Microcríticas Express: La familia que tú eliges/La asistente/Monstruo

 

   Cumple todos los requisitos de cierto cine indie, en plan buenas intenciones, sentimientos y un poco de mezcla de comedia y drama. Nos cuenta la historia de un chico con Síndrome de Down que tiene el sueño de convertirse en luchador profesional. Su encuentro con un tipo al que persiguen por una serie de cosas que ha hecho posibilita una road movie bastante divertida a la que se añade Dakota Johnson. Pero si por algo funciona la película es por la enorme química entre el protagonista, Zach Gottsagen y un muy inspirado Shia LeBeouf, un actor que habitualmente me parece bastante malo pero que también ha demostrado que cuando se pone es capaz de hacer muy buenas interpretaciones. Bruce Dern tiene un papel corto pero es que este tío es capaz de lucir aún gozando de poco minutos. Por muy evidente que sea lo que quieren pretender con la historia, no deja de ser entrañable y deja un bonito mensaje sobre la amistad y como eso se puede convertir en familia. 6.

 

 

   Asistimos a un día en el trabajo de la secretaria de un estudio de cine. Como se ocupa de los cafés, de las llamadas de teléfono, la organización de las citas e incluso ir a recoger a actores y demás. Precisamente cuando tiene que encargarse de una chica muy joven es cuando le saltan las alarmas. Película en la que gran parte del tiempo parece que no pasa nada, pero van sucediéndose detalles que nos indican que se trata de una historia de denuncia por abusos sexuales. El entorno en el que se produce hace una clara referencia al caso de Harvey Weinstein. Pero lo que realmente denuncia es como se trata la situación como algo totalmente habitual y que “es así”. Y como se amedrenta, mediante chantaje profesional, a quien pretende alertar de un posible abuso. Esa secretaria está interpretada por una excelente Julia Garner que diría que tiene un gran futuro pero que ya es presente. En el reparto también están Matthew MacFayden (“Orgullo y prejuicio”), ojo a la única escena en la que sale, y Patrick Wilson. 7.

 

 

   En contra de lo que pueda parecer a priori, no es un alegato antirracista, aunque en algún momento se de alguna pincelada en esa dirección. Pero va más en la línea de defender aquello de que se es inocente hasta que se demuestre lo contrario y no al revés que es lo que le pasa al protagonista. De hecho, quiere incidir en las distintas versiones que puede haber de una misma situación. Esa es su intención, otra cosa es que la película lo consiga. Porque por mucho que me quieran mencionar en los diálogos al clásico de Akira Kurosawa, “Rashomon”, el guion no sabe explotar esa idea. Básicamente por su indefinición, porque no sabe muy bien que quiere ser realmente, si una historia dramática (se pasa más tiempo enseñándonos su vida y lo buen chico que es), un drama carcelario (toca el tema muy de pasada) o judicial (claramente por el que debería haber apostado más fuerte). De hecho, son las partes del juicio donde la película es capaz de generar mayor interés. No es que esté mal pero si tomas dos miniseries que tratan de temas similares como “The night of” o “Así nos ven”, te das cuenta de todo lo que le falta, y no es por metraje. 5.

Escenas Míticas: Denis Villeneuve - Blade Runner 2049

 

 

   Tras la magnífica “La llegada” Denis Villeneuve permaneció en el género de la ciencia-ficción. Curiosamente sus dos siguientes proyectos suponen un enorme reto para su carrera. Primero hacer una secuela de una de las películas de ciencia-ficción más consagradas de la historia del cine. Nada menos que 35 años después de la original. Y luego la compleja adaptación de la novela de Frank Herbert, “Dune”, que ya adaptó David Lynch otros 35 años antes también.

 

 

 

   Realizar una secuela de “Blade Runner” era impensable e inconcebible. Sin embargo, Villeneuve salió del atolladero con nota, con la que muchos consideran una de las mejores secuelas de la historia del cine. La revista Empire la colocó en el número 2 de las mejores películas de 2017. Personalmente considero que contra todo pronóstico, el cineasta canadiense logró otra obra maestra, quizá por debajo de la de 1982, aunque habría que dejar pasar el tiempo para confirmarlo. 

 

 

   Nuevamente, la crítica la cubrió de elogios pero el público no la acompañó. Cosa que le pasó exactamente lo mismo a la película de Ridley Scott. Que también parece mentira que la gente no se diera cuenta que ésto no era una historia de acción, como tampoco lo era la otra. 

 

 

    Era, igual que ésta, ciencia-ficción pero sobre todo cine negro, y además reflexionaba, como también lo hace ésta, sobre las consecuencias de la tecnología, el problema medioambiental, el uso de la inteligencia artificial, la industria genética, el concepto de esclavitud, la explotación de la publicidad. Es decir, estábamos todos avisados. 

 

 

   Pero aún así la recepción de la película fue muy fría, hasta considerarse un fracaso de taquilla. Costó 150 millones de dólares y recaudó 260, que para una película de esta envergadura es muy poco. Así que hasta en eso se parece a la película original. Aunque Villeneuve consiguió que tuviera personalidad propia. 

