The drama

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Drama.
Dirección: Kristoffer Borgli.
País: Estados Unidos
Año: 2026.
Duración: 106 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, YaYa Gosselin, Michael Abbott Jr.
Guion: Kristoffer Borgli.
Producción: Ari Aster, Lars Knudsen, Tyler Campellone.
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Arseni Khachaturan.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: A poco días de su boda, una pareja se enfrenta a una crisis que ha hace tambalear toda la confianza que existía entre ellos, tras una revelación sobre el pasado.

   LO MEJOR: Si te dejas llevar por el cartel, e incluso por el tráiler, donde menos mal que no revelan el verdadero meollo del asunto, lo más lógico es pensar que es una película romántica más. Pero si piensas que es una comedia romántica al uso, estás muy equivocado. Porque sí tiene romance y también comedia, pero bastante negra. De hecho, es mucho más retorcida de lo que cualquiera pueda esperar. Esto sí que es darle una vuelta al género. Claro, si menciono a su director, el noruego Kristoffer Borgli, seguramente no le diga nada a nadie, pero igual si recuerdo que su anterior película fue esa marcianada maravillosa de "Dream Scenario", pues ya puedes sospechar que esto no iba a ser algo exactamente convencional. Borgli también escribe el guion, que es la mejor baza de la película. Es muy inteligente en plantearle al espectador las mismas preguntas que se hacen sus protagonistas, lo que te hace empatizar con ellos. Es imposible no tener las mismas dudas que ellos, no ponerte en su lugar. ¿Hasta qué punto conoces a tu pareja? ¿O a cualquier amigo? ¿Hasta dónde serías capaz de perdonar algo de su pasado? ¿Pensar en hacer algo horrible es igual de grave que llegar a hacerlo? La segunda mejor baza de la película, en la cual también participa, aunque no esté a su cargo principalmente, es un montaje brillante. No solo para imprimir un ritmo adecuado, sino también siendo vital en cómo contar la historia. Por ejemplo, mostrando tanto lo que está pasando como lo que llamamos pensamientos intrusivos, esos que tenemos todos.

   Interpretación: Zendaya no solo es una estrella de Hollywood, es una de las actrices más versátiles de la actualidad. Lo mismo te da una película de superhéroes, una space opera o una tragedia griega. Aunque donde más luce su talento es en una de este tipo, como hizo en "Rivales". Aunque tengo que decir que aquí está incluso mejor Robert Pattinson, recordándome al mejor Hugh Grant, genial en su representación de la duda. Y ojo a las aportaciones de Alana Haim y Hailey Gates.

   Escenas (SPOILERS!!): La polémica sobre la película ha surgido en torno a la confesión del personaje de Zendaya, Emma, sobre haber pensado en realizar una masacre estudiantil, hasta el punto de planearla. Un tema candente en la sociedad estadounidense, los tiroteos provocados por adolescentes. Pero eso es accesorio para hablar de la confianza dentro de la pareja, y también de la hipocresía, ¿por qué es peor pensar en hacer algo horrible, como Emma, o realmente hacerlo, como Rachel (Haim)? Porque ella dejó a un niño con problemas encerrado en un armario toda la noche y no se lo dijo a nadie. Podría haber muerto. Y eso lo hizo, no lo pensó. Por cierto, la edición está especialmente acertada en el uso de los flashbacks, los justos y necesarios, y el tiempo adecuado empleado en ellos. Y en mostrar en imágenes los pensamientos intrusivos de sus dos protagonistas, los cuales se mezclan con la realidad.

   LO PEOR: Precisamente su final es lo que podría corresponder más a una comedia romántica convencional, incluso podría considerarse predecible. No es malo, pero teniendo en cuenta la originalidad del resto del relato, desluce más.

   REFERENCIAS: Decía que es el director de "Dream Scenario". Pero temáticamente puede recordar a títulos como "Persiguiendo a Amy" o "Perfectos desconocidos".

   CONCLUSIÓN: 7. No es para nada una comedia romántica más, sino un giro retorcido al género, mientras pone el dedo en uno de los temas más controvertidos de la sociedad norteamericana, y luce el talento de su pareja protagonista.

Microcríticas Express: Cape Fear/La maldición de Widow´s Bay

 

   Considero que hay que ver las películas y las series de forma objetiva e independientemente de sus precedentes, pero también es verdad que es imposible que borremos de nuestro cerebro lo que hemos visto antes y, por tanto, establecer comparaciones involuntarias. Puede que le haya funcionado mejor a los que no hayan visto nada de esto antes. Personalmente solo esperaba que al menos conservara la misma tensión de las versiones anteriores. No ha sido el caso. La cuestión es que una historia que ya estaba bien contada en dos horas no daba para una duración cinco veces mayor. No lo pedía. Por lo que era de esperar que se tuvieran que añadir más subtramas y personajes al asunto. Pero solo es el relleno de un pavo que se ve apetitoso por fuera pero por dentro no tanto. El guion se convierte en un culebrón de hermanastros, hijos no reconocidos, infidelidades varias, abuelos, incestos, donde los guionistas te meten un golpe de efecto, un gran giro, en cada episodio, pero dando igual si tiene algún tipo de coherencia narrativa o no. Aquí lo importante es que el espectador se quede con la boca abierta. Y ya lo creo que yo me quedado también, pero de los bostezos. Porque llega un momento, y es bastante temprano, que no es posible creerse esta historia, donde la empatía por los personajes es nula, literalmente te da igual lo que le pase a esta familia que ya antes de ser amenazada por un psicópata estaba bastante tocada. Es más, agradecerías que quitaran de en medio a los hijos del matrimonio, que deben ser los más tontos del planeta Tierra, cometiendo dos y tres estupideces graves por episodio. Y sé que es Estados Unidos pero esta familia tiene más armas que un cuartel militar. Una gran decepción en la que parece que Steven Spielberg y Martin Scorsese solo han puesto el nombre en los créditos, a pesar de guiñarle a este último conservando la banda sonora original y el efecto de poner ciertas imágenes en negativo. Lo único que se salva es el reparto, que hacen lo que pueden para salvar esto. 5.  

