Escenas Míticas: Diminutos - El chip prodigioso

 

   Si la anterior película del ciclo, “Cariño, he encogido a los niños” estaba claramente inspirada en el clásico “El increíble hombre menguante”, ésta era tan evidente que lo hacía en el también clásico, y que ya vimos aquí, “Viaje alucinante”, hasta el punto de llegar a considerarse un remake encubierto de ella. Aunque analizando más allá de la común propuesta de introducir un submarino miniaturizado en el cuerpo de alguien, el resto eran todo diferencias.

   En “Viaje alucinante”, el tono era eminentemente serio en todo momento, sin un atisbo de humor. Se hacía un recorrido por el interior del cuerpo humano y, de hecho, la historia se desarrollaba en él durante tres cuartas partes del metraje del film. Mientras que en “El chip prodigioso” todo eso era prácticamente al revés.

   La trama se desarrollaba en su mayoría en el exterior. Además, no se veía gran cosa del cuerpo humano por dentro, cuando veíamos al protagonista lo hacíamos desde el interior del submarino. Y el tono evidentemente era de comedia, y además una bastante loca, pues aunque se quiso hacer una película para todos los públicos, el toque del director, Joe Dante, se notó tanto que la distanciaba de otras propuestas a priori similares.

   Incluso incluía algún que otro chiste con connotaciones sexuales, aunque de forma muy sutil. Lo que se pretendía era hacer una película con claras intenciones comerciales. El anterior proyecto de Dante no había salido demasiado bien, “Exploradores”, y el cineasta que había dado tan buenos resultados con títulos como “Piraña”, “Aullidos” y sobre todo, “Gremlins”, necesitaba un éxito de taquilla fácil.

   Sin embargo, no fue precisamente éste. Es más, contra todo pronóstico, fue un fracaso. Costó 27 millones de dólares y recaudó uno menos de esa cantidad. Sus siguientes películas fueron algo mejor pero sin llegar a ser éxitos de taquilla, como “No matarás al vecino”(no me cansaré de recomendar esa película, divertidísima), “Gremlins 2”(con respuesta muy inferior a la primera) o más adelante “Pequeños guerreros”.

   Y no se esperaba un mal resultado pues incluso la película venía apadrinada por Steven Spielberg, amigo de Joe Dante, y cuya colaboración ya suponía la tercera, tras presentar también precisamente “Gremlins” y coincidir en la película “En los límites de la realidad” dirigiendo ambos su respectivo episodio dentro de la misma.

   De hecho, el protagonista fue elegido por Spielberg, Dennis Quaid. Y Amy Irving, pareja del director por aquella época, presionó con fuerza por el papel femenino, aunque finalmente fue a parar a Meg Ryan. Lo que es el destino, pues tras el rodaje, Quaid y Ryan se casaron. El tercero en discordia era en realidad el verdadero protagonista, el cómico Martin Short.

   Al ser el personaje de Quaid el que se introducía vía intravenosa en el cuerpo Short, y toda la película tenían que permanecer juntos, pero no precisamente a la vez en pantalla, aún así, los dos actores estuvieron presentes cuando el otro le tocaba rodar sus escenas, para mantener el vínculo que tenían en el argumento. Al fin y al cabo, Quaid era como el Pepito Grillo de Short durante la historia y sus personajes creaban ciertos paralelismos hasta llegar al final como casi la misma persona.

   Curiosamente, participaba también William Schallert, que hacía de médico, al igual que en “El increíble hombre menguante”. Y los empleados del laboratorio eran completamente reales, así que sabían cómo comportarse. Una vez más los efectos visuales corrieron a cargo de ILM, lo que le valió ganar el Oscar en esa categoría. Y fue la primera película estrenada en Dolby Stereo SR.

Ant-Man y la Avispa: Quantumania

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Ant-Man y la Avispa: Quantumania.
Dirección: Peyton Reed.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 125 min.
Género: Ciencia ficción, fantástico, acción, comedia.
Interpretación: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michelle Pfeiffer, Michael Douglas, Jonathan Majors, Kathryn Newton, Bill Murray, William Jackson Harper, Katy M. O'Brian, Randall Park, Corey Stoll, Leonardo Taiwo, Paul Fairlie, David Bertucci, Milos Bindas, Clément Osty, Tianyi Kiy, Tony McCarthy.
Guion: Jeff Loveness. Cómic: Stan Lee, Jack Kirby, Larry Lieber.
Producción: Kevin Feige.
Música: Christophe Beck.
Fotografía: Bill Pope.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Por error, mediante un invento de la hija de Stephen Lang, junto con Hope, Hank y Janet, van a parar al Reino Cuántico, donde tendrán que lidiar con toda clase de criaturas y con un nuevo villano que ha conquistado todo ese mundo.

   LO MEJOR: Tiene narices que yo diga ésto porque siempre me he quejado del abuso que los productos de Marvel hacen del humor. En esta tercera parte de la saga lo han rebajado ostensiblemente, se han puesto más serios, más graves, y creo que no les ha beneficiado porque precisamente su seña de identidad en comparación con otras películas del UCM es que estaban planteadas como comedias desde un principio, no eran películas de acción con chistes como las otras, sino comedias de acción, y eso le funcionaba de maravilla en las dos entregas anteriores. No quiere decir ésto que eso le reste entretenimiento porque la película es absolutamente trepidante, con muchísimas escenas de acción, un despliegue brutal de efectos especiales, mucho mayor que entregas precedentes. Es más ambiciosa en ese sentido, considerablemente más espectacular. Visualmente es una burrada, aun con algún desliz. El diseño del mundo cuántico es impresionante, no solo en la recreación de escenarios sino también en las innumerables criaturas distintas que hay, aunque aquí se nota que se han mirado y mucho en la saga “Star Wars”. Además, el protagonismo casi bicéfalo de la película anterior pasa a uno coral y en eso si se beneficia para darle más rendimiento a su buen reparto. El resultado es, como decía, más espectacular, igualmente entretenido, pero paradójicamente, menos divertido.

