domingo, 30 de mayo de 2021

Ejército de los muertos

 

    FICHA TÉCNICA


Título: Ejército de los muertos.
Dirección: Zack Snyder
País: Estados Unidos.
Año: 2021.
Duración: 148 min.
Género: Acción, terror.
Interpretación: Dave Bautista, Ella Purnell, Ana de la Reguera, Theo Rossi, Huma Qureshi, Omari Hardwick, Hiroyuki Sanada, Garret Dillahunt, Raúl Castillo, Nora Arnezeder, Matthias Schweighöfer, Samantha Jo, Richard Cetrone.
Guion: Zack Snyder, Shay Hatten, Joby Harold. Historia: Zack Snyder.
Producción: Deborah Snyder.
Música: Junkie XL.
Fotografía: Zack Snyder.
Distribuidora: Netflix.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: A un grupo de mercenarios les es encargada la misión de adentrarse en Las Vegas, que ha sido tomada por los zombis, para entrar en la cámara blindada de un casino y llevarse un montón de millones de dólares. 
 
   LO MEJOR: Zack Snyder se ha convertido en un director diferencial, o más bien se ha consolidado. Uno de esos que vas a ver la película sea de lo que sea, porque es una película de Snyder, con suficiente personalidad propia como para que sus trabajos te interesen ya de por sí simplemente por ser suyos. Especialmente cuando tiene libertad, y aquí la ha tenido, una libertad que se ha ganado mucho más si cabe tras su versión de “La liga de la Justicia”. Se demuestra pues, teniendo a priori un argumento muy similar a otro título de zombis cómo es “Península”, logra un resultado superior. Muy superior, de hecho. Porque aunque es muy distinta a su primera incursión, y debut en el cine, en este subgénero, tienen en común varias cosas. En el remake de “El amanecer de los muertos” ya había introducido algunos cambios en la mitología clásica de los zombis, hasta el momento siempre lentos, haciendo que fueran increíblemente rápidos. Aquí vuelve a darle una vuelta de tuerca trayéndonos unos zombis muy diferentes, con cierta inteligencia y organización. Pero además realiza una refrescante mezcla de géneros dado que no deja de ser una historia de robos y atracos bajo un entorno apocalíptico repleto de muertos vivientes pero también con cierto tono bélico como en esas películas protagonizadas por comandos de mercenarios tras las líneas enemigas. Además, incluye bastante humor, aunque no tanto como para considerar la comedia un género más en la película. Y por supuesto, el nivel de producción es espectacular, solo superado por “Guerra Mundial Z” pero con muchísima más sangre y gore. 
 
   Interpretación: No estoy muy a favor de que gente que no eran actores se convierten en estrellas pero también es verdad que ésto siempre lo ha habido y tenemos ejemplos en el cine de acción como Jean Claude Van Damme o el propio Arnold Schwarzenegger. Lo estamos viendo con Dwayne Johnson. Y por ese camino va Dave Bautista, que cumple con ese rol. Le ayuda estar en un reparto bastante coral dónde tenemos las sorpresas de gente como Tig Notaro, Nora Arnezeder o Matthias Schweighofer. Eso sí, desaprovechan a un actor como Hiroyuki Sonada. 
 
   Escena (SPOILERS!!): Toda la secuencia de los créditos es una película en sí misma que se podría desarrollar aparte si quisieran a modo de precuela. Pero hay que destacar dos aspectos. Por un lado las muertes, absolutamente todas son geniales, ya sea por su sorpresa, por su violencia o su épica. Y por otro, los guiños. Por ejemplo, a “Aliens el regreso” hay varios. La muerte de Chambers (Samantha Win) tiene muchas similitudes con la de Vasquez en la película de James Cameron. Igual que la traición de Martin (Garret Dillahunt), también dejando atrás a los demás y dejándoles encerrados, pero también después ajusticiado por una criatura, en este caso el tigre zombie Valentine. Incluso cuando parece que la piloto les ha abandonado en la azotea y aparece el helicóptero, cómo lo hace la nave de Bishop en “Aliens”. Además, las muertes finales recuerdan a la épica de westerns como “Los siete magníficos” o “Grupo salvaje”. 
 
   LO PEOR: Es cierto que hay que ser de Snyder. Te tiene que gustar este director porque su estilo está muy marcado. Y cuando Snyder tiene total libertad también cómete algunos excesos, cómo es el metraje. No es necesario dos horas y media para contar esta historia. Aunque aún así no aburra nunca está claro donde se debería haber recortado, en el primer acto. 
 
