Escenas Míticas: Especial Épicas - El último samurái

 

   No figura en los primeros puestos de películas épicas pero es una de mis favoritas. Ya sea por el interés que me suscita la cultura japonesa, más en concreto, la de los samuráis, o por la confianza en su protagonista, pues no tengo esa animadversión absurda que tienen algunos, sino todo lo contrario. Porque más allá de sus peripecias de acción con la saga “Misión imposible”, Tom Cruise ha querido tocar todos los géneros; bélico, ciencia ficción, incluso terror, y con esto ya tenía su película de historia épica.

   Historia más inspirada que basada, y no, no es lo mismo. Para basarse hay que tener un alto porcentaje de fidelidad a los hechos reales. Si bien es cierto que la trama se centra en un momento muy concreto que hace referencia a el ocaso de los samuráis, se toma tantas licencias históricas como le es necesario para, a su juicio, hacerlo lo más atractivo posible a la película. Y no pasa nada, no es un documental.

   No obstante, es necesario situarla en el tiempo y en el periodo histórico. Esto es alrededor de 1876, cuando se dio el enfrentamiento entre los que se le llamó la Restauración Meiji, que proponía una modernización de Japón a través de su occidentalización. Esto chocaba con la llamada Rebelión Satsuma, formada por varios clanes, en los que se encontraban los samuráis, que apostaban por los valores tradicionales y se oponían a la entrada de las potencias extranjeras, como la norteamericana o las europeas, a Japón.

   Encabezando esa rebelión estaba Saijo Takamori, que corresponde al personaje de Katsumoto, interpretado por Ken Watanabe. Sin embargo, el de Nathan Algren, interpretado por Tom Cruise, está basado en la mezcla de dos personajes reales, y no uno solo como dicen algunas fuentes. Uno fue Frederick Towsend Ward, mercenario contratado al servicio de la China Imperial durante la rebelión de Taiping.

   Y el otro en el que se reconoce más claramente el Algren de la película, Jules Brunet, que era francés en realidad y que aunque inicialmente ayudó al Japón Imperial, se sintió tan sumamente cautivado por la cultura clásica japonesa que llegó a combatir con los mismísimos samuráis y efectivamente asistió a su ocaso, aunque no de una forma tan directa como se ve en el film.

   Un Tom Cruise que descartó trabajar en “Cold Mountain” papel que terminaría a cargo de Jude Law, para poder meterse en la piel de Algren . Para ello, entregado al máximo como suele ser habitual en este actor, pasó ocho meses aprendiendo karate y kendo, y estudiando el Bushido, el código samurái. Además de estar casi dos años practicando el uso de la espada. Su afán de no utilizar dobles en las escenas de riesgo casi le jugó una mala pasada al estar a punto de morir decapitado tras el fallo de un caballo mecánico.

   Lo cual evitó otro de los intérpretes del reparto, Hiroyuki Sanada. A estos, Cruise y Sanada, les acompañaron en el reparto el mencionado Ken Watanabe (qué fue nominado al Oscar como actor de reparto), Tony Goldwin, Timothy Spall, Billy Connolly y Koyuki Kato (que venía de ser uno de los protagonistas de “Kairo” una perturbadora película japonesa de terror que tuvo su correspondiente remake americano con “Pulse”). Por cierto, con motivo de la promoción de la película, fue la primera vez que salía un hombre, Cruise, en la portada de la revista “Marie Claire”.

   Eso delante de la cámara, tras ella un efectivo artesano de la dirección, Edward Zwick, que ya había manifestado un gusto por el cine de corte épico, como en “Tiempos de gloria” o “Leyendas de pasión”. Pero que además tiene otros títulos interesantes en su filmografía en otros géneros, como “Estado de sitio” (terrorismo), “En honor a la verdad” (bélico), “Diamantes de sangre” o “El caso Fischer” (ajedrez). Quizá no es un maestro pero si un cineasta fiable para sentarse en la silla de director.

   Zwick no esconde que su principal inspiración era el cine de Akira Kurosawa, más en concreto “Los siete samuráis”. Aunque utilizando técnicas más modernas, como el programa de Software Massive, creado por Weta Digital para recrear las multitudinarias batallas de “El señor de los anillos”, y que también se utilizó para películas como “Troya” o “Alejandro Magno”.

   Y, por supuesto, cumple a la perfección las características típicas de este cine; romance, batallas, tragedia (de hecho, es de las pocas películas que me han hecho llorar en una sala de cine) y la magnífica música, una vez más, de Hans Zimmer, que no fue ni nominada al Oscar. Si lo fue, como ya he dicho, Ken Watanabe, el diseño de producción, vestuario y sonido. Tuvo mayoritariamente buenas críticas y comercialmente fue un éxito de taquilla. Costó 140 millones de dólares y recaudó 456 en salas. 

The Creator

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Creator.
Dirección: Gareth Edwards.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 133 min.
Género: Ciencia-ficción, acción.
Interpretación: John David Washington, Madeleine Yuna Voyles, Gemma Chan, Allison Janney, Sturgill Simpson, Marc Menchaca, Ken Watanabe, Ralph Ineson.
Guion: Gareth Edwards, Chris Weitz.
Producción: Gareth Edwards, Kiri Hart, Arnon Milchan.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Greig Fraser, Oren Soffer.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En medio de una guerra desarrollada en el futuro entre la especie humana y las maquinas controladas por la inteligencia artificial, un hombre recibe la misión de encontrar al Creador, responsable de crear un arma definitiva para decantar la balanza a favor suyo.