   Interpretación: Paul Ruud comenzó siendo el protagonista indiscutible en “Ant-Man”. Que pasó a coprotagonista en “Ant-man y la Avispa”. Y aquí ya directamente es uno más de un reparto muy coral donde los que parece que se sienten más cómodos son Michelle Pfeiffer y Michael Douglas que se nota que se lo están pasando mejor que nadie. Porque a Evangeline Lilly también la han relegado un poco y eso si es un crímen. En cuanto a las incorporaciones, lo siento pero Kathryn Newton tiene una expresividad muy limitada, casi nula, parece que siempre tiene la misma cara. Jonathan Majors si defiende bastante bien su idea de villano aunque el guion le abandona en la parte final. Y bueno, Bill Burray hace prácticamente un cameo.

   Escena (SPOILERS!!): Porque se supone que el personaje de Majors, Kang, es el villano que viene a sustituir a Thanos, bisagra de la fase del UCM, pero en el último tercio le tratan de la forma más típica posible. Funciona mejor cuando dejan al actor mantener diálogos. A nivel espectáculo, la entrada en el mundo cuántico es apabullante visualmente pero la escena que más le gustado a un servidor es la de la montaña de hormigas, con todos los personajes replicándose a si mismos, en plan “Matrix reloaded” y formando una montaña a lo “Guerra Mundial Z”. En cuanto a las escenas postcréditos, la primera confirma que Kang va a seguir siendo importante en adelante. Y la segunda conecta con el Kang que vimos en la serie de “Loki”.

   LO PEOR: Marvel está en una encrucijada y empieza a dar síntomas de que tiene dudas en que dirección ir ahora. Claramente la fórmula que tanto éxito les ha reportado hasta ahora se está agotando pero los intentos de cambio de tono tampoco están resultando, como les pasó con “Eternals”, de cara al público. Y esta película es un evidente ejemplo de los bandazos que está dando Kevin Feige con su cambio de fase.

   REFERENCIAS: Plantea situaciones que deberían ser importantes para la siguiente fase del UCM. Personalmente me parecen más divertidas las dos entregas anteriores, especialmente la segunda. Y se han mirado mucho la última trilogía de “Star Wars”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Es visualmente más espectacular que las dos películas anteriores, tiene más efectos especiales, más acción y un protagonismo más repartido. Sigue entreteniendo mucho pero es la menos divertida de la saga del hombre hormiga.

Trailerfilos: Boston strangler (tráiler oficial)

 

   Entre mediados de 1962 y principios de 1964, Albert DeSalvo agredió sexualmente y estranguló a trece mujeres en la ciudad de Boston, lo que le valió el apodo que da título a la película que se estrenará el 13 de marzo, directamente en la plataforma de Disney+, que recreará la investigación del asesino en serie por parte de dos periodistas interpretadas por Keira Knightley y Carrie Coon. La película está producida por Ridley Scott. No es un remake de la película de 1968, "El estrangulador de Boston" (muy recomendable), de Richard Fleischer, protagonizada por Tony Curtis y Henry Fonda, sino una nueva versión, tratando la historia desde un enfoque totalmente distinto.

Escenas Míticas: Diminutos - Cariño, he encogido a los niños

 

   Si alguien se pregunta por qué no he seleccionado para este ciclo la película “El increíble hombre menguante”, que claramente es inspiración, de una manera u otra, para la mayoría de títulos de esta temática, la respuesta es porque contiene una escena con una tarántula que soy incapaz de ver. Hala, ya lo he dicho. Quizá más adelante . . . o no. Pero si hay una película que más evidentemente tenga a aquella como referencia es ésta.

   Al fin y al cabo, en aquel film de los cincuenta, el protagonista tenía que sobrevivir en su propia casa y los personajes de la que que hoy comentamos tienen que atravesar el jardín de su casa. Solo que con su tamaño tan reducido, ese jardín se convierte en una selva llena de depredadores y peligros de toda clase. De hecho, es como se atravesarán un bosque en la era de los dinosaurios.

   Para recrear los movimientos de las criaturas que van encontrándose se recurrió a uno de los más reconocidos expertos de la técnica del stop motion, David Allen, con un largo repertorio de películas en las que había participado en los ochenta. Para los efectos especiales se contrataron los servicios de ILM (Industrial Life and Magic), la productora de efectos especiales número uno.

   Aunque se centró en los efectos visuales de perspectiva forzada para simular el mayor tamaño de los decorados respecto al reparto. Los animales, como la hormiga o la abeja, fueron animatrónicos y mostrados mediante el stop motion de Allen. Por cierto, la galleta gigante que se encuentran era de crema auténtica.

   La idea original partía de Brian Yuzna y Stuart Gordon, que tras un periplo asociados para hacer cine de terror, como la saga “Re-animator”, querían hacer una película para un público más familiar. Yuzna sería el productor y Gordon el director, además de que el guion sería co-escrito por ambos. Sin embargo, Stuart Gordon cayó enfermo y se decidió buscar otro director.

