28 años después

 

   FICHA TÉCNICA

Título: 28 años después.
Dirección: Danny Boyle.
País: Reino Unido.
Año: 2025.
Duración: 115 min.
Género: Terror, ciencia ficción, thriller.
Interpretación: Alfie Williams, Aaron Taylor-johnson, Jodie Comer, Ralph Fiennes, Jack O'Connell, Erin Kellyman, Edvin Ryding.
Guion: Danny Boyle, Alex Garland.
Producción: Danny Boyle, Alex Garland, Andrew Macdonald, Peter Rice, Bernie Bellew.
Música: Young Fathers.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Han pasado 28 años desde que un virus similar a la rabia se extendiera entre la población británica, dejando el país devastado. Casi tres décadas después, todo ha cambiado, mientras un grupo de personas subsiste en una pequeña isla.

   LO MEJOR: 23 son los años que han pasado desde la primera película “28 días después”, tiempo en el que ha sido un tema recurrente la rumorología acerca de esta tercera parte, que nunca llegaba y que finalmente lo ha hecho y además en forma de tríptico, con una trilogía, por lo que hay que tener muy en cuenta que esto es solo la primera porción de un pastel que habría que juzgar más justamente cuando esté completo. Hace 23 años nos mostraron algo distinto en el género de infectados, tanto en tono como en forma de narración pero desde entonces, el género ha sido sobreexplotado sin piedad tanto en cine como en televisión, aportando muy poco o nada novedoso por lo que personalmente reconozco estar hastiado de él. Pero claro la vuelta de los artífices de la primera película, tanto de Danny Boyle, que llevaba varios años desaparecido (ahora sabemos porque) y de Alex Garland al guion, me animaban porque si podía traer algo distinto. Y así ha sido, porque aunque el tono y estilo narrativo es totalmente fiel a lo visto anteriormente en esta saga, si se advierten cambios significativos. Lo primero es que se trata de una historia más grande, de la cual esta solo ha ejercido de presentación del que parece ser el verdadero protagonista, del cual se atisba que pasará por varias fases. Esta con momentos más conmovedores que terroríficos, lo cual no significa que no tenga potentes secuencias de infectados, rodadas con toda clase de técnicas modernas para conseguir todos los ángulos posibles. Si, me ha parecido buena pero hay que esperar.

   Interpretación: A pesar de tener en el reparto nombres tan potentes como Aaron Taylor-Johnson, Jodie Comer y, sobre todo, Ralph Fiennes, están todos muy bien, el verdadero protagonista es el jovencísimo y prácticamente debutante Allfie Williams. Y habrá que seguir viendo como evoluciona. Porque queda claro que Jack O'Connell será importante en la siguiente entrega, aquí solo se le ha presentado.

   Escenas (SPOILERS!!): Como decía, tiene escenas de acción y terror potentísimas como el prólogo en la iglesia, el primer ataque del grupo del Alfa y su persecución posterior. Pero hay dos secuencias especialmente intensas desde lo dramático y que no me las esperaba para nada. La primera es el parto de la infectada, que es muy impactante. Y la segunda es la muerte de la madre. Respecto a lo que significa la película, es la lección que recibe el niño, que no es precisamente la de caza de su padre, sino la de dejar ir a su madre, lo de sufrir su pérdida. Que da como resultado querer seguir explorando el mundo fuera de su comunidad.

   LO PEOR: No deja de ser frustrante que quede inconclusa, es decir, más como primer episodio de una serie de tres, que como película en sí. Y al final es claramente anticlimático. Parece de otra película. Y si, ya sé que lo es, de la siguiente, pero es que parece de otra saga.

   REFERENCIAS: Es la primera parte de una trilogía que venía ser la que completase a las dos entregas anteriores, “28 días después” y “28 semanas después”. La segunda parte se estrenará en enero de 2026.

   CONCLUSIÓN: 7. No 28 pero si muchos años llevaba rumiándose esta tercera parte, pero esto es solo el primer episodio de lo que parece que el dúo Boyle/Garland si pretende aportar algo nuevo a un género que normalmente no lo hace.

Microcríticas Express: Sly/Super-Man, la historia de Christopher Reeve

 

   Personalmente Sylvester Stallone me parece el mayor héroe de acción que yo haya visto en pantalla. La comparación con Arnold Schwarzenegger siempre me ha parecido absurda porque como artista no hay color. Stallone ha escrito guiones, se ha puesto tras la cámara y cuando ha hecho algún papel más dramático, ha salvado el tipo. Incluso ha sido nominado al Oscar en dos ocasiones. Por no hablar que ha tenido éxitos de taquilla en todas las décadas de su ya dilatada filmografía. Y tiene dos de los personajes más icónicos de la historia del cine, Rocky Balboa y John Rambo. No obstante, aquí apenas se para en esa rivalidad, sino en todos los aspectos de su vida, tanto los personales, en los que se nos habla de su dura infancia, la relación con su padre o sus inicios como actor, como en los más puramente cinematográficos. Se ve cuanto hay de él en sus personajes, especialmente en esos antes mencionados y mucho más en particular con el de Rocky, figura a la que siempre se ha visto muy ligado. Porque aquí Sly se abre bastante a hablar de sus sentimientos, de como se ha sentido en cada fase de su carrera. Y nuevamente es curioso como esas sensaciones se emparentan con las de sus personajes, sobre todo los que ha escrito él, a los que ha incluido matices autobiográficos. Además, tenemos los comentarios de Quentin Tarantino, el propio Schwarzenegger y su compañera de reparto favorita, Thalia Shire. También es conveniente destacar que el documental está hecho con la aprobación de Sylvester Stallone y, por tanto, no es muy crítico con él. Por cierto, es conocida la razón de su característica expresión facial y que esta es producida por una parálisis, pero es impactante conocer la razón por la que la tiene. 7.

