. 
 
   LO PEOR: Muy poco, la verdad. Quizás se abusa de las elipsis, las cuales se suceden sin previo aviso, lo que puede ser un tanto desconcertante. Muchos dirán que es lenta, que nunca pasa nada, y es una pena porque pasa y mucho. 
 
   REFERENCIAS: Se han nombrado títulos como “Hacia rutas salvajes” o “Alma salvaje” como ejemplos de vida alternativa y vinculado a la naturaleza. la gran diferencia es que la vida que lleva la protagonista de esta película es la que le ha empujado la situación, no una elegida para autorrealizarse. 
 
   CONCLUSIÓN: 7’5. Aunque retrata la crisis anterior a la actual, la película no puede ser más idónea para los tiempos que corren, pues nos muestra una serie de personas que sobrevive al abandono del sistema económico de su país.





sábado, 24 de abril de 2021

Microcríticas Express: Servant T2/Gangs of London/The flight attendant

 

 
 
    Me ha gustado bastante menos que la primera temporada, que me tuvo en tensión todos los episodios. El tono es más ligero y también más fluido. Pero yo casi prefería la lentitud pero también intensidad de la anterior. El motivo es que se nota la ausencia de Night Shyamalan que, aunque figura como productor, no ha estado tan presente como en la primera, en la que se percibía perfectamente su estilo e incluso dirigía varios episodios. Quizá no ha estado muy centrado porque estaba terminando su última película que supuestamente se estrena este verano. Al parecer, vuelve más activamente a la serie en la tercera temporada con la que terminará la historia. Aún así, tiene suficientes giros y alicientes como para seguir subido a este tren, porque se han abierto algunas vías interesantes por las que tengo curiosidad como va a acabar ésto. Espero que se den cuenta que a Nell Tiger Free hay que darle el protagonismo absoluto. 6.
 
 
 
  
El planteamiento es similar al de “El padrino”, la sucesión como líder de una familia mafiosa. Pero rápidamente se da uno cuenta que va por los caminos del género policíaco y el de acción. De hecho, tiene un episodio que fácilmente podría ser la mejor película de acción del año pasado. Y en ese aspecto se nota y mucho la mano de todo un especialista como es Gareth Evans (“Redada asesina”), que junto a otros dos habituales directores de cine de los campos del terror y el suspense como son Corin Hardy (“La monja”) y Xavier Gens (“Frontiers”), hacen una excelente combinación, que no se cortan pero nada con la brutalidad de las escenas. Porque el grado de violencia es altísimo, hay imágenes bastante fuertes. Además, tiene secuencias perfectamente coreografiadas, tanto en cuanto a peleas cuerpo a cuerpo como a tiroteos. Sin duda, de la mejores series de 2020, que además queda abierta a una segunda temporada que promete. No me la perderé. 7’5.
 
 
  
Empieza como un tiro y durante varios episodios mantiene un ritmo muy adictivo. La trama funciona como un reloj en su mezcla de intriga y comedia negra. Aunque quizá quiere abarcar demasiado dando cancha a subtramas que te desvían de lo realmente interesante, que es saber quien ha matado a tal personaje, incluso estando la propia protagonista en la posible terna de aspirantes al título. Protagonista que no puede ser otra más acertada que Kaley Cuoco, que es el verdadero motor de la serie. Pero lo que me ha gustado es el homenaje que se marca en cuanto a desarrollar la historia al estilo Hitchcock, desde el sentido del humor del maestro del suspense hasta la música, a veces es desacaradísimo. Hay muchos giros y resulta muy entretenida y también divertida. Hasta el final puede ser interpretable. Aunque lo dejan abierto a una segunda temporada que no necesitaba y que no está en la novela que adapta. 7.
 

martes, 20 de abril de 2021

Escenas Míticas: Artes marciales - Dragón, la vida de Bruce Lee

 


   Era inevitable, esta película tenía que estar porque retrata la vida del mejor actor de películas de arte marciales de todos los tiempos, el que me arriesgo a asegurar que jamás será superado pues ya supone todo un icono popular que perdurará a lo largo de la historia del cine y la lucha marcial. Por qué los actores de este subgénero no son mejores o peores por su talento interpretativo, de hecho normalmente no lo tienen, sino por sus capacidades atléticas.
 



   Desde luego éste si es un biopic en toda regla pues no se centra en un periodo específico de su vida, cómo hacen otros biopics, sino que narra su trayectoria desde su juventud hasta su muerte (aunque no la muestra). Nos cuenta su viaje de China a los Estados Unidos, dónde se enfrentó a los clanes orientales por enseñar sus técnicas de lucha a los occidentales y también al racismo de los estadounidenses.



   Pero además incluye un aspecto muy interesante, las creencias chinas, dándole un carácter de misticismo y leyenda. Nos muestra un Bruce Lee enfrentándose, desde que tenía uso de razón, a sus fantasmas y sus demonios. Es especialmente interesante porque mantiene la teoría de que fuera la razón de su muerte, la de ser víctima de una maldición que le persiguió desde su nacimiento.


 
   En el artículo de “Operación Dragón” enumeramos las diferentes teorías acerca de la aún hoy misteriosa muerte de Bruce Lee. No vamos a volver a hacerlo pero si vamos a profundizar la que dejan entrever en esta película. En ella se mantiene que Lee estaba perseguido por la maldición de los hijos primogénicos, a causa de la muerte de uno de sus hermanos. Sin embargo, según el horóscopo chino, Bruce nació en el año del Dragón, presagio de buena suerte y de personas destinadas a ser nobles, carismáticas, sabias y creativas. Lo cual se cumplió.



   Pero es cierto que hay ciertas casualidades que, al menos, dan que pensar. Aparte de lo extraño de su fallecimiento, fuera por la razón que fuera, llama la atención que su hijo corriera la misma suerte cuando también prometía ser una estrella del cine de acción. Brandon Lee murió tan solo un par de meses antes del estreno de esta película.



   Pero hay más. Brandon murió durante el rodaje de “El cuervo” y también hubo que completar la película por otros medios, en este caso, por infografía. Al igual que Bruce, qué murió durante el rodaje de “Juego con la muerte” y hubo que completarla con dobles. Pero es que además, en el argumento de la película, el villano planeaba matar al personaje de Bruce Lee con una bala perdida, qué es justo la razón de la muerte real de Brandon, una bala real entre otras de fogueo.



   En la dirección estaba un Rob Cohen que venía de la televisión, que probablemente ésta sea su mejor película y que después de ella se especializó en cine de acción. Después vendrían “Dragonheart”, “Daylight, pánico en el túnel”, “The skulls”, “A todo gas”, “Triple X”, “ The stealth” y “La momia 3”. Todas peores que la que hoy comentamos. Y es que para ésta estuvo especialmente inspirado por su admiración por el propio Bruce Lee, e incluso coescribió el guion. 



   Para ello se basó en el libro escrito por la esposa de la estrella, Linda Lee Cadwell, “Bruce Lee, el hombre que conocí”, en 1975, y el de Robert Clouse (quién dirigió al actor en “Operación Dragón”), “Bruce Lee, la biografía”. Además, Cohen se entrevistó en numerosas ocasiones con Linda Lee y con su hijo, Brandon, a quién le ofreció el papel para interpretar a su padre en la pantalla, pero lo rechazó.



   Finalmente fue a parar a Jason Scott Lee (no tiene ningún parentesco familiar a pesar del apellido), quién fue muy bien valorado por su interpretación. Le acompañaron Lauren Holly y Robert Wagner. Tanto Scott Lee como Holly fueron entrenados en la disciplina que enseñaba Bruce Lee, el Jeet Kune Do, por uno de sus discípulos, Jerry Poteet. La película tuvo buenas críticas, tanto por su parte dramática como sus escenas de lucha. Costó 16 millones de dólares y recaudó 63 en taquilla.
 



domingo, 18 de abril de 2021

The mauritanian

 

   FICHA TÉCNICA


Título: The Mauritanian.
Dirección: Kevin Macdonald.
País: Reino Unido.
Año: 2021.
Duración: 129 min.
Género: Drama.
Interpretación: Tahar Rahim, Jodie Foster, Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch, Zachary Levi, Corey Johnson, Langley Kirkwood, David Fynn, Darron Meyer, Arthur Falko, Stevel Marc, Walter van Dyk, Daniel Kühne.
Guion: Rory Haines, Sohrab Noshirvani, M.B. Traven (Libro: Mohamedou Ould Slahi).
Producción: Adam Ackland, Michael Bronner, Benedict Cumberbatch, Leah Clarke, Christine Holder, Mark Holder, Beatriz Levin, Lloyd Levin, Branwen Prestwood-Smith.
Música: Tom Hodge.
Fotografía: Alwin H. Kuchler.
Distribuidora: STXfilms.


    CRÍTICA


    SINOPSIS: Un prisionero que permanece en la cárcel de Guantánamo pero que diez años después de haber sido capturado por el gobierno de los Estados Unidos, no se le ha acusado de ningún cargo. Hasta que una abogada defensora de los derechos humanos decide ayudarle. 
 
LO MEJOR: Mezcla el subgénero carcelario con el judicial, aunque domina más el drama que el thriller. De hecho, tampoco la trama se desarrolla en un juicio, más bien en la investigación previa. Porque el objetivo es ejercer como denuncia contra las atrocidades cometidas en Guantánamo. No solo por la barbarie de los métodos de interrogatorio empleados allí, vamos a ver torturas y no son nada agradables pero tampoco carga las tintas demasiado en ese sentido ni son muy explícitas (por suerte), sino que la crítica se centra en el planteamiento moral y ético de la propia existencia de Guantánamo, de que un estado supuestamente tan democrático cómo presume Estados Unidos de ser, hayan construido un centro para prisioneros en el que se pueden saltar a la torera los derechos humanos de quién ellos consideren oportuno. Por tanto, es un golpe directo al mentón del gobierno norteamericano. Para ello nos cuentan la dura historia de Mohamedou Ould Slahi, quién prácticamente fue secuestrado, llevado a la prisión y mantenido privado de su libertad sin siquiera acusarle formalmente de nada. Pero si sometido a inhumanas condiciones. La otra parte que nos cuentan fue la labor de una abogada por investigar su situación. Para separar ambos momentos, se utilizan dos formatos, el panorámico para el presente y el 4:3 para los flashbacks. 
 
   Interpretación: Si algo hace que funcione la película son las interpretaciones de su reparto, de todo él. Tahar Rahim está increíblemente natural, es sobresaliente. En cuanto Jodie Foster, qué pena que está actriz no se haya prodigado más en estos años atrás porque es una maravilla verla actuar. Pero todos están bien. Benedict Cumberbacht está magnífico, lo cual también es habitual. Incluso Shailene Woodley, aunque sea un papel más corto, está sobradamente bien. Son todas estas interpretaciones las que elevan al film por encima del tono de un telefilm. 
 
   Escena (SPOILERS!!): Creo que podría haber descartado varias de las escenas en las que salía al patio y conversaba con otro prisionero sin poder verse las caras. A la tercera o cuarta uno empieza a pensar:¿Otra vez? Pero en el último tercio ocurren las secuencias más reseñables. Por supuesto, toda la narración de las torturas a las que fue sometido el protagonista. Aunque lo más interesante es ver las reacciones de ambos abogados a leer la descripción de éstas. Interesante porque tanto defensora como acusador quedan igualmente horrorizados. Luego, apelando más al dramatismo, el discurso de Slahy (Rahim) al juez es todo un ejemplo. 
 
   LO PEOR: Entiendo que todas esas escenas en las que conversa con otro preso o recuerda a su familia son para componer al protagonista como persona pero resultan repetitivas y la ralentizan el ritmo. Quizá quiere ser demasiadas cosas al mismo tiempo y debería haberse decantado por el drama o por el thriller, no por los dos. 
 
   REFERENCIAS: Se toca un poco de pasada, pero al menos al comienzo, el tema de las torturas en “La noche más oscura”. Kevin McDonald tiene varios documentales, no de ésto, pero se nota ese tono documentalista en la película. En “Camino a Guantánamo” hay otro ejemplo de lo relatado en el film. 
 
   CONCLUSIÓN: 7. Entre el drama carcelario y el thriller judicial, se apunta con el dedo al gobierno estadounidense y se le pregunta porque hay una prisión a su control como la de Guantánamo en la que los derechos humanos no existen.





martes, 13 de abril de 2021

Escenas Míticas: Especial Artes marciales - Operación Dragón

 

 
   Estamos ante la película por excelencia de Bruce Lee por varios motivos. El más evidente por ser la última en la que apareció, aunque con ésto hay varios detalles que aclararemos después. Y luego por estar considerada una de las mejores películas de artes marciales de todos los tiempos. De hecho, incluso está preservada en el National Film Registry del Congreso de Estados Unidos, cosa que no podrán decir muchas películas de este género.
 



    Dirigía un especialista en cine de artes marciales, Robert Clouse, que también dirige la otra película que puede considerarse la última de Bruce Lee, “Jugando con la muerte”. Y aquí viene la aclaración, “Operación Dragón” se estrenó seis días después de la muerte del actor. “Jugando con la muerte” tras cinco años. la explicación viene con que ambas películas se rodaron en el mismo año.