 

 

   Para el reparto eligieron como protagonista a Ryan Gosling, que venía de triunfar con “La la land” curiosamente después repetiría en la ciencia-ficción con “First man”. Pero está claro que la mayor atracción estaba en ver a Harrison Ford retomar uno de los tres personajes más icónicos de su carrera junto a Han Solo (que también había retomado un par de años antes en “El despertar de la fuerza”) e Indiana Jones (del cual ya se está rodando la quinta parte). 

 

 

   Pero el otro personaje icónico de su carrera, con más mérito pues solo lo había interpretado en una película es Rick Deckard. Por cierto, Villeneuve reconoció haber cumplido uno de sus anhelos, dirigir a uno de sus actores favoritos, Harrison Ford. El reparto lo completaban Robin Wright, Jared Leto (en una clara reconversión del Tyrell de la primera película) Ana de Armas, Sylvia Hoeks, Mackenzie Davis y Dave Bautista. Por cierto estas tres últimas ni siquiera habían nacido en el 1982 de “Blade Runner”. Y realizaban cameos Edward James Olmos y Sean Young (recreada digitalmente). 

 

 

   Una de las grandes interrogantes que nos dejaba la primera película era si Deckard finalmente también era un “replicante”. En la edición de “el montaje del director”, Ridley Scott (que ejerce de productor aquí) incluye un par de planos que daban lugar a la duda de si Deckard no era humano. El propio Scott reconocía que en la primera versión no le habían dejado pero que esa era su intención desde el principio. Sin embargo, aquí vemos a Deckard más mayor, lo que nos debería inclinar a pensar que es humano. Aunque teniendo en cuenta que en la película se da un milagro en el que un replicante puede tener hijos, se podría pensar que porque no podría envejecer también.

 

 

    Por lo que nuevamente quedaba en el aire. Al igual que la teoría de que quizá toda la historia de la película es un sueño generado por la hija de Deckard. O de si esa hija implanta todos los recuerdos en K (Gosling) para que le traiga a su padre y así poder conocerlo. Lo que si es sospechoso es que esté nevando en la escena final y justo ella esté generando ese efecto dentro.

 

 

    Por cierto, la película estuvo nominada a cinco categorías: sonido, efectos sonoros, dirección artística, fotografía y efectos visuales, de las cuales solo ganó las dos últimas.

 

 

Dune

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: Dune.

Dirección: Denis Villeneuve.

País: Estados Unidos.

Año: 2021.

Duración: 155 min.

Género: Ciencia ficción, aventuras.

Interpretación: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista, Babs Olusanmokun, David Dastmalchian, Golda Rosheuvel, Benjamin Clémentine, Souad Faress.

Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novelas: Frank Herbert.

Producción: Denis Villeneuve, Mary Parent, Cale Boyter, Joe Caracciolo, Jr.

Música: Hans Zimmer.

Fotografía: Greig Fraser.

Distribuidora: Warner Bros.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: Arrakis es el planeta más importante por hallarse en él la “especia”, una sustancia vital para el crecimiento de la conciencia y la extensión de la vida humana. Su explotación ha sido cedida por el Emperador a la Casa Atreides. Pero pronto se demuestra que ésto no ha sido con la intención que creían. 

 

   LO MEJOR: Muy pocos cineastas son capaces de dar un sello personal a una película de gran presupuesto. Podríamos coger todas las películas de Marvel y no saber quien está tras la cámara en prácticamente ninguna de ellas. Pero si hay algunos directores capaces de hacer blockbuster de autor. Zack Snyder es uno, Christopher Nolan es otro y Denis Villeneuve otro. Porque aunque todo en esta película es grandioso, con un diseño de producción enorme, ya sea por sus gigantescos escenarios, sus naves, su vestuario. Su apabullante sonido o la atronadora banda sonora de Hans Zimmer, más cercana a su etapa con Nolan en “Dunkerque”. Villeneuve sigue aplicando su estilo propio. La prueba es que ésta es su tercera película de ciencia-ficción y aún así las tres son tremendamente diferentes pero todas muy Villeneuve. Ciencia-ficción en clave space ópera con su toque de aventuras pero también de trama política. Lo que por fin le hace justicia a la muy compleja novela de Frank Herbert, que parecía inadaptable, aportándole seriedad y gravedad, en un tono muy oscuro a lo que en realidad está más cerca de una tragedia shakesperiana mediaval que de una historia de aventuras de evasión. Es decir, todos los defectos de la versión de 1984, de David Lynch, están pulidos. Y todo ello sin apartarse demasiado del texto original de Herbert y conservando el tono onírico por el que Lynch fue criticado en su visión del asunto. 