 

   Cuando eres niño es difícil separar al personaje del actor. Por tanto, para mí Christopher Reeve era Superman y punto. Vi tantas veces esa película que mis padres llegaron a preocuparse por mi obsesión por ella. Igual pensaban que me iba a poner una capa roja e intentar volar. No, yo sabía que el que podía volar era él, un tipo que se llamaba Clark Kent a veces y otras Superman, y que alguien me dijo que en realidad se llamaba Christopher Reeve. Y aunque con los años si aprendes a separarlos, esa imagen se te queda grabada. Por eso fue un shock verle en una silla de ruedas, sin poder moverse de cuello para abajo. No, al Hombre de Acero no podía pasarle eso. Sin embargo, nunca fue tan héroe como en ese momento, o más bien, en los diez años siguientes. A lo cual, veinte años después de su muerte, se hace un homenaje a su legado. Porque en esos diez años finales encarnó más que nunca lo que significaba esa S que un día llevó en el pecho, es decir, la que simbolizaba esperanza. A través de los testimonios de las personas más importantes de su familia y de actores y actrices como Glenn Close, Whoopi Goldberg, Susan Sarandon, Jeff Daniels y, sobre todo, su mejor amigo, Robin Williams, nos cuentan como fue esa lucha. Y tengo que decir que aunque he disfrutado con todo lo relativo a la película que le dio a la fama, no pensaba que el resto iba a ser tan duro, porque la historia es incluso más trágica de lo que la gente cree y no me da vergüenza reconocer que no he podido aguantar las lágrimas en varias ocasiones. Paradójicamente, lo he pasado muy mal, pero es necesario ver este documental. El de aquel que cuando le preguntaban que quien era, contestaba, un amigo. 8.

Escenas Míticas: Coches - Baby Driver

 

   No son carreras de coches, al menos no en circuitos profesionales, pero sí persecuciones por las calles de la ciudad, de la mano de un experto conductor “fichado” para fugas de robos de bancos. Una película que en su momento me pareció lo que a muchos les encanta decir, sobrevalorada, pero que vuelta a ver si reconozco que es muy divertida, como es marca de la casa de su director, Edgar Wright.

   Un proyecto ya anhelado por este cuando estaba rodando su desternillante Trilogía del Cornetto, entremedias de la cual estrenó la no menos loca “Scott Pilgrim contra el mundo”. Después vino la que hoy comentamos y tras ella cambió radicalmente de tercio con la, hasta la fecha, única película sin nada de comedia, de su filmografía, “Última noche en el Soho”. Este año estrenará el remake de la que aquí conocimos como “Perseguido”.

   Como habitualmente en el resto de su obra, Wright escribe y dirige, lo cual le da un sello personal a sus películas. Porque hay algo que no se puede negar y es que es un cineasta especial, con una puesta en escena muy atrevida, nada convencional. Y aunque esta sea su única película sin elementos fantásticos, se hace notar y mucho su mano.

   Aquí quiso plasmar su obsesión por la música en conjunción con la velocidad y los coches. Este aspecto es llevado al extremo porque si algo tiene de especial esta película es la compenetración de la música con las imágenes, llegando a planificar las coreografías de las persecuciones como auténticos números de baile. En ocasiones de forma tan descarada que hasta los disparos coinciden con golpes de sonido en las canciones.

   Porque la música de la película la componen una larguísima playlist de los más variado, con grupos como Blur, Run the Jewels, Sky Ferreira, Queen, Jon Spencer blues, Golda Earring o los Beach Boys, entre muchos otros. Al parecer consultó con James Gunn, que estaba preparando “Guardianes de la galaxia 2”, para que los títulos elegidos por uno y otro, no coincidieran.

   El propio título de la película hace referencia a una canción de Simon and Garfunkel. Y es que el gusto de Edgar Wright por la música viene de lejos. No en vano también ha dirigido varios videoclips, sean relacionado con sus películas, como “Black Sheep”, cantada por Brie Larsson, o no.

   Para el protagonista el elegido fue Ansel Elgort, que era conocido por la lacrimógena “Bajo la misma estrella” y la participación en la saga “Divergente”, curiosamente ambas junto a la actriz Shailene Woodley. Más tarde volvía a demostrar sus habilidades en el ámbito musical en el remake de “West side story” a las órdenes de Steven Spielberg. Al parecer Elgort se pasó todo el rodaje como su personaje, escuchando música de un Ipod.

