Escenas Míticas: Coches - Mad Max 2, el guerrero de la carretera

 

   Cómo no iba a estar una de las películas de una de las sagas más icónicas del cine de coches en este ciclo. Considerada por la crítica incluso mejor que su predecesora, que ya fue sobradamente alabada por el periodismo cinematográfico. Es más, se la consideraba la mejor entrega de dicha saga, al menos hasta la llegada de “Mad Max, Furia en la carretera”, que ya sabemos que se llevó un buen saco de nominaciones en los Oscars.

   Esta se llevó el Premio Saturn (ciencia-ficción, fantástico y terror) a la mejor película. Y es la favorita del propio Mel Gibson y del director, George Miller. Personalmente no estoy de acuerdo con ellos. Para mí la mejor es la primera, que presentaba a la perfección un mundo ultraviolento y donde sus escenas de coches eran literalmente brutales.

   Lo cual no quiere decir en absoluto que no valore esta secuela pues es evidente que cuenta con muchos aciertos. Uno de ellos es no ofrecer exactamente lo mismo que la primera. Si aquella nos mostraba una sociedad al borde del colapso, aquí nos muestra un mundo ya fracturado, donde la civilización ya no existe, situado en un período postapocalíptico.

   Apocalipsis que temporalmente estaba al final de la década de los noventa, por cierto. Además, instauró un estilo muy característico que creó una corriente de películas imitadoras concretamente de esta segunda película de la saga, lo que se llamó el punk apocalíptico. Un buen ejemplo es su diseño de vestuario, el que se compuso tomando elementos del fútbol americano (hombreras), prendas de tiendas eróticas y ropa sacada directamente de la basura.

   El artífice de todo ello fue un cineasta sumamente peculiar. Realizador de las cuatro entregas de esta saga, compuestas por “Mad Max, salvajes de autopista”, “Mad Max, el guerrero de la carretera”, “Mad Max, más allá de la cúpula del Trueno”(infravalorada) y la mencionada “Mad Max, Furia en la carretera”.

   Sin embargo, George Miller para nada se ha cerrado a tocar otros géneros. De hecho, ha dirigido títulos tan dispares como “Las brujas de Eastwick”, “ Babe, el cerdito valiente” (y secuela), “El aceite de la vida” o “Happy Feet” (animación). Lo curioso es que Miller tuvo que elegir entre dirigir la secuela de una franquicia iniciada por él mismo y ponerse tras las cámaras para dirigir a Sylvester Stallone en “Acorralado”.

   Finalmente terminó llevándola a cabo magníficamente Ted Kotcheff, pero habría sido interesante ver como le hubiera salido a George Miller. Que se decantó por “Mad Max 2”, tras lo cual Steven Spielberg le eligió para que tomara parte en su serie “En los límites de la realidad”, concretamente en el episodio “Pesadilla a 20000 pies”, y uno de los mejores a la postre. Después, tenía pensado realizar una versión de la novela “El señor de las Moscas”, pero lo que allí pensaba aplicar lo hizo finalmente para “Mad Max 3”.

   En el reparto, como no, repetía Mel Gibson como Max Rockatansky, a los mandos de uno de los coches míticos del cine, el Interceptor (que era un Ford Falcon modificado) y que sólo contó con dieciséis líneas de diálogo. Poco más reconocible para el público. Quizá Michael Preston para los amantes de la serie B o la atractivísima Virginia Hey.

   Por cierto, el lugar elegido para el rodaje se hizo específicamente pensando en que no llovía prácticamente nunca. Sin embargo, llovió durante cuatro días seguidos, lo que supuso una semana de retraso. La película de todos modos solo costó 3 millones de dólares y recaudó 36 en taquilla, por lo que fue un éxito. Además, fue la inspiración para videojuegos como “Fallout” o “The Fall”.

Irati

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Irati.
Dirección: Paul Urkijo Alijo.
País: España.
Año: 2022.
Duración: 111 min.
Género: Fantástico, aventuras.
Interpretación: Eneko Sagardoy, Edurne Azkarate, Itziar Ituño, Iñigo Aranbarri, Nagore Aramburu, Elena Úriz, Iñaki Beraetxe, Ramón Agirre, Kepa Errasti.
Guion: Paul Urkijo Alijo.
Producción: Iñaki Burutxaga, Joanjo Landa, Paul Urkijo Alijo.
Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja.
Fotografía: Gorka Gómez Andreu.
Distribuidora: Filmax.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Ante la invasión del ejército de Carlomagno, el líder del Valle, en los Pirineos, realiza un pacto con una bruja para que le ayude a derrotarlos. Su promesa deberá ser cumplida por su hijo.

