martes, 30 de junio de 2026

Escenas Míticas: Superheroínas - Viuda Negra

 


   Rompió, como ya había hecho “Wonder Woman” unos años antes, la regla de que las superheroínas no funcionaban en el cine en solitario. Y tiene más mérito tratándose de un personaje que formaba parte de una saga, “Vengadores”, que ya había terminado, pues es la siguiente del UCM, la número 24, tras “End Game”, y también por la cantidad de dificultades con las que se encontró.


   

    De primeras, contar una historia que se encontraba entre “Civil War”, fue casi como una “Vengadores 2.5” e “Infinity War”. Una película que llegaba de forma demasiado tardía, que sufrió hasta tres retrasos en su estreno a causa de la pandemia del Covid-19, lo que hizo colocarla como primera película de la Fase 4 del UCM cuando su historia era más de la Fase 3.



   Para colmo, fue una de las películas que sufrió la polémica estrategia comercial de Disney que, al igual que “Mulan” y “Cruella”, fue estrenada de forma simultánea en cines y en su plataforma de Disney Plus. Donde, por cierto, funcionó de maravilla pero afectó su recaudación en taquilla.



   Aún así no impidió que recaudara 380 millones de dólares en una época con limitaciones de aforo en las salas de cine. Había costado 150 millones, por lo que gracias a su rendimiento en streaming se la considera rentable. Aunque si se hubiera estrenado en cines de forma exclusiva lo habría sido aún más probablemente. Y eso es lo que reclamó precisamente su protagonista, Scarlett Johansson.



   Que ejercía también como productora y tener un empeño personal en que la película saliera adelante para despedirse dignamente del personaje al que había interpretado en ocho ocasiones ya, este sería la novena, y que significaría dar el relevo a otra actriz en un rol principal, aunque no igual. Es decir, no para dar vida a Natasha Romanoff sino a otra Viuda Negra, Yelena Belova.



   No obstante, a su ya prominente sueldo de 20 millones de dólares, Scarlett Johansson añadió un porcentaje de la taquilla, por lo que estrenar la película simultáneamente en streaming perjudicaba su rendimiento en salas, por lo que le  demandó a Disney, que terminó abonándole otros 20 millones más en concepto de indemnización.



   Al papel de Yelena Belova aspiraron Saoirse Ronan, la favorita, y Emma Watson. Sin embargo, se impuso Florence Pugh. Decisión acertada a juzgar por la enorme química que tuvo con Scarlett Johansson. A las que acompañaron Rachel Weisz, David Harbour, Ray Winstone, Olga Kurylenko, William Hurt, y la joven Ever Anderson, hija de Milla Jovovich.



   Para la dirección se eligió a la desconocida Cate Shortland, que aparte de una serie de cortos y su habitual trabajo en televisión, tenía una película de la que la Johansson era fan, “Lore”, que hizo que insistiera fuertemente por ella. Shortland también tenía otro título interesante, “El síndrome de Berlín”.



   Además, compartía la visión de su estrella. Que es no llevar el tono de la película por el camino del género de superhéroes sino del cine de espías en su vertiente de acción, es decir, tomando como referencias las sagas de “Misión Imposible” y “Jason Bourne”. Por tanto, funciona más como un thriller y alejándose del tono fantástico. De hecho, las coreografías de peleas son mucho más realistas que en la saga “Vengadores”.



   Ese tono se puede apreciar ya desde la secuencia de créditos del inicio, facturado con estética de videoclip y con cierto paralelismo de la captación de las Viudas con la trata de blancas, y esa versión del tema “Smells like teen spirit” de Nirvana, a cargo de la cantante Malia J. Un spin off de la Viuda Negra pero que termina siendo una historia de grupo, recuperando personajes del cómic menos conocidos como Iron Maiden y Guardián Rojo.



   “Viuda Negra” fue un proyecto que llevaba planeándose durante diez años y que se planteó con el personaje en solitario en 2004, mucho antes del debut en la pantalla grande en “Iron Man 2” en 2010. La cuestión es que es una de mis películas de superheroínas favoritas y también del UCM en general, a la altura de títulos como “Capitán América: El Soldado de Invierno”.

domingo, 28 de junio de 2026

He-Man y los Masters del Universo

 

   FICHA TÉCNICA

Título: He-Man y los Masters del Universo.
Dirección: Travis Knight.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 132 min.
Género: Fantástico, acción, aventuras.
Interpretación: Nicholas Galitzine, Jared Leto, Camila Mendes, Idris Elba, Alison Brie, Sam C. Wilson, Hafthor Bjornsson, Kojo Attah, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, James Purefoy, Charlotte Riley.
Guion: Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee, David Callaham. Historia: Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak, Michael Finch. Personajes: Roger Sweet.
Producción: Todd Black, Jason Blumenthal, Steve Tisch, Robbie Brenner.
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Fabian Wagner.
Distribuidora: Amazon MGM Studios.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Adam vive en la Tierra mientras busca su espada mágica perdida, que le permitirá volver a su planeta natal, Eternia, y así poder defenderlo de Skeletor. Aunque antes deberá convertirse en He-Man.