 

   Interpretación: Sin duda Timothee Chalamet es una elección más adecuada como Paul Atreides que Kyle MacLachlan. No solo porque su edad es más acorde a la del personaje sino porque Chalamet atesora un talento que recuerda al de Leonardo DiCaprio en sus inicios. Aunque hay que decir que el miembro del reparto más acertado del film es una magnífica Rebecca Ferguson en otro de los personajes claves de la historia, la Dama Jessica. Pero tiene tal elenco que en personajes no tan principales, hay que tener en cuenta que es una película muy coral, tenemos el talento de Oscar Isaacs, Josh Brolin, Javier Bardem o Stellan Skarsgard. Y el enorme carisma de Jason Momoa. A Zendaya se la han reservado para la segunda parte. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Para ser la mitad de la historia hay varias y muy importantes muertes. Como la del Duque Leto Atreides (Isaacs) con un tratamiento puramente de terror y a lo “Juego de tronos” que termina con el intento de atentado al Barón Vladimir (Skarsgard). Por cierto, menudo guiño de éste tocándose la cabeza como el Coronel Kurtz (Marlon Brando) en “Apocalipse now”. También la de Liet Kynes, en una de las muy dosificadas apariciones de los gusanos, a quienes también se han reservado para la segunda parte. Aunque si podemos verlos en el ataque a la cosechadora. Por cierto, Kynes ha sido cambiado de sexo y de raza respecto a la novela y a la versión anterior en la que fue interpretado por Max von Sydow. Aquí es Sharon Duncan-Brewster. En fin, los tiempos mandan. Pero sin lugar a dudas la muerte más emotiva y dolorosa es el heroico sacrificio de Duncan Idaho (Momoa). Y la más espectacular la del asalto nocturno, con traición incorporada, de los Harkonen al palacio de los Atreides. 

 

   LO PEOR: Tan solo hay un par de detalles que no me han terminado de convencer. Aunque el efecto de los escudos está perfectamente recreado, resta nitidez a los impactos en las peleas cuerpo a cuerpo. Y precisamente en éstas, la película parece muy mediatizada por la calificación por edades. El efecto de los escudos intenta disimular el hecho de que no nos muestran nada de sangre. También hay algunas situaciones que quien no haya leído la novela quizá no entienda del todo bien. 

 

   REFERENCIAS: Es la primera parte de dos. Si algunos ven similitudes en líneas argumentales o tratamiento de la historia y ciertos personajes, con la saga “Star Wars” (especialmente el “Episodio IV”) o la serie “Juego de tronos”, son éstos los que saquearon ideas de la novela de Frank Herbert, de la cual David Lynch hizo una versión en 1984. 

 

   CONCLUSIÓN: 8'5. Villeneuve le hace justicia a la novela de Frank Herbert, dándole seriedad, gravedad y épica, más como una tragedia shakesperiana que como película de evasión pero sin apartarse de su propio estilo, en un blockbuster de autor.

Microcríticas Express: Come true/Possessor/El misterio de Block Island

 

   Para mí, y es una opinión muy personal, ésto es el perfecto ejemplo de híbrido de ciencia-ficción y terror. Un soplo de aire fresco entre tanta fórmula repetida y carente de riesgo. Pues aquí no les han hecho falta ni muchos efectos especiales ni mucho dinero. Solo una historia original y muy intrigante. Eso si, cabe avisar de que no es para todo el mundo. No solo por su desarrollo intencionadamente pausado, pues a su director, un tal Anthony Scott Burns al que ya he cogido la matrícula, parece interesarle evocar una serie de sensaciones en el espectador através de las imágenes en conjunción con la música. Ésto tiene gran importancia en la parte onírica de la película, donde se recrean una serie de sueños particularmente tenebrosos. Un diseño de producción retrofuturista, una banda sonora ochentera y una excelente fotografía. Pero ojo, es de las que tiene un final que te puede explotar la cabeza, y que muchos pueden pensar que les han tomado el pelo. No es así, lo que pasa es que, dígamos que lo que hemos visto no es literal, es la única manera que se me ocurre de expresarlo sin caer en el spoiler. Hay que estar muy atentos a determinados simbolismos, ciertas palabras y demás. Y aún así el desenlace es tan abierto que da para que cada uno tenga su propia teoría. 7.

 

   Dirige el hijo de David Cronenberg, Brandon. Digo ésto lo primero porque lo de que de tal palo tal astilla aquí si se cumple. No digo, ni mucho menos, que tenga el talento narrativo de su padre pero si se aprecia el mismo estilo visual de la primera etapa de la filmografía de éste. Y también los temas, como el control mental y la violencia. A muchos les vendrá a la mente el título de “Scanners”. Si, algo hay, pero no tiene que ver, es otra cosa. La cuestión es que efectivamente es extremadamente violenta. De hecho, a Europa ha llegado la versión Uncut, al parecer en Estados Unidos circula una versión aligerando la truculencia de las muertes. El único problema que le veo es que tiene un ritmo muy irregular. Un buen comienzo y una gran recta final, pero tiene un tramo central que parece perderse en devaneos que no sabe uno hacia donde van. Aún así me ha resultado una película interesante que también tiene un final abierto a interpretaciones varias, no solo en cuanto al desenlace sino a saber que demonios le ha pasado a los protagonistas durante la película para acabar así. 6’5.