   LO MEJOR: Es reconfortante que lleguen a la cartelera películas de presupuesto holgado (aunque controlado) que no pertenezcan a ninguna franquicia, que no sean remakes o reboots, ni forme parte de ningún universo de superhéroes. Más todavía tratándose del género de la ciencia-ficción, el cual mezcla eficazmente con el de acción e incluso el bélico, como ya habíamos visto en títulos anteriores de este director, Gareth Edwards, que para colmo, parte de material original, coescribiendo un guion que tampoco es la adaptación de ninguna novela o cómic. Otra cosa es que beba de fuentes bastante evidentes, como veremos después. Porque el tema de la inteligencia artificial como amenaza para la humanidad ya lo hemos visto bastantes veces y también la reflexión sobre hasta qué punto puede llegar a ser una máquina humana, incluso más que un propio ser humano, también. Si bien le da la vuelta a la tortilla, poniendo las máquinas como las víctimas oprimidas. Porque de lo que realmente quiere hablarnos Edwards es precisamente de la especie humana y de su tendencia al genocidio. Aunque transite por lugares comunes, se agradecen propuestas de ciencia-ficción seria, que no todo pueden ser space óperas. Y de calidad, porque visualmente es impresionante, gracias a un director que sabe lo que hace con la cámara, y si me apuras, en la sala de montaje, lo que dota la película de un muy buen ritmo, que hace que se pase volando a pesar de sobrepasar las dos horas de metraje. Hacen falta más de estas.

   Interpretación: John David Washington parece empeñado en sacudirse la pesada etiqueta de ser hijo de toda una institución interpretativa como es Denzel Washington, eligiendo caminos diferentes y a la vez no repitiéndose a sí mismo, porque aunque de nuevo esté en una película de ciencia-ficción, su papel e interpretación dista mucho de la de “Tenet”. Su buen funcionamiento depende y mucho de la buena química que tiene con la jovencísima (una niña) debutante Madeleine Yuna Voyles, que es total. Pero además tenemos en el reparto a gente como Allison Janney, Gemma Chan o Ken Watanabe.

   Escena (SPOILERS!!): Se reconocen muchos elementos de películas anteriores de Gareth Edwards (de una muy corta filmografía aún), como es en el caso “Rogue One”, con ciertas paralelismos con ella, como en la redada del inicio, el ataque de los helicópteros (que claramente recuerdan al de los de “Apocalipse now” con la “Cabalgata de las Valquirias” de Wagner de fondo) o la misión prácticamente suicida de acabar con la Nomad al final. Esa semejanzas y el tono bélico general recuerdan a “Rogue One”. Sin embargo, hay momentos que podrían haber ido más allá, como en el caso de la muerte de la novia androide del amigo que les ayuda a escapar. Si aciertan en la manera de hacer que se reencuentren los personajes de Washington y Chan al final, justo antes de la explosión de la Nomad.

   LO PEOR: Como decía, sus influencias son bastante claras y eso provoca que en muchas ocasiones sea previsible. Tiene varios momentos en los que podría haber ido más allá, haber sido tan atrevida en el desarrollo como sí lo había sido en el planteamiento. Pero decide no arriesgar a la hora de la verdad y quedarse en terrenos más conocidos por todos.

   REFERENCIAS: Toca temas que ya hemos visto en otras películas hijas de “Blade Runner”. Pero aquí más orientados a lo planteado en “Distrito 9” y “Yo, robot”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Aunque transite por lugares comunes sobre la inteligencia artificial, le da una vuelta y se agradece que sirva tanto como propuesta seria de ciencia-ficción no dependiente de ninguna franquicia como buen entretenimiento.

Microcríticas Express: The Bear/The Morning Show/One Piece

 

   No me lo quería creer. Como iba a ser tan buena una serie de cocina. Vale, no es exactamente eso, se trata de como llevar un restaurante. Pero si es verdad que hay mogollón de conversaciones sobre cocina, sobre recetas, . . . ¿Cómo podía ser tan interesante eso? Pues porque hay series entretenidas, hay series buenas y hay series mágicas, y esta es las tres cosas. Es por eso que cuando termina te deja ese clásico vacío, de “que hago yo ahora con mi vida” (esperando la tercera temporada). Porque empatizas con los personajes desde el minuto uno. Son gente normal intentando salir adelante como podemos ser cualquiera de nosotros. De tal manera que la primera temporada representa la supervivencia (de ese restaurante de mala muerte y de ellos mismos) y la segunda la transformación (lo mismo), en la que indaga más profundamente en cada personaje. Los paralelismos entre la evolución del restaurante y la de sus propias vidas es constante. Eso si, igual se te quitan las ganas de abrir uno, si es que lo tenías pensado. Aunque si te dan ganas de comer, por lo que no es recomendable ver con hambre. Pero es que además es tremendamente entretenida. Son episodios de media hora de duración que se pasan como si fueran cinco minutos, merced a un ritmo muy alto, en ocasiones tan endiablado que terminas exhausto. Así que, si, es verdad todo lo bueno que hablan sobre ella. Si, chef. 8.