   LO MEJOR: A veces es que no entiendo nada porque lo tenía todo para triunfar y, de hecho, creo que será una película que se revalorizará con el tiempo y que, incluso, arrasará en su paso a la plataforma de streaming. Pero, como digo, no entiendo nada. Por buscarle una explicación, los fans de la serie de animación y de los propios juguetes de los ochenta, hoy no ocupan la franja de edad de público que más acude a los cines actualmente, y a los jóvenes no les engancha tanto como otros regresos nostálgicos como “Cazafantasmas”. Comodigo, por buscar una excusa. Porque personalmente me ha sorprendido muy gratamente. Me parece una película de aventuras la mar de entretenida y muy divertida, que juega más en el terreno de la fantasía, y casi en el de espada y brujería (hay varios guiños a Conan) que en la space opera. Travis Knight (“Bumblebee”) es plenamente consciente que los estándares físicos y el tratamiento de la masculinidad original hoy están caducos, por lo que le da un toque (y un poco más) cómico que incluso llega a la autoparodia, y tengo que decir que ese humor funciona muy bien. De hecho, tiene chistes que no son precisamente para niños, lo que no le exime de tener momentos muy épicos y secuencias de acción muy espectaculares. Eso sí, y este es otro acierto, los personajes son más importantes que el propio espectáculo. Para los fans, como yo, que tuve unos cuantos muñecos de los Masters del Universo, es muy fiel a los escenarios (tanto los digitales como los construidos, que son bastantes), así como al aspecto de los personajes, de sus armas, su vestuario y sus vehículos.

   Interpretación: Sorprendentemente, Nicholas Galitzine funciona mucho mejor de lo que esperaba. Especialmente cuando no es He-Man, cuando no es el héroe. Y tiene un reparto más que competente con nombres como Camila Mendes, Alison Brie, Morena Baccarin, James Purefoy y, sobre todo, Idris Elba. Porque aunque tengan a Jared Leto como Skeletor, si no puedes verle la cara y su voz está modulada . . .

   Escenas (SPOILERS!!): Prácticamente casi toda la historia se desarrolla en Eternia pero hay una escena muy buena en la Tierra, el ataque de Bestia. Y no faltan momentos tan épicos como la primera transformación de Adam en He-Man, la pelea previa a la muerte de su padre y el enfrentamiento final con Skeletor, y la secuencia de la persecución de naves, muy a lo “Star Wars”, especialmente en el “Episodio VI, el retorno del Jedi”. En cuanto a las chistes hay varios de insinuación claramente sexual, como el “meter de puño" de Fisto o la escena que Teela mete la cabeza bajo el taparrabos de He-Man. Y hay otros para ridiculizar los tópicos de Skeletor. Y aun así no se arruina el resultado general de la película. No es “Thor Ragnarok”.

   LO PEOR: Quizás se va un poco de metraje aunque no abuse gracias a su buen ritmo, y la comedia funciona casi siempre pero a veces cae en el exceso, como cuando se cuela a momentos de épica. Hay algunos chistes que sobran.

   REFERENCIAS: Está muy lejos de la versión de “Masters del Universo” de 1987. Estaría más cerca del tono y espíritu de “Dragones y Mazmorras, honor entre ladrones”, y tiene un tratamiento del humor y la parodia a lo “Barbie”. A pesar de no funcionar bien en taquilla parece que tendrá secuela.

   CONCLUSIÓN: 7. Incomprensible fracaso de taquilla, pues es una muy entretenida, y más divertida, película de aventuras, que encuentra un punto medio entre ser un homenaje nostálgico, la autoparodia y los momentos de épica.




sábado, 27 de junio de 2026

Música de Película: The Mandalorian and Grogu

 


   Si con tan solo 41 años ya tiene tres Oscars, entre otros muchos premios, es porque Ludwig Göranson se perfila como uno de los grandes compositores de las próximas décadas. Personalmente, con sus matices, le sigo viendo del estilo de Hans Zimmer. Aquí le da una vuelta a la banda sonora que él mismo creó para la serie, aportándole un tono más claramente épico, en definitiva, más cinematográfico.



Tema: Main theme.

Película: The Mandalorian and Grogu.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.




Tema: Shakari.

Película: The Mandalorian and Grogu.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.




Tema: Grogu’s world.

Película: The Mandalorian and Grogu.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.




Tema: All weapons hot.

Película: The Mandalorian and Grogu.

Intérprete o compositor: Ludwig Göransson.


miércoles, 24 de junio de 2026

Escenas Míticas: Superheroínas - Flash

 

   Ahora que ya definitivamente se estrena la nueva “Supergirl”, de Craig Gillespie y con Milly Alcock como protagonista, voy a reivindicar la que considero la Supergirl más interesante que he visto en cines y que es una pena no haberla podido ver en una película para ella sola, que era la intención si no fuese porque este “Flash” prácticamente puso punto final al Snyderverse.



   Porque incluso, en un principio, se pensó que podría servir de nexo entre el Universo DC creado por Zack Snyder y el que le iba a seguir, el de James Gunn. Pero aunque hubiera sido un éxito, que no lo fue, ahora sabemos que Gunn nunca lo tuvo como opción, a juzgar a como barrió de mala manera, incluso con Henry Cavill renovado ya como Superman, con todo lo que no tuviera que ver con lo que él hubiera hecho.



