El método Williams

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El método Williams

Dirección: Reinaldo Marcus Green.

País: Estados Unidos.

Año: 2021.

Duración: 138 min.

Género: Drama, deporte.

Interpretación: Will Smith, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Saniyya Sidney, Demi Singleton, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn, Craig Tate, Dylan McDermott, Katrina Begin, Andy Hoff, Jimmy Walker Jr.

Guion: Zach Baylin.

Producción: Tim White, Trevor White, Will Smith.

Música: Kris Bowers.

Fotografía: Robert Elswit.

Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Richard Williams tenía un sueño y un plan para cumplirlo. Convertir a sus dos hijas en estrellas del deporte. Empezando muy humildemente, va dando pasos para que sus hijas lleguen a ser unas de las más destacadas tenistas del mundo.

   LO MEJOR: Les gustará a los aficionados al deporte en general y a los del tenis en particular, no solo nos cuenta el nacimiento de una estrella de dicho deporte, con el enaltecimiento habitual de valores de superación que tanto gusta explotar en este género y qué es elemento clave para enganchar al público, sino que además nos muestra todo el funcionamiento de la maquinaria deportiva del tenis, detallando el sistema de academias tenísticas, de entrenadores personales, de torneos, sponsors, patrocinadores, etcétera. Aunque la película juega mucho en el terreno del biopic pues está enfocada en toda la familia, esos orígenes humildes, los entrenamientos en pistas de barrios peligrosos, pero sobre todo en la figura del padre, Richard Williams, como principal artífice de la creación de esa estrella del tenis, que en realidad fue de dos pues aunque se centra en Venus Williams, su hermana también llegó a serlo, de hecho, fue mejor que ella, y en sus polémicas decisiones acerca de la preparación de sus hijas y los pasos a seguir en sus carreras. Todo ello sin demasiada reinvindicación de otra clase, a pesar de la filmografía precedente del director, Reinaldo Marcus Green, en contra del racismo. Si hay algunos apuntes al respecto pero no se distrae de lo importante de la historia, consiguiendo un buen ritmo que hace que la larga duración del film no se note.

   Interpretación: Tenía curiosidad por ver la interpretación de Will Smith, en esa búsqueda desesperada de conseguir el Oscar, porque hasta el momento me parecía que indiscutiblemente la estatuilla debe ser para Benedict Cumberbatch por “El poder del perro”. Sigo pensando que su actuación es superior, por la dificultad en los matices de su personaje, pero no me enfadaría ver que lo consigue Will Smith, porque está sobresaliente y absolutamente entregado al papel. Y veo todas las circunstancias muy de cara para que logre el premio. Además, en los secundarios encontramos interpretaciones tan convincentes como la de Tony Goldwin, Jon Bernthal y sobre todo de Aunjanue Ellis.

   Escena (SPOILERS!!): No sé si se daría en la realidad pero la conversación en que Richard le vaticina a Serena qué Venus sería la número 1 del mundo pero ella sería la mejor de la historia se ha cumplido totalmente. De hecho, sorprende que no se haya tratado con más relevancia la figura de Serena Williams. Por cierto, se nota mucho el enfoque americanizado de los hechos, recalcando en exceso el comportamiento de la española (a mí también me sale el orgullo patrio) Arantxa Sánchez Vicario como una treta tramposa. Lo que hizo fue tirar de veteranía, un aspecto absolutamente habitual en este deporte, algo que también hizo Venus posteriormente en su carrera. A destacar la secuencia en la que Richard, harto de ser humillado y apalizado, y preocupado por la seguridad de sus hijas, se dirige hacia el líder de la pandilla de delincuentes que le tiene atemorizado, con una pistola, si no para matarle si amenazarle; cunado pasa un coche y ametralla al tipo.

   LO PEOR: Hay mucho americanismo en la historia como si los Estados Unidos fueran la cima del tenis, siempre tomando como referencia, por ejemplo a Jennifer Capriati, cuando había tenistas femeninas iguales o mejores de otras nacionalidades. Hay mucho esfuerzo en mostrar lo heróico de esta gesta y para ello se ha suavizado considerablemente la imagen de Richard Williams, un showman muchas veces más preocupado de ser el centro de atención que de otra cosa.

   REFERENCIAS: Pues hay otras dos películas de tenis basadas en hechos reales, sobre figuras de este deporte, relativamente recientes, como “La batalla de los sexos” y “Borg McEnroe”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Película clásica de deportes pero en el terreno del biopic, centralizada en la suavizada imagen de Richard Williams, interpretado por un entregado Will Smith en otro intento de asalto al Oscar que se le ha resistido hasta ahora. 

