Misión imposible, Sentencia Final

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Misión Imposible, Sentencia Final.
Dirección: Christopher McQuarrie.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 169 min.
Género: Acción, aventuras, thriller.
Interpretación: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt.
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen.
Producción: Christopher McQuarrie, Tom Cruise, Jake Myers.
Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey.
Fotografía: Fraser Taggart.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Ethan continua pensando que lo mejor es destruir a la IA llamada “La entidad”, para impedir que produzca un colapso mundial, apoderándose del armamento nuclear de los países más importantes, y para que no pueda ser controlada por Gabriel.

   LO MEJOR: A ciencia cierta aún no sabemos si habrá más entregas de esta saga pero lo que sí está claro es que esta es la conclusión de este arco que ha abarcado nada menos que treinta años, en una franquicia que desde su cuarta entrega no ha hecho más que subir de nivel y a la que han dado un dignísimo final. Aunque se haya dado en dos partes y esta sea la segunda de lo que en teoría habría sido una, hay que señalar que esta es una película muy distinta a la anterior. Curiosamente tiene menos acción de lo que cabría esperar, lo cual no merma en absoluto su interés y su capacidad de suponer un entretenimiento de primer orden y que sus casi tres horas de metraje se pasen volando, gracias en parte a un fantástico montaje y a cargar todos las tintas a favor del suspense de una trama que es tensa incluso en una mera conversación. Aun así tiene dos larguísimas secuencias de acción que van a ser muy difíciles de superar este año, con más mérito si cabe teniendo en cuenta que el uso del CGI ha sido el mínimo posible y que la apuesta por los efectos especiales no digitales es muy evidente. Esa mayor dosificación de los momentos de acción tiene bastante que ver con la obligación de atar muchos cabos argumentales, donde el hombre en el que Tom Cruise ha depositado su confianza en las últimas secuelas, Christopher McQuarrie, que dirige pero también escribe, es un seguro al guion, con una historia tensa y que además tiene mensaje (es el alerta más realista contra la IA que he visto), que sabe dar espacio a todos los personajes sin restárselo a su protagonista, en la que claramente es la película más emotiva de la saga enlazando a base de guiños con todas las anteriores y a la que ha dado un final todo lo épico que merecía.

   Interpretación: Ya no es solo la burrada de esfuerzo que es capaz de desplegar a nivel físico Tom Cruise a sus 62 primaveras, que aun así sigue empeñado en realizar la mayoría (no todas) de sus escenas de riesgo él mismo. Es como llena la pantalla y como no tiene ningún problema en ceder protagonismo al resto del reparto, sabedor que eso beneficia a una saga que genuinamente estaba concebida como de grupo. No voy a mencionarlos todos porque son muchísimos. Pero sí voy a destacar, por ejemplo, como Hayley Atwell ha hecho lo impensable, llenar el enorme vacío que dejaba Rebecca Ferguson. Y como han sabido darle más tela a Pom Klementieff. Sólo hay un lunar negro en el reparto y ese es Esai Morales, el que el rol de villano le queda grande.

   Escenas (SPOILERS!!): Sin duda, el momento más emotivo es el sacrificio de uno de los personajes que lleva desde el principio de la saga, el de Ving Rhames. Y hablando del principio, el guiño más significativo es recuperar un personaje que participaba en la escena más icónica probablemente de toda la saga, y que interpreta Rolf Saxon. Por lo demás, en cuanto a acción tanto la secuencia entera del submarino, mi favorita de largo, como la del aeroplano, muy probablemente serán las mejores escenas de acción, y lo digo quedando mucho 2025 por delante, del año.

   LO PEOR: No entiendo la tibieza de las críticas y que no se esté deshaciendo en alabanzas todo Dios con la película. Que abusa de la nostalgia, si, pero creo que a estas alturas se lo puede permitir. Que si es cierto que tiene menos acción, pero tiene más suspense. Y si alguien se aburre con esto igual se tendría que hacer mirar que necesita para entretenerse.

   REFERENCIAS: Enlaza con varias de las películas anteriores y en cierto modo es un homenaje a toda la saga. En tono tiene un cierto aire a como fue la despedida del Bond de Daniel Craig en “Sin tiempo para morir”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Muy digno y épico final, ya veremos si definitivo, a una saga ya mítica en el género de acción que, sin embargo, apuesta más por el suspense que por la trepidación, aunque no deje de tener dos secuencias brutales.

Escenas Míticas: Terrorismo - Múnich

 

   Seguramente no esté entre las películas favoritas de Steven Spielberg de la gente pero sí es una de las mejores de su filmografía, lo cual ya es decir mucho teniendo en cuenta el enorme nivel de este cineasta. Y no es de las favoritas porque Spielberg tiene muchos otros que nos son más queridas, como “Tiburón”, “E.T, el extraterrestre”, la saga “Indiana Jones” o “Jurassic Park, por mencionar solo algunas. 

   Pero Steven Spielberg ya se había quitado el sambenito de ser considerado un director de cine comercial, más orientado en los géneros fantásticos, ciencia ficción y aventuras. Ya hacía tiempo pero quedó confirmado, sobre todo con “La lista de Schindler”, “Salvar al soldado Ryan” y precisamente “Múnich”.