   El elegido fue Joe Johnston, que era la primera vez que se ponía tras la cámara porque sus inicios fueron en el campo de los efectos especiales, participando en la saga “Star Wars”, cuya asociación con George Lucas le llevó a trabajar para Steven Spielberg en “Indiana Jones en busca del arca perdida”, con la que ganó el Oscar en esa categoría.

   Después vinieron títulos tan populares como “Rocketeer”, “Jumanji”, “Jurassic Park III”, “El hombre lobo “ e incluso llegó a ser uno de los iniciadores del UCM, pues dirigió una de las primeras películas, “Capitán América, el primer vengador”. Aún así, está considerado como un buen artesano del cine fantástico y de aventuras pero poco más.

   Para el protagonista un actor muy popular en el género de comedia también precisamente en el fantástico de los ochenta, Rick Moranis, que venía de participar en películas tan famosas en esa época como el remake (muy recomendable), “La tienda de los horrores”, “La loca historia de las galaxias” (parodia de Star Wars) y la saga “Cazafantasmas”. Aunque también se consideraron nombres como Chevi Chase o John Candy.

   La película se convirtió en una de las más populares de la década de los ochenta y fue un auténtico éxito de taquilla. Tuvo dos secuelas, “Cariño, he agrandado al niño” (homenajeando esta vez a “El ataque de la mujer de 50 pies) y “Cariño, nos hemos encogido a nosotros mismos” (bastante mala). Por cierto, el título original era “Teenie Weenies”, descartado por ser demasiado infantil. 

Black Panther: Wakanda por siempre

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Black Panther: Wakanda Forever.
Dirección: Ryan Coogler
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 161 min.
Género: Fantástico, acción, aventuras, ciencia ficción.
Interpretación: Letitia Wright, Angela Bassett, Winston Duke, Danai Gurira, Florence Kasumba, Lupita Nyong'o, Martin Freeman, Julia Louis-Dreyfus, Tenoch Huerta, Dominique Thorne, Michaela Coel, Mabel Cadena, Alex Livinalli, Isaach de Bankole, Shiquita James, Jarrell Pyro Johnson, Curtis Bannister, Tejon Wright, Adam Freeman, Marlon Hayes, Babatunde Oyewo, Devan Summers, Lake Bell, Richard Schiff, María Mercedes Coroy, Janeshia Adams-Ginyard, Juan Carlos Cantu, Michael B. Jordan, Aldis Hodge.
Guion: Ryan Coogler, Joe Robert Cole. Historia: Ryan Coogler.
Producción: Kevin Feige, Nate Moore.
Música: Ludwig Göransson.
Fotografía: Autumn Durald.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La muerte de T’Challa deja consternada a toda Wakanda. Mientras su familia lleva el duelo, una nueva amenaza se vierte sobre le reino en relación a la extracción del mineral vibranium. Deberán unirse contra los nuevos invasores.

   LO MEJOR: Las críticas no han sido tan unánimes como en la primera parte, que por otro lado siempre me ha parecido que estaba sobrevalorada por la prensa. Sin embargo, a mí me ha parecido mejor. Como película me parece mejor y más interesante. Quizá porque a mí me interesa más Wakanda que el propio Black Panther, y todo lo que cuentan en ésta acerca de su cultura, su monarquía y el tema de la sucesión. Pero hay que darle el mérito de adaptarse a las circunstancias, de sobreponerse a la ausencia de su protagonista absoluto, porque evidentemente el fallecimiento de Chadwick Boseman, quien llevó su enfermedad en secreto casi hasta los últimos días, no estaba en el guion. Y precisamente eso es lo que han sabido cambiar, el guion, convirtiéndolo para una película que habla de la transición de un protagonista a otro, pero a la vez centrada en el duelo y la familia, sin llegar a explotar la muerte del actor sino ejerciendo como un homenaje póstumo muy respetuoso. Porque haber ignorado su ausencia, haber pasado de puntillas sobre ello habría sido absurdo y además incoherente. A la vez, la película lanza un mensaje de crítica al panorama geopolítico internacional, más preocupado de la explotación de nuevas materias primas para  desarrollar armas más mortíferas y de destrucción masiva, que de la preservación de la paz.

   Interpretación: Sé que era la opción lógica pero lo siento porque la actriz no me parece adecuada para ser la nueva Black Panther. Por tema de físico pero también de talento. No es mala Letitia Wright pero es inferior a todas las actrices con las que comparte plano en cada uno de ellos. Tanto Angela Bassett, que está enorme y diría que es la favorita para llevarse el Óscar como actriz de reparto, como Danai Gurira (ésta si habría sido una buena Black Panther), se hacen un bocata con ella cuando están juntas en pantalla. Y diría de Lupita Nyong’o tres cuartas de lo mismo. Hasta Michael B. Jordan lo hace en los cinco minutos que sale. Tenoch Huerta cumple con un Namor que recuerda demasiado al Aquaman de DC, aunque los cómics naciera antes Namor.

   Escena (SPOILERS!!): No está mal como han arreglado la muerte de T’Challa, vinculándolo con hechos ocurridos en la anterior película, pero queda raro que después de superarlo todo, muera de una enfermedad (aunque puede ser un guiño a como perdió la vida realmente Chadwick Boseman). Y también está un poco cogido con pinzas como logran recrear la hierba con forma de corazón porque es casi por casualidad. Los puntos fuertes son los ataques de las fuerzas de Namor, muy bien rodados por Ryan Coogler, primero al barco y luego a Wakanda en la escena más espectacular de la película. Aunque el momento más dramático es la muerte de la reina Ramonda, cubriendo de más tragedia a la familia real de Wakanda.