   Como decía, aunque es indiscutible que la Supergirl más icónica siempre ha sido Helen Slater, es esta de Sasha Calle la que más me ha interesado. Si, un personaje que no era precisamente lo más fiel al cómic de Supergirl. De hecho, se aleja bastante, mucho más oscura y seria, y precisamente por eso. Además, de no ser la protagonista. Pero claro no iba a casar bien con el tono infantiloide que Gunn quería buscar.



   Ahora que tampoco comparto la campaña de odio, otra más, que está sufriendo Milly Alcock cuando la película ni siquiera se ha estrenado, lo que por desgracia tampoco es una novedad. La propia Sasha Calle sufrió una similar, llegando a decir de ella que no era lo suficientemente femenina y criticando su ascendencia latina (colombiana) aunque ella es estadounidense. Eso sí, esa gente siempre negaba ser machista o xenófoba, y se ofendía mucho cuando se lo llamaban.



   Supongo que se alegrarían mucho de no volver a verla con la capa roja pues la película fue un fracaso de crítica y público porque dividió a la prensa y no fue rentable económicamente. Costó 200 millones de dólares y solo recaudó 270 en cines. Un gran batacazo a tenor de las expectativas que se tenían aunque explicable si repasamos el caldo de cultivo previo al estreno.



   Un proyecto que tardó en gestarse casi una década, con al menos once reescrituras de guion y que terminó de concretarse cuando el público ya estaba harto del tema de los multiversos, explotados hasta la saciedad por Marvel. Y en un periodo convulso de cambios en la dirección de Warner. Es decir, llegó demasiado tarde.



   Para colmo, el estreno fue retrasado varias veces por los problemas legales de su protagonista, Ezra Miller, acusado varias veces en Hawái por alteración del orden público, acusado de robo y allanamiento en Vermont (Canadá) y de acoso de menores en Dakota del Norte y Massachusetts, en Estados Unidos. El actor se disculpó públicamente y anunció que iba a recibir ayuda profesional para su salud mental.



   A Miller y Calle les acompañan los regresos de Michael Keaton y Michael Shannon a sus respectivos personajes como Batman y Zod. Y se contó con la participación de Maribel Verdú y las sorpresas en forma de cameos digitales de los Superman de George Reeves, Christopher Reeve (junto con la Supergirl de Helen Slater) e incluso el de Nicholas Cage en ese “Superman lives” de Tim Burton que no llegó a concretarse.



   También aparecieron todos los Batman, salvo el de Val Kilmer y Christian Bale, desde el clásico de Adam West, pasando por Ben Affleck, el mencionado Michael Keaton, hasta llegar a George Clooney. También Jay Garrick, el Flash clásico, la Wonder Woman de Gal Gadot y el Aquaman de Jason Momoa.



   En la dirección estaba Andy Muschietti en la que era su primera película fuera del género de terror tras “Mamá” y las dos partes de “It”. Su trabajo no defraudó a James Gunn pues le eligió para ocuparse del Batman de su universo en “The Brave and the Bold”, que llegará entre 2027 y 2028. El primer corte de “Flash” fue de cuatro horas de metraje, que tuvo que recortarse hora y media.



   Más que adaptar, toma como punto de inicio el cómic “Flashpoint”, aunque también tiene algunas pinceladas de “Crisis en tierras infinitas”. La película también tuvo sus defensores, entre los cuales me cuento, pues personalmente considero que fue una obra injustamente tratada. Y con el tiempo ha ido ganando nuevos adeptos posteriormente, lo que ya es un clásico.

domingo, 21 de junio de 2026

El día de la revelación

 


   FICHA TÉCNICA

Título: El día de la revelación.
Dirección: Steven Spielberg.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 145 min.
Género: Ciencia ficción, intriga, thriller.
Interpretación: Emily Blunt, Josh O'Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, Henry Lloyd-Hughes, Elizabeth Marvel, Hettienne Park, Tommy Martinez, Gabby Beans, Jeremy Shamos, Brandon Wilson, Priyanka Kedia, Grace Zhao, Lora Lee Gayer, Lance Archer, Chavo Guerrero Jr., Brian Cage, Elliot Villar, Noah Robbins.
Guion: David Koepp, Steven Spielberg. Historia: Steven Spielberg.
Producción: Kristie Macosko Krieger, Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos personas, que no se conocen entre si, son perseguidas por una agencia del gobierno para impedir que revelen un secreto que provocaría un gran cambio en la sociedad, que esas personas consideran que el mundo merece conocer.