   Como en “Domingo negro”, volvemos a hablar tanto del grupo terrorista Septiembre Negro como del servicio secreto israelí Mossad. Porque esta película solo utiliza el atentado que terminó en masacre del equipo de halterofilia de Israel, con once víctimas, durante los Juegos Olímpicos de 1972, en Múnich, como preámbulo de lo que realmente quería hablar. 

   Que era la posterior caza por parte de un seleccionado grupo de agentes del Mossad de los que consideraron responsables del atentado. Una operación que se llamó la Cólera de Dios, que no era más que otra forma de terrorismo por mucho que esas personas fueran responsables de otras muertes. Porque no se los persiguió para llevarles ante la justicia, sino para asesinarlos con la misma frialdad que ellos habían atentado en Múnich. 

   Lo cual hizo que la comunidad judía afincada en Estados Unidos se enfureciera y protestara públicamente por la visión del asunto que había aplicado Spielberg, a quien acusaban de humanizar a los miembros de Septiembre Negro y mostrar como asesinos despiadados a los agentes del Mossad. Hay que recordar que tiene raíces judías. 

   No fue el único ataque que recibió. Mohammed Daourd, uno de los pocos supervivientes de la tragedia y que todavía vivía cuando se realizó la película, le amenazó por no acudir a él como asesor, consejero o incluso guionista, y así poder contar la verdad sobre los acontecimientos. El director ni siquiera hizo actos de promoción de la película, para no suscitar más polémicas. 

   Que dirigió la película tras su remake de “La guerra de los mundos” y antes de “Indiana Jones y la Calavera de Cristal”. Aunque se le aprecian toques que van desde Alfred Hitchcock a Alan J. Pakula, el propio Spielberg reconoce como referencia principal los thrillers de los setenta, más en concreto uno del que ya hemos hablado bastante aquí, “Chacal”, de Fred Zinneman, de 1973.

   El reparto estaba formado por un Eric Bana que realizaba la que es sin duda la mejor interpretación de su carrera, y llama mucho la atención que no fuera nominado al Oscar. Un Daniel Craig pre-etapa como James Bond. Y un buen elenco de secundarios con nombres como Cirian Hinds, Geoffrey Rush (papel para el que Spielberg quería a Ben Kingsley), Ayelet Zurer, Mathie Amalria o Mathieu Kassovitz, que se había retirado de la interpretación para dirigir pero que hizo una excepción para trabajar con Spielberg. 

La película está basada en la novela “Venganza, el relato verídico de una misión contraterrorista israelí”, de George Jonas. Pero aparte se llevó a cabo una exhaustiva labor de documentación, llegando a revisar más de doscientos documentos reales.

   Buscando tener lista la película para la temporada de premios, tuvieron que llevar a cabo un rodaje a ritmo frenético por diferentes ciudades. Fue nominada a las categorías de película, director, guion adaptado, montaje y banda sonora, pero no consiguió ninguna de esas estatuillas.

Misión Imposible: Sentencia mortal - Parte 1

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Misión Imposible: Sentencia mortal – Parte 1.
Dirección: Christopher McQuarrie.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 163 min.
Género: Thriller, acción.
Interpretación: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Hayley Atwell, Pom Klementieff, Vanessa Kirby, Hannah Waddingham, Simon Pegg, Shea Whigham, Ving Rhames, Nick Offerman, Esai Morales , Henry Czerny, Holt McCallany.
Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen.
Producción: Tom Cruise.
Música: Lorne Balfe.
Fotografía: Fraser Taggart.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Es revelada una nueva y poderosa arma que amenaza con acabar con el mundo tal y como lo conocemos, por la cual pugnan todos los gobiernos del planeta. Ethan Hunt y su equipo deben adelantarse a todos ellos.

   LO MEJOR: Este tío no falla, lo ha vuelto a hacer. Porque aparte de como protagonista hay que poner en valor como productor, como líder de sus proyectos y como generador de taquilla. Ha hecho mucho por las salas de cine, situando sus blockbusters como alternativa de mayor calidad que todo el cine de superhéroes actual y que sagas como “Fast and furious” e incluso la franquicia Bond (por mucho que un servidor sea fan de ella). Porque su saga de “Misión imposible”, salvo el resbalón de la segunda entrega, en calidad aunque no en diversión, ha sido un in crescendo constante hasta llegar a esta séptima parte. No obstante, es cine de acción pero también de espionaje, con tanta o más relevancia que su nivel de espectáculo, lo que le obliga a tener guiones más elaborados que no solo supongan una mera excusa para poner escenas trepidantes en circulación. Esta película es un buen ejemplo de ello, un guion efectivo, sin fisuras, donde todos los personajes tienen su espacio, donde el interés del espectador no se disipa cuando no le están mostrando un gran espectáculo visual sino todo lo contrario y en el que cabe la inclusión de cierta dosis de humor, de forma sutil, fluida, natural, y no una payasada de chistes como algunas películas de superhéroes. Una película que hace mucho énfasis en ser una historia de grupo, lo que incide en la principal diferencia con las entregas bondianas. Todo funciona y funciona muy bien. Como su montaje, con especial habilidad en abordar secuencias en paralelo, y en mantener un ritmo perfecto hasta el punto que sus 163 minutos de metraje parezcan la mitad.