   LO PEOR: Era ineludible y claro que se nota la ausencia de Chadwick Boseman. Imaginaos hacer una película de Spiderman sin Spiderman. Bueno, pues aquí lo han solventado bien. Eso sí, a los fanáticos de la fidelidad a los originales no les gustará pues difiere bastante de los cómics, sobre todo el villano, Namor. Y se percibe que ha habido tijeretazos en el metraje, especialmente en su último tercio.

   REFERENCIAS: Evidentemente es la secuela directa de “Black Panther”. Ésta ha tenido también nominaciones a los Oscars pero de menor importancia que la primera, a los técnicos, como maquillaje, diseño artístico y efectos especiales.

   CONCLUSIÓN: 7. Han sabido adaptarse a la alargada sombra de la ausencia de su protagonista, haciendo de la película un tratado sobre el duelo, la familia y la transición, que sirve como homenaje al propio Chadwick Boseman.

The innocents

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The innocents.
Dirección: Eskil Vogt.
País: Noruega.
Año: 2021.
Duración: 117 min.
Género: Fantástico, terror. thriller.
Interpretación: Rakel Lenora Fløttum, Sam Ashraf, Alva Brynsmo Ramstad, Kadra Yusuf, Ellen Dorrit Petersen, Morten Svartveit, Mina Yasmin Bremseth Asheim, Marius Kolbenstvedt, Lisa Tønne, Birgit Nordby, Kim Atle Hansen, Irina Eidsvold Tøien, Nor Erik Vaagland Torgersen, Tone Grøttjord-Glenne.
Guion: Eskil Vogt.
Producción: Maria Ekerhovd.
Música: Pessi Levanto.
Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen.
Distribuidora: IFC Midnight.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Durante un verano, unos niños, que están pasando las vacaciones en una zona de viviendas, descubren que tienen unos poderes especiales. Al principio es un juego pero después se convierte en algo mucho más serio.

   LO MEJOR: ¿Y si dijera que ésta es una de las mejores películas de superhéroes de los últimos años, protagonizada por unos niños y que además se sitúa más claramente en el género de terror? Pues que muchos se lanzarían a verla para después recriminarme que no es una película de superhéroes. Porque claro, aquí no hay grandes efectos especiales ni espectaculares escenas de acción. Sin embargo, enarbolan las claves de las películas de superhéroes de forma mucho más madura que cualquier producto de Marvel, por ejemplo, en especial en cuanto el enfrentamiento del bien y el mal, a través de las decisiones de unos cuantos niños con poderes. Decía el tío Ben a Peter Parker, que un gran poder implica una gran responsabilidad. Pero, ¿Y si ese poder lo ostentan niños, que no son conscientes de su peligrosidad, que no tienen la madurez ética y moral para manejarlos? Pues que los usan para jugar y hacer travesuras. O para servirse de ellos en relación a sus carencias emocionales. Porque la película es un perfecto retrato de la maldad y de cómo puede llegar a generarse. Y a la vez de como puede combatirse. El director, Eskil Vogt, acierta en la puesta en escena, sin grandes subrayados, con apuntes narrativos muy sutiles y elegantes, que no rebajan en nada que su propuesta sea inquietante, perturbadora y terrorífica, pero sin trucos efectistas.

   Interpretación: El casting formado por los cuatro niños es maravilloso, lo que implica que el trabajo de Vogt en la dirección de actores ha sido magnífico. Especialmente en el caso de las dos hermanas, Alva Brynsmo Ramstad (haciendo de una niña autista muy especial) y Rakel Lenora Flottum, a la que se nota que la cámara la quiere. Pero también con Mina Yasmín Bremseth Asheim y Sam Ashraf.

   Escena (SPOILERS!!): El arco más interesante es el Ida (Flottum) que en un principio comete varias crueldades con su hermana autista pero al conocer a Ben (Ashraf) y sus actos de maldad, como la muerte del gato, y conocer a través de los poderes sensitivos de Aisha que su hermana si siente dolor, además de como Anna (Ramstad) la defiende con sus poderes potenciados por Aisha, hace que su crueldad inicial se reforme. Eso hace que tras la muerte Aisha y un chico decida tomar las responsabilidad de parar a Ben, intentando matarle, sin éxito. Si le sumamos quince años y unos trajes molones ¿Sería una historia de superhéroes o no? El giro más sorprendente es cuando Ida demuestra que también tiene poderes, rompiendo la escayola de su pierna y uniéndose a Anna para enfrentarse a Ben en el parque. Por otra parte está el arco narrativo de Ben, un niño maltratado (vemos varias marcas físicas) en casa y por los abusones mayores del parque. Ben cumple los requisitos del psicópata con una infancia difícil, que es cruel con los animales y que no duda en emplear sus poderes contra los demás cuando se ve ofendido. Él es el mal y Anna y Aisha el bien, al que se incorpora Ida tras flirtear con el mal. En cuanto al final, tras derrotar a Ben, Anna se para en casa y se dispone a escribir en la pizarra. ¿Que significa? Durante en el enfrentamiento final, solo los niños del parque percibían los efectos de los poderes de los protagonistas. Pero también en sus casas. Quizá Anna se disponga a comunicarse con ellos, como lo hacía con Aisha. Y quizá lo haga potenciada por su propia hermana, Ida.

