Microcríticas Express: Paper girls/Locke & Key T3/Cobra Kai T5

 

   Que mal le hacen a estas series vendiéndolas como la nueva tal o la nueva cual. A ésta encima le han colgado el Sambenito de compararla nada menos que con “Stranger Things”. Aparte de que no tienen nada que ver, ésta cuenta con muchos menos medios. De hecho, eso me hizo casi desconectarme de la historia porque el diseño de producción es más bien pobre. Pero es que caí en la trampa de pensar que era otra historia fantástica. Si tiene ciencia-ficción porque la cosa va de viajes en el tiempo pero es más un drama que una historia de aventuras. Y es ahí donde está su fuerte, en que las cuatro protagonistas puedan viajar al futuro y poder encontrarse con sus respectivos yos, ver como han ido sus vidas a la vez que intentan volver al punto de partida. Porque normalmente en esta clase de argumentos casi nunca puedes entrar en contacto contigo mismo, sin embargo, aquí es la idea principal. Si es verdad que en principio cuesta conectar con las niñas de la trama, salvo con Sofía Rosinsky que claramente es la mejor. La cuestión es que la propuesta no ha calado en el público, para el que ha pasado prácticamente inadvertida y Prime Video la ha cancelado, así que nos quedaremos sin comprobar el potencial que tenía esta adaptación del cómic de Brian K. Vaughan. 6.

   Los showrunners de la serie dijeron que habían concebido la serie para tres temporadas y es lo que han hecho. Así que ésta ha sido la última. Por lo que han podido cerrar perfectamente todas las tramas. Lo raro es que Netflix les haya dejado hacerlo. Creo que han hecho bien, ya incluso en esta tercera temporada daba la sensación que se repetía demasiado. De hecho, es prácticamente igual a la anterior. No obstante, vista en conjunto he disfrutado bastante con esta serie, me parece una propuesta de aventuras y fantasía para todos los públicos muy entretenida. Me ha encantado el diseño de la Key House, como la llaman ellos, y todo lo relativo a las llaves mágicas y para que sirve cada una me ha parecido muy divertido. Además, el casting es muy acertado en general. Es más, a Emilia Jones creo que se la están rifando. Ya ha destacado en el cine con su interpretación de “CODA”, y solo tiene 20 años. La primera vez que la vi fue en la película de terror “Ghostland”, y ya me llamó la atención. Aunque en la serie el protagonismo está más repartido. Por otro lado, los efectos especiales son bastante dignos. En definitiva, sin ser nada del otro mundo, me lo he pasado bien con esta serie y la verdad es que no lo esperaba. Aunque a mí con ese rollo de historia ochentera ya me tenían en el bote. 6’5.

  Salvo la primera temporada que si me parecía que tenía una lectura interesante, la de que los acosados pueden convertirse en acosadores, las demás temporadas han sido muy simplonas y han consistido en que cualquier pretexto es bueno para resolverlo dándose unas cuantas tortas, por cierto, de un nivel de karate que casi sé yo más que ellos, y no sé mucho. Lo cual no ha impedido que me resulte tremendamente adictiva. Es como si me estuviera comiendo una bolsa de patatas fritas y pensara que efectivamente podría estar comiendo algo mejor pero esa bolsa me la acabo. Y si mañana me dieran otra pues también. Es decir, es mi placer culpable. No obstante, todos sus defectos se han incrementado en esta última temporada. Prácticamente cada temporada es un calco de la anterior y en su intento de buscar giros se les ha ido un poco de las manos. Un poco bastante. Que cualquier día ponen de senseis a unos ninjas. Además, hay diálogos que rayan en lo ridículo y en lo infantil. El reclamo nostálgico también se agota, ya creo que solo les falta llamar a Hilary Swank, a Jaden Smith y Jackie Chan. Porque creo que lo de resucitar al señor Miyagi está descartado. Harían bien en parar. De momento, han dicho que la sexta temporada tendrá que esperar, si es que llega a hacerse. Y lo peor es que si la hacen me la vuelvo a tragar. 6.

Trailerfilos: The last of us (tráiler oficial)

 

   Uno de los platos fuertes del próximo año 2023, aunque todavía no tiene una fecha concreta de estreno, sobre todo para los seguidores del videojuego que adapta, es la serie "The last of us", por parte de la plataforma HBO Max. De nuevo un apocalipsis causado por una pandemia que convierte a los contagiados en caníbales. La historia se centrará el el viaje de una niña, interpretada por Bella Ramsey (la temperamental Lyanna Mormont de "Juego de tronos") y su protector, que será Pedro Pascal, através de unos Estados Unidos devastados. La serie está creada por Neil Druckmann, uno de los principales desarrolladores del propio videojuego, y Craig Nazin, que ya nos dejó una gran miniserie, "Chernobyl". La primera temporada tendrá diez episodios.

Trailerfilos: Halloween ends (tráiler final oficial)

 

   La trilogía iniciada por David Gordon Green en 2018, como secuelas directas de la película original dirigida por John Carpenter en 1978, llega a su fin el 14 de octubre, en lo que promete que será el enfrentamiento definitivo entre Laurie Strode y Michael Myers. ¿Conseguirá matarle de una vez por todas? En este ciclo puede, pero es difícil pensar que no volveremos a ver al asesino slasher más icónico del cine de terror. ¿Veremos el rostro de Michael? No es descartable, el director ha estado jugando con esa posibilidad en las dos entregas anteriores. En cualquier caso, habrá que esperar un par de semanas. Hasta entonces éste es el tráiler final.

Escenas Míticas: Mujeres psicópatas - La mano que mece la cuna

 

   Si repasamos todos los títulos de este ciclo nos encontramos argumentos muy habituales en los telefilmes de las tres y media de los domingos. Lo que los distancia es el nivel de producción y las interpretaciones de sus protagonistas femeninas, que elevan el nivel de sus respectivas películas hasta conseguir dejarlas en el recuerdo de los espectadores.

   Así que si, vamos a hablar mucho de Rebecca de Mornay. La actriz llegó al papel casi por casualidad. De primeras, ella estaba audicionando para el de Campanilla en la película de Steven Spielberg, “Hook”. Pero la elegida fue Julia Roberts. Hay que decir que De Mornay tan solo era conocida por el personaje de prostituta junto a Tom Cruise en “Risky Business” y de eso habían pasado nueve años.

   La decepción hizo que la actriz prefiriera mostrar su talento en un personaje más oscuro. Pero resulta que para el papel de Peyton Flanders optaba la que sería su compañera de reparto, Anabella Sciorra, por lo que le ofrecieron el de Claire, la madre de familia víctima de Peyton precisamente. De nuevo, decepción para Rebecca de Mornay.

   Sin embargo, tras las primeras pruebas, el director del film, Curtis Hanson, decidió invertir los papeles y darle a De Mornay el de la villana. Antes de ellas dos el personaje había sido ofrecida a Cybill Sheppard, pero ésta lo rechazó alegando sus fervientes principios feministas. Tampoco está muy claro a que se refería. Peyton es una psicópata, si, pero también una mujer fuerte, inteligente e implacable.

   El resultado fue el que ya todos conocemos, Rebecca de Mornay “alumbró” (nunca mejor dicho) al mejor personaje de su carrera. Literalmente bordándolo, se devoró al resto del reparto (que no era nada malo) y colocó a su Peyton Flanders en las listas de psicópatas más icónicos del cine junto a nombres como Hannibal Lecter, Michael Myers o Norman Bates.

   Un reparto en el que, como decía, estaba Anabella Sciorra, pero también Matt McCoy (aunque primero se pensó en Kevin Spacey), Ernie Hudson, una Julianne Moore en los inicios de su carrera y una por entonces niña Madeleine Zima. Curiosamente, hoy en día la mejor considerada es precisamente Moore.

   Dirigía Curtis Hanson que ya venía de otro thriller de suspense con psicópata con “Malas influencias“, tras la cual vino la que hoy comentamos. Siguió con este perfil de personajes con “Rio salvaje “ y después la que claramente es su mejor obra, “L.A. Confidential”. El cineasta nos abandonó en 2016. Pero nos dejó una de las películas más recordadas de los noventa.

   De hecho, si “La huérfana” había aterrorizado a las familias que querían adoptar niños, “Escalofrío en la noche” a los hombres seductores y “Atracción fatal” a los adúlteros, “La mano que mece la cuna” hizo lo propio con las familias que tenían niñeras y especialmente creando desconfianza en las esposas y madres, que temían que las niñeras se apropiaran de sus maridos e hijos.

   Por cierto, como ya dije, “La huérfana” es un remake encubierto de esta película, donde la protagonista se infiltra en una familia e intenta arrebatar su lugar a la madre y esposa. Incluso tienen una escena calcada, cuando Peyton se mete en un compartimiento del servicio y comienza a golpear sus paredes con ira descontrolada. Es algo que repite Esther (Isabelle Fuhrman) tanto en la película de 2009 como en la precuela de este año.

   El título hace alusión al poema de William Ross Wallace, "Lo que gobiernan", que con la frase "la mano que mece la cuna es la mano que domina el mundo" pretendía ensalzar la maternidad. En la película hay predilección por poner piezas de la obra del compositor Arthur Sulliman, autor de operetas como "Piratas de Penzance", que podemos escuchar varias veces.

   Tuvo un gran éxito. Costó solo 11 millones de dólares pero recaudó 88 en taquilla. Lo que supuso una gran popularidad en los noventa, provocando imitaciones como "La niñera perfecta" (malísima) y parodias en "Los Simpson" o "Padre de familia".

The Medium

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Medium.
Dirección: Banjong Pisanthanakun.
País: Tailandia.
Año: 2021.
Duración: 131 min.
Género: Terror.
Interpretación: Narilya Gulmongkolpech, Sawanee Utoomma, Sirani Yankittikan, Yasaka Chaisorn, Boonsong Nakphoo, Bella Boonsang.
Guion: Banjong Pisanthanakun. Historia original: Na Hong-jin.
Producción: Hong-jin Na.
Música: Chartchai Pongprapapan.
Fotografía: Naruphol Chokanapitak, Yossawat Sittiwong.
Distribuidora: Showbox.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Mientras se rueda un documental sobre los chamanes de Tailandia, se da el caso de la posesión de una adolescente que supuestamente esperan que sea su conexión con una diosa. Pero no parece que sea esa diosa quien la ha poseído.