   LO MEJOR: El tema del contacto de los humanos con los extraterrestres es recurrente a lo largo de la filmografía de Steven Spielberg pero siempre lo ha abordado de forma diferente, desde ángulos y tonos distintos. Incluso en esta ocasión, en la que algunos incluso se aventuraron a adelantar que sería una especie de secuela de la maravillosa “Encuentros en la tercera fase”, que no lo es, aunque no desentonaría una sesión doble con ella. Porque gran parte de la historia transita por el terreno de las persecuciones y conspiraciones del cine de los setenta, al estilo de “Los tres días del cóndor” o “Marathon man”, y por otro lado, por el género de ciencia ficción ochentera que él mismo puso de moda. Lo que sí es cierto es que se puede afirmar que es una película muy Spielberg y eso es una muy buena noticia, porque a sus 79 años sigue siendo uno de los mejores (si no el mejor) narradores en imágenes. Muchos directores actuales de acción que creen haber inventado la rueda cortando cada dos segundos y moviendo la cámara como si estuviera apoyada en una lavadora centrifugando, deberían aprender de como rueda este señor una secuencia de acción, más desde la tensión que desde lo trepidante. Spielberg, no obstante, utiliza la trama como excusa para hablar de temas como la empatía de nuestra sociedad, critica que los grandes secretos de nuestro mundo estén en manos de unos pocos poderosos y rompe una lanza a favor de nuestra especie. Porque Spielberg siempre ha sido un humanista, y ha vuelto a emocionarme.

   Interpretación: Steven Spielberg recurre a un gran reparto de actores pero no de grandes estrellas conocidas. Salvo en el caso de una magnífica Emily Blunt que está maravillosa. Sé que no la van a nominar por esto pero bien estaría que lo hicieran. Pero también están rayando a muy buen nivel Josh O’Connor, Eve Hewson, Colman Domingo y, sobre todo, Colin Firth.

   Escenas (SPOILERS!!): El ritmo narrativo que Spielberg es capaz de imprimirle a la película es excelente. Pero como suele acostumbrarnos a dejar dos o tres secuencias memorables, y aquí ha vuelto a pasar. No se puede rodar mejor la del paso a nivel y los trenes, generando un suspense brutal a pesar de que sabes que los protagonistas van a salvarse. Más innovadora en cuanto a la puesta en escena es la de la casa “invisible”, y como los hombres que la atacan chocan contra algo que no ven. Al igual que los camiones de bomberos, también invisibles, salen del lugar. Aunque la escena más emocionante, sin duda, es la de la emisión en las noticias de los vídeos de alienígenas uno detrás de otro. Respecto al mensaje final, no es que esté cortado, es que el mensaje es ese: “Escuchad”. Que escuchemos.

   LO PEOR: No sé por qué tanto celo en ocultar la trama, incluso sin estrenarla en festivales previos cuando tampoco tenía giros realmente sorprendentes. Sí mantiene bastante el misterio pero el desenlace es previsible, y el CGI con el que recrean a los alienígenas es francamente mejorable.

   REFERENCIAS: Desde luego, dentro del cine de Spielberg, la más cercana sería “Encuentros en la tercera fase”, y jugaría en la misma liga de “Contact” o “La llegada”.

   CONCLUSIÓN: 8. A sus 79 años, Spielberg sigue siendo un maestro en la narración en imágenes. Aquí vuelve a uno de los temas favoritos, el contacto extraterrestre, pero como excusa para hablarnos de los que más le preocupan de los humanos.




sábado, 20 de junio de 2026

Microcríticas Express: Pretty lethal/Por encima de tu cadáver/Te van a matar

 



 
 Un grupo de bailarinas se dispone a participar en una competición en Budapest cuando su autobús se avería y terminan en una posada (muy bien ambientada, por cierto) en medio del bosque húngaro lleno de gente muy poco recomendable. Podría haber sido perfectamente la premisa para una especie de “Hostel” o más claramente una historia de “rape and revenge”. Pero no es ninguna de esas dos vertientes. De hecho, no es ni terror, y tiene más trazas de género de acción. Porque aunque lo más realista sería que todas estas chicas no duraran ni cinco minutos, entonces no habría película, por lo que resulta que aprovechan sus dotes artísticas para sobrevivir en un edificio repleto de matones. Porque eso es lo que es en realidad, un survival total. Que nadie le intente buscar el sentido al guion porque no lo tiene. Dado que de la noche a la mañana, nunca mejor dicho, estas chicas se convierten en unas expertas luchadoras que pueden matar a quien se les ponga por en medio y utilizando cualquier clase de arma. Aunque lo más chulo es como usan los bailes como coreografías de las peleas, que no son pocas. Más allá de que, sinceramente, no creo que ninguna de las actrices tuviera ni puñetera idea de baile previamente a la película. Un reparto bastante desconocido, a excepción de Maddie Ziegler y Millicent Simmonds (“Un lugar tranquillo”). Y, por supuesto, la villana, que no es otra que una Uma Thurman pasadísima y que probablemente se lo esté pasando bomba. La película solo quiere entretener y tengo que reconocer que lo consigue porque su mayor virtud es no tomarse muy en serio a si misma. Más divertida de lo que esperaba. 6.