   LO PEOR: El cine nórdico tiene otra clase de ritmo, va a fuego lento, y es lo que algunos les puede parecer. Pero es una característica de esta clase de cine y creo que el ritmo es el adecuado. Hay que avisar que hay una escena de maltrato animal horrible. Es muy corta y entiendo que se incluyera como descripción de la personalidad de uno de los personajes, pero a mí casi me provoca que quitara la película.

   REFERENCIAS: Si hablamos de niños podemos recordar “Quien puede matar a un niño”. Pero realmente juega más en el terreno de “El hijo”, “Chronicle” o “ “Push”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. No lo parece pero contiene las claves del cine de superhéroes, no solo por el tema de los poderes especiales, y las desarrolla de forma más madura y . . . terrorífica. Además, el cuarteto de niños protagonistas está magnífico.

Escenas Míticas: Diminutos - Ant-Man y la Avispa

 

   El buen recibimiento de la primera parte, hasta cierto punto sorprendente, provocó que rápidamente se pusiera en marcha la secuela, que se estrenó tres años después. El personaje principal ya se había introducido en Los Vengadores en “Civil War” y llegaba unos meses después de “Infinity War”, aunque cronológicamente se sitúa antes de ella. Es más, la escena postcréditos se puede considerar una precuela de ésta. Además de que el mundo cuántico de “Ant-Man” tendrá influencia en “End Game”.

   En “End Game”, participaría de nuevo Ant-Man pero también la Avispa. Para ello en esta película se introducía el personaje, como ya dejaba planteado en la postcréditos de la película de 2015. Y si en ella se introdujeron a los Ant-Man, el original Hank Pym, y el nuevo, Stephen Lang, aquí harían lo propio con las dos Avispas, la original, Janet Van Dyne, y la nueva, Hope.

   De hecho, una de las apuestas personales del director Peyton Reed, que esta vez sí pudo estar desde un principio, no como en la anterior que lo hizo tras la salida del proyecto de Edgar Wright, fue la igualdad de protagonismo entre Ant-Man y la Avispa, un paralelismo que se trasladó al propio título, figurando el nombre de los dos como pareja protagonista en igualdad de importancia.

   Para ello, se dio una de las grandes incorporaciones de esta secuela respecto a la primera, Michelle Pfeiffer, petición expresa de Evangeline Lilly, admiradora declarada suya, e imponiéndose al deseo de Michael Douglas que quería que el papel fuera para su mujer, Catherine Zeta Jones. No fue la única incorporación. Al reparto formado por Lilly, Douglas, Paul Ruud (que también ejercía como uno de los guionistas) y Michael Peña, se agregaron, aparte de Pfeiffer, Lawrence Fishburne, Walton Goggins y Hanna John-Kamen.

   Además, contaron con un presupuesto ligeramente superior al de la película precedente, que con los gastos de distribución se iba hasta los 195 millones de dólares. No en vano la película exigió de muchos más efectos visuales, encargados a una serie de empresas de efectos especiales entre las que se encontraban ILM (Industrial Light and Magic) y Digital Domain (la que fue de James Cameron).

   Y al cargo de todas ellas estaban Stephane Carreti, quien había sido nominado al Oscar anteriormente por “Doctor Strange” y “Guardianes de l galaxia”. Parte de ese presupuesto fue destinado a la recreación del laboratorio y ese túnel cuántico, inspirado en “El túnel del tiempo”, la serie de ciencia ficción de los sesenta, y que tienen el decorado físico más grande de todo el UCM. Y también para el rejuvenecimiento facial de Michael Douglas y Michelle Pfeiffer para el flashback que sirve de prólogo del film.

   Una Michelle Pfeiffer que volvía a meterse en la piel de una superheroína. La primera fue para hacer de Catwoman a las órdenes de Tim Burton en “Batman vuelve”. Por su parte, para Michael Douglas era su tercera secuela (ahora está a punto de estrenar la cuarta), tras “La joya del Nilo” (secuela de “Trás del corazón verde”) y “Wall Street 2: el dinero nunca duerme”.

   Peyton Reed contaba que para el tono de la película se había inspirado en títulos como “Jo que noche “, “Huida a medianoche” y “Que me pasa, doctor”. La verdad es que cuesta verlo. Y que quiso explotar el otro poder de Ant-Man (visto en “Civil War”) el de hacerse más grande, que da bastante juego. Por cierto, hubo cierta polémica porque hubo quien atribuía el diseño de la parte del pecho de la Avispa connotaciones sexuales. Vamos a ver, qué es Disney, es la cabeza de una Avispa.

   Para el del cartel y el propio nombre Avispa en él, se le dio un toque que asemejaba a un panal. En definitiva, las críticas a la película, que era la 20 del UCM, fueron buenas. Personalmente me parece mejor y más divertida que la primera. Y al público también pues tuvo una taquilla superior, de 620 millones de dólares, lo que ha provocado que se pusiera en marcha la tercera parte, “Ant-Man y la Avispa: Quantumania”.

Trailerfilos: Flash (tráiler oficial)

 

   He flipado pero mucho con este tráiler y ya la sitúo como película que más hype me genera de este año. No solo por la confirmación del regreso del Batman de Michael Keaton sino porque tiene una pinta brutal. No obstante, no nos han enseñado más que lo que ya sabíamos, las participaciones de Keaton y Affleck, y la de Supergirl (Sasha Calle) e también de Zod (Michael Shannon). Además de que parece que ésto tiene mucho que ver con los cómics de "Flashpoint", incluso el traje de Flash está más cercano a las viñetas que a la armadura de "La Liga de La Justicia" de Snyder. Pero me da que se están guardando muchas sorpresas porque no vemos ni rastro de Henry Cavill, Gal Gadot, Jason Momoa, para los que posiblemente será su despedida, ni . . . Christian Bale (aunque casi me ha dado un vuelvo el corazón creyendo ver su batmoto) y Christopher Reeve. Si me ha sorprendido ver a Maribel Verdú. Por si fuera poco, según palabras de James Gunn, esta película supondrá un reinicio, aunque quizá quisiera referirse a una transición hacia el DCU que él ha concebido para el futuro. En cualquier caso, esta peli hay que verla si o si.