    Estas son las mejores porque llegan por sorpresa, sin expectativas previas y dándose a conocer por el boca a boca. Esa es su ventaja inicial, ser una serie pequeña que va creciendo a medida que avanza pero gracias a la originalidad plasmada en su guion. Que sabe equilibrar perfectamente los porcentajes de comedia y terror, y homenajear teniendo voz propia. Porque es un homenaje al género de terror, tocando prácticamente todos los palos, incluso dedicando un episodio a cada subgénero. Tenemos folk horror, slasher, zombis, brujas, terror sobrenatural, psicológico, de todo. Pero plenamente integrado en la historia. Y si, tiene guiños a clásicos del terror, pero sin convertirse en un festival de referencias, como a “El resplandor”, “Carrie”, “La niebla”  o “Tiburón”. A esta última hay varios muy claros, de hecho, el propio protagonista podría haber sido el alcalde de Amity, y no creo que sea casualidad. Por cierto, interpretado magníficamente por Matthew Rhys. Aunque personalmente creo que el personaje de la serie es, sin la menor duda, el de Patricia, al que da vida una impagable Kate O’Flynn. De todos modos, en general el casting es maravilloso. Pero es que además, la trama no deja de tener giros, sobre todo en torno al sentido que tiene la maldición que impera en la isla respecto en sus habitantes. No siempre mezcla humor y terror, ojo al episodio en el que se cuenta el origen de la maldición, un flashback que es en si mismo una película independiente, con una gran Betty Gilpin. O el último episodio, que en lugar de caer en mostrar más acción, lo centra en un dilema moral con el que crear suspense. En definitiva, un entretenimiento muy divertido que fue renovado para una segunda temporada ya antes de finalizar la primera. Y menos mal, porque acaba con un enorme giro a la historia. 7’5.

Música de Película: La máscara del Zorro

 

   Todos los compositores tienen ciertos rasgos autorales que se repiten en sus bandas sonoras, pero en el caso de James Horner eso va más allá, tomando cosas de otros colegas de profesión pero sobre todo copiándose a si mismo. Aquí venía de ganar el Oscar por "Titanic", sin embargo, la banda sonora para esta película si se diferenciaba bastante del resto de su obra, saliéndose de su zona de confort y aportándole a la música un tono latino reconocible.

Tema: Zorro’s theme.

Película: La máscara del Zorro.

Intérprete o compositor: James Horner.

Tema: I want to spend my lifetime loving you.

Película: La máscara del Zorro.

Intérprete o compositor: Marc Anthony/Tina Arena.

Escenas Míticas: Monstruos acuáticos - Deep Rising

 

   Una de esas películas que cumplen todos los requisitos para considerarse un título de culto. Porque si bien es claramente una película de monstruos y, por tanto, remite más al cine de serie B, su presupuesto no lo fue, porque 45 millones de dólares era una cifra bastante respetable para la época, los noventa, que no se correspondieron en taquilla pues solo recaudó 11, por lo que fue un fracaso comercial.

   Si a eso le añadimos que tuvo unas críticas predominantemente negativas, aunque no de forma unánime, pero que, sin embargo, tiene una generosa masa de fans que la defienden, entre los cuales me cuento, y que con los años las opiniones sobre ella han mejorado, digamos que tiene la combinación perfecta para considerarla cine de culto.

   Su director, Stephen Sommers, tenía el deseo de hacer una película de serie B, como homenaje a las películas de monstruos de la década de los cincuenta, aunque bebía de múltiples influencias. Se podría decir que es una mezcla de "La aventura del Poseidón" y "Alien", más casi su secuela "Aliens, el regreso", pero jugando en la liga de títulos que habían estado de moda diez años antes, como "Profundidad seis", "Leviathan, el demonio del abismo" o "La grieta". Porque "Abyss", otra de James Cameron, ya estaba en una división superior.

   Curiosamente el título original es el mismo que el de una película de 1977, la italiana "Tentáculos" (una de esas hijas del éxito de "Tiburón"), cuya criatura guarda bastante parecido con la de "Deep Rising", que es como terminó llamándose, quizá para no ser confundida con aquella o que la gente pensase que era un remake.

   Pertenece, por tanto, al igual que hay cine de tiburones o de cocodrilos, a las películas de pulpos, calamares gigantes o kraken (ahora van a estrenar una), como la mencionada "Tentáculos" o clásicos como "20.000 leguas de viaje submarino". Para su diseño se inspiraró en un artículo del National Geographic sobre medusas.

   Y para su recreación se mezclaron efectos prácticos y digitales. Precisamente la parte digital no les convencía, por lo que terminaron sustituyendo la empresa de efectos visuales por ILM (Industrial Light and Magic), por entonces de George Lucas, lo que supuso un retraso en la producción y un incremento en el presupuesto.

   El guion no se preocupa de explicar de dónde sale el monstruo, si es de origen alienígena, producto de una mutación o un animal prehistórico. Está ahí y ya está. Pero sí se insinúa al final que en la isla a la que llegan los supervivientes hay otros monstruos y que Octalus, que es como se llamó a la criatura, podría proceder de una especie de mundo perdido. De hecho, se especuló con que podría ser la Isla Calavera, hogar de King Kong.