   Es verdad, no lo niego, es ver una película en la que salga Samara Weaving y lanzarme a por ella. Pero es que me he dado cuenta que no es solo que esté ella, es que me gustan sus películas en general. Es decir, suele estar en películas tremendamente entretenidas y que precisamente solo tienen esa pretensión. Y me encanta que en buena parte sean tirando más hacia la serie B que al cine de grandes masas. Es un tipo de cine en el que parece sentirse en su salsa y no tiene ningún complejo de seguir haciéndolo. Aunque tiene talento de sobra para hacer películas de más empaque comercial. Esta es un remake de una noruega, “El viaje”, de Tommy Wirkola (“Zombis nazis”). Habitualmente cuando se trasladan estas historias a producciones americanas se les baja considerablemente el tono violento y demás. No es para nada el caso porque el último tercio es un festival de sangre y gore, con muchísima cantidad de humor negro. Es como si su director, Jorma Taccone, hubiera tomado como referencia a Quentin Tarantino y Sam Raimi. El resultado es muy gamberro y, como consecuencia, divertidísimo. Incluso autoparodiándose como película de esas que van directas a streaming. Mención aparte para un reparto en el que todos están sembrados. Porque a Samara Weaving la acompaña Jason Siegel, con el que a priori no me pegaba nada pero que demuestran tener una química brutal, especialmente en esa fase de screwball comedy en esa especie de batalla de sexos (hay una escena de diálogo que literalmente me he tronchado de risa). Pero también está Timothy Olyphant y una impagable Juliette Lewis. 6’5.


   Si hay un espejo en el que se mira, y de forma nada disimulada, es el de “Noche de bodas”, especialmente en cuanto al nivel de violencia que no escatima en sangre y gore, y al tono de humor negro. Claro que no tiene el enorme carisma que despliega Samara Weaving pero tampoco lo hace mal Zazie Beetz, y de paso recupera a actores como Tom Felton (creo que nunca le había visto fuera de la saga Harry Potter) y veteranas como Patricia Arquette y Heather Graham. Conviene no atender demasiado a la verosimilitud de la historia porque básicamente es una mera excusa para ver a su protagonista repartiendo estopa a diestro y siniestro y varias veces porque sus rivales tienen la mala costumbre de sobrevivir. El motivo lo sabréis cuando la veáis. Por tanto, aquí lo importante son las secuencias de acción, que son muchas y empiezan bastante pronto, y cuantas burradas se pueden poner en pantalla, que tampoco son pocas. Pero que el guion quepa en una servilleta de papel no significa que no se haya trabajado en otros apartados. Como el de la ambientación de un escenario prácticamente único, el de un hotel del que una vez que se entra ya no se sale, lo que le da cierto toque a “Abierto hasta el amanecer”. Y el de una fotografía muy marcada, que resalta los colores del interior. Está bastante lograda la recreación del lugar. Nuevamente, hay elementos que me han recordado a Tarantino y Raimi, y tengo que reconocer que, a pesar de la simpleza de la propuesta, me ha resultado muy entretenida y me he divertido con sus excesos. 6.

miércoles, 17 de junio de 2026

Escenas Míticas: Superheroinas - Aves de Presa

 


   A pesar de todos los palos que le cayeron a “Suicide Squad” de David Ayer, el de 2016, por parte de la crítica, tuvo un excelente rendimiento en taquilla, alcanzando los 750 millones de dólares, mientras el de James Gunn de 2021 se estrellaba sin llegar a los 170, aunque la prensa lo hubiera tratado mucho mejor. Conviene recalcar esto porque mucha gente está en el equívoco de que es al revés.




   Pero entre ambos se estrenó esta “Aves de presa”, en 2020. En ese mismo “Suicide Squad” destacó un personaje que, gracias sobre todo a la interpretación de Margot Robbie, se comió al resto y a sus correspondientes intérpretes. Por lo que no fue de extrañar que se hiciera un spin off de Harley Quinn.



   Sin embargo, nuevamente se confirmaba una frase: una superheroína en el cine funcionaba mejor cuando no era protagonista absoluta que cuando estaba en solitario. Porque esta película no fue tan bien como cabía esperar e incluso se consideró un fracaso, aunque esto es matizable o, como poco, explicable o justificable.



    Lo primero es que dividió a la crítica, predominando las negativas. Y sí, costó 100 millones de dólares y consiguió 200 en taquilla, que no es un éxito pero al menos cubrió costes. Aquí vienen los motivos. Su alto nivel de violencia y humor negro muy gamberro e incluso, en ocasiones, de mal gusto, hizo que su calificación fuera R, lo que redujo bastante el público, especialmente en Estados Unidos.



   Para colmo, su carrera en cines fue cortada por la pandemia. Se estrenó en febrero y en marzo se cerraron las salas a causa de las medidas contra el Covid-19. Además, el título no ayudó a atraer al público, que ni siquiera sabía que era un spin off de Harley Quinn y en todo caso se consideraba un personaje de un grupo, Birds of Prey (Aves de presa) que ni siquiera en los cómics fue demasiado popular.



   El título original era demasiado largo: “Aves de presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn)”. No soy un especialista en marketing pero esto fue una decisión bastante desafortunada. Y tras estrenarse en el primer fin de semana de estreno se cambió a “Harley Quinn: Aves de presa”, para dejar claro que ella era la protagonista, pero el daño ya estaba hecho.