   En el reparto le acompañaban varios nombres conocidos, como Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Eiza González, Jon Bernthal y Kevin Spacey. Fue cuando a este último se le acusó de abusos sexuales. Decidieron no sustituirlo y volver a rodar sus escenas, pero si le excluyeron de todos los actos y eventos de promoción de la película.

   Edgar Wright pasó bastante tiempo entrevistándose con criminales, especialmente ladrones de bancos. De lo cual concluyó que las persecuciones debían ser reales, rodadas por especialistas pero con efectos prácticos, no digitales. Además, le dio mucha importancia a los colores, como los del vestuario de los personajes, o como los de los diferentes iPods del protagonista, que representaban estados de ánimo o intenciones.

   Por cierto, el motivo de que el personaje principal lleve constantemente auriculares es porque padece tinnitus, es decir, un continuo zumbido en los oídos. La película fue un absoluto éxito, tanto de crítica como de público. Costó 34 millones de dólares y recaudó 226 en taquilla. Además fue nominada a los Oscars en las categorías de montaje, sonido y efectos sonoros.

Strange darling

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Strange Darling.
Dirección: J.T. Mollner.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 89 min.
Género: Thriller, intriga, terror.
Interpretación: Willa Fitzgerald, Kyle Gallner, Barbara Hershey, Ed Begley Jr., Steven Michael Quezada, Madisen Beaty, Bianca A. Santos, Denise Grayson, Sheri Foster, Duke Mollner, Eugenia Kuzmina, Giovanni Ribisi.
Guion: J.T. Mollner.
Producción: Bill Block, Roy Lee, Giovanni Ribisi.
Música: Craig Deleon.
Fotografía: Giovanni Ribisi.
Distribuidora: Miramax.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras una cita con un desconocido en un motel, una chica se ve envuelta en una persecución sin tregua. La cuestión es quien es más peligroso de los dos.

   LO MEJOR: Hablar de ella sin revelar aspectos importantes de la trama va a ser como sortear un campo de minas. Eso ya nos indica que por mucho que pueda parecer una propuesta bastante simple es distinta de otras. ¿Y qué es lo que parece? Pues el clásico enfrentamiento asesino-victima más cercano al survival que al thriller. Y si, efectivamente ofrece un juego del gato y el ratón, pero hay que tener en cuenta que aquí es bidireccional, y hasta aquí puedo leer porque topamos con una de esas minas. No obstante, sí que sería simple de no ser por como nos lo cuentan, por lo tanto, su montaje es de vital importancia. Porque en esta ocasión el orden de los factores si altera el producto. Está dividida en seis episodios pero no nos lo muestran de forma cronológica sino de modo muy estudiado para dar un sentido concreto a la historia. Ese aparente descolocado orden de los episodios hace que se revele la información con una clara intención que se entiende más adelante. Hay que advertir que esto requiere paciencia por parte del espectador, que estará bastante tiempo considerablemente perdido. De todos modos, a pesar de lo innovador de la narración, la película destila un aroma al cine de antes, incluso tiene cierto toque clásico con ese formato de 35 mm, muy común antaño y mayormente empleado para la fotografía. Por cierto, apartado en el que se hace cargo el actor Giovanni Ribisi, y muy acertadamente, hay que decir. No obstante, el tono tiene formas muy del cine independiente, qué es lo que es, pues solo ha costado cuatro millones de dólares.

   Interpretación: Willa Fitzgerald está impresionante. Es que no te esperas lo que es capaz de dar, y aquí es que se sale de la pantalla. Y no precisamente porque su compañero de reparto y coprotagonista esté mal, porque Kyle Gallner está perfecto. Por cierto, sale la veterana Barbara Hershey aunque no es que tenga una intervención muy relevante.

   Escenas (SPOILERS!!): La primera escena corresponde al episodio cuatro y nos presenta un asesino implacable en una persecución en coche a la chica, cuando se para en seco para dispararla con un gran rifle. Todo parece muy claro pero no lo es. Porque tras el intento de encuentro sexual entre ambos, que entendemos que es anterior porque corresponde al primero y segundo episodio, descubrimos el gran giro de la película, que es que en realidad ella es una asesina en serie conocida como la Dama Eléctrica. Lo confirmamos cuando mata brutalmente al anciano de la casa a la que va a pedir ayuda. Porque efectivamente él la persigue pero no porque sea el agresor, resulta que es policía. Al cual también logra matar y hacer parecer que ella era víctima de su violación. Aunque finalmente termina muriendo por la persona que menos esperas.

   LO PEOR: Me parece una tontería presentarla como una película basada en hechos reales y ese empeño inicial en el que espectador se decante rápidamente cuando hubiera sido mejor jugar con la ambigüedad. Hace que dé la impresión de ser tramposa.

   REFERENCIAS: Aunque la propuesta sea similar a thrillers como “Alone” o “Hush”, juega con los trucos narrativos de “Memento”.