   Es uno de los buques insignia de Apple TV Plus, a la que parece que no se les acaba el dinero a juzgar por la cantidad que está metiendo en esta serie, en forma de sueldos para poder mantener un reparto que ya quisieran muchas películas. Ese era su principal problema, poder seguir haciendo temporadas y reuniendo a todos esos actores. Pues no solo lo han conseguido sino que además han ido incorporando algunos más, aunque sea como personajes recurrentes. Ojo, el casting es una maravilla no solo por sus estrellas sino por todo el elenco de secundarios. La cuestión es que es bastante buena la serie. Lejos de perder fuelle, va incluso mejorando, gracias a un guion que enriquece las tramas, hasta el punto que la tercera temporada me ha parecido la mejor. Al menos es la más emocionante hasta el final, porque vaya finales de temporada que tiene. Para los que todavía no se hayan asomado a ella, trata sobre un programa televisivo matinal. Eso es el preámbulo, hay mucho más. De hecho, lo que parecía solo un reclamo sobre el acoso sexual en las cadenas de televisión ha sabido actualizarse constantemente pasando por temas como la pandemia del covid, los lobbys millonarios, la política en Estados Unidos, el racismo o la guerra de Ucrania. Había renovado para una cuarta temporada ya antes de estrenar la tercera, tal era la confianza que tienen en ella, y no me extraña. 7’5.

   Dato muy importante: no soy fan del anime. Así que si normalmente no me preocupa en absoluto como se lleva a cabo una adaptación, conozca o no el material original porque tengo totalmente asumidas las licencias que se toman y que son medios distintos, pues aquí me importaba todavía menos. Dicho esto, he ido bastante virgen a verla y como no sabía que me iba a encontrar, el primer episodio me costó un poco. No esperaba tanta locura, tanta fantasía, incluso tanto humor. Pero hizo que me picara la curiosidad hasta el punto de llegar a echarle un ojo al anime, que por lo que vi, parecía que el live action era bastante fiel. Al menos en cuanto a la estética. Porque precisamente lo que me llamó la atención es el diseño de producción. Visualmente es muy atractiva. Eso me hizo permanecer a bordo y ya en el tercer episodio me lo estaba pasando bomba. Pero que divertida es. Además, el casting está genial. Me he enamorado de Emily Ruud (que luego recordé que ya la había visto en “La calle del terror”) y su Nami (bastante menos sexualizada que en su versión animada, menos mal). Para colmo, las escenas de acción están muy logradas, y algunas de ellas son muy locas. Así que, el balance general ha sido que es un entretenimiento ligero y fresco, mejor de lo que esperaba. Solo dos apuntes más. Volví a acercarme al anime pero al ver que tiene como mil y pico episodios, va a ser que no voy a verlo. Lo que me lleva al segundo apunte, ¿Cuántas temporadas serán necesarias para adaptarlos al live action? ¿En Netflix, la plataforma con menos paciencia, más cortarrollos y más canceladora que hay? Ha renovado para una segunda temporada pero va a ser que tampoco la van a terminar. 7.

Escenas Míticas: Especial Épicas - Gladiator

 

   Ridley vuelva al cine épico con en el estreno de “Napoleón”, lo que ha supuesto su reencuentro precisamente con Joaquín Phoenix. Un género que ha visitado en diversas ocasiones a lo largo de su carrera, con ejemplos tan claros aunque menos exitosos como “El reino de los cielos” o “Robin Hood”. Y volverá a hacerlo pues también se pondrá tras las cámaras para realizar la tan cacareada secuela de la película que hoy vamos a visitar.

   La cual llegaba tras un período, prácticamente una década, en el que el éxito de crítica se le resistía, concretamente desde el último, “Thelma y Louise”, con títulos como “1492, la conquista del paraíso”(para mí una buena película), “Tormenta blanca” (con un perfil más bajo de lo que acostumbra este cineasta), y “La teniente O'Neill” (una película más propia del estilo comercial de su hermano Tony Scott).

   Pero llegó esta “Gladiator” para instalarse como uno de los títulos más representativos del director inglés, junto a otros tan consagrados como “Alien, el octavo pasajero” o “Blade Runner”. Además, le serviría para remontar el vuelo de su carrera porque después vendría “Hannibal” (ya la defendí en su momento) y otra de las mejores películas de su filmografía “Blackhawk derribado”.

   Lo que atrajo  Ridley Scott es poder retratar la Roma antigua recuperando un género tan clásico pero también olvidado como el peplum. Lo que aquí siempre hemos conocido coloquialmente como “una de romanos”. No en vano, el propio cineasta reconocía como influencias títulos como “La caída del Imperio Romano”, “Ben-hur” y “Espartaco” (que recordemos ya había sido un claro referente para el William Wallace de Mel Gibson en “Braveheart”).

   Eso sí, lo recrearon con una libertad que enfureció a varios asesores históricos hasta el punto de que algunos de ellos llegaron a renunciar. Para Scott era importante tomarse las licencias históricas necesarias para hacer más interesante la película. En ese sentido, estaba claro que era una historia de ficción, no una recreación histórica. De hecho, estaba inspirada, que no basada, en un libro sobre gladiadores de Daniel P. Mannix.

   Pero no, Máximo Décimo Meridio no existió y, de hecho, está basado precisamente en la versión joven de un personaje que aparece en la película, Marco Aurelio. Que tampoco murió a manos de Cómodo, ni este de ningún gladiador en la arena del Coliseo Romano. Al mismo tiempo hay numerosas inexactitudes históricas en el vestuario del reparto, como el fantasioso diseño de los cascos, lo cual no le impidió ganar el Oscar al mejor vestuario de ese año, 2000.