   Por eso su rendimiento posterior en el mercado doméstico de alquiler y venta de DVD y Blu-ray fue mucho mejor y fue lo que maquilló el rendimiento económico de la película evitando que tuviera pérdidas. Quizá es demasiado pronto para considerarla así, pero es un aspecto que claramente denota que la película podría convertirse en un título de culto, porque las de culto no triunfan en salas pero luego tienen su público posteriormente.



   Quizá muchos no lo sepan pero Harley Quinn no nació en el cómic sino en “Batman: The Animated Series”, el cómic fue después. Y la idea de “Birds of Prey” fue una historia especial de Chuck Dixon en 1996. Un grupo de superheroínas con nombres como Canario Negro, Cazadora, Renee Montoya, Harley Quinn y… Batgirl. Por eso se especuló con su participación aquí.



   Pero Warner decidió desarrollar un proyecto en solitario sobre Batgirl/Bárbara Gordon, y así se hizo. Con la mismas guionista de “Aves de presa”, Christina Hodson y un reparto con nombres como Leslie Grace, Michael Keaton, J.K. Simmons y Brendan Fraser. Una vez rodada, Warner tomó la incomprensible decisión de cancelar su estreno y archivarla.



   Margot Robbie, que además ejerce como productora, volvió para ser Harley Quinn, al igual que lo hizo después para el "Suicide Squad" de Gunn. La acompañaron Jurnee Smollett, Mary Elizabeth Winstead y Rosie Perez para los papeles de Canario Negro, Cazadora y Montoya, a los que también optaron actrices como Alexandra Daddario, Jodie Comer, Blake Lively o Vanessa Kirby. Ewan McGregor fue el villano, Máscara Negra.



   Personalmente me pareció, y lo he vuelto a confirmar al revisitarla, muy entretenida y divertida. Se agradece una película de superhéroes para adultos con claro mensaje feminista y que más que este género, el de superhéroes, tomase como referencias, según declaraciones de su directora, Cathy Yan, películas como "Reservoir Dogs" o "Kill Bill".

domingo, 14 de junio de 2026

Backrooms

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Backrooms.

Dirección: Kane Parsons.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 110 min.
Género: Intriga, terror, fantástico.
Interpretación: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Avan Jogia.
Guion: William Bromell, Kane Parsons. Historia: Kane Parsons.
Producción: Shawn Levy, Dan Levine, Dan Cohen, James Wan, Michael Clear, Roberto Patino, Chris Ferguson.
Música: Edo Van Breemen, Kane Parsons.
Fotografía: Jeremy Cox.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre descubre una puerta secreta en el sótano de su tienda de muebles. Lo que encuentra al otro lado es algo a lo que no puede dar explicación. Solo lo comparte con su psicóloga.

   LO MEJOR: ¿Está el género de terror salvando el cine actual? Pues tampoco diría tanto, pero sí que es el que más ideas originales está aportando, el que más películas está estrenando fuera de franquicias, creando nuevas y siempre tremendamente rentables, con costes habitualmente muy modestos y rendimientos en taquilla envidiables para no tener grandes campañas publicitarias. Todo eso lo cumple “Blackrooms”, que si hace algunas semanas destacaba “La momia de Lee Cronin” como aspirante a película de terror del año, ahora hago lo propio con esta. Eso sí, más en el terreno del terror psicológico puro con mezclas de subgéneros y formatos muy dispares como el found footage o la ciencia ficción con origen en el creepypasta. Porque gran parte de esta originalidad actual en el género de terror está saliendo de una generación de creadores surgidos en Youtube, que nos han dejado títulos como “Háblame”, “Devuélvemela”, “Obsession” y esta “Backrooms”, a cargo de Kane Parsons, autor de una serie de cortos sumamente inquietantes que puede verse en Youtube y de la que esta película es extensión. Como en esos cortos, Parsons despliega una puesta en escena genial, basada en una modesta pero impresionante diseño de producción, demostrando que la claustrofobia no tiene que ver con el tamaño del escenario sino de cómo lo muestras en pantalla. Junto con un uso del sonido y de la banda sonora (no de la música) hacen que sea tremendamente desasosegante, en ocasiones, agobiante a más no poder. Aun así, no he podido despegar los ojos de la pantalla por la curiosidad que me suscitaba.

   Interpretación: La noruega Renate Reinsve es una de las actrices más interesantes de la actualidad. La descubrí en la serie “Presunto inocente” y luego ha confirmado su talento en “A different man” o “Valor sentimental”. Aquí es la verdadera protagonista encubierta, aunque no inicia como tal. Rol compartido con Chiwetel Ejiafor. Ambos sostienen la película en sus hombros.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos directamente a “intentar” contestar a las preguntas. ¿Qué es Backrooms? Aunque en un momento dado puede parecer una proyección de la mente de Clark (Ejiafor), no es así. Es una dimensión que está allí físicamente porque ya hay un grupo de científicos, o una empresa de investigación, que está estudiándola. ¿Qué hace Backrooms? Fundamentalmente copia y recrea los recuerdos de la gente. No es que los deforme, es que los recuerdos no son exactos y cuanto más los recuerdas, más los cambiamos, algo que pasa especialmente con las caras. ¿Por qué al final todo lo que ha pasado en la película está dentro de Backrooms? Porque ha copiado los recuerdos de los personajes, y los últimos son los de Mary (Reinsve). Ella, al contrario que Clarck, ha logrado mantener la cordura, no ha sido consumida por el lugar como él, que literalmente es devorado por un personaje surgido de su cabeza, el pirata. ¿De dónde sale y por qué está ahí Backrooms? Eso no nos lo iban a decir en la primera película. Porque habrá más.

   LO PEOR: Eso sí, los amigos de los finales explicados que ni lo intenten. Explica algo, de hecho algo que no ocurre en los cortos pero es el espectador el que tiene que atar los cabos o elucubrar su propia explicación. Evidentemente no es para todo el mundo, ni mucho menos.

   REFERENCIAS: Habrá secuela y ya está en desarrollo. Como no, ha  recaudado más de diez veces su presupuesto. En cuanto a referencias, a parte de los cortos de Youtube, juega en la liga de “Viviarium”, “Come true” y la reciente “Exit 8”.

   CONCLUSIÓN: 7´5. Confirmación, una más, de que el género de terror está en excelente forma, con ideas originales y enorme rentabilidad económica. Ojo a los cineastas que están surgiendo directamente de Youtube sin pasar por la casilla de salida.




sábado, 13 de junio de 2026

Microcríticas: The Boroughs/Spider Noir/Asesinato para principiantes T2

 



   De vez en cuando nos traen historias protagonizadas por personajes mayores y así pueden reunir una serie de actores veteranos. De tal manera que igual podemos ver a Clint Eastwood llevarse a unos jubilados al espacio o a Helen Mirren hacer lo propio con sus compañeros de residencia para resolver un crimen a lo Agatha Christie. Y tengo que decir que me suele gustar la idea porque es una oportunidad de ver muchos actores que todavía tienen mucho que dar al cine o la televisión. Como en este caso, donde podemos ver algunos nombres como Alfred Molina, Geena Davis (he tenido que comprobar su edad porque no me creía que tuviera setenta años. Por cierto, que tiene su guiño a “Thelma y Louise”), Dennis O’Hare o Bill Pullman. Incluso tiene un cameo Dee Wallace (la madre en “ET, el extraterrestre” e icono del cine de terror de los ochenta con películas como “Cujo” o “Aullidos”). Es más, diría que cada actor tiene alguna referencia a películas suyas pretéritas. Pero tranquilos que no es un festival de easter eggs, hay que fijarse mucho. Aunque si claramente homenajea al cine de los ochenta, al que hacía Steven Spielberg. Por eso no extraña que estén los Duffer como productores, que no creadores, porque es una especie de “Stranger things” mezclado con “Cocoon” pero invertido. No lo explico más porque hago spoiler pero si que hay monstruos, lo cual queda claro casi desde el minuto uno. Aunque funciona mejor por la interacción de los viejetes, el misterio de un lugar casi distópico, que por las apariciones de lo bichos. La mezcla de géneros de ciencia ficción, terror y comedia está muy bien equilibrada. 7.


   La he visto en color y voy a justificar la decisión. Porque es el formato original, es decir, se ha rodado en color. No es una serie hecha en blanco y negro y después coloreada, como he visto decir en algunos sitios. En cierta época se hizo eso, literalmente colorear cada fotograma de algunos clásicos, lo que daba como resultado colores muy chillones. Tenía su gracia. Pero lo que han hecho aquí es rodarla en color y luego pasarle un filtro para saturar los colores y conseguir ese efecto de blanco y negro. También he visto algún episodio así para probar y no está mal pero siempre volvía al color. También porque me daba más sensación de cómic, incluso cartoon, aunque no hasta el punto de “Dick Tracy”, pero sobre todo, pulp. Y esa apariencia si que me ha gustado bastante. Porque el guion muy original no es que sea. Es más que previsible y por eso me ha costado cogerle el tranquillo a la serie. Una idea que ya cuando vi al personaje en “Spiderman y el multiverso” y después se dijo que se haría un spin off sobre él me pareció muy interesante porque a mí el cine negro siempre me ha gustado. Y ahí la serie hace un plagio, y lo digo en el buen sentido, de esos escenarios, vestuario, fotografía, . . . La labor de recreación está conseguida aunque hay que aclarar que no es realista, se mueve siempre en el tono del cómic en lo visual. No obstante, todo gira en torno a su mayor efecto especial, que no es otro que Nicholas Cage, que está verdaderamente bien e inusualmente contenido . . . hasta los dos últimos episodios que se despendola. Pero claro, no contratas a Nick Cage para tenerlo enjaulado todo el tiempo. 6`5.