 

   Tampoco es que me haya entusiasmado pero al menos cumple con lo mínimo, que es mantener la curiosidad hasta el final. Porque si es cierto que me he tirado todo el tiempo pensando a que narices se debía lo que les estaba pasando a algunos personajes, si era un fenómeno atmosférico, sobrenatural o alienígena. Dándole el cuartelillo de ser una película con muy poco medios, un proyecto llevado por tres hermanos, los McManus, Kevin y Mathew en ella dirección y el guion y Michaela en la interpretación. Pero he de decir que lo que pensaba que era se confirma. Porque me habían hablado del final, que te quedabas con la boca abierta y, bueno no está mal, pero tampoco me parece que quede tan abierto, creo que queda bastante claro que es lo que pasa. Aunque es verdad que hay que interpretar que les ocurre a los personajes. No se puede decir que tema toca porque sería dar pistas sobre el desenlace, que un poco es el interés de la historia. Si no se va con unas altas expectativas puede resultar entretenida. 5.

Escenas Míticas: Denis Villeneuve - Sicario

 

 ¿Qué tienen en común “Incendies”, “Enemy”, “Prisioneros” y ésta? Nada. Si, claro que se perciben unos patrones y unas preocupaciones como constante en el cine de Denis Villeneuve, pero temáticamente son películas totalmente diferentes en argumento, tono y ritmo, con lo que demostraba la enorme versatilidad del director canadiense. Pero es que además volvería a hacerlo en su siguiente proyecto.

   Qué fue la que hasta el día de hoy considero mi favorita de este cineasta, “La llegada”, junto a “Interestellar”, las dos mejores películas de ciencia ficción en lo que va de siglo. Sin embargo, Villeneuve no volvería a cambiar de género y sus dos siguientes filmes, que han sido “Blade Runner 2049” y “Dune”, lo confirman. Aunque desde luego que son títulos muy diferentes.

   Como venía dándose en su reciente filmografía, tuvo excelentes críticas. Parece ser un director que entusiasma más a los críticos que al público. En una era del cine en la que los dos directores más destacados son Denis Villeneuve y Christopher Nolan, lo que muchas veces hace establecer críticas entre ellos, aunque no tienen nada que ver en estilo es que el segundo si logra enganchar al espectador.

   “Sicario” es un nuevo ejemplo de ello. Costó 30 millones de dólares y recaudó 84 en taquilla, que es no perder dinero pero desde luego no es romper la taquilla ni mucho menos. Es un dato importante, pues Villeneuve es un director con personalidad, que necesita libertad para mostrar su talento, pero un par de batacazos económicos pueden tumbar a cualquiera a la hora de tener la confianza de los grandes estudios.

   No obstante, a la crítica si la conquista. Por esta película, Villeneuve fue nominado a la Palma de Oro del Festival de Cannes, además de obtener tres nominaciones a los Oscars, a la música de Johan Johansson, el sonido y la qué correspondía de nuevo a Roger Deakins, con el que ya trabajó en “Prisioneros” dónde tuvo otra nominación, el montaje. Lograría el Oscar en la tercera colaboración con Villeneuve en “Blade Runner 2049”.

   La primera elección para el reparto fue Emily Blunt, quién fue seleccionada por el cineasta a raíz de verla cuatro años antes en “La reina Victoria”, aunque curiosamente venía de tres películas totalmente diferentes, de ciencia ficción, “Looper” y “Al filo de mañana” y un musical, “Into the Woods”.

 

   Personalmente la considero una actriz maravillosa. Rodó la película tan solo cuatro meses después de dar a luz de su primer hijo. Incluso llegó a rodar estando enferma. Se puede percibir en la escena del traslado de Juárez, dónde se la puede ver muy pálida y sudorosa, pues no era maquillaje, en esos días sufrió de diarrea.

   Blunt se basó la agente del FBI Kate Mercer, a quién tuvo la oportunidad de conocer y a quién la actriz describió cómo tímida y solitaria. La acompañaron en el reparto Benicio del Toro (de quién realmente es el arco argumental de la historia, lo cual se confirma en la secuela), Josh. Brolin, Jon Bernthal, Daniel Kaluuya y Jeffrey Donovan.

 

 

   Para la secuela, “Sicario, el día del soldado”, solo repitieron Del Toro, Brolin y Donovan. Tampoco el propio Villeneuve, que fue sustituido por otro buen director, Stefano Sollima. El que si repitió fue el guionista Taylor Sheridan. Y al reparto se unió Matthew Modine y Catherine Keener. El resultado nuevamente fue excelente, incluso se llegó a hablar de otra secuela para completar una trilogía, que todavía podría llegar.

 

 

 

El padre

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: El padre.