Llaman a la puerta

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Llaman a la puerta.
Dirección: M. Night Shyamalan.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 100 min.
Género: Intriga, thriller, terror, drama.
Interpretación: Dave Bautista, Jonathan Groff, Ben Aldridge, Kristen Cui, Nikki Amuka-Bird, Rupert Grint, Abby Quinn, William Ragsdale, Satomi Hofmann, Kat Murphy.
Guion: M. Night Shyamalan, Steve Desmond, Michael Sherman. Novela: Paul Tremblay.
Producción: M. Night Shyamalan.
Música: Herdís Stefánsdóttir.
Fotografía: Jarin Blaschke, Lowell A. Meyer.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Cuatro personas llegan a una cabaña donde una pareja disfruta de sus vacaciones con su hija. Y les proponen tomar una decisión terrible para salvar a el mundo del apocalipsis.

   LO MEJOR: Siempre es interesante un director como Night Shyamalan, incluso en una película más pequeña que no es una de las mejores obras del cineasta pero que posee una característica primordial predominante en todo su cine, que el público no suele valorar como se merece, la puesta en escena. Shyamalan es uno de los autores que dominan mejor este arte y, por lo tanto, que mayor dominio tiene del lenguaje cinematográfico. Sin embargo, es bastante injustamente tratado por muchos espectadores también por parte de la crítica profesional. Pero incluso en lo que parece una home invasion al uso, con una premisa inicial bastante sencilla, que trata de llegar del punto A al B, rápidamente nos damos cuenta que hay bastante más. Y el cineasta de origen indio lo dirige con la elegancia y maestría que le caracteriza. Como compone los planos, como elige lo que nos enseña y que no, manejando perfectamente el fuera de campo para que la violencia no sea explícita ni gráfica sino psicológica, o como incide constantemente en los primerísimos planos faciales, casi a lo Sergio Leone, aumentando con ello la tensión, encerrando a los personajes en esos encuadres. Pero además, desde el guion (que no es suyo original sino adaptándolo de la novela de Paul Tremblay) plantea al  espectador acompañar a los protagonistas en su dilema moral y ético que tiene mucho que ver con la incógnita de creer la historia que les presentan los “agresores”. Por tanto, vuelve a tener que ver con una de las temáticas habituales del director, la fé y la creencia.

   Interpretación: Es la primera vez que veo a Dave Bautista hacer un papel de actor de verdad. Aunque ya se vieron muestras brevemente en “Blade Runner 2049”. Pero es que aquí está prácticamente en todas las escenas del film y lo hace realmente bien. Porque lo de Jonathan Groof ya los sabíamos desde la serie “Mind Hunter”. También hace un papel Rupert Grint, actor que Shyamalan conoce de la serie “Servant”.

   Escena (SPOILERS!!): De todos los flashbacks, el único realmente útil es el de la agresión del bar. De hecho, es vital, porque sirve para algo que Shyamalan hizo con “Señales”, relacionar un hecho del pasado con uno actual. Esa agresión hace que uno de los protagonistas comprara un arma que tendrá un papel básico en el secuestro del que son víctimas su pareja, su hija adoptiva y él. Lo que provocará que el dilema moral al que han sido sometidos no sea impuesto o bajo coacción. Por otro lado, quizá la primera muerte debiera haber sido más explícita para mostrar más gráficamente que la cosa iba en serio, y ya el resto hacerlos fuera de campo. Aunque para impactante lo de los aviones estrellados uno detrás de otro. La escena final del restaurante confirma que toda la historia del apocalipsis era completamente verdad y que sacrificándose uno de ellos han salvado al resto del mundo. Este apocalipsis se estaba dando de forma similar a la Biblia, confirmando el transfondo religioso, con desastres naturales, plagas, suicidios colectivos. Y no es la única vinculación, los cuatro secuestradores son revelados como los cuatro jinetes del Apocalipsis, aunque variando sus roles bíblicos.

   LO PEOR: Algunos de los flashbacks no aportan nada salvo hablarnos de los vínculos entre la pareja protagonista y su hija adoptiva pero para la trama solo hacen ralentizar y sacar del suspense de la película. Y bueno, tampoco habría pasado nada por mostrar alguno de las muertes.

   REFERENCIAS: Pues todo el cine de Night Shyamalan, donde estaría más cercana a “El incidente”, que a cualquier otra de sus películas. También hay algo de “El sacrificio del ciervo sagrado” de Yorgos Lanthimos.

   CONCLUSIÓN: 7. Shyamalan vuelve con una película pequeña, sencilla, que inicia como una home invasion al uso pero se convierte en algo más y donde el director hace gala de su característica puesta en escena para mantener el suspense.