   Lo cual desmintió el propio Sommers, pero que sí invitaba a una posible secuela de haber tenido éxito la película. No fue así. Su fracaso también se puede deber a una escasa promoción y a estrenarse en un mes tan poco propicio para la taquilla como enero. Pero como tantas de estas, tuvo una segunda vida en el mercado de VHS y DVD, tanto para alquiler como para venta.

   Stephen Sommers quería cine de monstruos marinos, pero mezclado con los géneros de aventuras y acción. Algo que se repetiría en sus siguientes películas, algunas de ellas gozando de bastante éxito y popularidad, como las dos primeras de "La momia" (las de Brendan Fraser), "Van Helsing" o "G.I. Joe".

   El papel protagonista estaba pensado para Harrison Ford y, de hecho, recuerda bastante al personaje de Han Solo. Pero lo rechazó y en su lugar se contrató a Treat Williams. Lo mismo que el papel femenino, donde la elegida era Claire Forlani, pero terminó en manos de Famke Janssen, que venía de ser chica Bond (villana) en "GoldenEye" y que posteriormente sería Jean Grey en "X-Men".

   El reparto lo completaban nombres que hoy nos resultan bastante conocidos, como Djimon Hounsou, Wes Studi, Cliff Curtis, Kevin O'Connor o Jason Fleming. Personalmente, la película me parece entretenidísima y muy divertida, pues no se toma en serio a sí misma. Quizá hoy los efectos visuales hayan envejecido mal, pero es parte de su encanto.

Spiderman, Brand new day

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Spiderman, brand new day.
Dirección: Destin Cretton.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 145 min.
Género: Fantástico, acción, ciencia ficción.
Interpretación: Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo, Jon Bernthal, Jacob Batalon, Sadie Sink, Liza Colón-Zayas, Tramell Tillman, Marisa Tomei, Naomi Watts, Michael Mando, Keith David, Marvin Jones III, Olivia Booth-Ford.
Guion: Chris McKenna, Erik Sommers, Justin Kuritzkes. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee.
Producción: Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad, Rachel O'Connor.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Brett Pawlak.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Varios años después de que todos sus seres queridos olvidaran, a petición de él, que Peter Parker es Spiderman, se encuentra solo y se centra en proteger a los habitantes de Nueva York. Pero una amenaza se cierne sobre ella sin que pueda saber de donde viene.

   LO MEJOR: Spiderman siempre es un seguro. No en vano es el superhéroe más leído por encima incluso de personajes como Superman o Batman. Pero también es verdad que en la etapa Holland hemos visto poco el de los cómics. Demasiado Vengador, demasiadas franjas doradas o negras y artilugios starkianos en su traje, y poco el héroe urbanita (el vecino y amigo) con un simple atuendo de rojo y azul. Esta película sí lo trae, además dándole un salto de madurez al personaje bastante notable, que casi sirve como reinicio pero teniendo muy en cuenta lo pasado. Y, a través de su enfrentamiento con un gran villano. No nos vamos a engañar, Spiderman siempre ha tenido buenos e icónicos villanos (Duende Verde, Octopus, Venom), pero nunca se les ha dado un tratamiento tan serio, tan psicológico como se le ha dado al de este. El nuevo director, Destin Cretton, toma una premisa muy nolaniana, la de que tu héroe es más grande cuanto más lo es su antagonista. Curiosamente, para dar la sorpresa con el elegido para esta nueva entrega, se han saltado el canon sin ningún problema, ofreciéndonos un enfrentamiento imposible de esperar pues nunca ha ocurrido en las viñetas. Y yo se lo aplaudo. Además, pocas veces han estado mejor rodadas las escenas de acción de Spiderman. En lo que se refiere a rodar acción, Cretton ya lo pudimos comprobar en "Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos". En definitiva, es la mejor película del Spiderman de Tom Holland, Top 3 o incluso Top 2 de todas las películas del personaje en el cine y la mejor película de superhéroes desde "End Game". Me hace tener esperanza sobre el camino que puede tomar Marvel en el género.

   Interpretación: Tom Holland está mejor que nunca tanto como Spiderman como Peter Parker. El cambio de tono le beneficia para poder ver lo buen actor que es. Lo mismo que a Zendaya, a pesar de salir menos. La incorporación de Jon Bernthal es un acierto y su química con Holland es total. Y tenemos las "visitas" de Florence Pugh (casi cameo) y Mark Ruffalo. Pero la verdadera bomba es la participación de Sadie Sink, con mucha mayor relevancia de lo esperado y está maravillosa.

   Escenas (SPOILERS!!): No esperaba que se presentara a Sadie Sink como Jean Grey en una película de Spiderman, y mucho menos como antagonista suya. Ha sido toda una sorpresa. Ella eleva la película a medida que va apareciendo más. Ojo a cómo muestra su poder de saltar de un cuerpo a otro (eso sí, inventado), que recuerda a la película de Denzel Washington, "Fallen", pero narrado de forma espectacular. Aunque a nivel espectáculo hay que hablar de dos secuencias impresionantes. Una es, sin duda, la de Hulk. Y la otra en la que Jean Grey paraliza media población de Nueva York, con la pelea de Spiderman contra la Mano de por medio.

   LO PEOR: No voy a decir nada sobre la película pero sí sobre algo alrededor. No soy fan de Jon Watts y su Spiderman me parecía demasiado infantil. Pero tampoco vi que las películas fueran criticadas por la gente. Sus tres películas recaudaron 3.900 millones de dólares. ¿A qué viene insultarle ahora? ¿Tanta necesidad tienen algunos de odiar? Id al psicólogo.

   REFERENCIAS: Está más cerca de "El Caballero Oscuro" o "The Batman" que de la trilogía anterior de Jon Watts. Dentro del personaje, me recuerda a lo mejor que se había hecho sobre él, "Spiderman 2", de Sam Raimi.

   CONCLUSIÓN: 8. La mejor película del Spider-Hollandverso, una de las mejores del personaje en el cine y la mejor película de superhéroes desde el final de los Vengadores, mantiene la esperanza en un género que no levantaba cabeza.

Microcríticas Express: El gran diluvio/La boca del diablo

 

   Tiene notas bastante bajas y, sinceramente, sin pensar que sea una obra maestra, no lo entiendo. Al menos es un buen entretenimiento y de una factura visual que no es muy común en películas que van directas a plataformas. Porque no sé como se las apañan en el cine asiático, esta es coreana, para sacarle rendimiento a sus presupuestos, con ejemplos tan claros como “Godzilla Minus One”. Pero es que esta ha costado 22 millones de dólares y en pantalla parecen 150. Que ya como película de catástrofes me funciona bastante bien, con escenas bastante espectaculares. Pero es que esto solo es el envoltorio de una historia más ambiciosa. Es verdad que durante la primera parte ves cosas raras que luego se comprenden cuando gira hacia el género de ciencia ficción pura y dura. Es en ese viraje donde ha captado más mi atención, aunque no me estaba aburriendo ya antes. Lo advierto por si alguien tiene la tentación de quitarla (que no lo entendería porque toda la parte de catástrofes naturales es muy entretenida), se puede perder algo que quizá le interese más. Porque ese primer acto es solo la preparación de la verdadera historia que nos quieren contar y que personalmente me ha parecido muy original. Además, por fin, la inteligencia artificial no es retratada como factor de destrucción de la especie humana sino todo lo contrario, lo que ya es una variante, al menos. Si que es verdad que al final hay un poco la sensación de que han mezclado un poco de todo. Y lo que más me ha desesperado es que los personajes de repente se paren a hablar tranquilamente en medio del desastre. Pero, en general, entretiene, está bien hecha y al menos es algo diferente. 6’5.

   Nuevamente, el cartel tiene más talento visual que toda la película, en uno de los ya casi obligatorios títulos de tiburones de cada verano. Si tiene algún interés es el escenario, el que los personajes estén atrapados en un lugar cerrado (aunque tiene luz, no se sabe de donde sale), una cueva, realzando el efecto claustrofóbico aunque no tenga nada de novedoso pues ya en “A 47 metros 2” usaban esta premisa. Esta me parece mejor pero porque la otra era muy mala (con lo buena que era la primera parte). Además, también toma un poco prestado de “The descent” incluyendo una relación de amistad tóxica de por medio en un grupo en el que es literalmente imposible empatizar con ninguno, o como mucho, uno de ellos. Por lo que cuando van cayendo pues no te da más mínima pena e incluso te alegras porque casi todos merecen ser devorados. Dices, uno menos, cárgate a otro. A este respecto, no voy a entrar en temas de realismo pero tampoco es que haga falta ser Costeau para saber que es imposible que un solo tiburón se coma a media docena de personas en unas horas. Este, además, tiene la costumbre de empotrarse contra todo, e incluso usar esa táctica contra sus víctimas. Lo que si tengo que reconocer es que está muy decentemente hecho y da el pego en casi todas las escenas donde sale, que ahí se le agradece que se le vea razonablemente bastante. La película tiene notas muy bajas y yo tampoco haría tanta sangre con ello porque está entretenida, aunque un recorte de diez o quince minutos le iría bien. Sangre que, por cierto, tiene bien poca y gore cero. 5’5.

Escenas Míticas: Monstruos acuáticos - Anaconda

 

   El verano es un periodo del año habitual para estrenar películas con las que recordarle a la gente que está pasando sus vacaciones cerca de lugares con agua, sean playas, lagos o ríos, en los que podrían encontrarse con enormes bichos acuáticos perfectamente capaces de despedazarlos y devorarlos como quien toma el té de la tarde. Sin ir más lejos, este mes se estrena "En mar abierto", donde Renny Harlin vuelve a los tiburones desde aquella divertidísima "Deep Blue Sea".

   Tiburones, cocodrilos, pirañas, orcas, pulpos y... anacondas. Es solo parte de lo que te puedes encontrar en estas películas veraniegas de monstruos acuáticos. Y vamos a empezar con una de mis favoritas aunque en su momento la crítica la pusiera a caer de un burro y sea de las películas con notas más bajas en las webs de cine. Por ejemplo, tiene 2'9 en FilmAffinity.

   Pero yo reconozco habérmelo pasado bomba en la sala de cine en su momento y es una sensación que he reafirmado al volver a verla ahora. De hecho, es de esas películas que han adquirido cierto halo de título de culto, al menos en el cine de monstruos, con el paso de los años.

   No en vano, John Wilson, el creador de los infames premios Razzie, la incluye entre las cien películas más malas pero a la vez más divertidas. Esa es la dicotomía que provoca esta película, cuyo mayor problema fue que la gente se la tomó demasiado en serio cuando ni ella misma lo hacía. Recordemos que tiene una escena en la que una de las víctimas de la anaconda, recién regurgitada, guiñaba un ojo. Si eso no es un chiste, no sé qué es.

   Es más, tiene tal colección de gazapos que cuesta creer que no fueran adrede. Personajes que salen del agua que tienen la ropa seca en el siguiente plano. O que cambian de peinado. Barriles que se hunden cuando deberían flotar. Y mi favorito, la cascada en dirección contraria. Para ahorrar costes, en lugar de mover el barco hacia atrás, lo hicieron con toda la imagen y hay una cascada de fondo en la que el agua va hacia arriba en lugar de hacia abajo.

   De hecho, la película sería la pesadilla de un zoólogo, o para más señas, un herpetólogo, viendo a una anaconda trepar como un mono, tragarse a personas enteras de una sentada (cuando es un proceso que puede durar horas) y, sobre todo, rugir, cuando en realidad no emiten ningún sonido.

   La película se inspira en las leyendas sobre serpientes gigantes de Sudamérica. Pero lo cierto es que no existe ningún caso documentado sobre anacondas que se hayan comido a una persona. Sí los hay sobre pitones reticuladas en el sudeste asiático, cuyas fotos a menudo circulan como si correspondieran a anacondas.

   Pero el reparto sí tuvo que lidiar con peligros tan reales como caimanes, pirañas, insectos y la flora del lugar, ya que era Manaos, en Brasil. Menos la propia anaconda, cuya recreación fue de lo más criticado de la película. Personalmente creo que los efectos animatrónicos funcionan muy bien, pero los digitales no tanto. Y es que ni había tanto dinero ni en la época todavía el CGI estaba tan avanzado, salvo excepciones como "Jurassic Park" y "Terminator 2".

   Para la protagonista se quería a Gillian Anderson o Julianne Margulies, pero lo rechazaron porque no podían dejar sus respectivas series, "Expediente X" y "Urgencias". Así que se eligió a Jennifer López, ya con el estatus de estrella y que había participado en títulos como "Asalto al tren del dinero", "Giro al infierno" o "Selena", por cuya interpretación fue muy alabada por la crítica.

   Le acompañaban el también cantante Ice Cube, Eric Stoltz, Owen Wilson, Kari Wuhrer, brevemente Danny Trejo y un Jon Voight que claramente es el que mejor se lo está pasando en esa variante del Quint de "Tiburón", aunque anteriormente a él se había pensado en Jean Reno. Y tras la cámara un Luis Llosa con películas previas como "En el corazón de la jungla" o "El especialista". Pero que tras "Anaconda" solo ha vuelto a dirigir dos veces, en 2006 y 2024.

   La película costó 45 millones de dólares y recaudó 136 en taquilla, así que ni tan mal. Tuvo una especie de secuela/reboot en 2004, "Anaconda, la cacería por la orquídea sangrienta", "Anaconda 3, la amenaza", "Anaconda 4, rastro de sangre" (estas dos últimas para televisión), un remake chino bastante desconocido en 2024, la típica versión Asylum y una parodia de título homónimo en 2025. Incluso existe un crossover con la saga "Mandíbulas", "Mandíbulas vs Anaconda".

Club de Opiniones: Terror de los 80´ al desnudo

 

​   Por alguna razón la violencia y el erotismo van muchas veces de la mano en el cine. Desconozco si tiene algún trasfondo psicológico más profundo como que ambos, la violencia y, más bien, el sexo, son dos de los impulsos más primarios del ser humano o si es que simplemente quedan bien en pantalla y, por tanto, son un excelente gancho para el público que acude a una sala de cine. Y esos conceptos se han visto perfectamente siempre en el género del terror. Incluso en el slasher parecía haber una constante que era convertir en víctimas a todos aquellos que practicaran el sexo, especialmente si eran adolescentes, como recordaba Randy (Jamie Kennedy) en "Scream". O en el subgénero de "rape and revenge", donde se exhibe una violación explícita para dar lugar a una brutal venganza, como se pudieron dar en títulos como "Escupiré sobre tu tumba" o "La última casa a la izquierda". 

   La cuestión es que, como todo en los ochenta, y especialmente en el género de terror, todo era más que en cualquiera otra década; más sangre, más gore y más desnudos. Viendo los documentales de David A. Weiner, "In Search of Darkness", que repasan precisamente ese periodo cinematográfico y en ese género, me he acordado de la cantidad de desnudos gratuitos en comparación con los de décadas posteriores. Por ejemplo, reinas del terror de los noventa como Neve Campbell, Jennifer Love Hewitt, Sarah Michelle Gellar o Rebecca Gayheart no protagonizaron ningún desnudo. Vamos a analizar como se trató este tema a través de varias actrices icónicas clave en el terror de los ochenta.

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   1. JAMIE LEE CURTIS

   A pesar de ser la scream queen indiscutible de los ochenta, que ya había iniciado antes en "La noche de Halloween" y que protagonizó otras cuatro películas de terror en los ochenta, casi todas slasher, con títulos como "Prom Night", "La niebla", "El tren del terror" o "Halloween II", no se desnudó en ninguna de ellas, siendo la excepción a la regla y convirtiéndose casi en algo extraño. Sobre todo porque en esos años sí hizo desnudos pero no en el terror, sino en la comedia "Entre pillos anda el juego" y el drama "Cartas de amor".

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   2. LINNEA QUIGLEY

   Es literalmente lo opuesto a Jamie Lee Curtis. A lo largo de la década de los ochenta, participó en una veintena de películas de terror, de las cuales, en nueve de ellas apareció desnuda. Es verdad que en personajes más secundarios habitualmente. A Linnea Quigley siempre le pedían que se quitara la ropa en pantalla. En 1984, se operó y se aumentó el pecho, lo cual, fuera esa la intención o no, hizo que sus desnudos fueran más caros. Estrenó sus nuevos pechos en el slasher "Noche de paz, noche de muerte", donde realizaba una escena en la que tocaban al timbre y ella abría la puerta en topless. La excusa del director fue que el asesino iba a clavarla en los cuernos de la cabeza de un ciervo colgada en la pared, y era para que se viera atravesarla y salirle por el pecho. Igual mintió un poco. Aunque, sin duda, su desnudo más icónico es a la vez el más gratuito, el baile completamente como Dios la trajo al mundo, menos unos calentadores en las piernas, en "El regreso de los muertos vivientes".

​   3. BARBARA CRAMPTON

   Es el perfecto ejemplo de actriz que todo el mundo recuerda como que también se desnudó en muchas películas, incluso a la altura de Linnea Quigley. Pero no fue en absoluto así. Sí hizo unos cuantos desnudos pero concretamente en el terror y en los ochenta tan solo uno, en "Re-Animator", bueno, dos, también en su prima hermana, "From Beyond" (Desde el más allá). Pero es que la escena de "Re-Animator" fue tan sumamente icónica y además, transgresora, donde la cabeza revivida y separada del cuerpo de un personaje amenazaba con practicarle sexo oral a una Barbara Crampton aterrorizada y completamente desnuda.

​   4. MATHILDA MAY

   Si está en esta lista es porque aunque solo protagonizó un desnudo en el terror de los ochenta, en "Fuerza vital", por cierto, una película muy rescatable, y no solo porque Mathilda May se tire el 95% de la película completamente sin ropa, en lo que parece una exhibición de su imponente físico de lo más gratuita de la década, lo que la convirtió en un símbolo erótico. Sin embargo, el hecho de estar desnuda casi todo el tiempo tenía una excusa narrativa. Lo primero es que no responde al prototipo de scream queen sino todo lo contrario, es la villana y usa su atractivo físico como arma para atraer la atención masculina. Con él los manipula, los domina. Es decir, ella no es la castigada sino la castigadora, lo que la diferencia de todas las anteriores.

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   5. ADRIENNE BARBEAU

   Convertida en sex symbol muy a su pesar porque probablemente comparada con las demás, sea la actriz más preparada como actriz, con formación teatral. Pero también tenía un físico tremendamente atractivo y eso no le pasó inadvertido a los productores. Protagonizó varias películas icónicas del terror de los ochenta, como "La niebla" (precisamente junto a Jamie Lee Curtis) o "Creepshow", aunque fue "1997, Rescate en Nueva York" la que la hizo más popular. En todas ellas se explotaba su presencia sexy pero no salía desnuda. Pero sí tuvo un desnudo de lo más gratuito e innecesario en "La cosa del pantano", donde protagoniza un baño en un lago con el único objetivo de que enseñara los pechos.

​   6. SYBIL DANNING

   Como bonus y más como ejemplo anecdótico que como representativo. Sybill Danning era ya una sex symbol en toda regla. Una actriz de físico explosivo que tiene innumerables desnudos a lo largo de su filmografía. Pero, sin duda, el de "Aullidos 2" es el más gratuito de todos ellos y casi el más ridículo. En la película, sin venir a cuento, la actriz se rompe el vestido quedándose en topless, sola y exclusivamente para mostrar sus senos. No contentos con ello, repitieron la escena varias veces durante los créditos finales, hasta en ocho ocasiones, lo que resultaba hasta cómico. Lo cual resume bastante bien cómo se explotaba mayoritariamente el desnudo femenino en el terror de los ochenta. Pero eso no continuó en los noventa.

Microcríticas Express: Agárralo como puedas (2025)/Anaconda (2025)/Scary movie 6

 

   Con este título que nos empeñamos en ponerle aquí, aunque el original sea “The naked gun”, otra franquicia que intentaba lo que se ha puesto de moda en los últimos años, autoresucitarse con una recuela, una secuela que a la vez es un reinicio. No les terminó de salir porque aunque tuvo su taquilla, no fue tampoco para tirar cohetes y probablemente se quede aquí. No parece, al menos no se ha aprobado por el momento ninguna entrega más. No obstante, me parece más acertada que lo que han hecho con “Scary movie”, al menos los chistes están plenamente integrados en una historia que contar, una parodia del cine negro, del cine de detective. Y conserva la esencia de la clase de humor que tenían sus antecesoras aunque no me haya reído tanto como en aquellas. Principalmente porque se echa en falta a Leslie Nielsen, eso era inevitable. Pero le admiro la valentía y el descaro a Liam Neeson cambiando de registro radicalmente respecto a los papeles que suele hacer y con el riesgo de suceder a Nielsen Y tengo que decir que le he visto bastante bien en ese rol cómico. Además, con una química total con su compañera de reparto, Pamela Anderson, más allá de que nos creamos o no que lo fuera también fuera de la película y que hayan sido pareja de verdad. A mí me pareció una maniobra de libro de promoción de la película por mucho que luego se les viera juntos durante un tiempo. Pero la película, que es lo que nos interesa, siendo inferior a cualquiera de sus antecesoras, es una secuela digna y con la curiosidad de ver a un dúo tan improbable previamente como el formado por Liam Neeson y Pamela Anderson. 5’5.

   Cuando uno veía este título lo primero que podía pensar era en un remake o reboot pero no es nada de eso. Con los tráilers ya se veía que era una parodia. Sin embargo, después de verla la veo más como un homenaje. Hay que querer mucho a una película para hacer otra sobre ella. Sobre un grupo de fans de la de 1997, que precisamente se disponen a hacer un remake y terminan por enfrentarse a lo mismo que los protagonistas de la de aquella. Así que es un poco metacine, es decir, cine dentro del cine, aunque desde la comedia disparatada. Es lo que más me gusta, como se las apañan para poner la película en pie, conseguir el barco, la serpiente, . . . Y quizá porque comparto el cariño por esa “Anaconda” noventera con los propios personajes, la he disfrutado. Porque recupera lo que realmente era lo interesante en ella, que era el viaje por el río. Además, como comedia funciona bastante bien, hay varias secuencias con las que me he tronchado. Gracias, en gran parte, a que tiene un reparto a la medida del tono de lo que te quieren contar, con Jack Black, Paul Ruud y Steve Zahn haciendo de ellos mismos, aunque la mejor es Thandiwe Newton, claramente. Termina convirtiéndose en una versión cómica de la película a la que hace referencia, que ojo, ya no se tomaba demasiado en serio a si misma, que es lo que mucha gente no le cogió. Por cierto, como dato más que curioso, ambas películas tienen exactamente el mismo presupuesto, 45 millones de dólares y también la misma taquilla, 135, rizando el rizo recaudando casi lo mismo, de nuevo, en Estados Unidos, en torno a 65. Así que, se ve que sigue teniendo su público. 6.

   Sinceramente, no es que haya sido nunca un gran fan de esta saga aunque haya visto todas sus entregas pero básicamente por la gracia de conocer todas las películas de las que hacían hacían bromas. La que más me gusta y claramente me parece la mejor es “Scary movie 2”. Pero es que no me parecen buenas ni como parodias, más que películas son sucesiones de sketches. Parodias son “La vida de Brian”, “El jovencito Frankenstein” o “Aterriza como puedas”. En las “Scary movie” te meten un montón de escenas que no tienen sentido, que no vienen a cuento, con tal de poder hacer el chiste que quieren. Y hay muchos de ellos que hacen bastante gracia, pero muchos otros no. Eso es justo lo que ha pasado con esta, que hay dos o tres muy graciosos pero el resto, la mayoría, no demasiado. De hecho, yo al personaje de Shorty (Marlon Wayans) directamente es que no le soporto. Al igual que la primera, toma como referencia la saga “Scream”, especialmente en cuanto a lo que supuso su reinicio en 2022, que ya se reía de si misma, pero bastante mejor, siendo plenamente autoconsciente de ser una recuela. También hace eso esta “Scary movie 5”, no solo reírse de ciertas películas icónicas de terror de los últimos años, sino de ella misma, que creo que es lo que mejor le sale. Por lo que en general creo que ha sido un regreso más bien fallido, a pesar de que comercialmente no les ha salido mal la cosa porque solo costó 20 millones de dólares (que me digan a mí donde están) y ha recaudado casi 80. Pero personalmente creo que abusa de los chistes sexuales y del humor facilón de caca-culo-pedo-pis. 5.

Escenas Míticas: Héroes de leyenda - La máscara del Zorro

 

   El Zorro ha sido adaptado al cine más de cuarenta veces, lo que le coloca en quinto lugar como personaje con más adaptaciones cinematográficas, solo por detrás de Drácula, Sherlock Holmes, precisamente, Robin Hood, como recordábamos la semana pasada, y Tarzán. Y de todas ellas, esta es mi favorita, la más entretenida y divertida, sin perder nunca el respeto a la esencia del personaje.

   Doblemente interpretado por Anthony Hopkins y Antonio Banderas, dando uno el relevo al otro. Prácticamente como ha ocurrido a lo largo de la historia del cine que, como ocurrió con Robin Hood, ha sido interpretado por varios actores en cada época. Como Douglas Fairbanks en los años veinte, Tyrone Power en los cuarenta o Alain Delon en los setenta.

   Así que podríamos decir que Banderas ha sido el Zorro de los noventa (y 2000 porque también lo hizo en su secuela). A él y a Hopkins les acompañó Catherine Zeta Jones, que precisamente fue lanzada gracias a esta película y posteriormente tuvo una provechosa carrera participando en títulos como "Traffic", "La terminal" o "Chicago", con la que consiguió el Oscar.

   Sin embargo, ninguno de ellos fue la primera opción. Para el papel del joven Zorro se había pensado en Andy García, para el viejo zorro en Sean Connery y para el de Elena, agárrate, en la cantante Shakira. Salvo la última, todas hubieran sido buenas elecciones. Pero cuando se pensaba en poner tras las cámaras a Robert Rodríguez, éste se empeñó en Antonio Banderas, con el que había trabajado recientemente en "Desperado".

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   Eso fue cuando Steven Spielberg iba a ser el productor principal. Pero la dilatación del proyecto hizo que se quedara solo como productor ejecutivo. Y Robert Rodríguez terminó saliendo del proyecto por su empeño en una visión más violenta y oscura y el enfrentamiento a causa del presupuesto, que curiosamente luego fue muy superior al que pedía el director mexicano.

   Que llegó a doblarse y más, alcanzando los 96 millones de dólares, cifra bastante alta para la época, pero que rindieron perfectamente en pantalla, obteniendo una taquilla de 250 recaudados. Además de muy buenas críticas generalizadas. Y en eso hay que darle su justo mérito al que sustituyó a Rodríguez tras la cámara.

   Que fue Martin Campbell. Venía de firmar una película poco reconocida pero tremendamente entretenida como "Escape de Absolom", pero sobre todo de resucitar la saga 007, con la primera película del James Bond de Pierce Brosnan, "GoldenEye". Movimiento que repetiría también con la primera película de otro Bond, Daniel Craig, en la que es mi película favorita de toda la saga, "Casino Royale".

   Antes de eso se ocupó de otra película bastante infravalorada, "Límite vertical", y de la secuela de la que hoy comentamos, "La leyenda del Zorro", que no tuvo tanto éxito. A partir de ahí, no tuvo títulos tan destacados, incluso tuvo algún descalabro importante, como el de "Linterna Verde". Pero nadie puede quitarle el mérito de resucitar también el cine clásico de capa y espada con "La máscara del Zorro".

   Con un personaje tan arraigado que incluso mucha gente cree que está basado en alguien real cuando en realidad nació en las páginas de una novela por entregas publicada en una revista pulp, "The Curse of Capistrano", en 1919, de Johnston McCulley. Y sí, puede que se inspirara en algunos forajidos y líderes revolucionarios como William Lamport, Joaquín Murrieta (el Robin Hood mexicano) o Tiburcio Vásquez.

   Tomaba la película como referentes otros personajes míticos que hemos podido ver aquí en este ciclo, como el Cid o Robin Hood, y además las novelas de Alejandro Dumas, especialmente "Los tres mosqueteros". Pero además utilizaba una estructura de orígenes de héroes como el todavía poco explotado cine de superhéroes, como el "Superman" de Richard Donner o el "Batman" de Tim Burton.

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   Aparte de ser un éxito comercial y de crítica, fue nominada al mejor sonido y mejores efectos sonoros en los Oscars. E influyó en películas posteriores como "Piratas del Caribe", "La venganza del Conde de Montecristo", la versión de 2011 de "Los tres mosqueteros", "El llanero solitario" o "La búsqueda".

Primitive War

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Primitive War.
Dirección: Luke Sparke.
País: Australia.
Año: 2025.
Duración: 130 min.
Género: Aventuras, terror. bélico.
Interpretación: Ryan Kwanten, Tricia Helfer, Nick Wechsler, Jeremy Piven, Aaron Glenane, Anthony Ingruber, Carlos Sanson Jr., Albert Mwangi, Adolphus Waylee, Henry Nixon, Ana Thu Nguyen.
Guion: Luke Sparke. Libro: Ethan Pettus
Producción: Luke Sparke, Carly Sparke, Carmel Imrie.
Música: Frederik Wiedmann.
Fotografía: Wade Muller.
Distribuidora: Rialto Distribution.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Durante la guerra de Vietnam, un comando de soldados es enviado a un valle donde una expedición de Boinas Verdes ha desaparecido. Su misión es encontrarlos o averiguar que les ha pasado. Pero la respuesta es algo que no entraba en las posibilidades.

   LO MEJOR: Con "Jurassic Park", Steven Spielberg hizo la misma operación que con "Tiburón", llevarse un subgénero predominantemente de serie B, como el de las monster movies, al terreno del blockbuster, y desde entonces, los dinosaurios no se han bajado de él, porque rara vez los hemos visto fuera de esa saga. Ésta es uno de ellas pero en regreso a esa serie B donde habitaban antes de que los rescatara Spielberg, salvo en excepciones como las distintas versiones de "King Kong". De hecho, "Primitive War" va donde "Jurassic World" no pudo gracias a no depender de la calificación por edades, que aquí es un R como una casa, muy merecida, pues hay mucha sangre y también tiene gore, lo que le permite acercarse mucho más al terror, aquí mezclado con el género bélico, con cierto toque de ciencia ficción. Porque es una exploitation en toda regla, donde su director, Luke Sparke, ha cogido prestado de todas partes. Todo para llevarse los dinosaurios a una especie de mundo perdido situado en el Vietnam de finales de los sesenta. Una completa locura de argumento que solo es una mera excusa para meter a un comando de soldados estadounidenses en un infierno pero no de Charlies, sino de dinosaurios. De los cuales hay un montón (la última media hora es un festival) y no solo mostrados de noche y en semioscuridad para maquillar su falta de recursos, sino exhibidos a plena luz. Y sí, eso hace que a veces canten un poco, pero para tener un presupuesto de tan solo diez millones de dólares, los efectos especiales son más que dignos. La película no estará muy bien calificada pero yo me lo he pasado bomba.

   Interpretación: El reparto está plagado de desconocidos. Y las caras conocidas vienen por parte de habituales secundarios, como Jeremy Piven ("Ases calientes") o de la televisiva, la hipersensual androide de la serie remake de "Battlestar Galáctica", Tricia Helfer. Pero en definitiva, no es precisamente el apartado interpretativo lo más destacado de la película.

   Escenas (SPOILERS!!): La primera vez que los soldados tienen contacto con los dinosaurios, en un brutal ataque nocturno, es desde una puesta en escena de terror bastante potente, que me ha sorprendido. El ataque de los pterosaurios, como decía, a plena luz, donde se ven perfectamente y no están nada mal hechos, es de las secuencias más divertidas. Pero donde un amante de los dinosaurios y las películas donde los sacan, puede disfrutar más, es sin duda, en la venganza del Tiranosaurus Rex contra la base rusa. Y como no, el posterior tiroteo a pie de helicópteros, contra los deinonychus.

   LO PEOR: Lo dicho, cuando no tienes mucho dinero y encima no tienes reparo en mostrar tus efectos especiales a plena luz, a veces se les ve el cartón. Y creo que se le va al metraje un poco, diez o quince minutos de recorte de la parte central le podrían haber ido bien.

   REFERENCIAS: Debe tener su público cuando se ha aprobado una secuela que podría llegar en 2027. En cuanto a esta, ya decía que toma de todas partes. En la parte bélica de "Apocalypse Now" y "Doce del patíbulo". En la de dinosaurios de "Jurassic World" y "Kong, la isla Calavera". Y en la mezcla de soldados y monstruos, "Depredador" y "Dog soldiers".

   CONCLUSIÓN: 6’5. Si el "mundo perdido" estuviera en un valle de Vietnam, saldría algo tan entretenido y divertido como esta película de bajo presupuesto, que devuelve a los dinosaurios a la serie B, mezclando el bélico con las monster movies.