Microcríticas Express: Chucky/El libro de Boba Fett/El Pacificador

 

   Si alguien conoce al personaje, ese es Don Mancini, guionista de toooda la saga de películas y director de las tres últimas, así que nadie como él para desarrollar una serie sobre Chucky. Aunque hay que decir que es para fans porque da por sabidas todas las secuelas, de hecho, ésta es una secuela más solo que en forma de serie. Incluso llega a recuperar personajes de la saga cinematográfica, por lo que hay que haberlas visto. Mancini ha pensado que a los que no lo hayan hecho que les den, básicamente. Pero, sinceramente, me ha entretenido bastante, y por momentos, me ha divertido mucho. No por el guion, que aunque empieza bien en ese apartado, termina yéndose de madre, pero si por unos cuantos puntos a favor. Uno de ellos es contar los orígenes del asesino Charles Lee Ray, interpretado por la hija del actor original, Brad Dourif, Fiona, que encarna hasta a tres personajes. Aunque creo que se pasan con el recurso del flashback. Otro es el casting, especialmente el de los más jóvenes, aunque el protagonista se tire todos los minutos de cada episodio con la misma expresión compungida. Y por otro, no nos engañemos, por los asesinatos. Hay un porcentaje de mortalidad muy alto, y algunas de las muertes son muy buenas, sin cortarse lo más mínimo con la sangre. Y aunque la acción se desarrolle en la actualidad, el aroma ochentero sigue ahí. Ah, muy agradecido porque los efectos especiales del muñeco sigan siendo mayormente animatrónicos. 6.

   Lo voy a decir bien claro, como spin off no me ha convencido en absoluto. Si me ha interesado todo lo que le pasa a Boba Fett desde como terminó en “El retorno del Jedi” en adelante pero he tenido un problema muy gordo, no he reconocido a Boba Fett (por mucho que lo repita el personaje cuarenta veces), en base a dos razones. Una que el elegido para encarnarlo, Tamuera Morrison, es un actor muy limitado. Si, ya sé que es de la trilogía de la precuelas, pero salía como dos minutos. Y la otra, la verdaderamente importante, es que está todo el puñetero rato con el casco quitado. Así es imposible que lo identifique con el personaje. ¿Pero cuando se había quitado el casco este tío antes? Pues aquí está sin él casi todo el tiempo. Ahora que la serie como anexo de “The mandalorian” pues vale, pero para eso dame otra temporada mandaloriana, le dedicas un par de episodios a Boba Fett, y listo. Porque en la segunda mitad de la serie es en lo que se convierte, y ciertos personajes y cameos vienen al rescate, remontando desde ahí y quedando en todo lo alto al final. Gracias a esos episodios finales, con los que me lo he pasado bomba, la apruebo. Por cierto, Bryce Dallas Howard ha comprendido mejor que Robert Rodríguez lo que es la iconografía del universo Star Wars, aunque éste se redima en el último episodio (pirueta mariachi incluida). 6'5.

   No la quería ver. No me gusta John Cena. No me interesaba este personaje en “Suicide Squad”. Bueno pues zasca triple en toda la boca que me he llevado. Se nota mucho que está James Gunn detrás de todo ésto, tanto al guion como a la dirección de varios episodios. Lo que contribuye a que la serie sea gamberra, violenta, pero sobre todo muy divertida. Tanto que me lo he pasado mejor que con “The boys” (espero vuestras dentelladas en el cuello). No digo que sea mejor, pero si que me ha divertido más. Y ojo, hay diálogos muy buenos. La historia tiene más miga y giros de lo que esperaba. Pero tiene bien claro que es una comedia. El guion enlaza perfectamente con la película pero crece independientemente de ella gracias al desarrollo de unos personajes que rebosan carisma por los cuatro costados. Me encanta ese comando de “agentes especiales” que se articula como una familia disfuncional y que termina resultando entrañable, gracias, en gran parte, a la enorme química entre ellos. Pero quien más me ha sorprendido es John Cena, quien me lo iba a decir que me podría reír tanto con él. Ha comprendido lo mismo que Dwayne Johnson, que si no eres un buen actor, mejor no tomarte demasiado en serio (no como en la última de “Fast and furious”), y directamente se autoparodia, y le ha salido genial. Ah, necesito imperiosamente adoptar un águila. 7. 

The night of

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Night Of.

Dirección: Steven Zaillian (Creador), Richard Price (Creador), Steven Zaillian, James Marsh.

País: Estados Unidos.

Año: 2016.

Duración: 480 min (8 episodios).

Género: Drama, intriga.

Interpretación: Riz Ahmed, John Turturro, Michael K. Williams, Bill Camp, Poorna Jagannathan, Peyman Moaadi, Sofia Black-D'Elia, Reginald L. Barnes, Racquel Bailey, Shaun Rey, Frisco Cosme, Frank Ridley, Jeannie Berlin.

Guion: Richard Price, Steven Zaillian, Peter Moffat.

Producción: Scott Ferguson, Mark A. Baker, Dara Schnapper,Lori Jo Nemhauser.

Música: Jeff Russo.

Fotografía: Robert Elswit, Igor Martinovic, Frederick Elmes.

Distribuidora: HBO.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un chico paquistaní pasa la noche con una chica que acababa de conocer. Al despertar, a ella la han apuñalado brutalmente en repetidas ocasiones. Asustado, huye pero rápidamente es detenido.

   LO MEJOR: Es extraño que una miniserie de esta calidad no sonara más en su momento. Está creada y dirigida (todos sus episodios) por Steven Zaillian, que para quiénes no sepan quién es, es el guionista de películas como “Despertares”, “Gangs of New York”, “Moneyball” o “El irlandés”, por la que fue nominado al Oscar, el cual consiguió por “La lista de Schindler”. O sea que de hacer guiones sabe un rato. Pero en la dirección se ha prodigado poco, solo en “Acción civil”, precisamente de género judicial, uno de los que se dan en la serie junto al policiaco y el drama carcelario. Zaillian los hibrida a la perfección y logra que funcionen de forma eficaz tanto por separado como fusionados. Nos narra la investigación policial con toda clase de detalles, dando una información exhaustiva del proceso. Es convincente en el relato carcelario. Pero dónde se siente como pez en el agua es en el desarrollo del juicio. Incluso toca el tema de la xenofobia posterior al atentado del 11S contra los musulmanes en Estados Unidos. Pero lo que realmente pretende Zaillian es denunciar un sistema de justicia a años luz de ser perfecto, demostrando que las pruebas circunstanciales no son evidencias de la verdad.

   Interpretación: Uno de los aciertos de Steven Zaillian es no limitar la historia al arco argumental del acusado y añadirle el del abogado, que es como mínimo tan interesante. Pero para que este paralelismo funcione, los actores tienen que estar al nivel. Y vaya si lo están, Riz Ahmed, ahora más popular con su nominación al Oscar por “Sound of metal” está excelente completando una brutal transformación física y psicológica del personaje. Pero es que lo de John Turturro es de escándalo. Está inmenso. Puede que la mejor interpretación de su carrera, y no es que sea corta precisamente. Pero además tenemos secundarios que están perfectos, cómo Michael K. Williams o Bill Camp.

   Escena (SPOILERS!!): Destacaría principalmente el primer y último episodio. No porque los demás no estén bien, es casi si podrían ejercer como películas independientes, y no solo por su duración. Pero vayamos a la resolución final. ¿Es inocente o culpable? Me decanto por la inocencia. Aparte de varios detalles que no están incluidos por casualidad, lo que pretende Zaillian expresar es que en el proceso han destruido al chico y a su familia. Si, no era perfecto, como nadie lo es, pero eso no significa que fuera un asesino. Ya lo dice la abogada, ella no tiene que demostrar que no lo sea, es la acusación la que debe demostrar que lo sea. Presunción de inocencia se llama. Como la que presume su compañero de prisión y después protector, “desprendes inocencia”. Pero hay algunos datos objetivos, cómo que no estuviera hasta arriba de sangre al subir a la habitación y ver muerta a la chica, lo mismo que el cuchillo.

   LO PEOR: La parte con los episodios centrales de la serie se enfoca mucho al drama carcelario y, aunque funcione, quizá ralentice la trama policía y judicial. Puede que quiera ser demasiadas cosas al mismo tiempo yo hubiera sido una buena idea descartar o, al menos, aligerar la parte de prisión. Aunque es la que usa para mostrar el cambio del protagonista.

   REFERENCIAS: Es el remake de una miniserie británica llamada “Juicio a un inocente” protagonizada por Ben Whishaw y Pete Postlehwaite. De tema similar aunque en otro plano está la también miniserie “Asi nos ven”.

   CONCLUSIÓN: 8. A pesar de su gran nivel y de haber sido nominada a varios Globos de Oro y Emmys (consiguiendo uno), llama la atención la poca repercusión que tuvo en su momento. Ahmed y Turturro están enormes.

Escenas Míticas: Whodunit - Malos tiempos en el Royale

 

    No es exactamente un whodunit pero sin duda le guiña a ese subgénero en varias ocasiones, lo que provocó que me llevara una grata sorpresa en el momento de su estreno, aunque parece que no surtió el mismo efecto en el resto del público dada su escasa recaudación, 32 millones de dólares, exactamente los mismos que invirtieron para hacerla, así que, cubrieron gastos, pero fue un fracaso.

   Quizá por ello, desde entonces, por ahora, Drew Goddard no haya vuelto a dirigir, aunque tampoco hace más de cuatro años de ésta. Un Goddard que tan solo tenía una película previa en su filmografía, “La cabaña en el bosque”, pero hizo el suficiente ruido como para estar atentos a su próximo proyecto, que fue éste, y que incluso muchos la consideran un título de culto.

   Drew Goddard estaba más reconocido en el mundo de la televisión como showrunner de series tan populares como “Alias”, “Angel”, “Buffy, cazavampiros” o “Perdidos”. Aunque también ha escrito los guiones de varias películas de renombre como “Cloverfield” (“Montruoso” en España), “Guerra Mundial Z” o “Marte.

   Decía que no es un whodunit al uso y es porque aquí no hay que descubrir a un asesino que está acabando con el resto de personajes. No responde a las claves exactas del subgénero creado, o popularizado, por Agatha Christie en sus novelas. Pero existen variantes a ello. La propia saga “Scream”, y que nadie se lleve las manos a la cabeza, es un whodunit hibridado con el slasher, al que también reformulaba.

   Pero si comparte algunas características del más clásico, cómo encerrar a los personajes en lugar determinado y que sus personajes no sean quiénes dicen ser, o que sus intenciones son otras. Aunque aquí las referencias están más próximas a dos títulos más modernos que las adaptaciones de novelas de Agatha Christie anteriores, y son “Identidad” y “Los odiosos ocho”.

   Ambas comparten un aspecto que no suele ser habitual ni mucho menos en el whodunit, una violencia bastante explícita. De hecho, a Goddard se le ha nombrado en alguna ocasión como uno de los posibles herederos de Quentin Tarantino, al cual admira. Aunque Goddard tiene más inclinaciones por el terror. Sí, en ésta también. Es más, hay un tema de la película que tiene cierto paralelismo con otra película de terror “Habitación sin salida”, con Kate Beckinsale.

   Tiene un reparto bastante nutrido de nombres conocidos pero no de estrellas, si exceptuamos el del gran Jeff Bridges. Que podría no haber sido la única porque también se habló con Russell Crowe para el papel que finalmente fue para Jon Hamm. También tenemos a Dakota Johnson, Cinthya Erivo y Chris Hemsworth (también le tuvo en “La cabaña en el bosque”), cuyo personaje está basado en Charles Manson.

   Aunque el personaje más importante, por muy típico que pueda parecer, es el propio escenario en el que ven inmersos a los demás, el hotel. Un hotel exactamente situado en la frontera de los Estados de Nevada y California, cómo separación entre el frío y el calor pero también, simbólicamente, cómo de dos vidas. Se realizó una gran labor de ambientación, recurriendo al papel de impresión de las paredes de la época y la recreación de maquinas de discos y tragaperras como las originales.

   Pero no es real, sus mil metros cuadrados están basados en el Cole Neva Resort, que en su momento fue comprado por Frank Sinatra. De hecho, la película está situada temporalmente en 1969, lo sabemos porque hay un momento en el que puede verse en un televisor la rueda de prensa de Richard Nixon y otro la noticia de la masacre de Cielo Drive, donde fue asesinada, entre otros, Sharon Tate, precisamente por la Familia Manson.

Polytechnique

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Polytechnique.

Dirección: Denis Villeneuve.

País: Canadá.

Año: 2009.

Duración: 77 min.

Género: Drama.

Interpretación: Maxim Gaudette, Sébastien Huberdeau, Karine Vanasse, Nathalie Girard, Jonathan Dubsky, Marie-Évelyne Baribeau, Evelyne Brochu, Mireille Brullemans, Pierre-Yves Cardinal.

Guion: Jacques Davidts.

Producción: Don Carmody.

Música: Benoît Charest.

Fotografía: Pierre Gill (B&W).

Distribuidora: Alliance Films.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El 6 de diciembre de 1989, un hombre entró en la Escuela Politécnica de Montreal armado con un fusil de asalto. Su intención era matar al mayor número posible de mujeres. Ésta es la recreación de los hechos.
 

  LO MEJOR: Tan solo me faltaban dos películas de la filmografía del que con toda seguridad es un los mejores directores de actualidad, y ésta es una de ellas. Lo que he pedido confirmar es que Denis Villeneuve tenía el talento desde el inicio de su carrera y ya en su segunda película destacaba una de las señas de identidad de su cine posteriormente, el dotar sus historias de una tensión dramática brutal. Ésta está basada en la Masacre de la Politécnica de Montreal que además de como acto terrorista, representaba uno de los ataques de violencia de género y misoginia más escalofriantes de la historia pues el agresor solo quería matar a mujeres por su aversión al feminismo. Villeneuve narra la crónica de los asesinatos desde tres puntos de vista, el de una de las víctimas mujeres, el de un chico que quiso ayudarlas y el del propio asesino, mientras intercala tanto flashback como flashforward, lo que es interesante para conocer los momentos previos y los posteriores, con los efectos de dicho trance en sus vidas. El director canadiense nos muestra la matanza de forma dura y dolorosa, con un sobrecogedor realismo, sin sacar casi nada fuera de plano, transmitiendo perfectamente la sensación de terror y caos de las víctimas. Eso sí, bajo una fotografía en blanco y negro, para no resaltar el color rojo de la sangre. Aunque el efecto deseado no sé si es incluso peor pues la sangre se ve negrísima.

   Interpretación: De entre los tres principales, es Karine Vanasse quién es más protagonista. Curiosamente fue la que movió el tema de hacer una película y que contactó con Denis Villeneuve, quién aunque tan solo había hecho una película, tuvo cierta repercusión en el Festival de Berlín, con “Maelstrom”. Para el asesino pusieron a Maxim Graudette, a quien Villeneuve también recurriría para su siguiente película, “Incendies”. El tercero en importancia es Sebastian Huberdear.
 

  Escena (SPOILERS!!): No carga demasiado las tintas con el mensaje antimachista. Villeneuve muestra la atrocidad del acto como puramente terrorista fuera a quién fuera dirigido. Pero sutilmente introduce una escena previa a la masacre donde entrevistan a la protagonista para un puesto de trabajo poniéndole como trabas el ser mujer y poder quedarse embarazada y tener que ausentarse. A este cineasta le han ido las metáforas desde el principio, cómo demostraron los planos del techo de un pasillo al revés y el aéreo de una zona de hielo roto, representando el vuelco y rotura de la sociedad tras esa atrocidad. Pero hay tres secuencias especialmente impactantes. La que más la ejecución a sangre fría de un grupo de chicas estudiantes a las que previamente han separado de los chicos, es una escena aterradora. Las otras dos son dos suicidios, la del asesino tras matar a su última víctima y la del del chico superviviente al no poder superar las secuelas psicológicas.

   LO PEOR: Su primera media hora es bastante lenta y además no es que pase nada especialmente relevante aunque se entiende que lo que pretende es que conozcamos a los personajes principales. Aunque tampoco es que nos cuente demasiado del asesino, salvo el contenido de la carta que escribió como manifiesto previa al atentado.

   REFERENCIAS: Sin duda, la que más viene a la mente en la recreación de otra masacre similar, la de Columbine , mostrada en “Elephant” de Gus Van Sant. O más recientemente “Utoya”. Pero “Polytecnique” me parece mejor que ambas.

   CONCLUSIÓN: 7. Villeneuve ya insinuaba su talento para aplicar intensidad dramática en esta recreación de otra masacre de estudiantes, la de la Politécnica de Montreal, la cual retrata con un un aterrador realismo.

Microcríticas Express: Los propietarios/Cazador contra cazador/Kimi

 

   Prácticamente desarrollada en su totalidad en el interior de una casa por dos razones. Una que el presupuesto es limitadísimo. Y otra que pretende hacer que la sensación sea lo más claustrofóbica posible. Hasta tal punto que en ocasiones incluso cambia el formato de pantalla para comprimir más a los personajes en el encuadre. Maneja la fórmula de home invasion pero desde el punto de vista de los intrusos, lo que puede recordar a “No respires” y en cierto modo lo es, por lo de que las víctimas son más peligrosas que los agresores. Pero en realidad es otra cosa que no se puede decir porque tiene que ver con su sorpresivo desenlace. Una historia muy retorcida, a ratos muy violenta y que maneja bien el suspense. Pero donde su mejor baza es el reparto. Al frente de él, Maisie “Arya” Williams, sigo diciendo que esta chica tiene mucho talento. Pero los que se roban la película son los dos ancianos, Sylvester McCoy y Rita Tushingham. Hay momentos en los que temes por ellos, otras que resultan entrañables y otras que dan muy mal rollo. No obstante, es una película pequeña, muy modesta en medios, pero que me ha resultado entretenida. 5’5.

   Me ha sorprendido este intenso thriller a medio camino entre dos términos anglosajones que hemos adoptado como subgéneros en si mismos, como el survival y el home invasion, que no son exactamente lo que es la película pero que juega con ellos. Aunque con lo que realmente juega es con la figura del lobo, ya sea de forma metafórica o literal. La trama se cocina de forma lenta (aviso para los impacientes) pero con creciente tensión, haciendo un gran uso del paisaje, con una gran fotografía, como medio asfixiante que rodea la casa, haciendo gala de la importancia que tiene para la historia el hecho de desarrollarse en un lugar aislado. A nivel de dirección me ha parecido muy interesante como el hasta ahora desconocido para mí Shawn Linden, elige lo que incluir en el plano y lo que sacar de él, pero también lo que mostrar de forma totalmente explícita y con todo detalle. Todas esas decisiones están medidas hasta el extremo. Lo que se hace más patente en su tercio final, uno de los más impactantes que he visto en mucho tiempo y que realmente me ha dejado una sensación perturbadora. En el reparto tenemos a Devon Sawa (“Destino final”) y Nick Stahl (“Terminator 3”), a los que cuesta reconocer, pero quien se roba la película es la actriz Camille Sullivan. 6’5.

 

   Steven Soderbergh anunció la retirada de la dirección de películas pero de lo que parece que se retiró realmente es de los proyectos de mayor escala, plegándose a otros de carácter más independiente, a veces incluso experimental (como la también recomendable “Perturbada” con Claire Foy, rodada enteramente con un Iphone), y muy adheridos al género de intriga. Como la que se refiere al argumento de ésta en la que la protagonista descubre algo que le va a complicar la vida. Una trama muy sencilla pero muy bien ejecutada. ¿Donde está lo original? En los condicionantes de la historia, en el hecho de que se trata de un personaje que sufre de agorafobia y no es capaz de salir de su casa. En ese sentido hay que mencionar en que tiempo está situada la acción, en la etapa postconfinamiento, en lo que creo que hace un guiño a todas esas personas que tras él no se atrevían a salir a la calle. Un guiño solo porque las razones que dejan entrever son otras. Pero si vamos a ver a los personajes ponerse mascarillas y usar hidroalcohol con frecuencia, lo que me ha resultado curioso, le da un toque de realidad. En cuanto a mostrar todas estas sensaciones hay que reconocer el gran trabajo de la que será la nueva Catwoman, Zoe Kravitz. Y en cuanto al propio Soderbergh, pues no se le ha olvidado como hay que mover la cámara y el oficio en la manera de rodar. Será una obra menor pero totalmente autoconsciente de ello. 6’5.

Sagáfilos: 007 James Bond - Roger Moore

 

ADVERTENCIA: este artículo contiene SPOILERS de las películas de la saga.

TÍTULO: Vive y deja morir.

PRÓLOGO: SUFICIENTE. Es básicamente una gracieta de que pillan a Bond con una chica en la cama.

CRÉDITOS: BIEN. Son demasiado similares a "Desde Rusia con amor".

CANCIÓN: SOBRESALIENTE. Paul McCartney hace una de las mejores y más innovadoras canciones para una película Bond.

BOND: BIEN. Roger Moore representaba un prototipo de Bond muy diferente, elegante y seductor. Pero aquí aún está un poco acartonado.

ACCIÓN: BIEN. Hay escenas que dan vergüenza ajena, con peleas en las que claramente ni se tocan y especialmente la de la serpiente de juguete. Pero se salva una persecución de lanchas con varios choques de coches policía por el camino que es una pasada.

CHICAS BOND: NOTABLE. Jane Seymour, no hace nada especial pero la belleza de la Seymour lo compensa todo.

VILLANOS: BIEN. Yaphet Kotto en un villano de los más arquetípico, nada destacable.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 7/160.

VALORACIÓN PERSONAL: BIEN. Roger Moore me parecía un buen giro al estilo de James Bond y siempre me ha parecido un buen 007, pero aquí todavía no había desplegado su encanto y el guion de la película tampoco le ayudaba a explotarlo.

TÍTULO: El hombre de la pistola de oro (1974).

PRÓLOGO: NOTABLE. Es una especie de adelanto de lo que será el final y es muy curioso. 

CRÉDITOS: BIEN. Básicamente es una copia casi calcada de películas anteriores.

CANCIÓN: SUFICIENTE. La canción de Lulu es cañera y rompe con la línea habitual pero no es nada Bondiana y parece más un tema de discoteca de la época.

BOND: NOTABLE. Aquí ya Roger Moore se le ve mucho más entonado con el personaje. De hecho, su fisonomía y planta encajan más con él que la del propio Connery. Otra cosa es su calidad como actor.

ACCIÓN: NOTABLE. Tiene varias escenas de persecuciones (lanchas y coches) muy buenas. Y las peleas están  mejor resueltas que en la anterior película. Solo por lo del coche volador ya merece la nota.

CHICAS BOND: BIEN. Gran belleza la que aúnan entre Britt Ekland y Maud Adams pero no pueden estar más sexualizadas. La primera la ponen de tonta que suplica por una noche con Bond. Además, es torpe a más no poder, incluso llega a activar el rayo destructor dándole a una palanca con el culo, literalmente. Y la segunda es una prostituta.

VILLANOS: NOTABLE. Es muy arquetípico pero, que narices, es Christopher Lee haciendo de matón de élite y desafiando a 007. Y nos lo dejan ver mucho en pantalla, no como otros villanos de la saga. Y sin olvidarnos del enano.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 7/97.

VALORACIÓN PERSONAL: NOTABLE. Es muy divertida y el duelo entre Moore y Lee vale la pena. Además, hay algunos escenarios naturales impresionantes. Mejora bastante respecto a la primera película de la saga con Roger Moore. Sin embargo, funcionó peor en taquilla.

TÍTULO: La espía que me amó.

PRÓLOGO: NOTABLE. La desaparición del submarino y la escena de los esquiadores bien lo valen.

CRÉDITOS: BIEN. No innovan mucho en esta franquicia con Roger Moore, pero bueno también es mantener su estilo.

CANCIÓN: SUFICIENTE. Me pasa como en la anterior película, que no me pega nada para una película Bond la canción interpretada por Carly Simon.

BOND: NOTABLE. Aquí Roger Moore ya se ha hecho con el personaje así como lo hizo Sean Connery e igualmente lo lleva en modo piloto automático.

ACCIÓN: NOTABLE. Es de las tramas que más me gustan. Aquello de querer vivir en el fondo del océano y tal. Por lo que hay muchas escenas en el agua, como en ya unas cuantas películas anteriores. Además, la base del villano mola un montón. Sin olvidar el guiño a "Lawrence de Arabia" de la parte en Egipto.

CHICAS BOND: NOTABLE. No es que haga un papel de la leche pero es que es Barbara Bach haciendo de agente rusa. Y, aunque de forma mucho más breve, a Caroline Munro.

VILLANOS: BIEN. Karl Stromberg (Curd Jurgens) no es de mis villanos favoritos aunque le hayan dado un toque Blofeld. Pero al menos es la primera aparición de Tiburón (Richard Kiel).

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 14/185.

VALORACIÓN PERSONAL: NOTABLE. Hasta aquí creo que es la mejor de la franquicia Moore. Tiene el rollo buddy movie entre Moore y Bach y un buen puñado de escenas muy buenas. Repito, la base del villano me encanta.

TÍTULO: Moonraker.

PRÓLOGO: NOTABLE. El robo de la nave espacial en pleno vuelo y la secuencia de paracaídas en pelea con Tiburón. De los mejores prólogos de toda la saga.

CRÉDITOS: BIEN. En la línea habitual de siluetas de mujeres desnudas. Aquí por lo menos les ponen unos fondos chulos del espacio.

CANCIÓN: BIEN. La ya clásica cantante de la saga, Shirley Bassey, la intérprete que más veces ha cantado para los créditos de las películas Bond. No es la mejor de sus intervenciones pero Bassey nunca falla.

BOND: BIEN. En cierto modo tiene un aire a lo Clint Eastwood, aunque sin su presencia en pantalla. Cumple, aunque demasiado inexpresivo para la fiesta que es la película.  

ACCIÓN: NOTABLE. Tiene muy buenas escenas. La persecución con la góndola en Venecia, la de lanchas (Moore debe ser el Bond que más veces haya pilotado una lancha motora), la del teleférico, y el demencial final en el espacio. Además de los guiños a "Encuentros en la tercera fase", "Frankenstein" o "Casablanca". 

CHICAS BOND: NOTABLE. Aparece brevemente Corinne Clery (con su mismo nombre), que estaba considerada una sex-symbol tras la película erótica "Historia de O". Pero la principal es Lois Chiles, con un rol parecido al de Barbara Bach en la anterior y que por lo menos tiene un papel y no es solo un adorno.

VILLANOS: NOTABLE. A mí Hugo Drax me encanta porque es el mejor sucedáneo de Blofeld, gracias a Michael Londsdale. Además de volver a ver a Richard Kier como Tiburón y tener vayas peleas con Bond con algunas de las mejores escenas de la película.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 34/210.

VALORACIÓN PERSONAL: NOTABLE. Es considerada una de las más flojas de toda la saga. A ver, el guion es terrible, pero tiene tan poca vergüenza, va tan a calzón quitado, que me resulta divertidísima, un despiporre sin complejos y es de mis favoritas porque me lo paso bomba. Se nota que estaba triunfando "La guerra de las galaxias" en esos tiempos.

TÍTULO: Solo para sus ojos.

PRÓLOGO: NOTABLE. Toda la escena del helicóptero es muy divertida. No tiene ni puñetero sentido pero te lo pasas bien.

CRÉDITOS: BIEN. Poca historia, casi parece un videoclip de cualquier otra cosa que nada.