Microcríticas Express: Lobo vikingo/She will/Venus

 

   No había visto ni una monster movie noruega en mi vida y en poco tiempo han caído dos, “Troll” y ésta, y lo cierto es que ambas me han gustado sin parecerme nada del otro mundo. Y eso que no inventa nada porque se fusila sin pudor todos los tópicos habidos y por haber de las películas de hombres lobo. Es más, hay evidentes parecidos con las tramas de “Un hombre lobo americano en Londres” (pero sin el tono de comedia) y “Ginger snaps” (por cierto, trilogía muy recomendable), y tiene un guiño visual muy claro a “En compañía de lobos”. Porque lo que esperaba que fuera distinto es que, como en “Troll”, se le diera un toque de la mitología nórdica. Y se plantea, así se presenta en el prólogo, pero luego no se desarrolla, por lo que al final da igual que el lobo sea vikingo (como dice el título) o de Murcia. Para colmo, dejan abiertas bastantes cosas por lo que hace pensar que tienen pensado hacer secuela. Aún así, me ha entretenido. A pesar de sus evidentes medios limitados (el maquillaje es más bien justito), lo que les hace dosificar el monstruo mucho, aunque cuando aparece me ha resultado bastante convincente, y cuando se ve, se ve bien. Además, es muy generosa en cuanto a número de muertes, incluso con alguna que otra masacre, en cuanto a sangre y un poco de gore. A ver, tampoco esperaba mucho más. 6.

   Que manía con querer encajar las películas en movimientos sociales interesadamente, no por parte de los artífices de ésta sino de opiniones de la crítica. Además, sería simplificarla demasiado pues es una compleja visión de la venganza. Pero no es una película representante del #Metoo, leche. Si se toca el tema de la violencia de género pero es tan de pasada y poniendo tan poco énfasis, que solo sirve para dar cierto contexto a una historia que lo único que pretende es ofrecer una experiencia audiovisual muy sensorial, muy de sensaciones generadas por las imágenes, pues la mitad de la película es en un tono muy onírico, en ocasiones visualmente experimental. De hecho, yo he dejado e intentar descifrar cada escena porque resultaba muy frustrante, y me he dejado llevar por las imágenes hipnóticas y la música. No obstante, básicamente es una película de terror con cierto toque sobrenatural implícito. Eso si, no es ni mucho menos para todo el mundo, si no entras en el juego de recreaciones de supuestos sueños y demás, te puede resultar aburrida. Por cierto, las dos actrices, una gran Alice Krige de nuevo y Kota Eberhardt, hacen muy buen trabajo. El desenlace queda claro pero también da lugar a varias lecturas y diferentes interpretaciones. 5’5. 

   Cuando me enteré de que Alex de la Iglesia iba a crear una antología de terror, The Fear Collection, con varios proyectos de los mejores directores españoles en el género pues me pareció una idea muy atractiva. Pero los dos primeros no es que me hayan entusiasmado precisamente, y eso que “Veneciafrenia” era del propio De la Iglesia y ésta de Jaume Balagueró. Por cierto, que se anunciaba como el regreso del mejor Balagueró y lo siento pero no veo nada del nivel de “Los sin nombre”, “Darkness” o “REC”. Aún así supera a su compañero con “Venus”, lo cual no es que fuera muy difícil. Inspirada en un cuento de H.P. Lovecraft en lo que es una modernización muy libre de “Los sueños de la casa de al bruja”, que forma parte de los Mitos de Cthulhu, en una mezcla de thriller de traficantes de drogas y terror cósmico, que por momentos recuerda al Darío Argento de “Suspiria” o al Rob Zombie de “Lords of Salem”. Ojo, por momentos, nada más, porque en otros tiene serias lagunas. De primeras le cuesta arrancar un mundo y gran parte de la película me he estado preguntando que narices pintaban los traficantes en esta historia. Y el último cuarto de hora es un sin sentido narrativo impropio de un director como éste. Al menos se pueden salvar unas cuantas escenas bastante adrenalíticas y brutales, donde no se escatima en violencia y sangre. Y lo más sorprendente, que Ester Expósito lo hace bastante bien, de hecho, lo da todo. 5.

Club de opiniones: Decisiones DC

 

   Tras el anuncio de los diez primeros proyectos de DC Studios, que integrarán la primera parte de lo que llamarán "Dioses y monstruos", y la posterior entrevista a sus directores, James Gunn y Peter Safran, cabe valorar que opinión tenemos de ésto, junto con los futuras ausencias de Henry Cavill y Ben Affleck como Superman y Batman, respectivamente, y las más que probables de Gal Gadot y Jason Momoa como Wonder Woman y Aquaman. Aunque Momoa podrían reciclarle como Lobo.

   Tengo que decir que inicialmente me pareció una excelente elección James Gunn como codirector creativo para DC. Pero también reconozco que me sentó a cuerno quemado cuando me enteré que prescindían de Henry Cavill, el mejor actor que se ha colgado la capa roja (si, mejor que Christopher Reeve), a quien el público aclamaba. Ahora bien, aunque la decisión me pareció un error de los que hacen época, pues Cavill es un seguro de taquilla y dejándole ir, es como si un entrenador de fútbol deja salir gratis a su principal estrella y lo deja a punto de caramelo para su mayor rival, que en este caso sería Marvel, pero reflexionando sobre el tema se puede explicar la decisión.

   Lo primero que hay que aclarar es que no le despidieron. El anuncio de la vuelta de Cavill al personaje se dio antes de la de llegada de Gunn y Saffran a la dirección, donde parece ser que Dwayne Johnson aprovechó el vacío de poder de Warner para presionar con el regreso del Superman de Cavill, lo que le venía bien para su “Black Adam”.