   No es que tuviera una gran repercusión mediática pero parece que a la chita callando debe haber tenido su público la primera temporada entre lo cuales me encuentro porque era una especie de whodunit en tono teen con un patrón conocido ya pero que sigue funcionando, es decir, el de investigar un crimen en un pueblo pequeño que funciona de micromundo. Porque ha llegado esta segunda temporada pero es que ya está aprobada la tercera, que en teoría será la que cierre pues se basa en una trilogía de novelas escritas por Holly Jackson, con un título que vendría a traducirse como “Guía de una buena chica para el asesinato”, así que esta vez casi es mejor el título en España, sin que sirva de precedente.
En la primera temporada el caso se resolvía pero la consecuencias siguen coleando en la segunda. Y al final de esta ha pasado lo mismo, se ha resuelto pero aún quedan cabos sueltos. Así que es de suponer que todo se cerrará en la tercera temporada, junto con otro nuevo caso. Así que si, hay que verla desde el principio para entenderlo todo aunque se traten casos distintos. Que ya se ha anunciado que llegará dentro en un año, probablemente el verano de 2027. Sigue teniendo un tono muy de adolescentes pero es verdad que la trama cada vez es más oscura y ahonda en la carga que va acumulando la protagonista por sacar a relucir los secretos de la gente del pueblo, entre los que se encuentran sus propios amigos, en sus investigaciones, y la culpabilidad por las consecuencias en sus vidas . . o muertes. Sigue Emma Myers, en un personaje muy distinto al de “Miércoles”. 6’5.

miércoles, 10 de junio de 2026

Escenas Míticas: Superheroínas - Elektra

 


   No había pasado ni un año desde el estreno de “Catwoman” y posterior desastre de crítica y taquilla cuando se lanzaba otra película de superheroína en solitario, esta sería la primera vez para Marvel, con características de origen similares y, para su desgracia, también respuesta parecida. Aunque vista hoy y comparándola con la película protagonizada por Halle Berry, quedaría bien el meme de Thanos en el que dice: “Quizá fui demasiado duro contigo”.




   Porque ambos personajes eran secundarios en los cómics de otros más importantes, este apareció en el número 168 de “Daredevil” en 1981. Ambos gozarían de spin off, aunque “Catwoman” se reveló más como un universo alternativo. Y confirmarían la maldición de la “Supergirl” de 1984, la de personajes femeninos superheroicos adaptados a la pantalla de forma muy decepcionante.



   Elektra había aparecido dos años antes en el “Daredevil” de 2003, con Ben Affleck como protagonista, que ya dividió sobre todo al público pero que el personaje funcionaba bastante bien y pedía a gritos una película para él solo. Por cierto, un spin off pero secuela, por lo que tuvieron que resucitarla.



   El personaje fue creado por Frank Miller inspirándose en la mitología griega, más en concreto en la hija de Agamenón. A Miller se le ofreció precisamente escribir el guion, lo cual rechazó aduciendo que ya había escrito todo lo que tenía que contar sobre Elektra. A la postre, una de las críticas más repetidas sobre la película sería su poca fidelidad al cómic.



   Elektra volvería a aparecer, esta vez encarnada por otra actriz, Élodie Yung, en formato de televisión en la miniserie “The Defenders” y como personaje recurrente en la serie “Daredevil” de Netflix. Porque en su paso a Disney, como “Daredevil: Born Again”, no ha vuelto a salir aunque sí lo hayan hecho otros personajes relacionados como la Jessica Jones de Krysten Ritter.



   Pues a pesar de todo fue la Elektra de Jennifer Garner la que volvió en un cameo de “Deadpool y Lobezno”, es decir, fue ella quien ha quedado como la actriz icónica del personaje y este detalle lo demuestra. Y es que, al contrario que Halle Berry y su Catwoman, Jennifer Garner sí hizo un buen trabajo de interpretación.



   Y eso que no estaba demasiado convencida del proyecto y declaró que se vio obligada a aceptar el papel por el contrato derivado precisamente de la película de “Daredevil” de 2003. De hecho, aprovechó para rodarla en las vacaciones de la serie que llevaba haciendo durante varias temporadas (terminaron siendo 5 y 105 episodios), creada por J. J. Abrams y por la que realmente era conocida Garner, “Alias”.



   Por ello no necesitó prepararse físicamente pues se encontraba en una excelente condición física. Es más, Jennifer Garner realizó ella misma prácticamente todas sus escenas de riesgo, sufriendo varios accidentes durante el rodaje, lo que no impidió que continuara haciéndolo. La actriz estaba acostumbrada a las secuencias de acción precisamente de su serie “Alias”.



   La acompañaban en el reparto Goran Višnjić (serie “Urgencias”), el veterano Terence Stamp y el habitual villano japonés Cary-Hiroyuki Tagawa. En la dirección estaba el televisivo Rob Bowman gracias a la serie “Expediente X”, cuya primera película para la gran pantalla también estuvo a su cargo y que tiene una película por la que tengo debilidad, “El imperio del fuego”.


   La película costó 43 millones de dólares y recaudó 56 en taquilla, por lo que se considera un fracaso. Y las críticas incluso fueron peores que las de “Catwoman”, y es ahí por donde no paso. Efectivamente no es una gran película, el guion es flojísimo, apenas desarrollando a los personajes, pero es bastante más entretenida que la película de la mujer gato.



   Principalmente porque las secuencias de acción están bastante bien rodadas, al contrario que las que rodó Pitof para “Catwoman”, donde no se veía ni quien pegaba los golpes. Es más, las coreografías tenían más que ver con el wuxia. Porque “Elektra” es más una película de artes marciales que de superhéroes. Una normalita pero no tan desastrosa como la pusieron.