CANCIÓN: BIEN. Es de Sheena Easton. Que si, que es bonita y tal pero bondiana para nada. Parece la canción de intro de una serie de los ochenta.

BOND: BIEN. Va con el piloto automático pero a estas alturas ya pedía doble hasta para pegarse una carrerita. 

ACCIÓN: NOTABLE. La verdad que hay un par de secuencias muy curradas. La persecución en España con el Citroen 2CV, la persecución de esquiadores y la del minisubmarino. 

CHICAS BOND: NOTABLE. Estaba la francesa Carole Bouquet, que unos años antes había sido la musa de Luis Buñuel, en "Ese oscuro objeto de deseo". Además, tiene un personaje con relevancia, mayor que lo que suele ser en las chicas Bond.

VILLANOS: SUFICIENTE. No será recordada esta película precisamente por su villanos, en absoluto.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 28/195.

VALORACIÓN PERSONAL: BIEN. Está bien que se tirara por la trama puramente de espionaje pero con mezcla con una venganza, y tiene escenas de acción muy conseguidas, pero no es de las mejores de la etapa Moore.

TÍTULO: Octopussy.

PRÓLOGO: BIEN. Está bien una huida de James Bond pilotando un avión con combate a base de cohetes y demás, muy chulo.

CRÉDITOS: SUFICIENTE. Muy normalitos, y a estas alturas llama la atención.

CANCIÓN: BIEN. Es más bondiana pero está muy lejos de los mejores temas éste que canta Rita Coolidge.

BOND: BIEN. El carisma de Roger Moore salva un poco la papeleta pero ya lo que me faltaba es verlo vestido y pintado de payaso. Es el colmo.

ACCIÓN: NOTABLE. La película es entretenida porque precisamente hay mucha escenas de acción bastante buenas, con muchos combates aéreos, asaltos de mansiones y bombas a punto de explotar en circos.

CHICAS BOND: BIEN. Recupera a Maud Adams, que ya había salido en en la segunda película de la etapa Moore, "El hombre de la pistola de oro", y eso le da cierto empaque. Por cierto, repetir chica Bond no era nada habitual, también porque muchas veces mueren.

VILLANOS: SUFICIENTE. ¿Alguien recuerda a los villanos de esta película? Pues yo tampoco lo hacía antes de volver a verla, y casi se me han olvidado ya otra vez.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 27/187.

VALORACIÓN PERSONAL: BIEN. Curiosamente competía con otra película Bond, aunque por ese tiempo no oficial, con Sean Connery volviendo al personaje en "Nunca digas nunca jamás". Finalmente "Octopussy" le ganó la partida por unos 30 millones más de recaudación, a pesar de ser considerablemente peor película, pero el canon es el canon.

TÍTULO: Panorama para matar.

PRÓLOGO: NOTABLE. Bastante espectacular, con la persecución de esquiadores. Está claro que ahí eran todos especialistas pero mola.

CRÉDITOS: BIEN. No está mal, al menos es diferente y no solo son siluetas de mujeres, sino de acrobacias de esquiadores.

CANCIÓN: SOBRESALIENTE. Junto con la de Paul McCartney en "Vive y deja morir", la mejor canción del ciclo Moore, a cargo del mítico grupo ochentero Duran Duran.

BOND: NOTABLE. Ya estaba mayor pero creo que Roger Moore se lo pasó en grande con su despedida del personaje.

ACCIÓN: NOTABLE. La mejor de todas las películas de Roger Moore en este apartado. Solo con la escena del camión de bomberos (que después emularía "Terminator 3") ya valdría, pero está la del ascensor, el final con el dirigible, la explosión de la mina, . . .

CHICAS BOND: NOTABLE. Una curiosa combinación. Por un lado la explosiva belleza de Tonya Roberts, toda un sex-symbol. Y por otro el poderoso físico de Grace Jones, chica Bond bastante atípica.

VILLANOS: NOTABLE. Claro, si tienes un actor como Christopher Walken, por muy típico que sea el personaje, pues te borda uno de los villanos más crueles de la saga.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones de dólares): 30/152.

VALORACIÓN PERSONAL: NOTABLE. Gran despedida de Roger Moore con una de las entregas más divertidas y entretenidas de la saga, a pesar de que rara vez aparece en las listas de las más destacadas. Curiosamente lo mismo que le pasa a "Moonraker".

MEJOR PRÓLOGO: Moonraker.

MEJORES CRÉDITOS: Panorama para matar.

MEJOR CANCIÓN: Paul McCartney (Vive y deja morir)/Duran Duran (Panorama para matar).

MEJOR CHICA BOND: Bárbara Bach.

MEJOR VILLANO: Michael Londslane (Hugo Drax)/Christopher Lee (Scaramanga)

MEJOR PELÍCULA: Moonraker.