   CONCLUSIÓN: 7. Un muy divertido juego de persecución, del gato y el ratón, donde el intencionadamente enrevesado montaje esconde sorpresas para un tenso show en el que Willa Fitzgerald acapara todos los focos.

Microcríticas Express: The studio/Las cuatro estaciones

 

   Me parece la nueva serie más divertida en lo que va de año y aspirante a quedar entre mis favoritas de este 2025. Porque aunque en apariencia pueda ser un producto ligero de comedia disparatada, en realidad es una parodia de lo más atinado, que realiza una sátira del funcionamiento de Hollywood a través de las situaciones que se les dan al jefe de un estudio de cine y a su equipo. Que literalmente cogen todos los tópicos que se pueden dar en la industria cinematográfica y se parten de ellos. Como decirle a un director famoso que tiene que recortar un montón de metraje, la búsqueda de un rollo de película desaparecido, una entrega de premios, los eventos de presentación de proyectos a estrenar, los rodajes (lo del plano secuencia es de troncharse), . . . En cada episodio tratan un tema distinto, que son nueve y de media hora, así que te puedes ver la serie en un par de golpes, como he hecho yo. También es verdad que el tema me encanta, esto del cine dentro del cine y tal. Por cierto, está rodada precisamente a base de planos secuencia encadenados y con un ritmo brutal. El casting encabezado por Seth Rogen, que además es cocreador, es maravilloso. Cada vez que aparecen Kathryn Hahn o Catherine O’Hara es una fiesta. Y no voy a mencionar todos los cameos que hay porque son muchísimos. Que también se ríen de eso, del truco del cameo, precisamente usándolo en la serie. Lo cual aprovechan para hacer otra parodia de las estrellas de Hollywood. Lo más gracioso es que por muy exagerado que parezca, estas situaciones se dan en el cine. Y me encanta como se ríen de ello. No todos los episodios funcionan igual de bien, los hay desternillantes y otros no tan brillantes, pero en general me he divertido bastante. 7’5.

   Es curioso que hayan hecho esta serie porque es el remake expandido de una película que es verdad que en los ochenta tuvo muy buena acogida tanto por la crítica como por el público pero que dudo que hoy mucha gente la conozca. De hecho, yo apenas la recordaba. Para poner un poco en situación, la película estaba escrita y dirigida por Alan Alda, que aquí realiza un cameo y además ejerce de productor, con un estilo muy parecido al de Woody Allen (el cual le dirigió en varios títulos). Así que al que no le guste el cine del cineasta neoyorquino, mejor que ni lo intente. La historia va de que tres parejas tienen como tradición pasar juntas un fin de semana de cada estación del año. Lo interesante es como van evolucionando esas relaciones de pareja a la vez que la amistad entre ellas, que tienen como detonante que una de ellas se va a separar, lo cual provoca situaciones en las otras. Es una historia de personajes y de diálogos. Si, se pasan la serie hablando. No pasa nada, se puede sobrevivir sin efectos especiales, de verdad. Se la podría considerar lo que se ha llamado dramedia, aunque diría que prevalece más el tono de comedia por encima del drama, aún habiendo momentos incluso de tragedia. Porque, aunque recoge los mejores highlights de la película (están todos), hay un cambio bastante importante y una diferencia crucial en como termina todo. Y sinceramente, me ha parecido muy acertado desde punto de vista dramático. El reparto está genial, empezando por una Tina Fey que además es la cocreadora de la serie, siguiendo por un Steve Carell, que se ha aficionado a los personajes poco agradecidos, y terminando con Colman Domingo. No sé si lo harán pero si quisieran podrían hacer segunda temporada. 7.

Escenas Míticas: Coches - Rush

 

   Ya decía que la excusa para ampliar el ciclo de coches y velocidad era el estreno de “F1”, con Joseph Kosinski como director y Brad Pitt como protagonista. Y es que si echamos la vista atrás, y ya es extraño, qué pocas películas se han hecho sobre la Fórmula 1. A bote pronto solo recuerdo aquella de “Grand Prix”, de John Frankenheimer. Más allá de eso, este tema se ha dedicado casi exclusivamente en el campo de los documentales.

   Por eso esta película fue un regalo para los que somos aficionados a este deporte, que prácticamente no hemos tenido la oportunidad de ver títulos relacionados con él. Y no será porque no haya momentos emocionantes de la historia que se pueden llevar a la pantalla. Recientemente hemos podido comprobarlo con la serie de Netflix, “Senna”, aunque tampoco haya tenido una gran repercusión.

   En “Rush” se recoge una de esas grandes historias que tiene este deporte, que fue la rivalidad entre los pilotos James Hunt y Niki Lauda, concentrándose en el año 1976, donde, como ya señala nada más empezar la película con voz en off, ocurrió uno de los accidentes que más se recuerdan en la Fórmula 1, precisamente el de Lauda.

   Una rivalidad que en la película está exagerada por aquello de aumentar el dramatismo y el morbo en la historia pero que en la realidad no fue tan agresiva. De hecho, se dice que eran incluso amigos. Es más, cuando murió James Hunt, al parecer, Niki Lauda quedó profundamente afectado y afirmó que el piloto inglés era el que más había respetado en toda su carrera deportiva.