Dirección: Florian Zeller.

País: Reino Unido.

Año: 2020.

Duración: 97 min.

Género: Drama.

Interpretación: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker.

Guion: Florian Zeller, Christopher Hampton. Obra: Florian Zeller.

Producción: David Parfitt, Jean-Louis Livi, Philippe Carcassonne, Christophe Spadone, Simon Friend.

Música: Ludovico Einaudi.

Fotografía: Ben Smithard.

Distribuidora: Lionsgate.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre con la avanzada edad de ochenta años, está decidido a seguir viviendo con independencia. Pero su familia sospecha que está sufriendo fallos de memoria y se plantea como cuidarle mejor y que acepte esos cuidados. 

 

   LO MEJOR: Hacía tiempo que una película no me emocionaba de esta manera. Eso o que me pilló en un momento tonto. Pero me da que son más los méritos de ella. Me parece el mejor retrato de la vejez y más concretamente de uno de los grandes males de esta tardía edad, las enfermedades degenerativas, el alzheimer en este caso. Y no, no hay que ser de la tercera edad para empatizar con el protagonista, hay que ser persona. Por que logra hacer que te pongas en su lugar en todo momento, que tengas un mismo punto de vista, su sensación de confusión. Lo hace con una muy original forma de narración, con un tratamiento casi de thriller. Porque a pesar de ser un drama, tiene muchos giros que lo hacen muy dinámica cuándo podría haber pecado de inmovilista. Uno puede llegar incluso dudar de lo que realmente está pasando, dudar de que nos están hablando de un hombre con problemas de memoria. De hecho, tiene varios momentos muy tensos. Aunque finalmente el drama gana el duelo, y aún así no busca la lágrima fácil, lo que no impide que su desenlace no te haga echar un río de ellas pues es tremendamente conmovedor. 

 

   Interpretación: Todos están geniales. Cuando digo todos es todos. Pero es que lo de Anthony Hopkins es una lección de interpretación. Merecía el Oscar y de muy largo, le pique a quien le pique. Como que lo de suponer como favorito a Chadwick Boseman obedecía a motivos políticamente interesados y hacer un posible Oscar póstumo en homenaje por su perdida. Pero no al talento, dónde Hopkins es mejor actor y hace mejor interpretación sobradamente. Pero ojo a lo de Olivia Colman, otras oscarizada (“La favorita”) y nominada aquí, que está brutal. No acaba ahí la cosa, todos los secundarios están perfectos. Tanto Olivia Williams, Imogen Poots, Rufus Sewell cómo Mark Gatiss. 

 

   Escena (SPOILERS!!): En la presentación de la cuidadora (Poots) vemos como Hopkins puede ser al mismo tiempo encantador y hasta cruel, lo que nos da la idea de los drásticos cambios de humor del personaje. Luego asistimos a un continuo cambio de intérpretes para los mismos personajes, lo que nos hace estar tan confusos como “El padre” y nos hace dudar de si ésto quizá es otra clase de película de lo que creíamos. Y lo es pero por la forma de mostrarnos los hechos. Es doloroso como podemos ver la frustración en el personaje de Anthony Hopkins. Pero especialmente la escena final, ya en la residencia, creo que es uno de los momentos más tristes que he visto en una película, al menos que yo recuerde. 

 

   LO PEOR: Tampoco es que lo considere algo muy negativo pero hay que avisarlo, es muy teatral, prácticamente no tiene exteriores. También es normal, es una adaptación de la obra de teatro del mismo título, de la que es autor Florian Zeller quién adapta su propia creación en lo que es su única película hasta la fecha. 

 

   REFERENCIAS: Otras películas que tratan el tema de la vejez y de sus achaques pueden ser “El estanque dorado”, “Amour” de Heneke y “Nebraska”. 

 

   CONCLUSIÓN: 7’5. Conmovedor retrato de las enfermedades degenerativas, con toques de thriller, en la adaptación de la obra de teatro homónima, donde Anthony Hopkins nos muestra la master class de interpretación que le dio el Oscar merecidamente.

Microcríticas Express: El cuento de la criada T4/Cruel Summer/Fargo T4

 

   Es uno de los buques insignia de la plataforma HBO, aunque tengo que reconocer que me ha puesto tan a prueba como para plantearme dejarla, a pesar de tener muy clara su calidad. Pero han querido alargar demasiado determinadas situaciones, dando una sensación de inmovilismo argumental que prácticamente se basaba en el "torture porn" en cuanto a todos los episodios estaban centrados en las penurias que pasan las mujeres de la serie, ya sean torturas, violaciones y ejecuciones. Al espectador hay que darle una de cal y otra de arena, sino se te hace tan desagradable que no te apetece verla, al menos es lo que me ha pasado a mí. Pero eso ha cambiado en esta cuarta temporada, donde si ha avanzado (por fin!!) de verdad la trama, y ya nos han hecho algunos regalitos. De hecho, tiene el momento más gratificante en lo que llevamos de serie. Además de otros quizá no tan vibrantes pero si esperados para completar los arcos narrativos de los personajes. Espero que sigan por este camino, como parece, y sepan cerrarla bien en la siguiente temporada. 7.

 

 

   Serie de esas que no te esperas mucho, sobre todo por ese tono claramente teenager, pero terminan por sorprender. Primero porque es bastante adictiva. Trata sobre el enfrentamiento de dos adolescentes en torno a un hecho en relación al secuestro de una de ellas, lo que hace que sus vidas cambien absolutamente. No se puede contar más porque la cuestión es averiguar quien dice la verdad en ese rompecabezas que suponen los episodios donde cada uno de ellos se centra en unos determinados días de los veranos de 1993, 1994 y 1995, por lo que la historia está narrada através de los flashbacks de esas tres líneas temporales. De modo que el montaje tiene vital importancia y, aunque en ciertos mementos pueda resultar confuso, creo que está muy logrado. Básicamente se hace un retrato del acosador como depredador acechante pero también de los acusadores, es decir, la gente en general. Además, me parece interesante, en estos tiempos de exportación de nuestras vidas mediante Instagram, Tik Tok y demás, como describe la obsesión con la popularidad y el tomar como referente a otras personas que ni conocemos. Ojo, hasta el final no se entiende el verdadero mensaje que quiere transmitir, y no es el que parece más obvio. 6’5.

 

 

   Es con diferencia la que menos me ha gustado de todas las temporadas de esta serie, que esta vez ha vuelto a recurrir al enfrentamiento entre mafias como tema central de la historia. También vuelve a hacerse patente la apuesta por el humor negro, pero diría que lo han llevado casi hasta el absurdo en algunos casos. Pero básicamente, mi mayor problema es no conectar con los dos personajes principales, Chris Rock y Jason Schwartzman. Sin embargo, si con secundarios como Ben Whishaw (“El perfume”) o una impagable Jessie Buckley. Lo que si que no ha cambiado es el acierto de su tramo final, cerrando bastante bien todas las tramas. Pero hasta llegar ahí confieso que me ha costado en algunas ocasiones. Como en las anteriores temporadas tiene guiños al cine de los Coen, como a “Muerte entre las flores”. Pero también a otros directores, el más claro es el de la estación de tren de “Los intocables de Eliot Ness” de Brian de Palma. Haciendo balance de toda la serie, la primera temporada es una obra maestra, la segunda y tercera temporada están muy bien, y esta cuarta es correcta pero muy inferior. 6

Escenas Míticas: Distopías - Dune (1984)

 

   A pesar de ser masacrada por la crítica en su momento y ser un absoluto fracaso de taquilla, que solo logró recuperar 30 de sus 40 millones de dólares invertidos, hoy en día se le reconoce su valor nostálgico y está incluso considerada como un título de culto. Además, en un tercer montaje se le hizo justicia quedando como resultado la mejor y muy mejorada versión de la película.

 

   Montaje en el que David Lynch no quiso participar pues se desentendió totalmente de la película y nunca quiso saber más de ella, repudiándola hasta el punto de hacerse acreditar con el nombre de Alan Smithee (cuando un director reniega de su película se hace llamar así en los créditos). La razón fue su enfrentamiento continúo con el director Dino de Laurentiis.

   Laurentiis quería algo similar a lo propuesto por George Lucas en “Star Wars”, una space-opera de aventuras. Lynch quería justo lo contrario. Ya rechazó dirigir “El retorno del Jedi” diciéndole a Lucas que eso no era cosa suya para nada. De hecho, su elección fue decisión de la esposa del productor, también coproductora, Raffaella de Laurentiis, impresionada por las dos películas anteriores del Lynch, “Cabeza borradora” y “El hombre elefante”.

   Aunque no fue la primera elección. El primer intento corrió a cargo del multidisciplinar artista chileno, Alejandro Jodorowsky, quién planeaba contar nada menos que con Orson Welles como productor, el pintor Salvador Dalí, la música de Pink Floyd, y los diseños de los artistas Moebius y H.R. Higer, creador del xenomorfo de Ridley Scott, quién supuso precisamente el segundo intento.

   La versión de Jodorowsky se disparaba hasta las diez y doce horas de metraje, lo que dió al traste con la financiación. Fue cuando el proyecto cayó en manos de Dino de Laurentiis, quién propuso a Ridley Scott. El director británico exigió que la historia debía contarse en dos películas, es decir, lo mismo que después pediría Lynch. Los retrasos en el inicio de la producción, la muerte de un familiar directo y la posibilidad de incorporarse al rodaje de “Blade Runner”, hicieron que Scott saliera del proyecto.

   Fue cuando llegó a él David Lynch. Inicialmente rodó ocho horas de metraje que él mismo recorto a cinco. Pero Laurentiis lo redujo a la mitad, dos horas y cuarto. El resultado fue un absoluto desastre de montaje, en el que claramente se perciben que faltan trozos, con abruptos saltos en la narración y en el que tuvieron que añadirse voces en off a los personajes para poder comprender sus pensamientos, que quedaron de lo más ridículo.