   LO MEJOR: No tenía malos mimbres ya de inicio. Con el director cuya ópera prima, aunque hace ya casi dos décadas, fue muy interesante “Shutter”, una de las más destacadas obras de terror de esa ola de terror oriental de principios de siglo. Y sobre todo contando con Na Hong-jin, autor de “El extraño”, uno de los mejores títulos del cine coreano de los últimos años, y del terror moderno en general, como guionista pero también como productor. Y ésto se nota y mucho. Básicamente lo que hacen ambos es trasladar las claves del subgénero de posesiones demoníacas a la cultura tailandesa, con sus creencias y costumbres que influyen en sus modalidades de exorcismos, muy diferentes a los de Occidente. Además, nos lo cuentan a través del formato documental. No como un found footage, aunque también hay una parte de ésto. Es como si estuviéramos viendo un documental de verdad, lo que le da un realismo superior a cualquier mockumentary. Se podría dividir en dos partes. En la primera nos muestran un poco la vida y costumbre de los personajes. La segunda parte inicia una escalada de acontecimientos y sucesos paranormales que hace que vayan creciendo en intensidad hasta terminar en lo más alto. Porque toda la parte final es realmente brutal. Es como si se hubieran estado conteniendo para soltarlo todo en el tercer acto.

   Interpretación: Sawanee Utooma es de largo la más creíble. Pero la que parece que suscita más atención fue, atención que va el nombre, Narilya Gulmongkolpech (he mirado cuatro veces el apellido para copiarlo). Aunque tal vez porque ya era bastante popular antes, con gran cantidad de seguidores en redes sociales, sobre todo, en Instagram. Es una actriz, modelo y cantante tailandesa. Personalmente creo que está un poco sobreactuada en bastantes ocasiones durante la película.

   Escena (SPOILERS!!): Casi todo lo más importante ocurre en su segunda mitad. Personalmente tuve que dejar de mirar cuando Mink (Narilya), en una de sus “excursiones” nocturnas (que nadie entiende cómo no la encerraban por la noche en la habitación) mete al perro en una olla vivo. Es horrible. Luego está el secuestro del bebé. Y es uno de esos momentos que no se pueden creer que los cámaras no hagan nada para impedirlo. En el último acto viene el plato fuerte. Nuevamente la actitud de los cámaras es incompresible, pero te imbuyen en tal vorágine de violencia, sangre y pánico, que ya te da igual. Tanto los ataques en la casa mientras se celebra la ceremonia en el edificio abandonado, como la propia ceremonia, son impactantes. Es una masacre brutal.

   LO PEOR: Es precisamente la parte de found footage la que hace que ese realismo conseguido hasta el momento decaiga bastante en cuanto a credibilidad. En general es lo que le pasa a este subgénero siempre, que no me creo que sigan filmando en determinados momentos. Los cámaras del documental o son los profesionales más acérrimos o los menos empáticos. Además, a la película le sobra metraje claramente.

   REFERENCIAS: Viene a ser una traslación de “El exorcista” a la cultura oriental. Se nota bastante la influencia del creador de “El extraño”. Y tiene bastante del formato mockumentary en su modalidad “Paranormal activity”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Traslada la modalidad de películas de exorcismos a la cultura tailandesa desde la perspectiva del falso documental, que quizá lastra la credibilidad del guion, pero no le puede negar lo impactante de sus imágenes.

Microcríticas Express: Shorta/Culpable/Spiritwalker

 

   Me ha recordado a dos películas, por si a alguien le puede servir de referencia. Una es “Dark blue”, en cuanto al conflicto que presenta de violencia policial, aquí desde el retrato del clima racial que hay en algunos lugares, esta vez de Dinamarca, relacionado con la situación de los inmigrantes. De tal manera que si “Dark blue” mostraba una explosión de violencia callejera a raíz del caso de Rodney King, aquí nos plantea algo parecido pero desde el principio. Lo que nos lleva a la segunda película que me ha recordado, “Sin tregua”, donde dos policías deben sobrevivir como pueden en una zona de extrema delincuencia sin ninguna clase de refuerzo. Que es justo lo que ocurre aquí. De hecho, es prácticamente un survival, porque lo único que pretenden los protagonistas es sobrevivir a una noche en un barrio tremendamente peligroso y exaltado contra la policía. Hay aspectos interesantes. Por un lado la cuestión de que en determinadas situaciones puedes aliarte con quien sea con tal de sobrevivir. Y por otro como mantiene la película la intensidad, porque intensa es un rato, casi asfixiante, donde se percibe la sensación de violencia en el aire. Más que de acción o policíaca, es de suspense. Y la tensión se siente desde el realismo, porque aquí no hay adornos estéticos, y desde un ritmo que va in crescendo y no decae nunca. 7.

   Ya había visto la película original danesa de la que ésta es remake. Teniendo en cuenta que la trama es exactamente la misma, no me he llevado ninguna sorpresa y, por lo tanto, el giro final no me ha impactado. Pero eso ya lo sabía, lo que quería saber es si la cosa se notaba en los dos puntos diferentes respecto a su predecesora; la dirección y la interpretación. Al volante está Antoine Fuqua, todo un especialista en thriller de acción. Pero claro, es que aquí no hay ni una secuencia de acción. De hecho, todo se desarrolla en el mismo escenario y la historia va hilada por las conversaciones telefónicas del protagonista, es decir, desde el diálogo. Bueno pues se las apaña para que la película resulte dinámica mientras consigue mantener la tensión. Hay que tener en valor que ésta viene generada por algo que ni siquiera estamos viendo. Y en lo que es muy importante la labor del personaje principal, en la piel de un Jake Gyllenhaal que lo da todo, que transmite su nerviosismo por el caso que se le ha presentado a la vez que por su conflicto personal. Así que, si, es igual que la original pero al menos merece ver la aportación de director y actor. 6’5.

   Los coreanos siempre le dan una vuelta de tuerca a sus películas. En este caso con una mezcla de cine policíaco, de acción y fantástico. El argumento no podía ser más interesante a priori. Un hombre que está viviendo una situación de lo más rocambolesca, cada doce horas despierta en un cuerpo diferente. No sabe porque ni como. Nos lo explicarán, aunque creo que éste es su punto más flojo, porque dan una teoría, digamos “científica”, que la podía acercar al género de ciencia-ficción, pero es tan inverosímil que hay que meterla más en el saco de la fantasía. A ver, no está mal pero se dan una serie de casualidades que hay que pensar, venga vale acepto pulpo como animal de compañía. Aún así, ir viendo como va saliendo de las situaciones con diferentes cuerpos, como lo han rodado para que sigas viendo al protagonista y no te pierdas y la trama de conspiraciones y demás, resulta muy entretenido. No me he aburrido en ningún momento porque el ritmo es muy alto, no solo por las escenas de acción, que están bastante bien rodadas, sino porque es que están pasando constantemente cosas, se están revelando piezas para encajar en el rompecabezas que intenta ordenar el personaje principal. 6’5.

Trailerfilos: Hellraiser (Tráiler oficial)

 

   Los Cenobitas vuelven a la carga. Es cierto que nunca se han ido porque la saga iniciada por Clive Barker en 1987 tiene a día de hoy hasta diez entregas, aunque las últimas hayan ido directamente al formato doméstico. No obstante, ésto parece un reboot que contará con el propio Barker como productor y con el interesante director David Bruckner ("El ritual", "The night house"), y parece que con bastantes medios. Esta vez, en el papel de Pinhead tendremos a la actriz Jamie Clayton. Hulu le da la posibilidad a la plataforma de Disney+ de incluir material para adultos, de hecho, ha sido clasificada como R. Podremos verla a partir del 7 de octubre.

Trailerfilos: Llaman a la puerta (tráiler oficial)

 

   Tiene muchos detractores pero también muchos seguidores, por lo que cada nuevo proyecto de M. Night Shyamalan genera, cuando menos, curiosidad. De nuevo, el tráiler que nos presenta no nos revela gran cosa del argumento salvo que vemos que posiblemente será una "home invasion" en lo que parece el regreso del director al cine de terror. Teniendo en cuenta el gusto del cineasta por los giros, ésto puede ser solo el preámbulo. Shyamalan escribe el guion pero a partir de la novela "La cabaña del fin del mundo", de Paul Tremblay. En el reparto podemos ver a Dave Bautista, Jonathan Groff ("Mindhunters") o Rupert Grint (saga "Harry Potter"). Para verlos tendremos que esperar hasta el 3 de febrero del próximo año.

Escenas Míticas: Mujeres psicópatas - Atracción fatal

 

   Llegamos a la que sin duda es una de las películas más populares de la década de los ochenta. Una de esas cuyo aura quizá podría haber sido engrandecido por su impacto en su momento y, por tanto, ser sospechoso de haber perdido esa capacidad hoy en día, de recordarla mejor de lo que en realidad era. Todo lo contrario, en una nueva reciente revisión me ha tenido totalmente enganchado.

    Ya decía que “Escalofrío en la noche”, la ópera prima de Clint Eastwood, había servido como modelo para “Atracción fatal”, motivo por el cual cineastas como John Carpenter o Brian de Palma habían rechazado dirigirla, por ser demasiado parecida. Creo que Adrian Lyne realizó un muy buen trabajo de dirección pero también que este tipo de historia De Palma la habría bordado.

   Un Adrian Lyne, que venía de firmar “Nueve semanas y media” y que tras “Atracción fatal”, se especializó en películas de abundante carga erótica como “Una proposición indecente”, el remake de “Lolita”, “Infiel” o la reciente “Aguas profundas”, todas ellas con muchas escenas de sexo pero también con temas en común como la seducción, los celos o la infidelidad.

   Vistas ambas películas con poco espacio de tiempo entre sus visionados me atrevo a decir que ésta mejora a “Escalofrío en la noche” en varios aspectos. Si nuevamente nos presenta una acosadora psicótica como verdadera protagonista pero si en aquella se podía interpretar como un castigo al típico seductor coleccionista de flores, aquí castiga al infiel, que cree que puede echar una cana al aire y después seguir con su vida como si nada hubiera pasado.

   “Atracción fatal” tiene la capacidad de empatizar con tres tipos de personas. Por un lado, los hombres acosados por mujeres que no aceptan el rechazo. Por otro, las mujeres que se sienten utilizadas por hombres casados que solo quieren una aventura como diversión. Y finalmente, por las mujeres que son traicionadas por su pareja y encima sufren la repercusión de los actos del traidor. Los géneros pueden ser reversibles de hombre-mujer, pero aquí es así.

   Tanto hizo empatizar que la propia actriz protagonista, Glenn Close, recibió múltiples mensajes de hombres que le aseguraban que su interpretación había salvado su matrimonio haciéndoles comprender que la infidelidad podría destruir sus vidas. Aunque más probablemente fue porque el personaje de Alex Forrest los había aterrorizado a todos ellos.

   Pero es que además, define mejor el problema psicológico de la protagonista. Esto fue analizado por diversos especialistas que aseguraron que era una perfecta representación del TLP (Trastorno Límite de Personalidad). Sin embargo, las feministas criticaron que se mostrara una mujer fuerte como una psicópata. Quizá no apreciaron que Alex parece una mujer fuerte como fachada pero que en realidad es tremendamente insegura.

   Un papel para el que consideraron nombres como Fay Dunaway, Mia Farrow o Angelica Houston. Hoy es difícil imaginar a otra actriz que no sea Glenn Close en el papel. Aunque está en marcha una miniserie al respecto. La acompañaba un Michael Douglas que más tarde sería encasillado por participar en películas con mucho sexo, como la que también veremos en este ciclo, “Instinto básico”. Christopher Reeve (“Superman”) rechazó el papel. La tercera en discordia era Anne Archer, papel que se le ofreció a Andie McDowell.

   El primer final que se llevó a cabo, y de hecho, llegó a estrenarse en Japón con dicho final, fue otro en el que Alex se suicidaba cortándose el cuello con el cuchillo (el cual la propia Glenn Close conserva colgado en la pared de su cocina de recuerdo), para inculpar a Dan (Douglas) en su asesinato. Los productores convencieron a Lyne para rodar otro final, que fue el definitivo.. La película tuvo un gran éxito tanto de crítica como de público. De hecho, tuvo seis nominaciones al Oscar (película, director, actriz principal, actriz de reparto, guion adaptado y montaje). Y fue la película más taquillera de 1987, costando solo 14 millones de dólares y recaudando 320 de taquilla.

   

Trialerfilos: Batgirl (tráiler filtrado)

 

   Curiosamente éste es el tráiler de una película que nunca veremos, o al menos eso es lo que se ha comunicado. Tras la fusión de HBO con Discovery Max, el nuevo CEO de Warner Bros, David Zaslav, anunciaba numerosos cambios en la estrategia comercial, de lo que se derivaban varias cancelaciones de algunos proyectos, entre los que se encontraba "Batgirl". Aún así llama la atención porque la película está terminada y se han invertido en ella nada menos que 90 millones de dólares. Se rumorea que en los test screen las opiniones eran muy negativas, aunque han salido voces, como la del director Kevin Smith, uno de los que pudo verla, que la han defendido. Visto el tráiler que se filtró, con Brendan Fraser como villano y la aparición del Batman de Michael Keaton (con el batmóvil de las películas de Tim Burton), no tiene tan mala pinta, por lo menos podrían dejarnos verla aunque sea en la plataforma de streaming. 

Trailerfilos: Monster, la historia de Jeffrey Dahmer (tráiler oficial)

 

   En apenas unos días, el 21 de septiembre, Netflix estrenará una miniserie sobre uno de los asesinos en serie más depravados de la historia del crimen, al que apodaron "Carnicero de Wilwaukee", Jeffrey Dahmer, quien será interpretado por Evan Peters, en un gran cambio de registro respecto al resto de sus papeles. En el reparto habrá nombres como Richard Jenkins o Penelope Ann Miller.Viene avalada Ryan Murphy ("American horror story") que ejercerá como cocreador junto Ian Brennan, con el que ya colaboró en "Ratched". La serie tendrá diez episodios. No es la primera vez que el cine o la televisión se aproxima a la escalofriante figura de Dahmer. De hecho, Jeremy Renner ya se metió en su piel hace ahora veinte años.

Thor, Love and Thunder

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Thor: Love and Thunder.
Dirección: Taika Waititi.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 118 min.
Género: Fantástico, acción, aventuras, comedia.
Interpretación: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Christian Bale, Tessa Thompson, Chris Pratt, Taika Waititi, Jaimie Alexander, Karen Gillan, Dave Bautista, Pom Klementieff, Russell Crowe, Sean Gunn, Akosia Sabet, Simon Russell Beale, Kieron L. Dyer, Kat Dennings, Sam Neill, Matt Damon, Luke Hemsworth, Melissa McCarthy, Daley Pearson, Ben Falcone, Clariza Vicente, Chayla Korewha, Sean Rohani, Mark Casimir Dyniewicz, Jason Jago, Aiden Mckenzie. Cameo: Idris Elba, Brett Goldstein. Voz: Vin Diesel, Bradley Cooper
Guion: Taika Waititi, Jennifer Kaytin Robinson. Historia: Taika Waititi. Cómic: Stan Lee, Jason Aaron.
Producción: Kevin Feige, Brad Winderbaum.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Barry Idoine.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

    SINOPSIS: Thor se encuentra viajando con los Guardianes de la galaxia ayudando a liberar planetas cuando una nueva amenaza se presenta. Un rival al que apodan el Carnicero de Dioses, que aniquila los dioses de todos los mundos.

   LO MEJOR: La he visto bajando el listón, casi al suelo, sabiendo lo que me esperaba teniendo en cuenta la referencia de la entrega anterior, “Thor, Ragnarok”, aceptando la premisa independientemente que personalmente no me parezca el tratamiento adecuado para el personaje. Desde ese punto de vista es una película entretenida, con un metraje más medido, que no supera las dos horas, como viene siendo habitual, lo que incide en la mejora del ritmo. Me guste más o menos objetivamente tengo que reconocer que Taika Waititi sabe dirigir. No solo porque quedara confirmado con “Jojo rabbit”, en esta película se puede ver que sabe rodar las escenas de acción, que tiene un buen sentido visual y que incluso es capaz de imprimir épica en ciertos momentos. Quizá por ello duele más que no lo haga más habitualmente durante la película. De hecho, hay dos películas pugnando en la cinta, una a la que debería ser y otra la que quiere Waititi. Cuando se impone la primera es una película satisfactoria, que incluso con un poco de humor quedaría bien. Pero a su director le parece poco y carga demasiado las tintas del tono de comedia. Y si, el resultado es muy divertido, pero quizá no debería serlo tanto. Así y todo, me ha parecido mejor que “Ragnarok”, lo cual no es decir mucho, aunque sobre todo porque cuenta con dos ases en la manga, uno se apellida Bale y el otro Portman, dos monstruos que salvan lo que sea aunque el guion no le respalde.

   Interpretación: Por lo visto, el propio Chris Hemsworth es uno de los prepulsores de este tratamiento, digamos poco serio, del personaje. Punto negativo para él. Pero es que incluso en el que debería ser su terreno, llega Russell Crowe y en una sola escena le pasa por encima como a un bulldozer. No es el único, Natalie Portman, que está genial como Poderosa Thor, se lo come con patatas en cada escena que comparten. Hasta Tessa Thomson se lo merienda de vez en cuando. Y bueno, luego llega a Christian Bale se los devora a todos sin la menor dificultad. Bueno, Portman si le aguanta el tipo.

   Escena (SPOILERS!!): Muy fácil, todas en las que aparece Gorr, aunque para ser Carnicero de Dioses, mata pocos, o por lo menos le vemos matar poco, salvo en el prólogo. Lo que sin duda es la mejor secuencia del film es toda la parte en blanco y negro, tanto la conversación que Gorr (Bale) mantiene con Thor, Valkirya y Poderosa Thor, como el combate que mantienen después, donde Waititi exhibe esa épica de la que hablaba. También la despliega en el enfrentamiento final. Incluso aquí, en la parte más heroica, es Poderosa Thor (Portman) quien tiene un rol más importante, con su sacrificio. Y en la parte más humorística me he partido con Zeus (Crowe) que está impagable. Los post créditos dejan al que podría ser un próximo rival de Thor, Hércules.

   LO PEOR: Me sobran tres cuartas partes de los chistes, que hay un momento que parece “El show de José Mota” de tantos sketches cómicos que hay seguidos. A ver si alguien me puede explicar por qué Thor tiene que estar constantemente haciendo el payaso. Por qué parece tener una perpetua edad del pavo. Y que necesidad hay de estar ridiculizando el personaje hasta el punto de parecer estar casi todo el tiempo en una autoparodia.

   REFERENCIAS: Va en la línea de “Thor Ragnarok”. A Taika Waititi, si no se le ata a corto, hay que ponerle una orden de alejamiento del personaje. Y ya puestos, a Chris Hemsworth también.

   CONCLUSIÓN: 5’5. Waititi, con Hemsworth como cómplice, vuelve a traicionar la esencia del personaje de Thor, sometiéndole constantemente a la parodia y al chiste, solo que esta vez cuenta con Natalie Portman y Christian Bale para equilibrar la balanza.

Trailerfilos: Babylon (tráiler oficial)

 

   Vistazo al cuarto trabajo como director de Damien Chazelle, tras las, en mi opinión, brillantes "Whiplash", "La la land" y "First man", con el tráiler de "Babylon", que se estrenará el 20 de enero de 2023. Chazelle también escribe el guion de una historia ambientada en el Los Ángeles de los años veinte, retratando un mundo de excesos y desenfrenos del Hollywood de la época protagonizado por Margot Robbie y Brad Pitt, pero en cuyo reparto también podremos ver, entre otros, a Tobey Maguire, Olivia Wilde o Samara Weaving. La película tendrá una duración de tres horas y podría ser una de las favoritas para los próximos Oscars.

Escenas Míticas: Mujeres psicópatas - Escalofrío en la noche

 

   Ya con 92 años de edad creo que todos tenemos claro que Clint Eastwood es uno de los mejores directores que todavía están en activo y el legado de buenas películas que nos dejará es incuestionable. Pues bien, esta película supuso su debut tras la cámara, aunque en buena parte de su filmografía como director compatibilizaba con estar también delante de la cámara.

   Evidentemente aún estaba muy verde, tuvo una evolución constante como cineasta que probablemente implosionó con “Sin perdón” casi veinte años después. Y luego vinieron títulos como “Los puentes de Madison”, “Mystic River” o “Million dollar baby” para confirmarlo. Pero aquí acababa de empezar y aunque se nota que había tomado notas de directores que le habían dirigido a él, como Don Siegel o Sergio Leone, tiene sus fallos de principiante.

   Como la larga escena amorosa en el bosque y la prácticamente secuencia documental del concierto, que no vienen a cuento, son demasiado extensas y no aportan nada la historia, a parte de romper totalmente el ritmo cuando mejor se estaba poniendo la cosa.

   No obstante, no está nada mal como ópera prima, y evidenció la habilidad que Eastwood confirmó después para manejar el thriller de suspense. Sin embargo, en la dirección, sus siguientes trabajos tiraron por géneros que había conocido muy bien como actor, como en los western “Infierno de cobardes“ o “El fuera de la ley” o una película de acción como “Ruta suicida”.

   Como decía, Clint Eastwood también ejercía como protagonista, trabajo por el cual no cobró, pues Universal se negó a pagarle por dos trabajos. Si le dio, en compensación, un porcentaje de los ingresos de la taquilla, que a la postre fue más provechoso para él, pues en la película se habían invertido solo 700.000 dólares pero recaudó 10 millones.

   Le acompañaban una Jessica Walter que era la verdadera protagonista de la película. De hecho, fue nominada por el Globo de Oro, que se lo llevó Jane Fonda por “Klute”. Y Eastwood homenajeó a uno de los directores más importantes de su carrera como actor, Don Siegel, que le dirigió en “Harry el sucio”, “Dos mulas y una mujer” y “El seductor”.

   La cuál tiene mucha influencia en esta película. Porque aunque se hace el perfecto retrato de una acosadora psicópata, también se puede interpretar como que era un correctivo para el típico seductor machito que va de flor en flor sin importarle nadie, hasta que llega Evelyn (Jessica Walter) y descubre sus debilidades y le pone contra las cuerdas.

   Eastwood reconocía que tanto “Psicosis” como “Repulsión” habían sido títulos de referencia para hacer la película. No está mal para empezar fijarse en directores de la talla de Alfred Hitchcock o Roman Polanski. Pero es que propiamente esta película fue referencia después para uno de los thrillers de suspense más populares de los ochenta “Atracción fatal“, que también veremos en este ciclo muy pronto.

   El título original era “Play misty for me”. En el argumento de la película, Evelyn llama repetidas veces a la emisora de Dave (Eastwood) pidiendo la canción “Nebuloso”. Es decir, vendría a decir “ Pon Nebuloso para mí “. La película tuvo buenas críticas y fue el impulso para el que ahora es uno de los grandes directores de la historia del cine.

Trailerfilos: The Mandalorian T3 (tráiler oficial)

 

   Tenemos tráiler de la tercera temporada pero no nos hagamos demasiadas ilusiones porque no será hasta el próximo año 2023, en febrero, aunque no se ha dado fecha exacta de estreno, cuando podamos verla. En el tráiler podemos ver a Katee Sackhoff y Carl Weathers, también a Baby Yoda, cuyo reencuentro con Mando ya pudimos confirmar en "El libro de Boba Fett". Se rumoreaba que han fichado a Christopher Lloyd para esta temporada. Se había especulado con el abandono de Pedro Pascal pero nada de eso. Dave Filoni y Jon Favreau seguirán también al frente. El argumento girará en torno a las consecuencias de haberse quitado el casco, por lo que parece.

Trailerfilos: The Peripheral (tráiler oficial)

 

   Llevaba un tiempo aparcada la adaptación de la novela homónima de William Gibson pero Amazon Prime está que lo tira y ha presentado no solo el espectacular tráiler sino también la fecha de estreno, que sorprendentemente esta bastante próxima, concretamente en el 21 de octubre. Una serie cuya primera temporada contará con ocho episodios y viene avalada por los creadores de "Westworld", aunque tanto Jonathan Nolan como Lisa Joy solo ejercen como productores. Aunque es cierto que el tráiler muestra una estética que tiene cierto parecido, además que el género es ciencia-ficción. La protagonista será Chloe Moretz.

Elvis

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Elvis.
Dirección: Baz Luhrmann.
País: Australia.
Año: 2022.
Duración: 159 min.
Género: Drama. biopic.
Interpretación: Austin Butler, Tom Hanks, Olivia DeJonge, Richard Roxburgh, Helen Thomson, David Wenham, Kelvin Harrison Jr., Kodi Smit-McPhee, Dacre Montgomery, Luke Bracey, Xavier Samuel, Kate Mulvany, Natasha Bassett, Charles Grounds, Leon Ford, Josh McConville, Adam Dunn, Gareth Davies, Elizabeth Cullen, Melina Vidler, Yola, Christopher Sommers, Gary Clark Jr., Alton Mason, Shonka Dukureh, David Gannon, Shannon Sanders, Chaydon Jay.
Guion: Jeremy Doner, Sam Bromell, Baz Luhrmann, Craig Pearce. Historia: Jeremy Doner, Baz Luhrmann.
Producción: Baz Luhrmann, Gail Berman, Catherine Martin, Patrick McCormick, Schuyler Weiss.
Música: Elliott Wheeler.
Fotografía: Mandy Walker.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Repaso por la trayectoria de Elvis Presley a lo largo de su vida desde que empezó a despuntar como cantante, pasando por sus polémicas, su parte privada, su éxito y su muerte. Pero sobre todo, en relación al que fue su manager.

   LO MEJOR: Lo digo bien claro, para mí, cuando hay tanta música, cuando hay tantas escenas de actuaciones musicales, como ya dije con “Bohemian Rhapsody” o “Rocketman”, aunque no se ajuste estrictamente a los cánones del género, es un musical. Y en transmitir esa sensación ha tenido mucho que ver Baz Luhrmann, quien llevaba casi una década de inactividad pero que ha vuelto a demostrar que cuando hace una película con música, se luce, es su especialidad, y lo confirma que quizá haya firmado uno de los mejores biopics musicales, superando a los anteriormente mencionados. Pero Lurhman es un autor y como todo autor, saca lo mejor de sí cuando tiene libertad. Por eso es capaz de trasladar esa sensación de pasión por la figura protagonista. No hace falta ser fan de Elvis Presley, aunque si lo eres podrás comprobar cómo se han clavado las recreaciones de las actuaciones del mítico cantante, como se ha plasmado su personalidad, con esa rebeldía innata, esa polémica que siempre lo acompañaba y finalmente esa imagen de juguete roto. Porque está contada desde la perspectiva de la tóxica influencia de su promotor, el Coronel Parker. No obstante, vuelvo a resaltar la labor de Luhrmann en cómo nos lo cuenta, a través de un ritmo tan electrizante como los movimientos del propio Elvis sobre el escenario, con una metralleta de imágenes. El trabajo de edición ha debido de ser colosal, debe haber un millón de cortes. Debería ir a los Oscars.

   Interpretación: Si alguien recuerda al Tex de “Erase una vez en Hollywood”, pues lo interpretaba este chico, Austin Butler, que aquí lleva a cabo una actuación magnífica. Es justo que si nos quitábamos el sombrero por cómo se mimetizó Rami Malek con Freddie Mercury, lo hagamos ahora con Butler por cómo hace lo propio con Elvis Presley, especialmente en las recreaciones de los conciertos. Tom Hanks, como siempre, bordándolo, esta vez casi como el villano de la función, aún con una tonelada de maquillaje encima. Después tenemos a un conocido de Lurhman, Richard Roxburgh (“Moulin Rouge “) y Olivia DeJonge.

   Escena (SPOILERS!!): Fácil, todas las actuaciones recreadas de Elvis. La primera es una animalada en cuanto a montaje e intensidad, es pura pasión. Algo parecido pero a otro nivel ocurre en el especial de Navidad y en la primera actuación en Las Vegas. Aunque hay dos escenas que señalan cuál fue el motivo de su muerte. Una en la que despide al Coronel Parker. Y otra en la que se desmaya. Claramente Elvis estaba sobreexplotado por él. O quizá el cantante se entregara demasiado a su público, no supiera gestionar el icono que él mismo había creado y finalmente no lo aguantara.

   LO PEOR: Muchos la verán exagerada. Esa exageración es buscada. Si no, revisen “El amor está en el aire” o “Moulin Rouge”. Es el estilo de Baz Lurhman. Lo que no me convence es el narrador. No me gusta que me cuente la película una voz en off, para eso están las imágenes. Resulta redundante.

   REFERENCIAS: Claro que se nos van las comparaciones a dos biopics musicales no muy lejanos, “Bohemian Rapsody” y “Rocketman”. Pero finalmente tiene mucho más que ver con “Moulin Rouge” del propio Baz Lurhmann.

   CONCLUSIÓN: 8. Tras un largo periodo de inactividad, Baz Luhrmann vuelve al cine y más concretamente al relacionado con la música, y lo ha hecho tan en forma que ha firmado uno de los mejores biopics musicales que se han hecho.