   Y es que no pasa nada, las películas no son libros de historia. Es más, los libros de historiadores contienen los puntos de vista subjetivos de sus escritores. No podemos considerarlos la verdad absoluta punto por lo que el cine, con más razón, es lógico que se tome licencias prácticas en favor de la propia historia de la película. Aquello de “no dejes que la verdad te estropee una buena historia”.

   Curiosamente, Scott recurría a uno de los miembros de su reparto para consultar dudas históricas, concretamente a Connie Nielsen, muy aficionada precisamente a la historia antigua. A Nielsen la acompañaba un Russell Crowe que no fue la primera opción para el papel. Lo fue Mel Gibson, que lo rechazó por dos motivos, considerarse mayor para el personaje, lo mismo que adujo con los productores de “Braveheart” aunque igualmente le instaron a interpretarlo, de lo contrario no financiarían la película. Y por ser un personaje con paralelismos con William Wallace.

   Finalmente fue para Crowe y eso le valió el Oscar, así que no fue mal la cosa. Tras los ya nombrados, todo un sensacional elenco de secundarios de lujo, encabezado por un joven Joaquin Phoenix, pero con nombres como Richard Harris, Derek Jacobi u Oliver Reed, que murió durante el rodaje de un infarto, y hubo que rellenar lo que faltaba con un doble digital.

   Porque si hablamos de que "Braveheart" renunciaba a los trucajes digitales, esta hacía todo lo contrario. La entrada multitudinaria de Cómodo a Roma o el público del Coliseo, por poner un par de ejemplos, estaban recreados con efectos visuales generados por ordenador. Lo que también le supuso otro Oscar a la película. La que no lo ganó fue la inolvidable banda sonora de Hans Zimmer y Lisa Gerrard, en favor de "Tigre y dragón". Si consiguió el Globo de Oro.

   Porque tuvo hasta doce nominaciones y aunque consiguió transformar menos de la mitad en premios, cinco, fue la triunfadora de esa edición, ganando como mejor película, sonido, y los mencionados de vestuario, mejor actor y efectos especiales. Por supuesto, las críticas fueron muy positivas. Y al público le encantó. costó 100 millones de dólares y recaudó 457 en taquilla. Por cierto, hay una versión extendida con unos 15 minutos extras.

El asesino

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El asesino.
Dirección: David Fincher.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 118 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Michael Fassbender, Tilda Swinton, Charles Parnell, Arliss Howard, Sophie Charlotte, Monique Ganderton, Kerry O'Malley y Sala Baker.
Guion: Andrew Kevin Walker. Novela gráfica: Alexis Nolent.
Producción: Cean Chaffin, William Doyle, Peter Mavromates.
Música: Trent Reznor, Atticus Ross.
Fotografía: Erik Messerschmidt.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras una misión fallida, un asesino profesional se enfrenta a las consecuencias de ese fracaso y de la posibilidad de salir vivo de la situación.

   LO MEJOR: Ha dividido al público y paradójicamente incluso me parece buena señal. Porque cuando una película es interpretable significa que no es convencional. Quizá la esperada vuelta, tras una rara avis en su filmografía como es “Mank”, al thriller y además reuniéndose de nuevo con el guionista con quien trabajó nada menos que en “Seven”, Andrew Kevin Walker, haya generado unas expectativas equivocadas a gran parte de sus fans. Porque aunque la trama sea la enésima historia de asesino a sueldo, como la ha abordado Fincher la hace distinta a otras propuestas con premisas similares. Y la clave está en que esto es un ejercicio de autor y no uno comercial. Si alguien esperaba algo cercano a John Wick, esta no era la cuestión para David Fincher. Un cineasta que ha abordado la figura del asesino desde distintas perspectivas y ninguna se ha percibido de forma una igual a otra. Y eso es precisamente porque hay un autor tras la cámara. Aquí realiza un pormenorizado retrato de un asesino a sueldo profesional que para colmo ejecuta una venganza. Hasta ahí todo nos suena pero es en los matices que aporta el cineasta donde podemos apreciar como sutilmente lo que nos está contando es la humanización del protagonista. El cual apenas tiene diálogo salvo el que escuchamos en off que es más el sonido de sus pensamientos que el de una voz narradora. De hecho, en esas frases que se dice a si mismo está parte de las claves para entender sus actos.

   Interpretación: No es el mejor, porque probablemente ese sea el de “Shame”, como me apuntaban recientemente, pero si puede estar entre los mejores trabajos de Michael Fassbender. Hay que tener en cuenta que su papel apenas tiene diálogo, que debe dar la apariencia de ser absolutamente frío, incluso inexpresivo, y a la vez expresar. Se nota que la creación del personaje ha sido en total consonancia con el director. Aparte, tenemos la breve pero muy notable intervención de Tilda Swinton, que es impagable. No le hace falta mucho más.