   LO MEJOR: Que sorpresa ver una película española, ya no digo de esta calidad porque en el cine español está habiendo, sobre todo últimamente, muy buenos títulos, sino de un género que es prácticamente inédito dentro de nuestras fronteras, que no es otro que la fantasía épica. Se lo debemos a un director, que no solo en su película anterior, “Errementari”, en su trayectoria previa en el formato de corto mostraba Paul Urkijo Alijo un claro interés por el género fantástico, más en concreto por el folklore, y más en concreto todavía por el folklore vasco. De hecho, la película originalmente está rodada en vasco. El director nos cuenta la historia como si nos narrara un cuento o una fábula, encontrándonos con criaturas mitológicas, magia, caballeros, brujas, tesoros y toda clase de elementos sobrenaturales. Aunque el verdadero trasfondo de la película es la religión, el enfrentamiento entre el cristianismo y las creencias paganas. Pero es que además, la factura es impecable, técnicamente es difícil de ver una película española de este nivel. La fotografía es una auténtica maravilla. Casi se podría decir que se ha buscado la perfección en cada plano, en cada encuadre. Es una película visualmente bellísima. Para colmo, los efectos especiales son sorprendentemente eficaces. Estamos hablando de una película que ha costado poco más de cuatro millones de euros y viéndola parece que hubiesen tenido un cero más, es decir, cuarenta.

   Interpretación: El peso de la película recae sobre sus dos protagonistas y ambos están muy bien. Eneko Sagordoy puede parecer inicialmente el principal y está más que correcto en su papel. Pero la verdadera estrella es la que encarna al personaje que da título a la película, Irati, interpretada excepcionalmente por Edurne Azkarate. Como curiosidad, Karlos Arguiñano tiene un pequeño papel pero no nos ofrece ninguna receta.

   Escena (SPOILERS!!): El prólogo de la película ya nos muestra lo que es una especie de pacto con el diablo. Ya nos indica cuál va a ser el tono. Que da paso a una batalla muy digna. No vamos a compararla con lo que podemos ver al otro lado del charco con presupuestos, diez o veinte veces mayores, pero ojo al plano secuencia en prácticamente sombras. Y tenemos escenas tan poco habituales de ver un nuestro cine como la del ataque del gigante a los intrusos en la cueva o cuando Irati es elevada al centro de la tormenta a lomos de un macho cabrío. O más claramente la explosión final de magia y fuego. En cuanto al epílogo, tiene un resultado simbólico, Eneko en las puertas de su muerte, ya en la vejez, vuelva los brazos de Irati, a lo pagano.

   LO PEOR: Hoy en día cuando una película no tiene un ritmo endiablado hay mucho impaciente que la cataloga de lenta. Sin embargo, considero que, aunque de forma pausada, no dejan de pasar cosas durante la narración y ese ritmo contribuye a conservar el tono poético. Así que, un poco de paciencia.

   REFERENCIAS: Parte de la novela gráfica de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa, “El ciclo de Irati”. Cinematográficamente podría considerarse nuestro “Excalibur”, aunque estaría más cerca de “El Caballero Verde” o “El hombre del norte”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Toca un género tan poco habitual en el cine español como la fantasía épica, con una película visualmente bellísima, con una factura impecable, mientras se debate entre el cristianismo y lo pagano.

Música de Película: Death Proof

   En el cine de Quentin Tarantino, prácticamente un personaje más son sus selecciones musicales. Y creo que en esta película juega un papel incluso más importante porque aunque se desarrolle en un momento temporal más o menos actual, el director pretende trasladarnos a las décadas de los sesenta y setenta a través de los temas musicales que escuchamos en cada escena de cierta trascendencia del film.

Tema: Funky fanfare.

Película: Death Proof.

Intérprete o compositor: Keith Mansfield.

Tema: Dawn in Mexico.

Película: Death Proof.

Intérprete o compositor: The Coasters.

Tema: Hold tigh.

Película: Death Proof.

Intérprete o compositor: Dave Dee, Dozy, Beacky, Mick & Tich.

Tema: It’s so easy.

Película: Death Proof.

Intérprete o compositor: Willy DeVille.

Tema: Chick habit.

Película: Death Proof.

Intérprete o compositor: April March.

Escenas Míticas: Coches - Death Proof

 

   Después de haberla mencionado varias veces en los artículos anteriores de este ciclo, precisamente por estar influida por varios de los títulos que ya hemos visto, a los cuales, de una forma o de otra, guiña su autor, Quentin Tarantino, llega ya no la peor, porque para eso hay que tener una película mala y este cineasta no la tiene, pero sí la que yo he catalogado siempre como menos buena de su filmografía, lo que ya indica hasta dónde está el listón del director.

   Hasta el punto de que llegué a decir que en esa pugna de las dos películas que formaban el combo “Grindhouse”, formado por esta y “Planet Terror”, era la única vez que Robert Rodríguez le ganaba la partida a su colega Tarantino. Bien, pues hoy me retracto de dicha afirmación. Volver a ver “Death Proof” me ha encantado, me lo he pasado como un indio, considero que hay más cine en media hora de esta película que en todo “Planet Terror”, por muy divertida que me parezca.

   Porque en ese pack de “Grindhouse”, que hacía referencia a las dobles sesiones que se programaban antes en los cines, y así es como pensaba estrenarse, en un programa doble, Rodríguez y Tarantino querían homenajear un cine que a ambos siempre les gustó el de serie B, casi Z, en su vertiente explotaition de los años sesenta y sesenta.

   Para ello, ambos directores incluían defectos en la imagen y en el sonido, totalmente de forma consciente y voluntaria, para darle un aspecto retro a sus películas. Incluso pretendían dirigirlas de forma digamos más vulgar, más como en aquella época y en esa clase de cine. Es lo único que podemos achacarle a Tarantino, que no le sale dirigir mal ni aún proponiéndoselo.

   También se le podría decir que quizá debería haber dejado su primera versión, más corta, pero cuando se decidió que la película fuera estrenada de forma individual, el director recupero metraje descartado para añadirlo a una película que inicialmente iba a rodar la hora y media de duración, exactamente lo mismo que “Planet Terror” cuando iban a estrenar juntas.

   Como siempre, Tarantino tomó referencias de aquí y allá para hacer diversos homenajes. Por un lado al slasher, qué es lo que es el protagonista, solo que no mata con un cuchillo, un hacha o una motosierra, si no con un coche. La cicatriz en la cara es un homenaje a la del personaje de John Carpenter interpretado por el propio Kurt Russell en “1997, Rescate en Nueva York”, Snake Plissken. Y por otro, el más evidente, a las películas de coches.

   Para ello tira de varios, cómo se denominan en Estados Unidos, “muscle cars”. No salen tanto como parece, el tiempo en pantalla será de poco más de media hora, el resto, como es habitual en su cine, son más bien diálogos. No obstante, se da el gusto de enfrentar en pantalla dos coches míticos del cine, el Dodge Challenger (el de “Punto límite cero”) y el Dodge Charger (el de “La indecente Merry y Larry el Loco”). En la película referencian directamente esos títulos. Los otros coches son un Chevy Nova SS de 1970, que ya salía en “Pulp Fiction” y un Ford Mustang de 1972.

   Para el papel de Kurt Russell había una lista interesante formada por Mickey Rourke, Sylvester Stallone, Bruce Willis, Willem Dafoe o Ron Perlman. Fue para Russell, a quien acompañaron Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Mary Elizabeth Winstead o Jordan Ladd (nieta del célebre actor Alan Ladd e hija de uno de “Los Ángeles de Charlie”, Cheryl Ladd). Rose McGowan repetía aquí y en “Planet Terror”, donde era la protagonista, al igual que Michael Parks (un actor que repite el personaje en ambas, además de en “Kill Bill” y “Abierto hasta el amanecer”) y Marley Shelton, con los mismos personajes de la otra.

   Muchas mujeres en el reparto, algo que a Tarantino se le ha echado en cara en otras películas, los repartos muy masculinos. Por cierto, aquí lleva su fetichismo por los pies femeninos a su máxima expresión. Pero si hay una figura que realmente quería homenajear el cineasta es la del especialista de cine. Al menos tres personajes del film lo son. Uno de ellos lo es de verdad. Zoe Bell, que se interpreta a si misma y que, como no podía ser de otra manera, rodó sus propias escenas de riesgo, que son las más peligrosas. 

      Anteriormente fue la doble de Uma Thurman en "Kill Bill", película a la cual también se guiña (cierta melodía de móvil), al igual que a "Reservoir Dogs" y "Pulp Fiction". La película tuvo críticas mezcladas y en taquilla salió comida por servida. Costó 30 millones de dólares y recaudó 31.

TÁR

 

   FICHA TÉCNICA

Título: TÁR.
Dirección: Todd Field.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 158 min.
Género: Drama.
Interpretación: Cate Blanchett, Nina Hoss, Noémie Merlant, Sophie Kauer, Mark Strong, Julian Glover, Vincent Riotta, Sydney Lemmon, Vivian Full, Lucie Pohl, Allan Corduner, Murali Perumal.
Guion: Todd Field.
Producción: Todd Field, Alexandra Milchan, Scott Lambert.
Música: Hildur Guðnadóttir.
Fotografía: Florian Hoffmeister.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Lydia Tar es una de las compositoras y directoras de orquesta más importantes del mundo. Cuando se dispone a poner la guinda profesional a su carrera, varios aspectos de su vida personal interfieren en su legado en la música.

   LO MEJOR: Uno de los títulos que optó a varios de los Oscars gordos de la última edición, como dirección, guion y película, sin embargo se fue de vacío. Ni siquiera se llevó el de mejor actriz, pero de eso hablaremos más tarde. Vista la película a posteriori he podido confirmar que todas esas nominaciones eran merecidas e incluso podría haberse llevado alguna estatuilla a casa. Una película que a priori podría parecer que sería una exaltación de la mujer empoderada, si acaso haciéndolo extensivo a la muestra de las excentricidades de los genios. Metidos en materia podemos pensar que es una película de denuncia de los abusos de poder de ciertas personalidades famosas y el acoso sexual al que someten a sus subordinados, jugando en el terreno del Metoo pero con una mujer esta vez como depredadora. Incluso se hace cierta broma al principio sobre la inclusión y el género de algunas palabras. Como resultado podría ser un retrato de la sociedad moderna. Todos esos temas están ahí y esos elementos juegan un papel en la historia. Pero de lo que realmente habla, y no podía estar más de actualidad, es de la cultura de la cancelación. Y nos hace la pregunta de si debemos separar el artista de la persona aunque esta pueda ser un monstruo. Es decir,¿Rebaja la calidad de una obra que su autor sea un ser despreciable? Para ello nos embarca en la destrucción y caída de su protagonista, toda vez que la elegante narración de Todd Field está impregnada de sutileza y ambigüedad pues de los “pecados” de Lydia Tar tenemos indicios pero no pruebas.

   Interpretación: Entiendo que le dieran el premio a Michelle Yeoh y lo que pretendían con ello. Incluso en parte lo comparto. Pero si juzgamos estrictamente en cuanto a la interpretación, que es lo que debería ser, el Oscar debería haber sido para una Cate Blanchett sublime a la que me temo que le pesó lo que a muchos también les ocurre en su situación, tener ya dos estatuillas.

   Escena (SPOILERS!!): En la segunda escena, la larga lección de Tar a sus estudiantes, por cierto, en plano secuencia, se plantea el tema de la cancelación y de separar a la artista de la persona, poniéndose a favor de esto precisamente, quizá consciente de que es una teoría que la beneficia porque ella no es una buena persona. Personalmente estoy de acuerdo, por desgracia hay monstruos con un talento descomunal pero eso no le resta grandeza sus obras. Resaltar también las pinceladas de terror que tiene la historia, con esos ruidos nocturnos que solo escucha la protagonista. Ruidos que podrían haber tenido una explicación fantástica, incluso onírica, pero que finalmente es lógica. No obstante, nos sitúan en el estado psicológico de Lydia, cada vez más errático e inestable. Como ocurre en la escena de la caída, totalmente sugestionada por sentirse perseguida. Hay una teoría que dice que a partir de ahí todo es parte de su imaginación pues la narración se va haciendo más atropellada. Sin embargo, creo que nuevamente es para mostrarnos el aumento de la desesperación de la protagonista. Solo un apunte, no tenemos pruebas del comportamiento censurable de Tar, tan solo unos emails en los que claramente perjudicaba a una estudiente. Lo demás lo sabemos por como reaccionan personajes como la pareja o su ayudante, lo que los retrata como cómplices o consentidores, pues eran conscientes. En cuanto al final, hay quien lo considera como un castigo o una redención. En mi opinión son ambas, por un lado dirigir la música para un videojuego es un trabajo degradante para ella, pero parece asumirlo con profesionalidad, no como una humillación.

   LO PEOR: No es una película para todo el mundo sobre todo por la complejidad en la interpretación de sus detalles, que son muchos. Aún así, la narración no es confusa en absoluto. También quizá peque de exceso de metraje, con algunas escenas demasiado largas con diálogos que se convierten en parlamentos.

   REFERENCIAS: Hay algunas pautas de personalidad de “La pianista” de Michaell Heneke. Pero me ha recordado mucho más al “Cisne negro” de Aronofsky”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Cate Blanchett se apropia de la pantalla como Lydia Tar lo haría de una orquesta, para ponernos en la tesitura de si se debe o no separar al artista de la persona y, por tanto, de si la cultura de la cancelación está justificada.

Microcríticas Express: Hellraiser (2022)/65/The cursed

 

   Vaya por delante que tampoco soy un fan acérrimo de la saga original. Las he visto, al menos algunas de ellas, y reconozco que la primera tiene su encanto. Pero no es ni mucho menos una de mis sagas de terror favoritas. Ahora, si tenía interés en esta especie de remake o reboot por estar dirigida por David Bruckner, autor de dos pelis de terror bastante interesantes, “The Ritual” y “The night house”, un tipo que tiene una puesta de escena muy trabajada. Básicamente, a grandes rasgos es la misma trama de la película original con algunos cambios en los puntos de vista. Pero a mí me ha costado como una hora entrar porque le cuesta mucho arrancar de verdad. Y este es uno de sus principales problemas, le sobra metraje a punta de pala, casi toda esa primera hora. Eso si, en la segunda la cosa se anima y es cuando Bruckner empieza a desplegar su talento visual. Y tranquilos que si hay gore, bastante, y del bueno. Por eso no hay que preocuparse. Todo el último tercio es muy intenso. Y si, me ha gustado el cambio de Pinhead. Algunos estoy seguro que lo consideran un sacrilegio y decantarme a favor de este aspecto no me va a granjear fans precisamente pero personalmente me parece un acierto, la presencia en pantalla de Jamie Clayton es impresionante. Así que, en definitiva, muy irregular en el ritmo, pero remonta en el último tramo. La dejan a huevo para secuela, otra cosa es que la hagan. 6.

   Se le he dado más palos que a una estera, y como es de costumbre con estos desaforados apaleamientos, no estoy ni mucho menos de acuerdo. No porque me parezca una gran cosa, que no lo es, sino porque me resulta exagerado. En gran medida, creo que provocado por unas expectativas excesivas, quizá por lo generado por el tráiler, que a muchos les dio por pensar que igual era una superproducción a lo “Jurassic Park”. Y para nada es eso, de hecho, juega en el terreno de la serie B pero con algo más de dinero. Tiene un presupuesto de 40 millones de dólares, que no está mal para una película modesta pero que no son los 200-250 de un blockbuster. Por lo que se ven obligados a dosificar mucho la aparición de los dinosaurios, que cuando lo hacen sus escenas están muy bien resueltas pero que van soltando a cuentagotas. La historia consiste más en la relación entre los dos protagonistas y en lo que significan el uno para el otro, sea de forma literal o simbólica. De hecho, es la familia el tema principal de la película. Todo el survival que hay alrededor y los elementos de ciencia-ficción son solo un contexto para desarrollar la mencionada relación entre los dos personajes principales. A mí me ha entretenido, me parece bien dirigida y no hay ninguna estridencia que me saque de la historia. Que si, que hubiera querido más dinosaurios, pero no había para más. 6.

   Es una especie de variante del género de hombres lobo, a los cuales no se llega a mencionar en ningún momento. De hecho, la concepción de la propia criatura y el folclore en el que envuelve su origen y su naturaleza, dista mucho de lo visto habitualmente. Y creo que esos cambios son lo más interesante. Olvidaos de la luna llena y las transformaciones explícitas. Pero por mucho que se quiera enmascarar, indudablemente juega en esa liga. Por tanto, claramente es una película de serie B, pero con una factura más que respetable. No hay demasiado dinero por lo que al bicho lo dosifican a más no poder, sus apariciones son más bien fugaces, pero eso si, cuando se le ve, los efectos especiales y el maquillaje funcionan bastante bien. Además, la ambientación está lograda y la fotografía es excelente. Y está muy decentemente dirigida, es más, tiene un par de escenas muy bien resueltas desde la puesta en escena. Por lo demás, hay generosas cantidades de sangre e incluso un poco de gore (he dicho un poco). Lo que es una pena es que en el reparto se tenga a una actriz como Kelly Reilly y dos tercios de la película este como un florero. Son Boyd Holbroock y Alistair Petrie quienes llevan todo el peso, y no lo hacen mal pero quizá no le dieron más bola a la Reilly porque se los hubiera comido y de paso a la propia película. 6’5.

Escenas Míticas: Coches - The Driver

   Una de esas películas que fueron adquiriendo valor con el tiempo pero no en su momento de estreno, condición imprescindible para convertirse en un título de culto. Porque las críticas que tuvo no fueron muy favorables, es más, fueron mayoritariamente negativas. Y la taquilla tampoco la acompañó, funcionando mejor fuera de Estados Unidos pero aún así recaudando tan solo cinco millones de dólares, habiendo invertido cuatro.

   Sin embargo, la repercusión de la película hoy en día es innegable, con claras y reconocidas influencias en otros directores en cuanto al modo de rodar las escenas de coches y persecuciones. Como en el caso de Quentin Tarantino, que incluyó un guiño a modo de rodaje en su “Pulp Fiction”, e incluso en “Kill Bill”. Ya citábamos a Tarantino con “Punto límite cero”, como influencia en “Death Proof”.

   No queda ahí la cosa, Nicholas Winding Refn realizó otra película con argumento parecido, al menos en cuanto a su protagonista, un conductor para huidas de robos, y casi idéntico título, “Drive”. Y otro que también citábamos con “Punto límite cero”, que reconocía la influencia de aquella y también de esta para su “Baby driver” era Edgar Wright. Asimismo podríamos mencionar a James Cameron o Michael Mann, cuya secuencias de persecuciones derivan bastante de esta película.

   Incluso se llegó a crear un videojuego inspirado en ella, Holline Miami. A su vez, el modo de rodar estas escenas se basaba en la persecución vista en “Bullitt”, que impresionó mucho al director de la que hoy tratamos, Walter Hill, especialmente en cuanto a lo de rodar con cámaras desde dentro del propio coche. Aunque el mayor reto de Hill fue rodar las escenas nocturnas, lo cual resultó agotador para el equipo.

   Un Walter Hill que tan solo había rodado una película anterior, “El luchador”, con Charles Bronson, y que después de “The driver”, enlazó una serie de títulos muy reconocibles, como “The Warriors”, “Forajidos de leyenda”(muy inspirada en uno de sus referentes, Sam Peckinpah), “Límite 48 horas” (y su secuela) o “Calles de fuego”.

   Precisamente, el protagonista había sido pensado para Steve McQueen, pero este se negó por considerar que la película giraba en torno a las persecuciones de coches, no a los personajes. No se equivocaba demasiado, la trama de la película es lo de menos, lo que importan son las escenas de coches. Así que a Hill le propusieron a Ryan O'Neil.

   O’Neil aseguraba la financiación de la película porque estaba considerado como una estrella pero encasillado en géneros muy distintos, como la comedia (“Que me pasa, doctor?”) y el romance (“Love story”). No obstante, a Walter Hill le convenció bastante en la entrevista que tuvo con él. Por su parte, el actor aceptó por ver en el director un cineasta de gran potencial.

   Sorprende ver a un Ryan O’Neil tan hierático en la expresión, sin apenas diálogo, muy diferente a sus papeles habituales. Para acompañarle se pensó en Robert Mitchum para el papel de policía, que rechazó en favor de Bruce Dern. Y para la fémina se tenían los nombres de Charlotte Rampling o Julie Christie. Ninguna de las dos quedaron con el papel, fue a parar a la francesa Isabelle Adjani.

   Personalmente la considero una buena película de género negro puro, que puso de moda la variante de persecuciones de robos, muy bien diseñadas estas por el propio Walter Hill y el coordinador de especialistas, Everett Creach. En 1996, se habló de realizar un remake que estaría en manos del galo Luc Besson, muy de moda en los noventa en el cine de acción. Pero no llegó a determinarse.

Guardianes de la Galaxia Vol. 3

   FICHA TÉCNICA

Título: Guardianes de la Galaxia Vol. 3
Dirección: James Gunn.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 150 min.
Género: Ciencia ficción, aventuras, acción, comedia.
Interpretación: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Karen Gillan, Pom Klementieff, Will Poulter, Chukwudi Iwuji, Sean Gunn, Elizabeth Debicki, Sylvester Stallone, Daniela Melchior, Michael Rosenbaum, Sarah Alami, Giovannie Cruz. Voz: Bradley Cooper, Vin Diesel, Maria Bakalova. Cameo: Michael Rooker.
Guion: James Gunn. Cómic: Dan Abnett, Andy Lanning.
Producción: Kevin Feige.
Música: John Murphy.
Fotografía: Henry Braham.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Los guardianes se encuentran instalados en Knowhere cuando un ataque de Warlock hace que tengan que reunirse para salvar la vida de Rocket.

   LO MEJOR: Vaya manera que ha tenido de despedirse de Marvel y de cerrar su ciclo a modo de trilogía de los “Guardianes de la Galaxia”, por todo lo alto y saliendo por la puerta grande, lo que debería ser, a pesar de las polémicas, alentador para los fans de DC, que es a donde se va James Gunn. Y que casualidad que cuando a un director le dejan salir de la cuadriculada y muy limitada fórmula creativa de Marvel, le sale una de las mejores películas de todo el MCU, enseñando el camino, cual mandaloriano, que deberían seguir. Porque este señor le ha enseñado al señor Waititi, que se puede hacer una saga muy divertida desde el plano del humor sin que el conjunto parezca una bufonada repleta de sketches y falta de respeto a la esencia de los personajes. Un humor del que al espectador le es más fácil participar por ser menos infantil y que curiosamente en esta entrega hay menos que en sus dos anteriores, para dejar espacio a una historia más oscura, la de uno de sus personajes, lo que revela, o más bien confirma, que era el verdadero protagonista de todo el arco argumental. Este tercer volumen es más emocionante que los dos anteriores, y sorpresivamente emotiva (ha llegado a conmoverme en varios momentos), a veces desde la épica y otras desde lo sentimental.

   Interpretación: Ya quisieran los “Vengadores” tener una química (y la suya no era mala) como la que tiene el reparto de esta saga. Juntos funcionan como un reloj suizo y eso se transmite en la pantalla. Para colmo, hay actores como Chris Pratt o Karen Guillen que han dado lo mejor en esta entrega. Por supuesto, Zoe Saldana o Dave Bautista siguen en su línea, y desde luego mi debilidad, Pom Klementieff. Quien se queda desdibujado es Will Poulter como Warlock.

   Escena (SPOILERS!!): No lo he destacado antes pero visualmente es una burrada al espectáculo que nos ofrece James Gunn aquí. Pero voy a enfocarme más en las escenas que más me han sorprendido desde el guion. Como toda la terrible historia de la infancia de Rocket, un claro mensaje contra la experimentación con animales, que posee una de las secuencias más tristes (se puede llegar a las lágrimas sin ningún problema) de todo el MCU. Por otro lado, la calificación por edades es PG-13 pero ha debido, haciendo el símil futbolístico, dar en el palo para no ser una R, a juzgar por algunas escenas. Aparte de que los personajes entonen unos cuantos tacos (otros los corten en el momento justo), la escena en la que Rockett le destroza la cara al villano con sus uñas, aunque sea fuera de plano, es bastante evidente. Y en la parte final incluso vemos su cara sin piel de forma explícita.

   LO PEOR: Salvo muy contadas ocasiones, parece imposible hacer una película de superhéroes que no supere las dos horas. Esta lo hace en media hora. ¿Era necesario? Para nada, se la podrían recortar perfectamente veinte minutos y no pasaría nada. ¿Hace que se resienta el ritmo? Tampoco, a pesar de ello sigue resultando tremendamente entretenida.

   REFERENCIAS: Va a pasar como una de las mejores space ópera del cine moderno, perfectamente en sintonía este volumen con los dos anteriores de “Guardianes de la Galaxia”. Pero esta vez incluso con cierto toque “Star Trek”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. James Gunn se despide con la mejor entrega de esta trilogía. Sigue siendo tremendamente divertida y entretenida, pero hay espacio para la oscuridad, la emoción, la épica y, sobre todo, la amistad. Gran final de ciclo.

Sagáfilos: Posesión infernal

 

ADVERTENCIA: este artículo contiene SPOILERS de las películas de la saga.

TÍTULO: Posesión infernal (1981).

DIRECTOR: SOBRESALIENTE. Junto a su amigo Bruce Campbell, Sam Raimi realizó la que contrariamente a lo que muchos piensan, no fue su ópera prima, pero si su verdadero nacimiento como cineasta del género de terror, con una película casi amateur pero cargada de frescura y atrevimiento. Esos movimientos de cámara no se habían visto antes.

HISTORIA: BIEN. No podía ser más simple. Un grupo de chicos y chicas que se van a una casa en el campo, allí convocan accidentalmente a unos demonios que van poseyéndolos uno tras otro. Pero funciona bastante bien.

TERROR/COMEDIA: NOTABLE. Aunque tiene un toque de comedia, e incluso de autoparodia que ya se hizo muy característico de Raimi, se inclina claramente hacia el terror y, de hecho, esta considerada uno de los referentes del género en los ochenta. Toda la parte final es un festival de gore y sangre sin complejos. Aunque para mí la escena más desasosegante es la violación en el bosque.

PRESUPUESTO: 375000/2400000 dólares.

CONCLUSIÓN: SOBRESALIENTE. Sin duda la reina de las películas de casas en bosques que ella misma puso de moda. Con unos medios exiguos a más no poder, entre Campbell y Raimi, gracias a su imaginación, se las ingeniaron para sacar una de las películas de terror más icónicas de la historia del cine.

TÍTULO: Terroríficamente muertos (1987).

DIRECTOR: SOBRESALIENTE. Con más dinero, lo cual se hace bastante patente en cuanto a la calidad de imagen y los efectos especiales, pero con el mismo entusiasmo o más, Sam Raimi realiza lo que prácticamente es un remake de la película original, que personalmente me resulta incluso más divertida.

HISTORIA: BIEN. Salvo algunas pinceladas en el guion en cuanto al argumento, básicamente es la misma historia basada en casas en el campo.

TERROR/COMEDIA: NOTABLE. Aquí está mucho más claramente inclinada la balanza a favor de la comedia, hasta el punto de parecer prácticamente una parodia de la primera parte, lo que no significa que no haya escenas muy terroríficas.

PRESUPUESTO: 3600000/5900000 dólares.

CONCLUSIÓN: SOBRESALIENTE. Es difícil encontrar un ejemplo de película que sea eminentemente un remake paródico de una película dirigida por uno mismo pero que además tenga el mismo o mayor talento visual y que sea igualmente una obra maestra. Pues Sam Raimi lo consiguió.

TÍTULO: El ejército de las tinieblas (1992)

DIRECTOR: SOBRESALIENTE. Sam Raimi se sacó de la manga una reinvención de la saga con una película que puede funcionar de forma independiente perfectamente. Se nota que se lo estaba pasando bomba dirigiendo esta locura.

HISTORIA: SOBRESALIENTE. Es la más diferente a las demás. De hecho, es un concepto totalmente distinto y aún así se las apaña para conservar la esencia original. Saltos en el tiempo, edad media y ejércitos de esqueletos. Con eso queda todo dicho.

TERROR/COMEDIA: NOTABLE. Es la que claramente tira más de la comedia que ninguna. Es divertidísima, pero es cierto que le hace perder mucha carga de escenas terroríficas que si tenían las dos anteriores.

PRESUPUESTO: 13/21 (millones de dólares).

CONCLUSIÓN: SOBRESALIENTE. Es la menos terrorífica pero diría que es mi favorita de la saga. Es pura diversión, pura evasión, un despiporre y una gamberrada maravillosa. Y con ella Raimi cerraba su trilogía y se despedía de la dirección de esta franquicia.

TÍTULO: Evil Dead (2013).

DIRECTOR: NOTABLE. El elegido fue un desconocido por aquella época, Fede Álvarez, que para colmo debutaba. Anteriormente tenía un corto flipante llamado "Ataque de pánico", muy recomendable. La cosa fue muy bien porque al director uruguayo le salió uno de los mejores remakes que se han visto, y no lo tenía nada fácil.  

HISTORIA: BIEN. Básicamente es la misma de la primera película de Raimi. No se separa demasiado de esa premisa. De hecho, prácticamente nada.

TERROR/COMEDIA: NOTABLE. Es la que tiene más claro que es terror y punto. Prescinde totalmente del tono de comedia de Raimi, sobre todo en la segunda y tercera parte, para decantarse definitivamente por el tono de terror serio. Además, tiene escenas bastante heavys.

PRESUPUESTO (millones de dólares): 15/96. 

CONCLUSIÓN: NOTABLE. En su momento me pareció todo un acierto. Para realizar una nueva versión de todo un clásico icónico del terror y no solo salir indemne sino reforzado, hay que tener talento, como se ha visto después en Fede Álvarez.

TÍTULO: Posesión infernal, el despertar (2023).

DIRECTOR: NOTABLE. Volvieron a elegir un director sin, digamos, nombre, Lee Cronin, con poco bagaje  anterior, solo una película, y volvieron a acertar. Porque entendió perfectamente que se podía cambiar pero respetando en todo momento cual era la esencia de la saga. Tiene detalles de puesta en escena muy buenos.

HISTORIA: BIEN. No es más que una excusa para poner a los personajes en peleas contra los demonios y cayendo uno tras otro poseídos. Pero es muy buena idea trasladar la acción de la casa de campo a un edificio en ruinas en la ciudad.

TERROR/COMEDIA: NOTABLE. Tiene un equilibrio perfecto entre terror y comedia, porque se van sucediendo una secuencia terrorífica tras otra y la parte más cómica no viene desde la comedia sino desde la propia exageración de lo que estamos viendo, lo que la hace muy divertida.

PRESUPUESTO (millones de dólares): 19/115.

CONCLUSIÓN: NOTABLE. Que difícil es ver una saga con ya cinco entregas y que todas sean buenas. Además, esta va a servir de reinicio y vendrán más. Y eso que iba para plataforma y gracias a las buenas opiniones de los test screen llegó a la gran pantalla. Aleluya.

MEJOR DIRECTOR: Sam Raimi.

MEJOR HISTORIA: El ejército de las tinieblas.

MEJOR BALANCE TERROR/COMEDIA: Posesión infernal.

Escenas Míticas: Coches - Punto límite cero

 

   Considerada un título de culto de las películas de coches, que hizo mítico al que conducía el protagonista, un Dodge Challenger, hasta el punto de que el mismísimo Quentin Tarantino la consideraba la mejor película de coches de la historia y la homenajeaba en su película “Death Proof”, que también veremos aquí, sacando el mismo coche y en el mismo color.

   Color que se eligió en blanco para destacar sobre el amarillo del desierto que atraviesa durante esas largas y polvorientas carreteras estadounidenses. Tarantino, cómo hace siempre, por otro lado, no ocultaba su guiño a esta película. De hecho, el título es mencionado en uno de sus diálogos, junto a otros como “La indecente Mary y Larry el loco” (que también podría figurar perfectamente en este ciclo), con Peter Fonda y Susan George y con otro coche mitificado, el Dodge Charger de 1969.

   Que también sale en “Death Proof”, precisamente enfrentándolo al Challenger aunque esta vez cambiando el color amarillo chillón por el negro. Tarantino no es el único director ilustre que ha mostrado su admiración por esta película. También lo hicieron Steven Spielberg, que ese mismo año que se estrenaba esta, lo hacía su “El diablo sobre ruedas” (como ya pudimos ver) y Edgar Wright, quien confiesa que le influyó para su “Baby Driver”.

   Y no es el único síntoma de película de culto pues podemos advertir otros guiños y homenajes en la cultura pop posterior. Como en el videoclip de Audioslave, “Show me how to live”, que literalmente está dedicada a la película. O una frase de su guion utilizada por Guns N' Roses en su disco “Use your illusion II”.

   No queda ahí la cosa, el grupo de rock Primal Scream le dedica tantas canciones a la película en su disco “Vanishing Point” (como el título original del film) que posteriormente se consideró como su banda sonora. Banda sonora que ya era una recopilación de figuras de la música de la época como Delaney y Bonniet y Friends, Bobby Doyle, Big Mama Thornton, Jerry Reed o Mountain.

   Como resultado se coloca este título a la altura cultural de “Easy Ryder”, con la que además comparte temas como la representación de los hippies y las drogas. Por cierto, lo único reseñable de su director, Richard C. Sarafian, que venía de realizar “El hombre de una tierra salvaje”, con Richard Harris y John Huston, y es su otra película mejor valorada. Poco más a destacar hay en su filmografía.

   Para el protagonista la productora tenía claro que elegiría a Barry Newman (que años más tarde se haría muy popular en la serie “Petrocelli”), aunque estuvo seriamente considerado Gene Hackman. En el reparto podemos encontrar a John Amos, o Charlotte Rampling (aunque si no te fijas ni te das cuenta). Curiosamente, el resto de actrices que aparecen brevemente les da tiempo a protagonizar sendos desnudos (topless) totalmente gratuitos.

   Existía cierta controversia con el abrupto final con el protagonista suicidándose lanzandose contra el bloque de la carretera y estrellándose. Por cierto, en la explosión no se quemó ningún Challenger (tenían ocho y todos terminaron enteros tras el rodaje) sino un Camaro. La película es muy simple pero salpica la narración con flashbacks y se va a administrando sutilmente información al espectador sobre Kowalski (Newman). Como que es veterano de Vietnam, que perdió a su pareja, que fue echado de la policía por atacar a otro agente que abusaba de un adolescente y que se siente solo.

   Tuvo un remake para televisión, aunque variando el argumento, protagonizado por Viggo Mortensen. La de 1971 no fue mal económicamente. Costó tanto 1’5 millones de dólares y recaudó en taquilla 12 de la misma moneda.