    Pero el rodaje de “Jugando con la muerte” tuvo que completarse con la ayuda de varios dobles, de trucos de doblaje y el metraje grabado hasta la muerte de Lee. Por tanto, “Operación Dragón” es la última película íntegramente rodada con él. Lo que no admite discusiones es que se convirtió en el mayor éxito de su carrera y la primera película norteamericana en mostrar las artes marciales chinas, concretamente a cargo de Warner Bros.


    ¿Qué causa la muerte de la estrella? Aún hoy sigue siendo un misterio. Oficialmente se produjo a causa de un edema cerebral, posiblemente provocado por una reacción alérgica a un fármaco o quizá por sobremedicarse con él. Lee sufría de jaquecas en sus últimos años. Pero hubo quién dijo que lo que le mató fue un golpe de calor repentino. Y por supuesto luego está la teoría conspiranoica.



    Bruce Lee mantenía un encarnizado enfrentamiento con otros maestros chinos por enseñar los secretos de las artes marciales de su país al mundo occidental, por lo que se la tenían jurada. La conspiración consistía en envenenarle. O la versión más surrealista de ésta, le habrían echado una maldición. La cual sería alimentada por la muerte de su hijo Brandon, también mientras rodaba una película, “El cuervo”.


 
   Lee compartió reparto con John Saxon, el cual no tenía la más remota idea de artes marciales pero que cumplía con el mandato de los productores de incluir una estrella americana. Además, fue el debut de Bolo Yeung quién después adquiriría cierta fama saliendo en películas de Jean Claude Van Damme, normalmente como villano, y del que Lee se convirtió en mentor.
 


   Pero aparte aparecían otras estrellas de la lucha que aún no lo eran, como Jackie Chan, y otros no tan famosos internacionalmente como Sammo Hung o Yuen Bico, que ejercieron como extras. Chan además hizo de doble del propio Bruce Lee. Todos ellos coinciden en reconocer que su participación en esta película ayudó al lanzamiento de sus carreras en solitario.
 

 
   Bruce Lee trabajó como un guionista más aportando ideas que consideraba que debían ser incluidas. Su intención era mostrar lo que a él le parecía la belleza de la cultura china. Para ello también coreografió todos los combates principales de la película, incluso dirigió el prólogo de ésta. Suyo es el diálogo en el que afirma que el suyo es el arte de pelear sin pelear, qué proviene de una anécdota del samurái Tsukahara Bokuden en el siglo XV.


 
   El film tiene una de las escenas mas icónicas del cine de acción de todos los tiempos, el combate en la sala de los espejos, homenajeado en muchas otras películas. La crítica profesional la puso bien, lo que no es nada habitual en este tipo de cine. Y económicamente fue un éxito incontestable. Costó tan solo 850.000 dólares y consiguió recaudar 63 millones. Aunque eso ya Lee no pudo verlo, por desgracia.
 

 

domingo, 11 de abril de 2021

Judas y el mesias negro

 

    FICHA TÉCNICA


Título: Judas y el mesías negro
Dirección: Shaka King.
País: Estados Unidos.
Año: 2021.
Duración: 126 min.
Género: Drama, biográfico.
Interpretación: Daniel Kaluuya, Lakeith Stanfield, Jesse Plemons, Martin Sheen, Ashton Sanders, Lil Rel Howery, Algee Smith, Jermaine Fowler, Robert Longstreet, Terayle Hill, Dominique Fishback, Nick Fink, Darrell Britt-Gibson, Amber Chardae Robinson, Adam Ratcliffe, Caleb Eberhardt, Zak Lee, Alysia Joy Powell, Crystal Lee Brown, Amari Cheatom, Debbie Scaletta, Chris Hahn, Michael Buonomo, James Udom, Michael Harrity, Matt Hudson, Linda D Gaines, Alonda Shevette, Steve Rizzo, Laura Allen, David Gragg, Peter Lawson Jones, Mell Bowser, David Haynes, Aaron Kleiber, Tone Tank, Roger Petan, Todd C. Adelman, Anthony Garcia, Chris Drexel, Shalanda Fresh, Chris Breen, Bobby Rodriguez, Chris McCail, Brian Andrus, Suzie Coker, Logan Fry, David Goebel, Dominique Thorne.
Guion: Shaka King, Will Berson (Historia: Keith Lucas, Kenneth Lucas, Shaka King, Will Berson)
Producción: Shaka king, Ryan Coogler, Charles D. King.
Música: Craig Harris, Mark Isham.
Fotografía: Sean Bobbitt.
Distribuidora: Warner Bros.