   Respecto al accidente, los detalles que se muestran en la película tienen bastante fidelidad a los hechos reales, aunque se pase de puntillas en cuanto a la labor de los pilotos que pararon a socorrer a Lauda. Por cierto, la hazaña del piloto austriaco fue incluso mayor en la realidad pues, a pesar de la gravedad del accidente, volvió a subirse a un monoplaza pocas semanas después con varias costillas rotas, los pulmones afectados y sin todavía poder cerrar los párpados.

   Para darle vida se escogió a Daniel Bruhl, que trabajó el personaje estrechamente con el verdadero Niki Lauda, hasta el punto que tras la película alabó la interpretación de Bruhl, afirmando que se veía a si mismo en la labor del actor en pantalla. Para el papel de James Hunt se eligió a Chris Hemsworth, que tuvo que adelgazar pues venía de interpretar a Thor.

   Ambos tuvieron que entrenarse la conducción, aunque las escenas de riesgo las hicieron especialistas. Pero se renunció a tirar de efectos visuales digitales, por lo que la mayor parte de las escenas de las carreras se realizaron en coches reales. Pero no los auténticos, que eran muy difíciles de conseguir. Se usaron réplicas casi exactas a los que incorporaron cámaras para dar más realismo a las secuencias de velocidad.

   Para lo cual también llegó a rodarse en circuitos reales, como el de Nurburgring, circuito vital para la historia pues fue donde Niki Lauda tuvo el accidente. Aunque la mayor parte de las escenas de velocidad se rodaron en un antiguo aeródromo de la Segunda Guerra Mundial. Lo cual no se nota en absoluto en pantalla.

   Tras la cámara estaba Ron Howard. Un muy buen director pero que en su carrera ha alternado películas más de encargo con otras de más personalidad. De hecho, venía de hacer dos adaptaciones de novelas de Dan Brown, “El código DaVinci” y “Ángeles y demonios”, a las que más tarde añadiría “Inferno”, completando la trilogía. Pero con “Rush” recordó a su mejor nivel.

   Lo que reportó muy buenas críticas a la película y actualmente, aunque solo hayan pasado trece años de su estreno, se la puede considerar una de las mejores películas de carreras de coches. Al público también le gustó y con el tiempo más. Costó 38 millones de dólares y reportó 90 en taquilla. Habrá que ver qué tal es “F1”, del dúo Kosinski-Pitt.

Ballerina

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Ballerina.
Dirección: Len Wiseman.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 125 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Ana De Armas, Anjelica Huston, Ian McShane, Lance Reddick, Norman Reedus, Lorenza Izzo, Catalina Sandino Moreno, David Castañeda, Sharon Duncan-Brewster, Gabriel Byrne, Keanu Reeves.
Guion: Shay Hatten. Personajes: Derek Kolstad.
Producción: Basil Iwanyk, Chad Stahelski.
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard.
Fotografía: Romain Lacourbas.
Distribuidora: Lionsgate.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Eve Macarro ha practicado la danza desde niña, pero a la vez ha sido entrenada como asesina al servicio de la organización Ruska Roma. Pero ella pretende utilizar sus habilidades para vengarse por la muerte de su padre.

   LO MEJOR: Sabiendo que es un spin off y, por tanto, un apéndice de la saga de “John Wick”, la duda estaba en sí estaba a la altura del resto o si, por el contrario, es un subproducto que únicamente exprime la fama de una franquicia que ya está situada en el Olimpo del género de acción. Y la respuesta es que aunque no supera a ninguna de las entregas de la saga (que también es verdad que era difícil pues el listón estaba muy alto), si se acerca al nivel y me parece una película muy disfrutable. Yo lo he hecho, al menos. Ahora bien, aquí hay que considerar un parámetro importante. En principio, la elección de Len Wiseman, director de las dos primeras películas de la saga “Underworld”, no me parecía mala, pero me suscitaba dudas pues desde “La Jungla 4.0” y el no muy acertado remake de “Desafío total”, no había hecho más que dirigir televisión. No obstante, estaba Chad Staheski (responsable de todas las  entregas de la franquicia troncal), de productor y eso era un seguro. Y esa es la cuestión, se nota que Stahelski ha metido mucha mano en la película. Porque estilísticamente es muy hija de la saga, tanto en fotografía, escenarios o música. Pero es que o bien Wiseman ha clonado a Stahelski, o en su defecto, a David Leitch, o directamente las mejores secuencias de acción las ha hecho el primero. Porque que bien están rodadas, especialmente las de su tercer acto, que es un caramelo visual, con unas coreografías impresionantes. Que bien se ve la acción, con la cámara siempre situada la distancia idónea y moviéndose lo justo, lejos del nerviosismo del cine de acción actual. Así que, si, no mejora a lo visto anteriormente pero juega en esa liga.