   Escena (SPOILERS!!): Esa humanización de la que hablaba se advierte en los siguientes matices. El primero de ellos es el propio desencadenamiento de los acontecimientos, fallar en su misión. El segundo es volver a su casa, pero es que tiene un motivo, ahí está su pareja, la cual está al corriente de su ocupación, porque, de hecho, le protege. Alguien que claramente le importa al asesino. Es por ello que inicia una escalada de asesinatos que tiene a la vez la función de venganza pero también de asegurarse de que lo que le ha pasado a ella no vuelva a ocurrir. Después, duda antes de matar al taxista, pero es un cabo suelto y lo hace. A continuación mata al abogado pero prácticamente de manera involuntaria, por un nuevo error de cálculo. Y la siguiente es su secretaria que atendiendo a su petición de no hacerla desaparecer para que sus hijos puedan cobrar el seguro, la mata de forma que parezca un accidente doméstico. Cuando va a matar a uno de los que torturaron a su novia, no hace lo mismo con su perro, prefiere dormirlo a matarlo, a pesar de que lo puede hacer en dos ocasiones. Cuando va a por el personaje de Tilda Swinton es la primera vez que demuestra sus emociones, prefiere verla frente a frente, se siente orgulloso, incluso se ríe con el chiste de ella. La mayor controversia es porque no mata al último. La razón es puramente lógica. De todos los responsables es el único que ni siquiera sabe quien es. Pero lo más importante, es el único cuya muerte le podría ocasionar complicaciones, como una investigación que podría llevar a él. Y él lo que verdaderamente pretende es salir airoso y escaparse con su pareja. Es una decisión como él, pragmática.

   LO PEOR: En parte entiendo al público que no ha terminado de gustarle. Incluso a mí mismo me dejó frío. Porque la película es pretendidamente fría y cuesta asimilar algunas decisiones del personaje principal y de como lo ha llevado a la pantalla David Fincher. Que para colmo va a contracorriente del ritmo desenfrenado que parece exigirse dictatorialmente hoy en día. No, es lenta y lo sabe. Yo daría un consejo, reflexionar la película un día o dos después de verla.

   REFERENCIAS: Se basa bastante libremente en la novela gráfica homónima de Alexis Nolent. Cinematográficamente podemos acordarnos de “León. El profesional” y más claramente de “Chacal”, más la versión clásica que el remake con Bruce Willis.

   CONCLUSIÓN: 7’5. David Fincher regresa al thriller para hablarnos de otro asesino, esta vez a sueldo, realizando un detallado retrato de su forma de actuar pero a la vez aportando matices que lo diferencian de otras propuestas similares.

Trailerfilos: Damisela (trailer oficial)

 

   Netflix demuestra que Milly Bobby Brown es una de las actrices por las que más apuesta, y mientras esperamos la quinta y última temporada de la serie más exitosa de la plataforma, "Stranger things", y se da luz verde a una nueva secuela de "Enola Holmes", llegará a lo largo de 2024 (la huelga de actores y guionistas a aplazado la fecha) este cuento oscuro de fantasía, con dragones incluidos, en el que acompañarán a la joven actriz nombres como Robin Wright, Angela Bassett o Ray Winstone. A cargo de la dirección de Juan Carlos Fresnadillo (28 semanas después").

Música de Película: Ahsoka

 

   Kevin Kiner es un veterano compositor de bandas sonoras pero en su gran mayoría asociado al mundo de la televisión, colaborando en un montón de series. Precisamente en una de ellas lo hizo con Dave Filoni, creador de la "Star Wars: The Clone Wars", y también lo hizo en la película, además de otras series secuelas como "Star Wars: Rebels". Y ahora, de nuevo, ha trabajado con Filoni para "Ahsoka" donde quizá haya firmado su mejor trabajo.

Tema: End credits.

Título: Ahsoka.

Intérprete o compositor: Kevin Kiner.

Tema: Purrgils.

Título: Ahsoka.

Intérprete o compositor: Kevin Kiner.

Microcríticas Express: La conferencia/Apéndice/Sangrientos dieciséis

 

   Aunque cumpla con varios de los tópicos habituales de los slasher, como que la trama se desarrolle en un lugar apartado, durante unas jornadas de trabajo fuera de la oficina en un complejo de cabañas, o que el asesino lleve una máscara, bueno no exactamente pero para más señas aparece en el cartel de la película, no es el típico slasher. Primero porque es sueco y se nota, lo que ya cambia su tono respecto a los americanos. Segundo porque hay una subtrama de intriga que se presenta incluso antes de los asesinatos y que sirve como hilo conductor para lo que va a ocurrir después. Y tercero porque los personajes tienen personalidad, un variopinto grupo de compañeros del curro. Pocas veces os sentiréis tan identificados porque a muchos os recordará a vuestro entorno de trabajo, en algunos de ellos bastante tóxico. Quizá tarde un poco en arrancar pero cuando lo hace se convierte en un entretenimiento muy divertido, con unas muertes de lo más brutales (con toooda clase de armas) y un humor muy negro. Tiene un mensaje sobre el mundo laboral en las grandes empresas pero básicamente su objetivo es entretener y lo consigue. Solo una apreciación, la protagonista, aunque es un reparto muy coral, es la persona con más suerte del planeta a la hora de conseguir no clavarse objetos punzantes. 6.

   Hay que ver que sorpresas de terror trae en muchas ocasiones Hulu, que se puede ver a través de Disney+. Además, con una directora debutante, Anna Zlokovic, pues hasta el momento solo había hecho televisión, videoclips y . . . cortos. De hecho, la película es una especie de extensión de un corto suyo. Y tiene personalidad porque desde el minuto uno hay un empeño en que nos sintamos incómodos y de que sepamos que algo anda mal. Estas películas ya no se ven mucho, por desgracia, y me ha recordado generosamente a las pelis de serie B ochenteras. No por su ambientación, que es plenamente actual, pero si por su temática y su gusto, y esto se lo agradezco mucho, por los efectos especiales artesanales. Incluso esa cutrez, que podría ser incluso adrede, resulta deliciosa. Hay bastante del David Cronenberg (se me ocurre “Cromosoma 3”) de esa década de los ochenta en la historia, en su etapa de la nueva carne; una película con monstruitos, con un poco de body horror (no demasiado) pero con un guion. Funcional, claro está, pero efectivo, y con sus giros. Ha habido varias veces que he dicho, “pero que coj…”. Serie B, autoconsciente de lo que es, sin ningún complejo de serlo y que resulta muy divertida, porque además tiene un humor negro de mucha mala leche. 6.

   Hace unos años se hizo una especie de experimento que mezclaba varios géneros, la comedia, el terror y la ciencia-ficción, más concretamente el slasher y las paradojas temporales, en “Feliz día de tu muerte”, en lo que parecía una slasher noventero metido en la trama de “Atrapado en el tiempo”. La cosa salió bien, de hecho, tuvo una secuela, y a mí particualrmente me pareció muy divertida. Pues bien, el productor de aquella, Jason Blum (si, el de Blumhouse) apuesta por una variante de aquella. El tono vuelve a ser de comedia, tiene buenas dosis de asesinatos sangrientos, y también tiene una vuelta de tuerca mezclando con un clásico de ciencia-ficción, en esta ocasión, ochentero. Que es “Regreso al futuro”. La premisa es la misma, viajar al pasado para evitar una serie de acontecimientos. Y nuevamente me ha parecido muy entretenida. La película es auntoconsciente de su propia ocurrencia y realiza evidentes guiños a las películas en las que se inspira. En la parte de slasher al que más claramente mira es a “Scream”, a la cual hasta menciona (por cierto, haciendo un spoiler como una catedral). Como curiosidad, incide en el choque de comportamientos que tienen los adolescentes de dos épocas separdas por varias décadas, y narra la historia desde los dos puntos de vista, el pasado y su reflejo en el presente, y está chulo. Además, está Kiernan Shipka, que está genial. 6’5.

Trailérfilos: Madame Web (tráiler oficial)

   El año que viene llegará otra película del universo de Spiderman. Un personaje no muy conocido, Cassandra Webb, en la que será una historia de orígenes cuando descubre sus poderes de clarividencia. La interpretará Dakota Johnson aunque personalmente me causa más curiosidad ver a Sydney Sweeney como Wonder-Woman. En el reparto habrá alguna que otra cara conocida como Adam Scott o Emma Roberts. Se estrenará el 14 de febrero.

Escenas Míticas: Especial Épicas - Braveheart

 

   Una de esas pocas películas que parece que aúna todas las opiniones positivas, al menos por parte del público. Es difícil encontrar, la habrá, gente que ponga a parir esta película. Y sin embargo, alabándola hay por todas partes. Recuerdo cuando fui al cine a verla que los espectadores salían impresionados de la sala, y conmovidos. Porque como buena película épica, cumple la premisa de tener batallas, tragedia, romance y gran banda sonora.

   Batallas que a día de hoy me siguen pareciendo las más espectaculares de la historia del cine. Sí, porque muchos afirmarán, y no les faltará razón, que esas son las de “El señor de los anillos”, más concretamente las de “Las dos torres” y, sobre todo, “El retorno del rey”. Pero, amigas y amigos, esas tenían trampa, esos vastísimos ejércitos estaban recreados digitalmente mientras que en “Braveheart” no.

   Una tecnología que ya tenía a su disposición pero a la que renunció a Mel Gibson que quiso que hasta las grandes oleadas de flechas fueran reales. Y para recrear esas grandilocuentes batallas tiró de hasta 1600 extras, la mayoría pertenecientes a la reserva del ejército irlandés. Solo la primera batalla, la de Stirling, supuso seis semanas de rodaje y un total de 90 horas acumuladas.

   La trama se sitúa en la Primera Guerra de Independencia Escocesa, comprendida entre el siglo XIII y el XIV, y surge como reivindicación de un héroe de la rebelión de los escoceses contra el reino inglés. De hecho, el apodo “Braveheart”, realmente le correspondía a una figura históricamente posterior, Robert Bruce, que se convertiría a la larga en Robert I de Escocia. El titular la película así referido a William Wallace es una manera de decir que el verdadero “Corazón Valiente”, era él.

   Aunque la historia de Wallace no posee mucha base escrita. Al igual que las historias originales de otros dos héroes históricos que dieron lugar a dos películas que fueron referencia muy evidente y reconocida por el propio Mel Gibson, “El Cid” y “Espartaco”, sus historias se basan en una serie de cantos y leyendas muy romantizadas. De hecho, el guion para “Braveheart”, escrito por alguien que comparte apellido con el protagonista, Randall Wallace, se basa en un poema de un escritor conocido como Ciego Harry.

   Es más, hay diversas inexactitudes históricas y decisiones de guion tomadas muy libremente. Por ejemplo, se sabe que la Prima Note existía pero se desconoce si estaba en práctica y mucho menos que se instaurara como medida de presión extra para los escoceses. Lo que sí se sabe, porque se documentó, es que la tortura y ejecución de Wallace fue incluso más cruel que la mostrada en la película. Al igual, que el héroe escocés nunca se pintó la cara para combatir.

   Mel Gibson sorprendía con un proyecto de la envergadura de un tipo de superproducción que no abundaba en esa época allá por 1995 y en su segunda experiencia como director tras un prometedor debut pero con una modesta e intimista propuesta como “El hombre sin rostro”. No obstante, demostró que la tarea no le venía en absoluto grande.

   Todo lo contrario, Gibson se revela, como su personaje protagonista, como un director de imponente personalidad, con una sorprendente fluidez narrativa y un estilo personal como autor, solo hay que atender a su uso de la cámara lenta o la composición y montaje de las secuencias más importantes. De hecho, tras esta película se especializó en títulos de corte épico como “La pasión de Cristo” (de la que podría haber secuela “Resurrección”), “Apocalypto”, y “Hasta el último hombre”.

   De hecho, su nombre siempre ha rondado para un posible remake de “Grupo salvaje”. Para lo que sí suena de verdad es para una nueva secuela de “Arma letal”, sustituyendo al fallecido Richard Donner. Lo que no quería es interpretar precisamente a William Wallace, por considerarse muy mayor para el personaje pero los productores se lo impusieron como condición para financiarle la película. Le acompañaron en el reparto la bellísima Sophie Marceau, Catherine McCormack, Patrick McGoohan, Brendan Gleeson, James Cosmo, Brian Cox y Angus MacFayden.

   La película tuvo excelentes críticas. Además, fue la triunfadora de los Oscars de ese año, consiguiendo cinco de las diez estatuillas por las que fue nominada, las correspondientes a mejor película, director, fotografía, sonido y maquillaje. Además, fue un éxito de taquilla, recaudando 213 millones de dólares, habiendo invertido 72 en ella. La preciosa banda sonora de James Horner fue nominada pero no ganó, lo hizo "El cartero y Pablo Neruda" (sin comentarios).

   Por cierto, se acusó a la película de maltratar a los animales por el realismo en el que morían numerosos caballos durante las batallas. Sin embargo, les demostraron como habían logrado realizar esas escenas sin que sufrieran ningún daño, colocando muñecos en el último momento.

Sympathy for Lady Vengeance

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Sympathy For Lady Vengeance.
Dirección: Park Chan-wook.
País: Corea del Sur.
Año: 2005.
Duración: 112 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Yeong-ae Lee, Min-sik Choi, Su-hee Go, Bu-seon Kim, Yea-young Kwon
Guion: Park Chan-wook, Jeong Seo-Kyeong.
Producción: Jo Yeong-wook, Lee Tae Hun.
Música: Choi Seung-hyeon, Jo Yeong-wook.
Fotografía: Chung Chung-hoon.
Distribuidora: CJ Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras trece años de prisión, una chica sale libre pero bajo el estigma de ser la asesina de un niño pequeño. No obstante, ella no fue la única responsable y quiere vengarse de quien si lo fue.

   LO MEJOR: Definitivamente Park Chan-wook es un director especial. Aquí, de nuevo, y por tercera vez, pues forma parte de su trilogía temática de la venganza, nos trae una desgarradora y muy retorcida historia de venganza, aunque también veremos que es sobre la redención y el perdón. Sin embargo, es totalmente diferente a las otras dos. De primeras tiene un arriesgado estilo de narración, muy apegado al cuidado formal, a la estética, usando varios narradores, yendo constantemente de adelante a atrás y viceversa, con una historia desarrollada durante mucho tiempo, años. Para colmo incorporando un incómodo humor negro que asume aún más riesgo. Una película, por tanto, exigente para el espectador, obligándole a encajar las piezas del plan de la protagonista. Pero es que además le plantea un complejo dilema moral, nos obliga a ponernos ya no solo en el lugar del personaje principal sino en el de otros personajes del relato. Y es con esa reflexión con la que nos golpea Park Chan-wook. Porque la historia que nos cuenta es tremendamente dura, trágica pero sobre todo impactante. Aunque no es ni mucho menos tan explícita como su obra de arte anterior, “Oldboy”, todo lo contrario, la mayoría de las escenas de violencia ocurren fuera de campo. Y sin embargo la percibimos directamente.

   Interpretación: Lee Young-ae está brutal. El trabajo interpretativo de la actriz protagonista es impecable e inapelable. Por otro lado tenemos a Choi Min-sik, uno de los actores más representativos del cine coreano y un habitual del propio director Park Chan-Wook. También participa otro actor que a los seguidores del cine coreano les será familiar y que al resto quizá le conozcan por el éxito “Parásitos”, Song Kang-ho, aunque aquí solo aparece en una escena.

   Escena (SPOILERS!!): Casi que me voy a ir directo al tercer acto. Claro que hay aspectos a destacar antes pero los últimos 30 o 40 minutos son de tal intensidad que creo que hay que ir directamente al asunto. Esa última parte es realmente terrorífica. Porque la protagonista quiere vengarse por haber pasado años en la cárcel siendo inocente, pero el momento clave es cuando se da cuenta que esa venganza debe ser compartida por los padres cuyos hijos fueron asesinados por el hombre a quien ella tiene secuestrado. Solo los vídeos de los niños ya te remueven, así como las reacciones de los padres al verlos. Pero es que la decisión de matarle entre todos es de órdago porque, y de hecho lo comentan, deben herirle y dañarle, con toda variedad de armas blancas, más como una tortura que otra cosa, pero asegurándose de que todos tengan su oportunidad, de que no muera antes de tiempo, vamos. Otro momento clave es el entierro del asesino, con todos destrozados por lo que acaban de hacer. Todo esto sirve a la protagonista para saciar su venganza pero también para redimirse ayudando a los padres y sentir que merece el perdón de su hija por haberla dejado sola cuando estuvo en la cárcel.

   LO PEOR: Evidentemente, de inicio es bastante confuso todo. Se tarda en ubicarse en la historia. Y bueno, hay que avisar que no es una película agradable, te retuerce las entrañas. Si podría ponerle como pega que las reacciones de algunos personajes en el tercer acto están al límite de la credibilidad.

   REFERENCIAS: Forma parte de la trilogía de Park Chan-Wook sobre la venganza, aunque son historias totalmente independientes.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Lo más interesante de este tercer episodio dedicado al tema de la venganza por parte de Park Chan-wook es que no solo es una historia totalmente diferente a las dos anteriores, es que formalmente también es muy distinta.

Microcríticas Express: Mansión encantada/La monja 2/Tiburón negro

 

   Hubiera sido una buena propuesta para ver en familia en Halloween. Porque evidentemente es una película para todos los públicos. La original se basaba en los pasajes del terror de los parques de atracciones, concretamente los de Disneyworld. Y esa es la sensación que me ha creado la de estar viendo uno para niños. Porque tiene bastante tono infantil y de comedia. En ese sentido de estar haciendo una adaptación de una famosa atracción, y de la misma casa, me lo pasé mejor con “Jungle Cruise”. No obstante, tiene sus aciertos, como el de cambiar radicalmente el argumento de este remake respecto a su antecesora de 2003 y hacer una historia nueva. Además, tiene un buen reparto que demuestra tener muy buena química. Aunque casi lo mejor son los cameos de Jamie Lee Curtis y Winona Ryder, por cierto, dos iconos del terror en sus distintas vertientes. Y el apartado visual está bastante bien cubierto, aun cuando tras pasar cinco minutos de terminar la película, resulte difícil recordar alguna escena realmente impresionante en cuanto a espectáculo. En definitiva, peli entretenida y simpática de corte familiar, que se deja ver a pesar de que claramente le sobra metraje (como media hora). Vamos que tampoco es que esperara ninguna obra maestra. 5’5.

   A pesar de que no soy ningún entusiasta de las películas de sustos, defendí (poniendo un listón muy bajo, eso si) la primera parte porque me pareció que tenía una ambientación muy lograda. Y esta está en la misma línea. Pero como toda secuela que se precie pues quiere ofrecer más de todo, aunque prime más la cantidad que la calidad. Muchos así lo creen, pero el nivel de una película de terror no se cataloga por el número de sustos. Para ponerte una imagen en la cara y subirte el volumen hasta el infinito y más allá no hace falta talento. Es lo que diferencia las películas del “Warrenverso” dirigidas por su creador, James Wan, de las que no, que él acompaña esos sobresaltos con una puesta en escena que los utiliza como culminación de una secuencia de suspense bien construida. No se limita a acumular set pieces una detrás de otra. Llega un momento que agota por repetición. Además, argumentalmente no aporta absolutamente nada porque es la secuela de un spin off que ejerce como precuela y ya sabemos que Valak sigue existiendo en el presente. Así que debería haber una tercera parte y en la escena postcréditos nos dan la pista de por donde pueden ir los tiros. Por lo demás, visualmente está bastante bien e incluso en ciertos momentos resulta espectacular, con una Taissa Farmiga en plan superheroína. Entretiene porque tiene un buen ritmo y siempre están ocurriendo cosas. Pero, ¿cuantos sustos le hacían falta a películas como “Tiburón”, “El exorcista”, “El resplandor”, “Alien”, . . . para entretener?. 5’5.

   Madre mía. Lo voy a decir otra vez. Madre mía. Como es posible que esto haya llegado a estrenarse en cines. A ver, no es que esperara un presupuesto a lo “Megalodón” pero, en fin. Por cierto, este también es un megalodón, pero si quieres verlo pues miras el cartel de la película o le das al pausa en las dos apariciones que tiene en pantalla. Porque en las múltiples pasadas que hace por delante de la cámara apenas se percibe que narices has visto pasar. La mayor parte del tiempo los personajes se lo pasan hablando en una plataforma petrolífera. Por resaltar algo positivo, al menos intenta proponer un argumento diferente, envolviendo la historia de mitología (ese era el camino) y dando un mensaje ecologista, criticando las grandes multinacionales explotadoras y el poco o nulo respeto por la naturaleza. Claro que el guion no ayuda mucho a darle coherencia. Para muestra un botón, el protagonista deja a su mujer cañón y sus hijos (uno de ellos una adolescente) tiradas en un pueblo rodeadas de hombres que se las comen con los ojos, mientras se va a currar, eso si, le deja encargado al del bar que les eche un ojo. Y como eso otras cosas. Tan solo le pedía que me entretuviera. Es serie B, de la cual soy fan, pero por los pelos no baja incluso de esa categoría. Si vas a hacer esto pues aplícale cierto tono de humor, como las películas de pirañas, y lo conviertes en una pseudoparodia. 3.