    CRÍTICA


    SINOPSIS: Un delincuente detenido por robar coches es reclutado por el FBI, que le hace una propuesta, absolverle de todos sus delitos a cambio de que colabore en una operación, inflitrarse en el partido de los Panteras Negras y acercarse a su lider Fred Hampton. 
 
    LO MEJOR: En estos tiempos donde vivimos el proceso judicial por el asesinato (qué es lo que es) de George Floyd, que dio lugar al movimiento Black Lives Matter cómo respuesta y protesta a los numerosos actos de brutalidad policial contra personas de raza negra (si, no de color, se puede decir negro igual que se puede decir blanco), asistimos al movimiento que sirve como antecedente histórico al actual, el del partido de las Panteras Negras, también surgido a raíz de altercados con la policía estadounidense. Ojo que la película deja lo suficientemente que el que ni mucho menos era una organización pacifista como si lo es la actual, pero tampoco era terrorista (hay una escena clave con ésto) como calificaban J. Edgar Hoover y su FBI, y el propio gobierno norteamericano. Eso es lo que se desprende de una elegante exposición de los hechos que solo pretende que sepamos quién era el protagonista y como pensaba, no que mostremos fascinación por él. No, ésto no es una película de Spike Lee, tan frecuentemente panfletario y aleccionador desde su púlpito. El título hace una analogía con la crucifixión de Jesucristo, con ese Judas simbolizado con el personaje real de Bill O'Neil y el del Mesías negro con Fred Hampton, uno de los líderes de los Panteras Negras. Pero aunque así presentado parezca la historia de una traición, realmente es la historia de un asesinato, algo mucho más importante y relevante, uno que seguía el de Malcolm X y Martin Luther King. 
 
   Interpretación: Ya son varios papeles en los que me parece totalmente convincente Daniel Kaluuya y, por tanto, no es casualidad en absoluto, es muy buen actor. Más sorprendente es la de Lakeith Steinfield. Ambos están magníficos y no me extrañan sus nominaciones al Oscar. No tiene que ver con el postureo hollywoodiense actual. Y entiendo que sea en la categoría de secundarios para ambos. También tenemos a Jesse Plemons y a un Martin Sheen (irreconocible) que prácticamente está caricaturizando a Hoover 
 
   Escena (SPOILERS!!): Obviando que hay momentos de relevancia como los discursos de Hampton, el asalto a la sede de los Panteras Negras, las conversaciones con las bandas callejeras y, desde luego, la secuencia del asesinato, hay dos escenas más sutiles que me parecen claves. Una es la visita de O’Neil a la casa del agente federal Roy Mitchell (que contribuye a ser su referente) con una amabilidad que contrasta con la del restaurante cuando le pide y después le exige bajo amenaza que le haga un plano de la casa de Hampton. La otra es cuando O’Neil intenta tenderle una trampa a Hampton con la insistencia del poner una bomba. Esa escena muestra, con el rechazo del propio Hampton, que los Panteras Negras no eran unos terroristas. Al final de la película hay un tramo de la entrevista real a Bill O’Neill, tras cuya emisión, sucedió su muerte, en teoría, por suicidio. 
 
   LO PEOR: Más allá de que hay algunos tramos en los que la narración se hace más densa y la parte de drama se coma la del thriller, que es mucho más interesante, hay un detalle que me ha resultado molesto. El énfasis en las canciones típicas negras. No en ponerlas, claro que eso es lo que toca, pero es como que le suben el volumen exageradamente, como si no nos diéramos cuenta de qué tipo de música es, como si tuvieran en que resaltarlo. 
 
   REFERENCIAS: El nombre de “Malcolm X” es mencionado bastantes veces así que la película de Spike Lee debe figurar como referencia. Otras toman o tocan temas de disturbios raciales en relación a la acción de la policía, como “Dark blue” (Rodney King) o l amuy recomendable “Detroit” de Kathryn Bigelow. 
 
   CONCLUSIÓN: 7. Aunque el título busque la analogía bíblica, más que la historia de una traición, es la historia de un asesinato, lo que en tiempos del Black Lives Matter, resulta más relevante, como antecedente histórico.




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