   Interpretación: Que poco le hace falta a Ana de Armas para comerse la pantalla. Para colmo, en cuanto a las escenas de acción, si ya había apuntado maneras en su breve participación en la bondiana “Sin tiempo para morir”, aquí lo ha confirmado con creces. Y ojo al esfuerzo físico que ha derrochado. A ver, no es Tom Cruise pero se lo curra. Por otro lado, la aportación de Keanu Reeves no se limita solo a un cameo y eso se agradece, siempre sin quitarle el foco a Ana de Armas. De hecho, es mayor que la de Norman Reedus. Por lo demás, Gabriel Byrne cumple, como siempre, como villano, y es la última aparición del tristemente desaparecido Lance Remick.
 

   Escenas (SPOILERS!!): Una de las características que tienen las películas de esta saga es que ves secuencias de acción que no ves en otras películas actuales. Que además tienen en cierto regusto al cine de acción de antes. Escenas como la de la discoteca, las explosiones de las granadas, los patines de hielo o los lanzallamas, y en general, toda la parte desarrollada en el pueblo, lo confirman. Y si, puede que la participación de John Wick rompa un poco su timeline en la saga, pero es verdad que era muy difícil resistirse.

   LO PEOR: Hay cierta irregularidad en la dirección y creo, sin tener confirmación de que así sea y, por tanto, puedo estar equivocado, que es porque mayoritariamente es Len Wiseman quién está tras la cámara pero en sus mejores momentos es Chad Stahelski. Y bueno, el guion, aunque efectivo, sustenta una historia bastante básica e incluso tópica, lo que la hace previsible.

   REFERENCIAS: Pues ya sabemos que pertenece al universo de “John Wick”, y creo que perfectamente podría tener su propia secuela. Por mencionar una referencia fuera de esta saga, tiene cosas de "Atómica”.

   CONCLUSIÓN: 7. Es un digno apéndice de la saga de la que procede, cumpliendo con todos los rasgos identificativos de ella, y con una entregada Ana de Armas que demuestra que lo que mostró junto a James Bond, no era casualidad.

Música de Película: Speed

 

   Hoy nadie le recordará pero en los noventa, Mark Mancina era un compositor al que solicitaban principalmente para hacer la banda sonora de películas de acción, como "Dos policías rebeldes", "Twister" o "Con air". Pero la mejor probablemente fue la de "Speed".

Tema: Main theme.

Película: Speed.

Intérprete o compositor: Mark Mancina.

El cuento de la criada

 

   Posiblemente, June Osborne sea el mayor icono de empoderamiento femenino que haya dado la televisión, pues en la serie lo han llevado mucho más allá de lo que era en la novela de Margaret Atwood, cuya adaptación solo correspondía a la primera temporada. En las otras cinco los guionistas han volado solos haciendo algo más grande. Y aunque considero que se podría haber hecho con bastantes menos de sus 66 episodios, es verdad que ha tenido un muy digno final en aspectos de los que ha hecho gala en toda la serie; la épica, la tragedia y el drama.

   BENDITO SEA EL FRUTO

   Aunque no siempre estuve cómodo en este barco, del que confieso que estuve a punto de bajarme en un par de ocasiones. A veces parecía que la historia iba en círculos, sin querer evolucionar narrativa y argumentalmente, como alargándose deliberadamente. Y eso teniendo en cuenta lo difícil que era de ver, cayendo demasiado en lo que podría considerarse pornografía del sufrimiento. Demasiadas mutilaciones, violaciones y ejecuciones podían suponer una tortura para el espectador, que necesita alguna retribución anímica a tantos hechos negativos. Es verdad que cuando esta se daba, era muy contundente pero se producía muy de vez en cuando.

   EL SEÑOR PERMITA QUE MADURE

   No obstante, no es menos cierto que ese mismo aspecto apoyaba más todavía la potencia del mensaje, la fuerza de la historia, concebida no para disfrutarla sino para sufrirla. Tomando el riesgo de que hubiera quien no la aguantara. El espectador debía pasarlo tan mal como los personajes, frustrándose con los fallidos rescates y huidas, indignándose con las injusticias y así empatizando con su protagonista hasta elevarla como un símbolo de la rebelión, la libertad y del feminismo. Y también como mártir. Curiosamente, me he tirado toda la serie blasfemando.

   CON SU MIRADA

   Una distopía que da miedo de verdad, más cuando actualmente vemos como surgen líderes de movimientos cada vez más extremistas. Inicialmente me parecía que el argumento era imposible que pasara en la realidad. Que el resto del planeta no permitiría que un país del primer mundo cayera en una dictadura religiosa convirtiendo a sus exiliados en refugiados de países a los que hoy se consideran inferiores. Pero que tontería, si estamos viendo actualmente genocidios ante los cuales la mayoría de los países están mirando hacia otro lado. Si las prácticas ficticias a las mujeres en Gilead, son reales desde hace mucho tiempo en muchos lugares y nadie hace nada.