   REFERENCIAS: Tiene mucho de “1997, rescate en Nueva York” y un poco de títulos bélicos como “Doce del patíbulo” y similares. Y ya hemos comentado los guiños a “Aliens el regreso”. Ya hay serie y secuela en marcha, por cierto. 
 
   CONCLUSIÓN: 7’5. Lo que ha generado, a favor o en contra, es muy desproporcionado y solo se justifica por ser relativo a un tipo como Zack Snyder, porque en realidad solo es un producto de entretenimiento, muy efectivo y divertido, por cierto.




jueves, 27 de mayo de 2021

Microcríticas Express: Pequeños detalles/No confíes en nadie/La mujer en la ventana

 




   Sinceramente, con ese reparto esperaba algo más contundente. Pero eso no quiere decir que no tenga aspectos interesantes. Porque aunque en un principio está llena de clichés del cine de asesinos en serie, y los personajes sean descritos de forma muy esquemática, bajo un guion predecible, todo eso cambia en su tercer acto. Antes de eso, son precisamente ese trío de actores el que sujeta la película, especialmente Denzel Washington, que es capaz de levantar cualquier papel. Pero ojo a la breve pero intensa participación de un irreconocible Jared Leto. En su último tercio, bebe claramente de “Seven”. De hecho, en general, la película tiene un aspecto bastante noventero. Supongo que la ambigüedad de su desenlace no satisfará a la mayoría pero es donde creo que tiene sentido el título, son esos pequeños detalles los que a cada uno le harán creer una cosa u otra. De todos modos, creo que el objetivo del director no era contar quien es el asesino, sino mostrar como su perseguidor se puede obsesionar con él. 6.

 
 
   Casi se podría decir que es un subgénero en si mismo por cuantas películas tratan sobre alguna clase de amnesia. Además que todas tienen una trama similar que consiste en ir recomponiendo los recuerdos del protagonista. Ésta no es una excepción. Como curiosidad se trata una afección similar a la de “Memento” en cuanto a que el personaje principal solo es capaz de retener recuerdos durante un día, al siguiente lo ha olvidado todo. Y también tiene que ingeniárselas para apuntarse los datos importantes con el fin de descubrir como ha llegado a ese estado. Hasta aquí las similitudes con la película de Nolan. Cada uno de esos descubrimientos supone un giro en la trama. Algunos funcionan bien pero otros son bastante predecibles. De hecho, la tónica habitual es tener la sensación de que esta película ya la has visto antes, de tan típica que es. Incluso el final se ve venir. No obstante, es la oportunidad de ver un muy buen reparto, que aunque no sean las interpretaciones más destacadas de sus carreras, no dejan de ser buenos actores tanto Nicole Kidman, Colin Firth o Mark Strong. 6.


   No pintaba mal porque contaba con un muy buen reparto y un director con mucho oficio como es Joe Wright. Bueno pues ni por esas, porque la mayor parte de ese elenco está totalmente desaprovechado, sobre todo Gary Oldman, Julianne Moore y ya no digamos Anthony Mackie. Incluso a Amy Adams le cuesta mantener el tipo por culpa de un guion que parece la secuela de “La chica del tren” en cuanto a lo tramposa que es la trama, sacándose giros de la manga y a pesar de ello ser muy previsibles. El final es el mejor ejemplo de ello, enrevesado a más no poder y que resulta difícil de creer porque no ha desarrollado la historia para que sea verosimil. Lo mejor son los guiños al cine de Hitchcock (hay uno apenas transcurridos treinta segundos de metraje), no solo a “La ventana indiscreta”, a la que copia sin ningún pudor, también a otras más psicológicas como “Vértigo”. Lo curioso es que inexplicablemente tampoco es que me aburriera al verla, era consciente de estos aspectos negativos (en mi opinión) pero me entretenía igualmente. 4.


martes, 25 de mayo de 2021

Escenas Míticas: Especial Psicópatas - American Psycho

 

 
    La propia gestación de ella ya es una película en sí misma, que solo se llevó a cabo por la persistencia de sus dos principales valedores, la directora Mary Harron y el actor Christian Bale, a los que incluso se les llegó a apartar del proyecto. Pero es que la polémica le acompañó ya desde la propia publicación de la novela de Brett Easton Ellis, que adapta.
 
 


     Porque esta fue duramente atacada acusándola de hacer una apología morbosa de la violencia, por sus extremadamente detalladas descripciones de sangrientos asesinatos, mutilaciones, descuartizamientos y violaciones. Es por eso que mientras la crítica cinematográfica se llevaba las manos a la cabeza por la violencia (qué es en realidad es más bien implícita) de la película, los fans del libro, la consideraban descafeinada en comparación.


     Pero vayamos a la génesis. El productor Edward Pressman se hizo con los derechos de la novela y contactó con David Cronenberg para la dirección. Incluso Johnny Depp se interesó por el papel del protagonista. Sin embargo, las diferencias de criterio entre el propio Cronenberg y el escritor, Brett Easton Ellis, fueron tan chocantes que terminaron con la salida del proyecto del cineasta.



    Fue cuando entró en escena Mary Harron, quién tenía una idea de cómo enfocar la historia muy en sintonía con Ellis. A su vez, Harron eligió a Christian Bale como Patrick Bateman. Pero el proyecto con una Mary Harron proveniente de la televisión y un Bale cuya película más destacada hasta el momento era “El imperio del sol”, que interpretó de niño, no tenía el tirón necesario y fue rechazado durante seis años. Hasta que la productora Lionsgate se hizo con él.



   Pero Lionsgate pretendía darle el papel a un actor más famoso como Leonardo DiCaprio o Edward Norton. A lo que Harron se negó pues consideraba a DiCaprio demasiado juvenil y con un perfil blando tras “Romeo+Julieta” y “Titanic”. No obstante, para convencerla la productora le prometió elevar el presupuesto a 40 millones de dólares, de los cuales 21 irían a parar a los bolsillos del actor. Sin embargo, DiCaprio exigía un director con más nombre, cómo Danny Boyle, Oliver Stone o Martín Scorsese.



   Harron y Bale salieron del proyecto y la demora en su inicio provocaron que DiCaprio se fuera precisamente con Danny Boyle a rodar “La playa”. Lionsgate pensó en Oliver Stone como director y Ewan McGregor como protagonista. Pero de nuevo problemas, Stone pretendía prescindir del tono satírico de la novela y centrarse en el psicológico. Algo que Ellis no estaba dispuesto a consentir.



    Pues para Ellis era vital hacer un retrato irónico de los yuppies de la era Reagan. Para colmo McGregor, al enterarse de que Bale había estado siempre detrás del papel, decidió rechazarlo. Un Christian Bale que había rechazado otros papeles para seguir estando disponible para éste. Finalmente, Lionsgate volvió a recurrir al binomio formado por Harron y Bale, y les arrimó un nada despreciable reparto, con Willem Dafoe, Jared Leto, Reese Witherspoon, Chloe Sevigny, Samantha Mathis, Josh Lucas y Justin Theroux, aunque por entonces no eran tan conocidos.



   “American Psycho” posee uno de esos finales abiertos e interpretables que básicamente se resume en si todo lo que hemos visto ha sido real o solo está en la cabeza del protagonista. Personalmente considero más plausible la segunda teoría. Hay varias pistas que la apoyan. La principal es que los asesinatos de Bateman son demasiado descuidados. No se puede creer que nadie reparara en ello. Hay que tener en cuenta escenas como en la que lanza una motosierra por el hueco de la escalera e impacta en una prostituta.



   O la escalada de violencia de una noche donde mata a varios policías, un portero de edificio, una anciana en un cajero, dejando un reguero de cadáveres sin que nadie parezca reparar en ello. Incluso hace explotar un coche de un disparo, cosa que le extraña a él mismo. Además que hay varios hechos que no concuerdan con lo que cree haber vivido. Como el estado del apartamento de Paul (Leto) y el testigo que dice haber cenado con el propio Allen cuando supuestamente Bateman le ha matado a hachazos. Parece más bien que todo es producto de alucinaciones que el propio Bateman plasmaba en un cuaderno donde se pueden ver todos sus recuerdos.


 
   La película tuvo en general buenas críticas y fue un excelente negocio. Costó solo 7 millones y recaudó 34. Supuso el lanzamiento de Christian Bale como estrella que después protagonizaría "El imperio del fuego", "Equilibrium", "El maquinista" y en 2005 fue llamado por Christopher Nolan para ser su Caballero Oscuro. Un Bale que aseguró haberse inspirado en una entrevista de David Letterman a Tom Cruise y en la actuación de Nicholas Cage en "Besos de vampiro". La película tuvo una secuela en clave femenina con Mila Kunis, bastante deplorable, la verdad.

domingo, 23 de mayo de 2021

Swallow

    FICHA TÉCNICA
 
Título: Swallow.  
Dirección: Carlo Mirabella-Davis.
País: Estados Unidos.
Año: 2019.
Duración: 94 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Haley Bennett, Austin Stowell, Denis O'Hare, Elizabeth Marvel, David Rasche, Lauren Vélez, Zabryna Guevara, Laith Nakli, Babak Tafti, Nicole Kang, Olivia Perez, Kristi Kirk, Alyssa Bresnahan, Laura Dias, Elise Santora, Myra Lucretia Taylor.

Guion: Carlo Mirabella-Davis.

Producción: Frédéric Fiore, Mynette Louie, Mollye Asher, Carole Baraton.
Música: Nathan Halpern.
Fotografía: Katelin Arizmendi.
Distribuidora: IFC Films.


    CRÍTICA


   SINOPSIS: Una mujer que vive bajo el acomodo de una familia clase alta, se queda embarazada. Sin embargo, comienza a sentir la necesidad de comportarse de un modo extraño, ingiriendo objetos que podrían poner en peligro su salud y su embarazo.  

     LO MEJOR: Muy interesante el debut de Carlo Mirabella-Davis en el largometraje, antes solo había hecho un corto y un documental, a nivel tanto de contenido como de estilo de dirección. Con una historia que oscila entre el drama, el thriller y el terror. El último en pequeñas dosis y muy sutiles. pero sobre todo es una historia tremendamente psicológica, que nos muestra un trastorno mental real, el de ingerir objetos que a menudo pueden ser dañinos para la salud. En ese sentido puede interpretarse como un “body horror” y es donde se acercan los tratamientos del terror. Y eso que no es en absoluto explícita. Ahí radica la habilidad del director, hacer que nos resulte incómodo y desagradable a pesar de no estar viendo absolutamente nada. Pero el interés proviene de saber porque su protagonista hace lo que hace. Un personaje en una situación de clara debilidad por su clase social (aquí hay algo de crítica a la clase rica), con una baja autoestima y dentro de una relación tanto de pareja como familiar, tóxica. Por lo que la película trata de mostrarnos como el comportamiento del personaje es víctima del entorno en el que vive o de la represión de un trauma, si está castigando un cuerpo tomando poder sobre él. Muy importante es el uso de la fotografía, predominando los colores pastel, para trasladarnos sus estados de ánimo. 

   Interpretación: La película está apoyada totalmente en su protagonista. Es Haley Bennett quién mantiene la trama en marcha y lo hace con una contención ejemplar, y era un papel que podía tentar a la sobreactuación. Bennett es más habitual verla como secundaria. Aquí demuestra que merece más protagonismo porque está soberbia. Quiero mencionar a Dennis O’Hara por delante de otros miembros del reparto que aparecen más porque aunque solo interviene en una escena, es de tal importancia y le da tal empaque dramático que me parece más a destacar. 

  Escena (SPOILERS!!): Más bien vamos a intentar explicar la trama. Primero hay que tener en cuenta que esa familia la utiliza como el continente de su heredero. Ella no les importa en absoluto. Han cogido a una chica apocada y de estado social inferior para dominarla. No es casualidad que la primera vez que ella come algo indebido (mastica un cubito de hielo) es menospreciada por su suegro en una conversación previamente. Hunter (Bennett) comienza tragarse objetos como revelándose, cómo tomando control de su propio cuerpo, el cual quieren utilizar para tener un niño. Lo daña porque puede, porque es suyo. Es por eso que tras recuperar esos objetos los guardan como trofeos, cómo pequeños éxitos. Pero además, Hunter tiene un sentimiento de culpabilidad, un trauma reprimido, el ser el fruto de una violación, y esa es la otra razón por la que castiga su cuerpo. Por eso, cuando logra hablar con el padre violador (O'Hara) se libera y ya no tiene que volver a hacerlo. En la última escena, cuando decide abortar, es el último acto de empoderamiento de sí misma para empezar una nueva vida.  

   LO PEOR: Que nadie se espere una película de terror convencional porque no lo es. De hecho, el terror solo aparece en ciertos tratamientos de escenas. En realidad es un drama con intriga que habitualmente es lento. Y aunque no hay imágenes explícitas, llega a ser desagradable.

   REFERENCIAS: Que me llamen loco pero ha habido un montón de situaciones que me han recordado a “La semilla del diablo”, aunque no tengan nada que ver a nivel argumental.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Interesante debut de Carlo Mirabella-Davis que nos acerca a un trastorno mental poco visto en el cine pero que es capaz de poner la carne de gallina, gracias al enorme trabajo de Haley Bennett con su interpretación.

 

sábado, 22 de mayo de 2021

Top Personajes: Clarice Starling

 

   Nombre: Clarice Starling.
   Películas: El silencio de los corderos, Hannibal, Clarice (serie) 
   Intérpretes: Jodie Foster, Julianne Moore, Rebecca Breeds. 
   Frases: Si la ve como una persona no como un objeto, es más difícil hacerla añicos”. Quid pro quo, doctor Lecter”. “Quería salvarlo pero pesaba mucho”. “Bien pues juremos todos”. “Estoy furiosa conmigo”. “Sabe mucho de la gente pero ¿sabe algo de si mismo? ¿O le da miedo?.


   Clarice Starling es una estudiante de la Academia del FBI que planea graduarse en ciencias del comportamiento para hacer perfiles de asesinos en serie. Sin embargo, su mentor le encarga trasladarse a una institución mental para entrevistar a Hannibal Lecter, un peligroso psicópata que se comía a sus víctimas. Lo que pretenden es que pueda ayudar a aportar datos en la investigación de un asesino en serie que está actuando y que se conoce como Buffallo Bill.
 










jueves, 20 de mayo de 2021

Microcríticas Express: Sombra y hueso/The Great/Falcon y el Soldado de Invierno

 

 
 
 
   Vale ya de promocionar todas las series de corte fantástico como sucesoras de “Juego de tronos”. Ni lo es, ni lo pretende y ni tiene porque serlo. Es más, es que no se parece en nada. Tiene su propia identidad. De primeras porque tiene un tono juvenil, aunque perfectamente disfrutable para cualquier edad. Salvo el primer episodio que es un tanto caótico por querer presentarte todos los personajes y tramas a la vez, que es como si te montaras en un tren en marcha, la serie es muy adictiva, mezclando fantasía, aventuras e incluso intriga. Tiene varios aciertos a considerar. El primero es que consigue que sus personajes sean muy carismáticos, tienen el suficiente fondo para que te interesen y lo mejor, te importen. En eso tiene mucho que ver el buen tino que han tenido con el casting en el que no se ven caras muy conocidas pero la química entre ellos es total. El segundo es su buena calidad visual. Está basada en una saga de libros, así que habrá más temporadas si funciona con las audiencias. Me ha sorprendido y la considero una de las mejores propuestas fantásticas junto a “La materia oscura”. 7
.
 
 
   Aunque efectivamente se base en la subida de Catalina, la Grande, al trono de Rusia, que nadie se lleve a engaño, lo hace de la forma más libre posible. No hay ningún rigor histórico ni se pretende, es más, al inicio de cada episodio se cachondea de ese aspecto diciendo que alguna de las cosas que nos van a contar quizá si ocurrieron. Y esa es la tónica habitual, un tono satírico y hasta paródico constante,
con abundante humor muy ácido y otras bastante negro. A veces llega a ser bastante bruto, por ejemplo con el tema del sexo. Y ojo a como ridiculizan sin piedad la figura del Emperador Pedro. Pero es que funciona bastante bien, me ha resultado muy divertida. Especialmente por la gama de personajes, a cual más pintoresco, muy bien interpretados, aunque donde destacan por encima de todos una gran Elle Fanning, que se confirma como actriz a tener en cuenta, pero también Nicholas Hoult. Ambos están geniales. Viendo la serie frecuentemente me venían a la cabeza los títulos de dos películas, “María Antonieta” y “La favorita”, que claramente la han influenciado, tanto en el tono como en la estética. De hecho, tiene un nivel de producción, en cuanto a vestuario, decorados y demás, muy alto. 7.
  
 
   No va a ser la opinión más popular pero . . . me ha decepcionado un poco, la verdad. No porque esté mal, es entretenida y tiene algunas buenas escenas de acción. Sino porque me parece muy convencional. Después de “Wandavision” que si ofrecía algo original y le daba una vuelta al género de superhéroes, pensaba que esa iba a ser la línea a seguir. No es el caso. Me cansa ya que me tengan que meter con calzador el mensaje moralizante socialmente correcto y tal tal tal. Y además recalcarlo bien como si se pensaran que el espectador no va a ser capaz de saber leer entre líneas. No obstante, como personaje me interesa mucho más el Soldado de Invierno, y me cuadraba mejor como sucesor del Capitán América, pero claro ese no encajaba para hacer el discurso integrador antiracista. Además que se nota que ha habido dos líneas de guion totalmente distintas y luego las han mezclado, lo que ha dado una historia un tanto Frankenstein. Y que manera de desperdiciar el mejor actor que tenían en la serie que es Daniel Bruhl, llegando incluso a ridiculizar a su personaje. Se ve que Marvel/Disney no tenía suficiente con lo que le hizo a Hulk y a Thor. Lo dicho, tiene un par de secuencias que me parecen muy buenas, de peleas cuerpo a cuerpo, pero nada más. La siguiente en la lista de Disney es “Loki”, espero que no me le pongan a pintar barcos y pedir hipotecas. 5’5.

 

martes, 18 de mayo de 2021

Escenas Míticas: Especial Psicópatas - Saw

 


   Si el motivo de hacer este ciclo era el estreno de “Spiral”, precisamente por ser un reboot, un relanzamiento de la ya muy prolífica saga “Saw”, pues aquí empezó todo, tanto el inicio de esa franquicia como de la carrera del que muy probablemente sea uno de los cinco (puede que tres) mejores directores de terror del cine moderno. Porque esta película supone la explosión de James Wan. 




    Aunque no fue su ópera prima, sino su segundo largometraje. Un film muy influenciado por “Seven” en ciertos temas, como la sofisticación de los asesinatos, aunque explotando mucho más aspectos morbosos como la sangre y el gore. Y el tratamiento de la historia como un rompecabezas con un final sorpresa impactante. Pero hay que reconocerle a “Saw” su propia identidad, decantándose claramente por el género de terror incluso con rasgos de slasher.



    Pero sobre todo por la originalidad del modus operandi de su asesino, el cual ni siquiera mata a directamente a sus víctimas sino que las somete a una prueba a superar con la probabilidad de incluso poder sobrevivir. Aunque igual que el John Doe de “Seven”, está castigando a esas víctimas. Por cierto, si en la película de Fincher, el tema musical de los títulos de crédito iniciales era una canción de Nine Inch Nails, aquí directamente es un ex miembro de ese conjunto, Charlie Clouser quién se ocupaba de la banda sonora.


 
   Sin embargo, a pesar de las evidentes influencias de “Seven”, la idea se les ocurrió a sus creadores al ver la película “El proyecto de la bruja de Blair”, fascinados por el efecto producido por rodar toda la película con una cámara doméstica. Pensaban en adoptar ese punto de vista subjetivo para su película, a través de la cámara de seguridad de un ascensor. 



   Pero no se llevó a efecto. De hecho, James Wan, quién había estudiado Audiovisuales junto a su amigo Leigh Whannell, ambos se embaracaron en el proyecto, el cual presentaron a diversos productoras australianas, con un resultado negativo en todas ellas. Pero no cejaron en su empeño y probaron con varios productores estadounidenses.



   Tuvieron que echar toda la carne en el asador e invertir todo el dinero que tenían en elaborar un corto de ocho minutos. Y la cosa funcionó pues a los responsables de la productora Evolution les encantó hasta tal punto que permitieron estar a Wan en la dirección y a Whannell en el guion, reservándose éste último un papel en la película. Y además les consiguieron algunos nombres conocidos para darle algo más de empaque.


 
   Así que a Leigh Whannell se unieron Cary Elwes (“La princesa prometida”), Danny Glover ("Arma letal"), Dina Meyer (“Starship troopers”) y Tobin Bell, que se haría famoso precisamente por interpretar al asesino psicópata de la saga, Jigsaw. Hoy es ya todo un icono del psicokiller y el género de terror que come en la misma mesa de otros asesinos famosos como Michael Myers o Jason Voorhees.


 
   Tras el éxito de “Saw”, James Wan dirigió otra película interesante, “Silencio desde el mal”. Pero su mayor contribución fue comenzar dos de las sagas de terror más reconocidas de las últimas décadas, “Insidious” y sobre todo, “Expediente Warren” (se estrena la tercera parte el mes que viene), que ha supuesto todo un universo del horror con diversos spin off, como “La monja” o “Annabelle”. Aunque Wan también ha sido efectivo en el campo de la acción, como en “A todo gas 7” o “Aquaman”.


 
   Sin contar el reboot, la saga ya cuenta con nada menos que ocho entregas. Aunque tan solo hasta la tercera tuvo un nivel aceptable. Después ya solo es sangre y gore gratuito. Pero “Saw”, que estaba destinada a los videoclubs, tuvo gran éxito en los festivales de Sundance y Toronto, lo que hizo que se estrenara en cines. Costó solo 1.200.000 y recaudó 103 millones de dólares.

domingo, 16 de mayo de 2021

Bliss

 

    FICHA TÉCNICA


Título: Bliss.
Dirección: Joe Begos.
País: Estados Unidos.
Año: 2019.
Duración: 80 min.
Género: Terror, fantástico.
Interpretación: Dora Madison, Tru Collins, Rhys Wakefield, George Wendt, Abraham Benrubi, Chris Mckenna, Graham Skipper, Jeremy Gardner, Rachel Avery, Mark Beltzman, Jesse Merlin, Matt Mercer, Josh Ethier.
Guion: Joe Begos.
Música: Steve Moore.
Fotografía: Mike Testin.
Distribuidora: Dark Sky Films.


    CRÍTICA
 
   SINOPSIS: Una artista está bloqueada en lo que pretende que sea su obra maestra de la pintura. Para lograr inspirarse decide tomar una droga muy fuerte que la sumerge en una espiral de locura y sangre.
 
   LO MEJOR: Nada más empezar nos advierten de que si sufres epilepsia no la veas. ¿Es quizá una exageración para ir impresionandonos psicológicamente? Eso es lo que pensé pero quizá no lo sea. Porque es cierto que su desenfrenado montaje a lo videoclip es de una psicodelia casi enfermiza pero hipnótica. Varias veces durante la película me preguntaba “porque estoy viendo ésto”. La respuesta es que no podía dejar de hacerlo, cómo compartiendo la adicción a esa droga que toma la protagonista, ese “bliss” para desbloquear su inspiración. En el cine hemos visto estos bloqueos aplicados a escritores. Pero aquí es importante que la artista sea pintora. Porque la experiencia es la que nos quiere sumergir Joe Begos es primordialmente visual, un viaje absolutamente inmersivo en la paranoia, un descenso a los infiernos bajo una imagen con mucho grano y colores pretendidamente saturados, con una vital importancia de la fotografía con el filtro rojo para que acompañemos a la protagonista en la espiral de violencia, drogas y sexo en la que cae, que convierte sus actos en una orgía de sangre que llega a ser incluso gore. Y todo eso va reflejándose en el cuadro que va pintando y cuya evolución tenemos la oportunidad de apreciar, lo cual es esencial para percibir su estado mental. 
 
   Interpretación: Da la impresión que la propia actriz ha tenido una experiencia tan inmersiva como el personaje al que interpreta. De hecho, el trabajo de Dora Madison es tan apabullante que no parece que esté interpretando a nadie. Parece que directamente es la Dezzy protagonista. Eso habla mucho y muy bien de la entrega de Madison con el papel. Sin ella esta película no sería posible. 
 
   Escena (SPOILERS!!): Bueno, vamos a intentar despejar las dudas clave de la película: ¿Es real lo que está pasando? ¿Qué significa el cuadro? En cuanto a lo primero, pienso que no. Hay varios detalles que lo apoyan. Desde que toma por primera vez el “bliss”, se va produciendo una deformación de la realidad. Lo cual explicaría como nadie parece darse cuenta de la ola de asesinatos tremendamente brutales, sin ningún cuidado y de los que sale bañada en sangre. Por ejemplo, cuándo vuelve a la casa donde se supone que ha masacrado a su camello y a dos amigos suyos. La puerta está cerrada por dentro, no como si ella hubiera salido descontrolada de allí o hubiera estado la policía. Y cuando mata a su novio, llegando a arrancarle (literalmente) la cabeza, minutos después vuelve a aparecer con ella en su lugar. En cuanto al cuadro. La mujer que está pintando es ella misma, por cierto, en una pose que recuerda a “Carrie”, bañada en sangre. Las figuras de personas trepando por el vestido parecen estar adorándola, quizás tras el éxito que Dezzy (Madison) anhela como artista, como creadora. El cuadro es una proyección del deseo de valoración de ella. 
 
   LO PEOR: No es ni mucho menos una película para todo el mundo, todo lo contrario. Para colmo tiene unos cuantos momentos bastante desagradables. Hay que saber lo que se va a ver. Y el guión, al menos en cuanto a diálogos, no puede ser más básico. Parece que no han sido capaces de escribir una sola frase sin la palabra “puto/a”. 
 
   REFERENCIAS: Tiene algunos aspectos que pueden recordar a películas tan diferentes como “El ansia” de Tony Scott o “The addiction” de Abel Ferrara. Pero visualmente está más en consonancia con la “Mandy” de Panos Cosmatos. 
 
   CONCLUSIÓN: 7. Una orgia de sangre, drogas y sexo para completar un descenso a los infiernos visualmente apabullante que no es ni mucho menos para todos los públicos.


 

sábado, 15 de mayo de 2021

Música de Película: La casa de las dagas voladoras

 

    

    Una banda sonora de gran belleza que te transporta a la China mediaval. Su tema principal además de su versión instrumental, tiene la interpretación de "Lovers" por parte de la talentosa soprano Kathleen Battle en los créditos finales.


 
Tema: Lovers (instrumental).
Película: La casa de las dagas voladoras.
Intérprete o compositor: Shigeru Umebayashi.




Tema: Lovers.
Película: La casa de las dagas voladoras.
Intérprete o compositor: Kathleeen Battle.


martes, 11 de mayo de 2021

Escenas Míticas: Especial Psicópatas - Seven

 
 
 
   Cuatro años después de “El silencio de los corderos”, vino la que incluso a día de hoy sigue siendo su mejor heredera. Algunos incluso la ponen por encima de la película de Jonathan Demme. Tampoco flipemos, “El silencio de los corderos” es la obra maestra y “Seven” su mejor alumna. La primera dio el pistoletazo de salida al género de psicokiller, al menos a ponerlo de moda. La segunda confirmaba esa tendencia.




   Sí es cierto que parece que “Seven” influyó más en los títulos posteriores de este tipo, como “Copycat” (aunque tiene varios aspectos de “El silencio de los corderos”) un año después, o “Resurreción”, (un calco de “Seven”, aunque con mucha menos calidad), cuatro años después. Y luego vino “Saw”, que copiaba ciertos rasgos aunque se manifestaba más claramente como terror.


 
    Aunque tratamientos de terror tenían tanto “El silencio de los corderos” cómo “Seven”. Pero ésta última posee suficientes rasgos personales como para no ser considerada una simple sucesora y sí un título con entidad de sobra para ser referencia del género. Cómo explotar una subtrama de buddy movie del choque generacional de dos compañeros de policía y tener un último tercio absolutamente original.


 
    Y sorprendente pues “Seven” tiene probablemente uno de los finales más catárticos de la historia del cine. Muy pocas veces he sentido en una sala una impresión tan perturbadora como la del giro final de esta película. Algo que parece que le encasilló a su director, David Fincher, exigiéndosele clímax similares en sus siguientes títulos, cómo fueron los casos de “The Game”, “El club de la lucha” o “Perdida” (aquí el giro era a mitad de metraje).


 
   Pero además fue la primera de varias películas del cineasta sobre asesinos en serie. Cómo demuestran “Zodiac” (sobre el asesino real conocido por ese mismo nombre), “Millenium, los hombres que no amaban a las mujeres” (muy digno remake de la película original sueca) o la serie “Mindhunter”(tras cancelarse, se rumorea que Fincher pretende hacer una tercera temporada).



   Sin embargo, tras su mala experiencia con “Alien 3”, la ópera prima de un Fincher que reconoce que casi le hace retirarse de la dirección, se dedicó a hacer videoclips, campo del que venía originariamente, para estrellas tan potentes como Michael Jackson, Madonna o los Rolling Stones. Menos mal que volvió con esta gran película, probablemente la mejor de su filmografía. Hoy en día se le considera uno de los cinco mejores directores modernos junto a Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Quentin Tarantino y Kathryn Bigelow.



   Tiene un magnífico reparto con nada menos que Morgan Freeman, Brad Pitt, Gwyneth Paltrow y Kevin Spacey y dos veteranos como R. Lee Ermey (“La chaqueta metálica”) y Richard Roundtree (“Shaft”). Pero ojo al que se podría haber formado. Para el papel de Somerset optaron Al Pacino y William Hurt. Para el de Mills, Denzel Washington (luego intentó desquitarse con “El coleccionista de huesos”) y Sylvester Stallone (después se lamentó públicamente de rechazarlo). Además, para el de Tracy se pensó en Robin Wright y para John Doe en Val Kilmer. Una combinación Pacino/ Washington/ Spacey/ Wright habría sido la bomba. 



   Pero no hay nada que lamentar, todos estuvieron soberbios. Por cierto, Kevin Spacey aceptó con la condición de que su nombre no apareciera en los créditos iniciales para que su participación en la fase final fuera una sorpresa más efectiva. En cuanto a Brad Pitt, su concurso fue un movimiento más bien comercial pues era una estrella emergente que venía de “Leyendas de pasión”, “Entrevista con el vampiro” y “Doce monos”, por la que fue nominado al Oscar como secundario.
 
 

   Pero su colaboración con David Fincher fue lo suficientemente satisfactoria como para volver a trabajar juntos en dos películas más, "El club de la lucha" (uno de los personajes más icónicos de Pitt) y "El curioso caso de Benjamin Button" (papel por el que volvió a optar al Oscar, esta vez como protagonista). La película tuvo muy buenas críticas y hoy ocupa el puesto 134 de la lista de las 500 mejores películas de la historia del cine por la revista Empire. Fue nominada al mejor montaje. Costó 33 millones de dólares y recaudó 327 en taquilla, un éxito total.
 
 
 
 
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