   El fracaso económico truncó dos posibles secuelas, la primera de ellas en la que Lynch ya estaba trabajando. Pero se realizó un montaje de tres horas para televisión en forma de miniserie, el cuál es tan o más desastroso que el original. Pero como decía, hay uno que si le hace justicia. En 2012, un montador anónimo, que se hacía llamar Spicedriver y se declaraba fan de la novela de Frank Herbert realizó “Dune, the alternative Edition Redux”, de tres horas y cinco minutos, que mezclando la versión de cine con la televisiva y añadiendo escenas eliminadas logró la mejor edición hasta la fecha.

   Para el reparto contó como protagonista a Kyle McLachlan, con quién contara Lynch para su siguiente película, “Terciopelo azul”, y años después se convertiría en el mítico Agente Cooper de su mítica serie “Twin Peaks”. Pero que aquí se me antoja demasiado mayor para el papel. Le acompañó un reparto de lo más variopinto, con Francesca Annis, Jurgen Prochnow, Patrick Stewart, Max von Sydow, Brad Dourif, Sean Young (que venía precisamente de ser la Rachael de "Blade Runner") y el cantante Sting.

   Vista hace pocos días como preámbulo antes de ver la versión de Denis Villeneuve (que curiosamente será en dos partes), creo que ha envejecido bastante mal en cuanto a sus efectos especiales. Y eso que no sería por medios, el rodaje duró 6 años, con una plantilla de 1700 personas, la construcción de 80 decorados y 16 platós. Pero no terminan de lucir. Creo que la elección correcta hubiera sido un director del corte de Steven Spielberg, con ese sentido épico en la línea de John Ford y David Lean. Pero sigue teniendo su encanto y valor nostálgico. Además, siempre nos quedarán los gusanos diseñados por Carlo Rambaldi.

 

 

Escenas Míticas: Denis Villeneuve - Prisioneros

 

 

   Fue estrenada el mismo año que “Enemy”, con muy distintos resultado comercial pues costó 46 millones de dólares y recaudó en taquilla 122, que aunque tampoco batiera ningún récord, tubo beneficios cosa que “Enemy” no. Pero el ver en el mismo año dos proyectos tan diferentes como éstos, resueltos con esta calidad, del mismo director, advertía ya de la versatilidad de un cineasta especial.

   En esta ocasión con un durísimo thriller de secuestros cuya oscuridad algunos críticos compararon con “Zodiac” o “Mystic River”, y yo me atrevería a unir “Seven” a la lista. Una película que fue calificada con la R por la violencia de algunas escenas. Una R que Villeneuve tuvo la posibilidad de salvar pero se negó a cortar las secuencias de tortura de la historia. 

   Una historia en la que el término de “prisioneros” es mucho más amplio de lo que pueda parecer en principio. Se puede suponer que los prisioneros son los niños secuestrados. Incluso luego al personaje de Paul Dano. Sin embargo, Villeneuve no es tan simple. Hay numerosas simbologías y metáforas en su narración.

   Porque los verdaderos prisioneros son los padres de las criaturas, encerradas en la jaula de sus vidas que no pueden avanzar hasta encontrar o saber de sus hijos. Pero también del policía encargado de la investigación, presionado por los padres y por su obsesión de resolver todos sus casos. El título “Prisioneros” es lo único que aparece al empezar la película, carece de títulos de crédito.

   Pero hay más detalles. Al ir a la casa de los Birch, los Dover advierten la presencia de una rata blanca. Tras el secuestro, cuando Keller (Jackman) decide tomar sus propias medidas contra Álex (Dano), se ve una rata negra, como anunciando el paso al lado oscuro de Keller, pues acaba de iniciar un viaje a lo más oscuro de su propia personalidad ya que iba a cometer actos tan deleznables como los que le llevan a hacerlo. 

   Por cierto, el apellido del policía (Gyllenhaal) no es ninguna casualidad. En una tarjeta que deja, vemos que se llama David Wayne Loki. En un cuento de la mitología nórdica, el dios Loki intenta proteger a un niño del gigante Skrymir, después de que lo haya juzgado Odín. El nombre de Loki, elegido para el personaje de la película, representa el protector de los niños. 

   En un principio, los papeles protagonistas iban a ser para Mark Wahlberg y Christian Bale, con Bryan Singer en la dirección, pero ambos decidieron irse a rodar “The fighter”, lo que le valió el Oscar al segundo. Al mismo tiempo Hugh Jackman iba a interpretar al padre de una chica desaparecida también en “The lovely Bones”. La paradoja es que el papel fue finalmente para Wahlberg, y el suyo en “Prisioneros” para Jackman, película de la cual Wahlberg además fue productor.

   Le acompañaron en el reparto Jake Gyllenhaal (Villeneuve le seleccionó cuando trabajaba con él en “Enemy”), Viola Davis, Terrence Howard, María Bello, Paul Dano y Melissa Leo (quién insistió durante todo el rodaje en que las gafas que lleva puestas no fueran limpiadas en ningún momento. Leonardo DiCaprio y Jessica Chastain estuvieron vinculados durante algún tiempo pero finalmente no lo hicieron.

   El reparto tuvo que recibir terapia psicológica tras el rodaje. La crítica ensalzó la película y especialmente la dirección de Villeneuve. El film optó al Oscar de mejor fotografía. El guion fue incluido en la lista negra de 2009, de buenos guiones que no habían sido rodados, aunque finalmente en 2013 si fue así.

Maligno

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: Maligno.

Dirección: James Wan.

País: Estados Unidos.

Año: 2021.

Duración: 111 min.

Género: Terror, thriller, intriga.

Interpretación: Annabelle Wallis, George Young, Maddie Hasson, Jake Abel, Jacqueline McKenzie, Michole Briana White, Paul Mabon, Ingrid Bisu, Rachel Winfree, Jon Lee Brody, Paula Marshall, Patrick Cox, Emir García, Amir Aboulela

Guion: Ingrid Bisu, James Wan, Akela Cooper.

Música: Joseph Bishara.

Fotografía: Michael Burgess.

Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras la misteriosa muerte de su marido, una mujer comienza a tener visiones de unos crímenes particularmente brutales. Lo sorprendente es que no son premoniciones sino que puede ver esos asesinatos en el momento en que se producen. 

 

   LO MEJOR: El género de terror es uno de los más prolíficos, lo que provoca que gran parte de los títulos sean de una calidad más bien baja. Además siguiendo una fórmula clónica que aporta gran novedad. Pero tratándose de James Wan, uno de los cineastas más especialistas en dicho género, un tipo que nunca falla, había que verla. Aunque en sus últimas películas de terror, de temas muy encorsetados como las casas encantadas y los demonios, en sus respectivas sagas de “Expediente Warren” e “Insidious”, veíamos a un Wan contenido, ajustado a las líneas generales clásicas de esos subgéneros. Lo que las hacía mejores que la media es el indudable talento visual del director malayo y su capacidad de mover la cámara. Sin embargo, aquí nos ha ofrecido una gratificante sorpresa, con una propuesta muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados últimamente, tomando sin esconderlo, varias referencias de autores del terror setentero y ochentero, pero sin perder un ápice de personalidad propia y que tiene su mayor acierto en la mezcla de subgéneros, como son el terror sobrenatural, el thriller psicológico, incluso el psicokiller, pero ante todo el slasher. Wan se muestra especialmente desatado, lo que convierte el film en una orgía de sangre y hasta gore, que dentro de su cierto desmadre tiene un ritmo muy medido, con lo que nos ha regalado una de las películas de terror más disfrutables del año. Si no la que más. 

 

   Interpretación: No me sorprende la elección de la actriz. Annabelle (que casualidad) Wallis es más que competente y diría que, salvo en la primera temporada de “Peaky Blinders”, siempre está desaprovechada. James Wan parece que lo ha tenido en cuenta y le ha sacado más que otros directores. Por cierto, está simpática como escudera Maddie Hasson. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Tiene muchas secuencias destacables. Wan es un experto en la puesta en escena y la ambientación. Las transformaciones visuales de los escenarios de los asesinatos son de lo más atractivo. Perfecto ejemplo de poner los efectos digitales al servicio de la historia. Además hay varios giros muuy buenos como la caída del desván de la casa que es la de la protagonista y para colmo para descubrir que la víctima es su madre biológica. Y sobre todo la explicación de tumor en la espalda, digna de “Cromosoma 3” de Cronenberg, como alter ego slasher de la chica. Tiene una buena persecución policial. Hay que recordar que ya “Saw” estaba muy influenciada por “Seven” y aquí se referencia una de sus escenas. Pero lo que es un despiporre es la masacre de la celda de mujeres. Una bestialidad que para colmo tiene su continuación con la masacre de la comisaría. Es muy, muy divertida. 

 

   LO PEOR: Si nos ponemos exquisitos, es cierto que algunas decisiones de guion cuestionables, ciertas licencias que se toma en interés de hacer seguir la trama sin pararse demasiado a analizar coherencia. Todo en favor del espectáculo. Porque hay que reconocer que el argumento es una ida de olla considerable. 

 

   REFERENCIAS: Tiene un aire retro, incluso en la música. La definiría como un slasher fantástico a lo “Candyman” pero yendo mucho más allá. Se pueden reconocer guiños a maestros como Brian de Palma, Dario Argento, Wes Craven o David Cronenberg. 

 

   CONCLUSIÓN: 7’5. James Wan nos trae una propuesta de terror muy diferente a las anteriores de los últimos años, dejando atrás las casas encantadas y los demonios para dar paso a un slasher sobrenatural de lo más disfrutable.