   ALABADO SEA

   No sólo ha vivido de un mensaje la serie. Tiene aspectos tan destacados como su apabullante fotografía, llena de simbología en sus colores. De interpretaciones magníficas, con una implicación total de su protagonista, Elisabeth Moss, que ha ido más allá de su actuación, en el que es sin duda el personaje de su vida, v que le ha proporcionado numerosos premios pero también cierto encasillamiento (papel similar en “El hombre invisible”), que ha ejercido también en la producción y la dirección de muchos episodios. Aunque su arco se ha visto enriquecido por la interacción con el personaje de Serena y la interpretación maravillosa de Yvonne Strahovski. Ambos han sido el corazón de la historia. Alabadas sean.

Escenas Míticas: Coches - Speed

 

  Es verdad que no hay carreras, es más, ni siquiera es primordialmente de coches. Pero si de un autobús al que le está prohibido circular despacio o de lo contrario explotará. Por tanto, toda la película está fundamentada en la velocidad que indica el título y que en España llevaba la coletilla de “Velocidad máxima”, muy ocurrente. Lo extraño es que no utilizaron sus adjetivos favoritos en estos casos, es decir, “letal, mortal o final”.

   Lo cierto es que se convirtió en una de las películas más populares de los noventa y una de las mejores del género de acción, que incluso convenció a la crítica que, a pesar de lo inverosímil de la historia (un autobús a dos ruedas en las curvas y saltando puentes), se rindieron a su efectividad como entretenimiento trepidante y adrenalítico.

   Lo que supuso una gran rentabilidad económica, pues es de esas películas que parece que tienen un presupuesto mayor de lo que realmente es. Porque, en realidad, es bastante ajustado, 30 millones de dólares, recaudando 350 en taquilla. Y además, tuvo tres nominaciones a los Oscars, consiguiendo dos de ellas, sonido y efecto sonoros.

   Ya pintaba bien en los pases de prueba, los test screen, donde observaron que la gente que se levantaba para ir al baño, lo hacía andando hacia atrás para perderse lo mínimo posible y volvían corriendo. No en vano, en su momento, personalmente la consideré una de las películas más entretenidas que había visto. Y hoy en día, volviendo a revisionarla, sigo pensando que es bastante mejor que muchas de las películas de acción de este tipo que se hacen actualmente y con más medios.

   La idea inicial iba a ser con un tren desbocado pero se desechó en favor del autobús, que daba más juego en cuanto a las situaciones de riesgo que podían ofrecer. En esas decisiones de guion tuvo mucho que ver, aunque no esté acreditado, Joss Whedon, quien además aportó muchos de los diálogos a la película. Curiosamente, años después, Tony Scott llevó a la pantalla una película (la última de su carrera), con un tren, “Imparable”, en esa misma situación.

   No obstante, a los productores les parecía que desarrollar toda la historia en un autobús, sería demasiado claustrofóbico. Es por eso que decidieron añadir otros escenarios, iniciando la película en el ascensor de un rascacielos y acabando en el metro. El autobús sería el protagonista en la parte central de la historia.

   Para la dirección se pensó en nombres como Renny Harlin, John McTiernan o, sorprendentemente, Quentin Tarantino. Más sorprendentemente todavía se eligió a Jan de Bont, que hasta entonces solo había sido director de fotografía, por ejemplo, de “La caza del Octubre Rojo” o “Instinto básico” entre otras, y que debutaría con esta. Después vendría el también éxito de “Twister”. Pero posteriormente no le iría tan bien con títulos como “Speed 2”, “La guarida” o “Tomb Ryder, la cuna de la vida”.

   Hay que ver lo que le ha dado Keanu Reeves al cine de acción. Antes incluso de protagonizar dos sagas de las más importantes en este género como son las de “Matrix” o “John Wick”, había hecho películas como “Le llaman Bodhi” o “Speed”. Sin embargo no fue la primera opción para esta. Formó parte de una larga lista con nombres del calibre de George Clooney, Tom Cruise, Bruce Willis o Michael Keaton.

   Finalmente fue para Reeves, aunque inicialmente lo rechazara por parecerse demasiado a "La jungla de cristal". Para la coprotagonista femenina también se manejó una larga lista de con nombres como Halle Berry, Demi Moore, Cameron Díaz, Michelle Pfeiffer o Jodie Foster, entre muchos más. Pero fue para Sandra Bullock, que venía de hacer "Demolition man"

   Su elección terminó de lanzarla como estrella. Por cierto, tuvo que aprender a conducir autobuses, para lo cual se sacó el carnet a la primera. Aunque la mayoría de las veces no conducía ella en la película. Pues se utilizaron hasta diez autobuses, con dos volantes, uno de ellos sobre el techo, llevado por un especialista en escenas de riesgo. Ella fue la única que repitió en la secuela, “Speed 2”, pues a Keanu Reeves no le convenció el guion.

   Lo cual llevó a sustituirlo por Jason Patric, y el villano fue Willem Dafoe. Pero el resultado final fue muy inferior a la primera. Para la cual se manejaron actores como Jack Nicholson o Robert de Niro como villano, recayendo definitivamente en Dennis Hopper. Jack Daniels también formó parte del reparto.