   Ahora bien, no pretendo ser abogado del diablo pero entiendo que James Gunn quiera empezar de cero, olvidándose del Snyderverse (que recordemos ya estaba cerrado, con Zack Snyder fuera de Warner y en otros proyectos). Sobre todo si la piedra angular del nuevo universo será “Superman Legacy”, con un personaje más joven, que acaba de empezar en el Daily Planet. Recordemos también que el Clark Kent de Snyder está muerto, se llegó a celebrar el entierro, así que no podría volver bajo esa identidad. Y es muy posible que Gunn quiera abordar historias de Superman que chocan con lo ocurrido en las tres películas del Superman Snyderiano. Además de que Cavill tiene cuarenta años y si el proyecto que se va a poner en marcha es a diez años el actor acabaría con 50 y Ben Affleck con 60. Pero es que Amy Adams (Lois Lane) tendría 58, acentuando más aún la diferencia de edad con Cavill.

   Por eso, aunque me duela, puedo entender que Henry Cavill no sea la idea de Superman que contempla Gunn y Saffran. Respecto a sus proyectos, pues hay cosas muy interesantes aparte de ese “Superman Legacy “, aunque tengo mis dudas sobre si serán rentables económicamente, como “Supergirl: woman to tomorrow” o “ Swang thing” (La cosa del pantano). Y me da curiosidad la serie de las Amazonas de “Paradise Lost”, definida como un “Juego de tronos” del Temiscira de Wonder Woman.

   Aunque la de “Amanda Waller” canta por soleares. Gunn se queda con lo que tiene relación con lo que ha hecho él mismo pero hay que recordar que su “The Suicide Squad” fue un fracaso estrepitoso en taquilla. Si me parece interesante que mantengan otros proyectos en lo que él llama “Elseworlds”, a parte de DCU, como “The Batman” o “Joker”.

Escenas Míticas: Diminutos - Ant-Man

 

   Se estrena en breve la tercera parte de esta película, “Ant-Man y la Avispa: Quantumania” en lo que promete ser una de las películas evento de Marvel para este año. Quién lo iba a decir cuando se estrenó ésta en 2015, pues no era precisamente uno de los personajes más populares a pesar de haber formado parte de los “Vengadores”, y que se estrenó como un spin-off menor, a pesar de destinarle un gran presupuesto, por detrás de los de Iron Man, Capitán América o Thor.

   De hecho, es la película número doce en el UCM, estrenada tras “Vengadores, la era de Ultron” y “Civil War” donde participaría también Ant-Man. Que precisamente fue el motivo que hizo salir del proyecto a Edgar Wright (“Última noche en el Soho”), que pretendía que la película fuera totalmente independiente y no tuviera ninguna vinculación con Universo Cinematográfico de Marvel, lo cual chocaba de frente con los intereses del estudio.

   Wright y Joe Cornish habían elaborado hasta tres borradores de la historia, todos con ese enfoque desvinculado de “Los Vengadores”. Finalmente, el director de “Baby Driver” abandonó alegando diferencias creativas. Por lo que se llamó a Adam McKay ("La gran apuesta") para que le diera una vuelta al guion adaptándolo a las peticiones del estudio. Incluso Paul Ruud aportó ideas a ello.

   La salida de Edgar Wright también dejaba vacante en la silla del director, en la que se terminó sentando, y sigue haciéndolo pues también ha dirigido, y bastante bien, las dos secuelas, Peyton Reed, que hasta el momento había realizado varios documentales sobre películas como “Regreso al futuro “ o “Forrest Gump”. Y unas cuantas comedias, no demasiado destacadas por cierto.

   Pero es que es eso lo que querían los productores, una comedia de acción para la familia. Es más eso que una película de superhéroes. Incluso es más de ciencia-ficción que otros spin-off de “Vengadores”, más cercanos al género fantástico puro. Es más, tenía como referente varios títulos emblemáticos de la ciencia-ficción, como “2001, una odisea del espacio”, “El abismo negro “ o la más evidente, “El increíble hombre menguante”.

   Se apostó por Paul Ruud precisamente por el gancho que podría tener como héroe familiar ya de entrada, por delante de opciones que se rumorearon como Joseph Gordon Levitt. Para el papel de Hank Pym (que en realidad era el primer Ant Man de los cómics) el abanico fue mayor, barajeando nombres como Pierce Brosnan, Sean Bean, Gary Oldman o el favorito, Steve Buscemi.

   Pero finalmente fue para Michael Douglas, que aceptó porque le hacía ilusión que sus hijos pudieran por fin ver una de sus películas. A Ruud y Douglas les acompañaron Evangeline Lilly (mi debilidad y eso que aquí todavía no es la Avispa), Corey Stoll, Bobby Cannavale, Michael Peña y Judy Greer. Y contó con las apariciones de Anthony Mackie y Hayley Atwell.

   A parte del reparto, la otra faceta importante por motivos evidentes eran los efectos especiales, de los cuales se ocupó la famosa Industrial Light and Magic, inicialmente de George Lucas. Que utilizaron diferentes técnicas como la captura de movimiento, la fotografía trucada, el stop motion o la exposición múltiple. Eso sí, se les pidió que el diseño de las hormigas no fueran tan amenazantes pues pretendían que la película fuera para todos los públicos.

   Por cierto, Paul Ruud compró una granja de hormigas para poder observar cómo trabajaban. La cuestión es que el resultado fue una película mucho más entretenida y divertida de lo esperado, que tuvo mayoritariamente críticas positivas y que funcionó en taquilla. Costó 130 millones de dólares, 170 con gastos de distribución, y recaudó 520 en salas de cine.