   Interpretación: Me molesta ya la absurda animadversión de cierto sector hacia Tom Cruise, una de las pocas estrellas de verdad que le quedan a Hollywood. Un tipo que prioriza la atención al público por encima de todo, que apoya activamente a las salas de cine . . . y que es muy buen actor, con una autoexigencia extrema y un nivel de perfeccionismo excelso, capaz de llevar a cabo la mayoría de sus escenas de riesgo, a pesar de superar los sesenta tacos. Pero es que Tom Cruise no es tonto, como buen productor, por muy estrella que sea, sabe trabajar en equipo, por eso el resto del reparto brilla también. Ojo a la importancia de las mujeres en la trama, sin forzar inclusiones metidas con calzador. Solo hay que ver las interpretaciones de Rebecca Ferguson, Hayley Atwell o Vanessa Kirby. Y a la potente presencia física de Pom Klementieff (si, la de las antenas de “Guardianes de la galaxia”).

   Escena (SPOILERS!!): Es muy importante la evidente fisicidad de las escenas de acción, prescindiendo de los efectos digitales todo lo que pueden. Eso se hace patente en la secuencia de la persecución de Roma, por cierto, integrando perfectamente el humor en ella. Pero sobre todo en la de Venecia, con esa ya mencionada habilidad para montar secuencias en paralelo. Luego hay escenas como la del prólogo que recuerdan a títulos como “La caza del Octubre Rojo”. O tan espectaculares como la de los vagones del tren. Y también de diálogo, como la partida de ajedrez dialéctica a varias bandas en la discoteca. Destacar también el acierto de que el villano, el verdadero villano, ni siquiera sea una persona, una especie de Skynet que ejerce de antagonista fantasma.

   LO PEOR: Solo una pega, no está completa y todavía tendremos que esperar hasta el año que viene para poder ver concluida la historia. Por lo demás es prácticamente perfecta.

   REFERENCIAS: Hay claros guiños al inicio de la saga, a la primera película de Brian de Palma. Luego, tras una segunda parte que se quiso aproximar a James Bond, volvió al buen cauce a partir de al tercera, siendo cada entrega mejor que la anterior. Y aun nos queda la segunda parte de esta “Sentencia mortal”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. No falla Tom Cruise y no falla su saga estandarte, que ha ido superándose entrega tras entrega hasta llegar a esta séptima parte y hacer lo que parecía misión imposible, volver a ser mejor que la anterior.

Escenas Míticas: África - Casablanca

 

   Llegamos a una de las películas más valoradas de la historia del cine. Situación confirmada por el American Film Registry, que la coloca en segundo lugar, solo por detrás del “Ciudadano Kane” de Orson Welles, y por delante de “El padrino” y “Lo que el viento se llevó”. Una película que incluso quien no la ha visto tiene una idea de qué se trata, tiene alguna referencia de ella, dada la cantidad de imágenes y frases icónicas para el cine.

   Sin embargo, quizá el recuerdo que se tiene de ella está un tanto distorsionado, quedando más su huella como una de las películas románticas más famosas de la historia. Y es que no es solo un romance, ni mucho menos. Si hay una historia de amor que se utiliza como hilo conductor para contarnos una historia de espionaje, con la Segunda Guerra Mundial y el régimen nazi como trasfondo, para hablarnos de temas como la moral, la política y el desamor.

   Todos esos temas planean sobre el protagonista, Rick Blaine, pero también sobre el resto de personajes. Rick estuvo interpretado por un magnífico Humphrey Bogart que estuvo nominado al Oscar pero no lo consiguió, lo haría casi una década después con “La reina de África”. Aunque sin duda fue el de “Casablanca” su papel más icónico y contribuyó a afianzar aún más su imagen de galán y estrella en el Hollywood dorado.

   Bogart estaba excelentemente acompañado por Ingrid Bergman, aunque la primera opción para el papel era Hedi Lamarr. La altura de la actriz sueca supuso un problema porque le sacaba a Humphrey Bogart unos cinco centímetros, lo que suplieron subiendo al actor a un bloque de ladrillos cuando estaban de pie y unos almohadones cuando estaban sentados. Les acompañaron Paul Henreid, Claude Rains y un joven Peter Lorre.

   Para la dirección la primera opción era William Wyler, que por motivos de agenda tuvo que negarse, lo que dejó la película en manos de Michael Curtiz, realizador húngaro emigrado a Estados Unidos y con familiares refugiados del régimen nazi, lo que le hacía muy idóneo para la historia de la película. Quizá Curtiz solo se le recuerda por esta película pero en su filmografía hay títulos de mucho nivel.

   Cómo “Los crímenes del museo”, “Robin de los bosques”, “Ángeles con caras sucias”, “Dodge City, ciudad sin ley”, “Sinuhé, el egipcio” o “ Los comancheros”. La lista es bastante larga. Curiosamente, la dirección le fue ofrecida también a Howard Hawks, que se negó pero tiempo después dirigió otra película claramente influenciada por ésta y la propia dirección de Curtiz, “Argel”.

   Como encaja “Casablanca” en el ciclo de este mes, bueno, ya adelanté que tocaríamos diferentes enfoques del continente africano. La ciudad de Casablanca, enmarcada en Marruecos, tuvo un papel importante como ciudad puente para muchos de los que huían de Europa y más concretamente de los nazis. No obstante, no vemos parajes naturales, tan habituales de películas sobre África. De hecho, es un film de estudio, rodado casi totalmente en interiores, lo cual venía muy influenciado por tener como base una obra de teatro, “Everybody comes to Rick’s” (Todos vienen al café de Rick).

   Circularon diversos rumores. Como que Ronald Reagan fue considerado para el papel, aunque realmente estaba a punto de ingresar en las Fuerzas Aéreas. O que los actores no supieron el desenlace de la historia hasta el final. Aunque el código ético de la época les obligaba a que una mujer no podía huir con su amante dejando a su marido plantado, por lo que si es verdad que no lo sabían, sin duda, lo intuían. Así que forma un poco todo parte de la leyenda de la película.

   Película que tuvo ocho nominaciones al Oscar, de las cuales ganó tres de las más importantes, a la mejor película, al mejor director para Michael Curtiz y el mejor guion adaptado. Costó un millón de dólares y recaudó en su año de estreno casi el cuádruple, 3.700.000. Pero posteriormente es incalculable el dinero que generó.

   Hubo pensada una secuela con el título de "Brazzaville" pero nunca se llegó a rodar. Como el remake que le ofrecieron hacer a Truffaut en 1974, el cual se negó rotundamente.

   

El agente invisible

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El agente invisible.
Dirección: Anthony Russo, Joe Russo.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 122 min.
Género: Thriller, acción.
Interpretación: Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Billy Bob Thornton, Regé-Jean Page, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura, Julia Butters, Scott Haze, Callan Mulvey, Robert Kazinsky, Deobia Oparei, Dhanush, Jimmy Jean-Louis, Dana Aliya Levinson.
Guion: Joe Russo, Christopher Markus, Stephen McFeely. Novela: Mark Greaney.
Música: Henry Jackman.
Fotografía: Stephen F. Windon.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras ser reclutado cuando estaba en prisión, un agente de la CIA realiza misiones para ellos cuando se da cuenta que ahora el objetivo es él mismo. Tendrá que enfrentarse a un antiguo compañero al que se le ha encargado la tarea de matarle a cualquier precio.

   LO MEJOR: Hay que reivindicar los autores en el género de acción. Porque sí, en este género también los hay. Están los directores al servicio del mandato de los productores, que no saben o no les dejan dar personalidad a su dirección, véanse ejemplos como “Uncharted” o “Alerta roja”. Y luego están los autores con un estilo visual definido, suficiente para que un espectador medianamente observador pueda darse cuenta de que una película es de tal o de cuál. Tony Scott era uno de ellos. Michael Bay es otro. Sin embargo, no pocas veces han sido vilipendiados por cometer el gran pecado de hacer películas comerciales y de conseguir grandes taquillas. Luego te pueden gustar o no pero marca de autores tienen. Y los hermanos Russo la tienen. No por casualidad son los que han hecho las mejores películas de la saga Vengadores, con permiso de Josh Whedon, ya sea en la saga principal como en la saga spin off de “Capitán América “. Los Russo hacen alarde de una elaboradísima planificación de cada secuencia de acción, en muchos casos de gran complejidad visual. Saben perfectamente como mover la cámara sin que nos perdamos lo que está pasando. Para colmo han incorporado a su glosario de tareas el uso de los drones (por cierto, ya lo había hecho antes precisamente Michael Bay en “Ambulance”). Es la labor de los Russo en la secuencias de acción la que eleva el valor de una película, la cual en manos de otros sería muy estándar.

   Interpretación: Ryan Gosling no puede hacer mucho con el personaje que le han dado porque no puede ser más tópico. Es un cliché andante. Se limita a ejecutar las escenas de acción lo mejor que puede, que es muy bien, por cierto, sobre todo las peleas. Un poco de lo mismo le pasa a Ana de Armas, que despliega más personalidad en el ratito que la dejan en “Sin tiempo para morir” que aquí, aunque está más tiempo en pantalla. El que se nota que se lo está pasando bomba es Chris Evans (con ese bigote a lo Freddie Mercury) haciendo de villano psicópata en la que parece una parodia del propio actor. Y luego hay algunos secundarios como Billy Bob Thorton, Jessica Henwick o Wagner Moura.

   Escena (SPOILERS!!): Aparte de las escenas de acción, me gusta como ejecutan las pocas partes de diálogos. No por lo brillante de sus líneas pero sí por como la llevan a cabo, porque a veces son rapidísimos. Pero vamos, son las secuencias de acción lo más atractivo y como las han rodado Joe y Anthony Russo. La de los fuegos artificiales, el avión, la pelea final. La de la plaza con Gosling esposado a un banco es una animalada. Y dentro de toda la parte final, me gusta especialmente la de la mesa y los cables con Ana de Armas.

   LO PEOR: Como historia no vale nada. El guion es de lo más simple. No hay ni presentación ni desarrollo de personajes. Van directamente a la acción. La película es más una sucesión de secuencias de ésta que una narración de un argumento. Lo que ocurre entre medias de ellos poco o nada importa. Sin basarse en un videojuego tiene el síndrome de las adaptaciones de ellos, que parece que se están pasando pantallas.

   REFERENCIAS: Se basa en la novela “The gray man” de Mark Graeney. Pero vamos, claramente sus referentes son las sagas de James Bond y Misión Imposible. No me extrañaría que se convirtiera también en una franquicia.

   CONCLUSIÓN: 6. El saber hacer en el rodaje de las escenas de acción por parte de los hermanos Russo compensa un guion que solo pone una secuencia detrás de la otra al servicio de un espectáculo sobrado de medios.

Sin tiempo para morir

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: Sin tiempo para morir.

Dirección: Cary Joji Fukunaga.

País: Reino Unido.

Año: 2021.

Duración: 163 min.

Género: Thriller, acción, aventuras.

Interpretación: Daniel Craig, Léa Seydoux, Rami Malek, Lashana Lynch, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Christoph Waltz, Ben Whishaw, Ana de Armas, Jeffrey Wright, Rory Kinnear, Dali Benssalah, Billy Magnussen, David Dencik, Julian Ferro, Toby Sauerback, Ty Hurley, Paul O'Kelly, Lampros Kalfuntzos, Ahmed Bakare, Pio Amato.

Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge. Personajes: Ian Fleming. Historia: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga

Producción: Michael G. Wilson, Barbara Broccoli.

Música: Hans Zimmer. Tema: Billie Eilish.

Fotografía: Linus Sandgren.

Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).

    CRÍTICA

   SINOPSIS: James Bond se encuentra retirado tras una traición que le ha vuelto a hacer desconfiar de todo el mundo. Pero cuando su amigo Felix Leiter le plantea una nueva misión, llevarla a cabo desencadenará una situación que le hace desenterrar recuerdos del pasado. 

 

   LO MEJOR: Comenzó por todo lo alto y ha terminado a esa misma altura. Aunque por el camino hubo ciertos altibajos. No obstante esta “Sin tiempo para morir” ha resultado un brillante, emocionante y, sobre todo, emotivo final de ciclo, por lo que esta crítica lo es un poco también de toda la etapa con Daniel Craig como James Bond. Un Bond al que pongo al nivel del mismísimo Sean Connery, lo que ya es decir mucho, pues tres de sus cinco películas son muy buenas, dándonos una exploración del Bond más humano, el más violento pero también el más sentimental. Para dar un digno colofón a todo ello, Cary Joji Fukunaga nos ha regalado una de las entregas más divertidas pero no exenta de personalidad. Decía hace unas semans que los blockbusters son películas de productor más que de director, porque éste debe ajustarse a una línea creativa establecida y hay muy pocos cieneastas capaces de imporner su estilo personal, como los Nolan, Snyder y Villeneuve. Bueno pues Fukunaga ha sido capaz de cumplir con el canon pero además dejar un sello autoral, más sañalado incluso que el de Sam Mendes, con una puesta en escena muy marcada, que incluso tiene secuencias con tratamiento de terror (tranquilos, luego lo explico). Pero además sin dejar de rodar perfectamente las de acción (y eso que nunca había dirigido en este género antes). Para más inri, el guion, coescrito por la magnífica Phoebe Waller-bridge (creadora de la excelente serie “Fleabag”), lo cual habrá contribuido a que aquí las mujeres no sean meros floreros, arregla ciertos agujeros sembrados en “Spectre” y consigue, a pesar de ser la película más extensa de toda la saga 007, tener un ritmo perfectamente equilibrado, bajo una vigorosa música bondiana pero zimmerizada.

 

   Interpretación: Daniel Craig lo da todo en esta despedida del personaje y nos brinda la mejor interpretación de su ciclo como James Bond. Pero Craig quiere ser actor a aparte de icono, se percibe en ver como se lo pasó bomba en “Puñales por la espalda”, por lo que es comprensible su decisión de abandonar el papel, por muy dolorosa que sea para los que somos seguidores de 007. Le vamos a echar de menos. Rami Malek es un buen villano pero su desarrollo como personaje queda excesivamente recortado. Tema incluso más acusado en el caso de Christophe Waltz. O el de Ana de Armas, que está genial, que incluso llega a decir “se me ha echo corto”, aportando un toque de humor y que pide un spin off a gritos. A la que si han dado un espacio adecuado es a Lea Seydoux, la única mujer que ha repetido, exceptuando a Moneypenny, lo cual aprovecha. Por cierto, respecto a aquel rumor de cambiar el sexo de 007 alimentado por la participación de Lashana Lynch, aunque inicialmente se pueda pensar que solo sale para cumplir la moda integrista, realmente, si se sabe leer entre líneas, los productores han dejado un mensaje muy claro, y han dado un portazo a esa teoría, porque la actriz no es más que una secundaria, casi sin peso en la trama y que cuando Bond aparece para volver a tomar el mando, se echa a un lado y se pone a su servicio. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Quizá una de las películas de la saga con giros más arriesgados, con unos cuantos WTF. Pero ninguno como el de la catártica escena final, la cual aún estoy encajando. Pero ya nos estaban dando pistas aunque no quisiéramos creerlo. La muerte de Felix Leiter es el primero, con esa frase de “ha sido una buena vida”, a lo que contesta Bond “la mejor”, como hermanando sus destinos. La aparición de una posible hija, que a pesar de lo que diga Madeleine (Seydoux) intuímos que si lo es, lo que hace más dramático el desenlace. Por el camino tenemos la secuencia más divertida de la película, toda la parte de Cuba, con Ana de Armas. Y la muerte de Blofeld (Waltz), que solo aparece en pantalla precisamente para morir y cerrar un cabo suelto. Las dos escenas de tratamiento de terror son la del primer prólogo, casi de slasher, y la del bosque en niebla con los rugidos de las motos alejándose y acercándose entre la nula visibilidad. Pero vamos a lo gordo. Jamás pensé que vería a James Bond morir en pantalla. Ya sé, ha muerto el Bond de Craig, la saga continúa, pero ha sido el momento más emotivo de las 25 películas de la saga y a mí particularmente me dejó en shock en la sala de cine. 

 

   LO PEOR: Creo que “Spectre” no fue una mala película pero revelar la trama verdadera tan tarde supuso varios agujeros de guion y un lastre para esta película porque le ha tocado arreglar el desaguisado, lo que le ha llevado gran parte del metraje. La trama de Spectra debió desarrollarse desde el principio de la película y zanjarse allí. Porque ese espacio que le dedican en ésta hubiera venido muy bien para desarrollar más al villano y dejarnos ver más tiempo a Ana de Armas. 

 

   REFERENCIAS: Toca hacer balance. Honestamente creo que la mejor del ciclo y una de las mejores de la saga es “Skyfall”, pero mi favorita es “Casino Royale”. “Sin tiempo para matar” estaría en el podio también, no sé aún en que lugar. “Quantum of solace” y “Spectre” estarían por debajo. 

 

   CONCLUSIÓN: 8. Un brillante, emocionante y muy emotivo colofón de un ciclo que ha logrado colocar tres películas entre lo mejor de la saga y a Daniel Craig entre los dos mejores intérpretes que se han metido en el esmoquín de 007.

Escenas Míticas: Mujeres de acción - Atómica

 

 

   Si en este ciclo no se han podido ver actrices con tan poderosos personajes femeninos de acción actuando de protagonistas como la Ripley de Sigourney Weaver, la Sarah Connor de Linda Hamilton o la Alice de Milla Jovovich es, primero, porque ya están incluidas en otros ciclos y, segundo, porque son actrices que han encarnado un solo personaje de heroína de acción.

 

   Mientras ahora hemos podido ver a actrices que han interpretado a varios personajes, lo que ha posibilitado que se las considerara, de alguna manera, como iconos empoderados femeninos. De tal manera que hemos visto a Geena Davis en “Memoria letal” y “Thelma y Louise” ( y todavía tendría un tercero con “La isla de las cabezas cortadas”), y a Scarlett Johansson como “Lucy” pero que ya sabemos que sobre todo es la Viuda Negra.

   Charlize Theron encaja en este perfil porque cuando aceptó el papel de la Lorraine Broughton de “Atómica”, acababa de triunfar como la sorprendente Imperator Furiosa (de la cual tendrá su propio spin-off en forma de precuela encarnada por Anya Taylor Joy), robándole el protagonismo al mismísimo Mad Max de Tom Hardy en “Furia en la carretera”.

   Un papel que le fue ofrecido cuando Theron se interesó por participar en “John Wick”, de la que David Leitch era codirector, el cual, al no poderla encajar en la película le ofreció el papel de “Atomica”, incluso llegando a abandonar el rodaje de “John Wick 2” para ocuparse personalmente de ella. Leitch después dirigiría “Dead pool 2” y un spin-off de “Fast and furious”, “Hobbs and Shaw”, muy probablemente su peor película. 

   Pero los caminos de Leitch y Theron podrían volver a cruzarse. Son muchos los que demandaron un crossover con John Wick incluyendo a la Lorraine de la actriz en la saga de Keanu Reeves. Leitch no hacía ascos a la idea, siempre que fuera coherente desde el punto de vista del guion. Pero para el director, la experiencia de trabajar con Charlize Theron había sido muy satisfactoria.

   No en vano ella lo había dado todo para prepararse para el papel, llegando a tener hasta ocho entrenadores que literalmente, y ésto son palabras textuales, “la hacían vomitar todos los días”. Para colmo, durante el rodaje, se rompió dos dientes, los cuales tuvo que reponer mediante cirugía. Supuestamente estaría preparándose una secuela, prevista para 2022, con la actriz en el reparto.

   Para el de ésta, contó con un muy buen acompañamiento. En primer lugar y casi a su misma altura y protagonismo, James McAvoy. Y luego un elenco de secundarios donde podemos ver a John Goodman, Toby Jones, Eddie Marsan, Sofía Boutella ("Kingsman”), Till Schweiger (“Malditos bastardos”) y Bill Skarsgard, el mismo año en que se estrenó como Pennywise.

   La película adapta la novela gráfica creada por Anthony Johnson y Sam Hart, “The coldest City” (La ciudad más fría), ambientada en el Berlín de 1989 durante el periodo de la Caída del Muro, que aunque al principio del film se aclara que no es la historia de eso, aquel hecho histórico que ponía fin a la Guerra Fría, impregna toda la trama en cuanto al tema de los espías agentes dobles. 

   Y se nota en los numerosos temas musicales ochenta de los cuales tuvieron que hacerse con los derechos, de artistas tan famosos como George Michael, David Bowie, Queen o Depeche Mode. La película tuvo más críticas positivas que negativas, llegando emparentarla con la saga de Jason Bourne y James Bond. Comercialmente fue bien. Costó 30 millones de dólares y recaudó 100 en taquilla.

 

Viuda Negra

 

   FICHA TÉCNICA

 

Título: Viuda Negra.

Dirección: Cate Shortland.

País: Estados Unidos.

Año: 2021.

Duración: 132 min.

Género: Acción, aventuras.

Interpretación: Scarlett Johansson, Florence Pugh, Rachel Weisz, David Harbour, William Hurt, Ray Winstone, O.T. Fagbenle, Michelle Lee, Olivier Richters, Nanna Blondell, Joakim Skarli, Obie Matthew, Paul O'Kelly, Ty Hurley, John Wolfe, Andrew Byron, Simona Brown-Zivkovska, Rob Horrocks, Dale Liner, Liran Nathan, Roman Green, Daniel Joseph Woolf, Stephen Samson, Shaina West, Adam Prickett, Wong Charlie, Edward L. Oliver, Luigi Boccanfuso, Omar Alboukharey, Oliver Simms, Ahmed Bakare.

Guion: Eric Pearson. Cómic: Don Heck, Stan Lee, Don Rico. Historia: Jac Schaeffer, Ned Benson.

Producción: Kevin Feige.

Música: Lorne Balfe.

Fotografía: Gabriel Beristain.

Distribuidora: Walt Disney Pictures.

    CRÍTICA

SINOPSIS: La Viuda Negra tendrá que revivir el episodio más oscuro de su pasado para resolver una trama de conspiración en cuanto a la captación de nuevas Viudas. Por lo que tendrá que reencontrarse con personas que en otro tiempo fueron muy importantes para ella. 

 

   LO MEJOR: Por fin llega uno de los blockbuster más esperados del año, que insuflan una inyección de público y, por tanto, de dinero a las salas de cine, tan necesitadas en estos momentos. Lo hace con el que creo que es uno de los mejores spin off de la saga “Vengadores”, además de uno de sus episodios más oscuros, que ejerce como una más que digna y muy merecida despedida de uno de los personajes más icónicos de esa franquicia. Personalmente me ha gustado más que otros spin off porque es el único que realmente ofrece algo distinto, distanciado de la propuesta habitual de Marvel, porque más que una película de superhéroes es una de espías, de agentes especiales más cercanos a Jason Bourne y similares. Tampoco es una historia de orígenes al uso, más allá de su prólogo de apenas un cuarto de hora, aunque si clarifica mucha información sobre el pasado de Viuda Negra. Tiene más virtudes, sus secuencias de acción son impresionantes, más por el acierto de sus coreografías de peleas que por la espectacularidad de sus efectos especiales. En eso tiene que ver su directora, una Cate Shortland que aunque desconocida para un servidor (y creo que para la amplia mayoría del público) demuestra tener un gran sentido visual y pareciera que llevara rodando acción toda la vida, cosa de la que si adoleció Patty Jenkins para su primera incursión con “Wonder Woman”, por lo que tuvo que pedir ayuda al mismísimo Zack Snyder. Pero es que narrativamente ha sabido integrar el humor sutil y dosificadamente. Y presentarnos un protagonismo totalmente femenino sin enarbolar ninguna bandera. Es decir, es feminista sin subirse a un púlpito a recalcarlo. 

 

   Interpretación: Se nota el cariño que Scarlett Johansson le tiene al personaje por lo esforzada que se la ve en encarnarlo por última vez. Pero aciertan en no dejarla sola en lo que podría ser un monólogo interpretativo de la actriz. Todo lo contrario, la arropan con un gran reparto, otras dos actrices capitales como Florence Pugh (le roba algunas escenas) y Rachel Weisz. Incluso puede verse a Olga Kurylenko brevemente. Pero también están los actores David Harbour y Ray Winstone. Y ojo a la pequeña Ever Anderson, hija de Milla Jovovich, que se nota que de tal palo tal astilla. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Aparte de las potentes escenas de combate cuerpo a cuerpo, que son brutales, incluso más violentas de lo típicamente Marvel en la era Disney, como la del puente contra Taskmaster (Kurylenko) o contra todas las Viudas; tiene algunos conceptos interesantes. La forma de captación de las chicas y el trato que reciben, llegan a describir como les han sido extirpados los órganos reproductores, hace alusión a la trata de blancas claramente. Y hay líneas argumentales similares a las de la Guerra Fría, puramente de espionaje. La secuencia más espectacular es, sin duda, la desintegración de la base conocida como Habitación Roja. Y atención a la escena post créditos que insinua que Yelena Belova (Pugh) puede heredar el rol de Viuda Negra y que su primera víctima sea Ojo de Halcón. 

 

   LO PEOR: Que Disney siga bombardeando las salas de cine estrenando simultáneamente sus películas en su plataforma y para colmo cobrando a sus usuarios un extra premium por verlas. Lo que está haciendo es fomentar la piratería y de paso perjudicar a los cines, como ocurrió con los estrenos de “Mulán” o “Cruella”. 

 

   REFERENCIAS: Parece que temporalemte se encuadra entre “Civil War” e “Infinity War”, aunque hace varias referencias que ocurren en “Vengadores, la era de Ultrón”. En los post créditos ya se sitúa tras “End Game” y revelan algo muy importante de la Viuda Negra que solo el que haya estado metido en una cueva durante un par de años, no lo sabe. 

 

   CONCLUSIÓN: 7’5. Una digna despedida de Scarlett Johansson como Viuda Negra, y quizá como heroína de acción, en un spin off que va más por el camino del cine de espías que el de superhéroes, que es su mayor acierto.

Escenas Míticas: Sean Connery - 007 contra Goldfinger

 

 

 

    Cuando la última película, la que hace la número 25, sobre el agente 007, “Sin tiempo para matar”, se ha retrasado ya por tercera vez, hasta octubre, haremos un ciclo dedicado al que para muchos fue el mejor James Bond del cine, Sean Connery, pero no solo en su faceta de encarnación del personaje, sino de la propia carrera de este gran actor como homenaje tras su fallecimiento en octubre pero del año pasado.

 

 

   Pero desde luego, algún título de esta saga debía caer porque es evidente que tuvo gran influencia en la vida del intérprete y de la propia evolución de su carrera tras su participación en estas seis películas. Esta fue la tercera tanto de la serie como de él mismo como 007 pues fue el primero que se metió en su piel. Después lo harían George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y el actual, Daniel Craig, aunque por poco tiempo ya.

 

 

   Precisamente Craig está en su última participación como Bond lo que sigue dando lugar a continuas quinielas de posibles sucesores y más continúas críticas ante las diferentes posibilidades. Críticas que también sufrió el propio Daniel Craig, aludiendo a que su aspecto era poco “bondiano”. Y críticas que sufrió hasta Sean Connery del propio creador del personaje. 

 

 

   Porque el mismísimo Ian Fleming, renegó y de qué manera de Connery, a quién tildaba de poco refinado, de tosco, por su origen en la clase obrera. Si el actor escocés (otra de las razones del rechazo de Fleming) llegó a ser el elegido fue por todos los nombres de una lista de siete precisamente, encabezada por Cary Grant, rechazaron el papel por diversas razones. Con el tiempo Fleming se retractaría reconociendo a Connery como el mejor James Bond posible, aunque el actor siempre le guardó rencor por su rechazo inicial. 

 

 

    Los motivos de elegir este entre los seis en los que son Connery hizo uso de su “Licencia para matar”, son varios. Aparte de figurar entre los primeros puestos de la mayoría de rankings sobre las películas de 007, muchas veces en el número 1, considero este título en el que se enfocaba realmente el personaje en un perfil que se ha mantenido, con sus lógicas variaciones y actualizaciones, hasta hoy en día. 

 

 

   A parte de definirse definitivamente la personalidad del personaje como un tipo predominantemente seductor, inteligente y muy sarcástico, la película introducía elementos que se convertirían en icónicos de esta saga en todos los títulos posteriores. Por ejemplo, los gadgets (hay una escena dedicada a explicarlos en todas las películas). Y el coche usado por Bond, el célebre Aston Martin DB5.

 

 

    A Sean Connery le acompañó un reparto que no tenía figuras de renombre. De hecho, el villano, Goldfinger, estaba encarnado por el alemán Gert Fröbe. Y su mano derecha, a más bien su guardaespaldas por Harold Sakata. Tampoco las llamadas chicas Bond eran muy conocidas anteriormente a la película. Aquí hubo tres, Shirley Eaton, Tania Mallet, con papeles muy cortos, y la principal, que si sería recordada después, Honor Blackman. También Fröbe lo fue como uno de los mejores villanos de toda la saga.

 

 

    Mención especial para la intro. Ya no de ésta sino de todas la películas Bond, una secuencia introductoria tremendamente artísitica, casi como un videoclip se daba bajo el sonido de una canción que, eso si, a partir de esta entrega le era encargada a una estrella de la música de cierto prestigio, como en este caso, a Shirley Bassey. En dicha intro, se proyectaban algunas de las imágenes de la película sobre el cuerpo pintado de oro de la entonces modelo inglesa Margaret Nolan.

 

 

     De las doce novelas y nueve relatos escritos por Ian Fleming, la película se basó en la séptima y terminó por ser una de las más influyentes en una saga que sesenta años después sigue dando títulos y, sin ser una gran película, consolidó una fórmula de éxito incontestable como muestran sus 124 millones de dólares recaudados, habiendo invertido solo tres.

 

    Además, fue la primera película Bond en recibir un Oscar, concretamente a los efectos de sonido. No sería la única en conseguirlo, luego vendrían más, casi siempre en las categoríás técnicas como efectos especiales, montaje o dirección artística, pero tambien en las de canción original o banda sonora.