Cuckoo

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Cuckoo.
Dirección: Tilman Singer.
País: Alemania.
Año: 2024.
Duración: 97 min.
Género: Terror, intriga, thriller.
Interpretación: Hunter Schafer, Jessica Henwick, Dan Stevens, Marton Csokas, Astrid Bergès-Frisbey, Mila Lieu, Greta Fernández, Proschat Madani, Sydney LaFaire, Kalin Morrow, Jan Bluthardt, Lesley Jennifer Higl, Konrad Singer.
Guion: Tilman Singer.
Producción: Markus Halberschmidt, Ken Kao.
Música: Simon Waskow.
Fotografía: Paul Faltz.
Distribuidora: Neon.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una chica viaja con su padres a los Alpes alemanes. Desde el primer momento, empieza a notar cosas extrañas, desde ruidos que no se sabe de donde provienen hasta una figura que parece perseguirla.

   LO MEJOR: Cuando una película divide tanto a la crítica como al público, cuando es tan polarizadora, a mí eso ya me supone un atractivo de por sí. Por esa curiosidad por saber que tendrá esa película para que a unos les guste mucho y a otros les parezca tan mala. Y viéndola entiendo esa división de opiniones pero me decanto por los que les ha gustado, que no encantado. Es cierto que es una propuesta muy rara tanto en su argumento como en su ejecución. Si, es una película extraña, que juega muy claramente en el terreno de la serie B (lo cual me mola mucho) y que tiene unos giros muy locos. De hecho, varias veces toma direcciones sumamente disparatadas. Pero si compras todo el lote, con sus aspectos positivos y negativos, si aceptas esa locura, puede llegar a resultar muy divertida. De hecho, es en sus excesos donde la he disfrutado más. Porque más allá de que tenga momentos bastante hilarantes, o quizá precisamente por ello, me lo he pasado bien. Me ha gustado ese toque de tono fantástico mezclado con la ciencia ficción pero todo en el marco del género de terror, que incluso toca el body horror. En definitiva, una película arriesgada y valiente, y eso ya debería suponer un interés per se, que hará las delicias de algunos y los horrores de otros.

   Interpretación: Tenía ganas de ver a Hunter Schafer, tras conocerla en la serie “Euphoria”, en una película y no como una secundaria poco importante. Y aquí ha demostrado que es perfectamente capaz de echarse la película a sus espaldas, con un personaje muy peculiar, con ciertas conexiones con el de esa serie pero finalmente muy diferente. Hollywood den papeles a esta actriz. Pero es que además, hay otros actores que resultarán conocidos, como Dan Stevens, Jessica Henwick, Astrid Berges-Frisbey o Martin Csokas.

   Escenas (SPOILERS!!): Hay varios aspectos a explicar más que destacar escenas. Básicamente se está haciendo un experimento en el que un ser mitológico lleva el mismo comportamiento de un cuco, una vez que deja sus huevos en nidos de otras especies pero al tiempo vuelve a recogerlos. Bien, la hermanastra de la protagonista, Gretchen (Schafer) es uno de esos huevos. Y puede que ella también. Eso explicaría algunas situaciones. Como cuando ella ve como hay acciones que se repiten varias veces. Es como que cuando ese ser grita, es como cuando el cuco llama a sus crías, produce una alteración sensorial en ellos. El hecho de que Gretchen decide salvar a su hermana, a pesar de repudiarla inicialmente, aceptando lo que es, tiene que ver con ese mensaje en el contestador que deja la niña donde desea que a Gretchen le den cariño. Y de paso ya descubrimos que su madre ha fallecido.

   LO PEOR: Pero si no entras en su juego, no solo es que te pueda parecer hasta ridícula, es que muchos la juzgarán como una tomadura de pelo. Y es cierto que el guion tiene algunos saltos de fe difíciles de justificar. Es uno de esos ejemplos perfectos en los que hay que advertir que no es para todo el mundo.

   REFERENCIAS: Tiene un punto John Carpenter y mucho más de David Cronenberg. Tiene un aire, no en argumento pero sí en esa locura que tenía la película de James Wan, “Maligno”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Disparatada mezcla de géneros con aroma de serie B que solo te gustará si compras su locura, si no, será radicalmente lo contrario. Hunter Shafer demuestra que es capaz de hacer cuando es la protagonista.

Música de Película: Misión Imposible, Sentencia Final

 

   Lorne Balfe, quien reconoce a Hans Zimmer como mentor, comenzó componiendo bandas sonoras para videojuegos y en el campo del cine se ha especializado en poner la música de películas de acción (la de "Viuda Negra" es una de mis favoritas). Ya había compuesto la de las dos entregas anteriores de la saga de "Misión Imposible". Y aquí también comenzó a hacerlo, aunque abandonó la producción y el trabajo que realizó como base fue terminado por Max Aruj y Alfie Godfrey.

Tema: This is my mission.

Película: Misión Imposible, Sentencia final.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey.

Tema: The Sevastopol.

Película: Misión Imposible, Sentencia final.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey.

Tema: I´ll be waiting.

Película: Misión Imposible, Sentencia final.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey.