Cinéfilos de Oro 2022

 

PELICULA: 1. El hombre del norte. 2. Avatar 2. 3. Elvis. 4. The Batman. 5. Trece vidas.
DIRECTOR: 1. Baz Luhrman (Elvis). 2. Robert Eggers (El hombre del norte). 3. James Cameron (Avatar 2). 4. Ron Howard (Trece vidas). 5. Matt Reeves (The Batman).
ACTOR PRINCIPAL: 1. Will Smith (El método Williams). 2. Austin Butler (Elvis). 3. Denzel Wshington (Macbeth). 4. Mark Rylance (El sastre de la mafia). 5. Peter Dinklage (Cyrano).
ACTRIZ PRINCIPAL: 1. Ana de Armas (Blonde). 2. Michelle Yeoh (Todo a la vez en todas partes). 3. Jessica chastain (El ángel de la muerte). 4. Frances McDormand (Macbeth). 5. Emilia Jones (CODA).
ACTOR SECUNDARIO: 1. Luis Zahera (As bestas). 2. Troy Kotsur (CODA). 3. Eddie Reymayne (El ángel de la muerte). 4. Ethan Hawke (Black phone). 5. Tom Hanks (Elvis).
ACTRIZ SECUNDARIA: 1. Jamie Lee Curtis (Todo a la vez en todas partes). 2. Nicole Kidman (El hombre del norte). 3. Keke Palmer (Nop). 4. Anya Taylor-Joy. 5. Marlee Matlin (CODA).
GUION: 1. Todo a la vez en todas partes. 2. El sastre de la mafia. 3. Puñales por la espalda 2. 4. Elvis. 5. Nop.
FOTOGRAFIA: 1. Avatar 2. 2. El hombre del norte. 3. The Batman. 4. Blonde. 5. Macbeth.
EFECTOS ESPECIALES: 1. Avatar 2. 2. Top Gun Maverick. 3. Doctor Strange y el multiverso de la locura. 4. Jurassic World Dominium. 5. Black Adam.
PELÍCULA ESPAÑOLA: 1. As bestas. 2. Los renglones torcidos de Dios. 3. La abuela. 4. 42 segundos. 5. Alcarrás.
ANIMACION: Pinocho de Guillermo del Toro. 2. Lightyear. 3. El gato con botas.
MUSICA: 1. Avatar. 2. El hombre del norte. 3. Top Gun: Maverick. 4. Predator, la caza  5. The Batman.
DECEPCIÓN: 1. 355. 2. Veneciafrenia. 3. Ojos de fuego. 4. La invitación. 5. Thor , love and thunder.
SORPRESA: 1. Todo a la vez y en todas partes. 2. X. 3. Smile. 4. Men. 5. Predator, la presa.
DIVERCINE: 1. Top Gun: Maverick. 2. Todo a la vez y en todas partes. 3. Bullet train. 4. Ambulance. 5. Scream 2022.
MINISERIES: 1. Dahmer. 2. Por mandato del cielo. 3. Encerrado con el diablo. 4. The staircase. 5. La ciudad es nuestra.
SERIES: 1. La casa del dragón. 2. Separación. 3. Miércoles. 4. Andor. 5. Los anillos de poder.

     A continuación, los carteles de los filmes más importantes de 2020. En un primer grupo, las películas más oscarizadas u oscarizables, es decir, las más completas. En un segundo grupo, los bombazos de taquilla, o sea, las películas más esperadas y más han dado que hablar.  En un tercer grupo, las películas que pensamos han supuesto una sorpresa. Y finalmente uno con las mejores series y otro con las miniseries. 

Avatar, el sentido del agua

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Avatar, el sentido del agua.
Dirección: James Cameron.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 192 min.
Género: Ciencia ficción, aventuras, fantástico, acción.
Interpretación: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Kate Winslet, Stephen Lang, Cliff Curtis, Joel David Moore, Giovanni Ribisi, Edie Falco, CCH Pounder, Jemaine Clement, Brendan Cowell, Jamie Flatters, Britain Dalton, Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Wichman-Evans, Dileep Rao, Matt Gerald, Keston John, Alicia Vela-Bailey, Sean Anthony Moran, Andrew Arrabito, Johnny Alexander.
Guion: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver. Historia: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, Josh Friedman, Shane Salerno.
Producción: James Cameron, Jon Landau.
Música: Simon Franglen.
Fotografía: Russell Carpenter.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Jake Sully y Neytiri han formado una familia y son felices. Pero los hombres vuelven a Pandora y el objetivo es acabar con él, por lo que decide hacer el sacrificio de abandonar el clan y buscar un lugar lejano donde esconderse.

   LO MEJOR: Sin duda, la película evento del año, y por tanto, de esas que dan impulso a las salas de cine. Porque por mucho que cacareen algunos en las redes sociales sobre la falta de creatividad, de la secuelitis, luego esos mismos no compran entradas para las películas más arriesgadas y diferentes. Por lo que tienen que venir películas como éstas a dar un empujón a la industria cinematográfica. Y hay que decir que James Cameron ha cumplido con lo suyo, lo ha vuelto a hacer, habría que decir. Porque su nueva película más que eso es una experiencia y tengo que reconocer que verla en 3D la hace absolutamente más inmersiva. Quien me conoce sabe que no soy ningún fan de este formato, creo que es un efecto que se disipa a los diez minutos de empezar y muy pocas películas saben sacarle de verdad rendimiento. Pero es que precisamente James Cameron es el cineasta que mejor sabe sacarle jugo, tal vez porque en su cabeza la película está visualmente concebida así desde su génesis. Es por eso que consigue que el efecto tridimensional está siempre presente y haya una sensación constante de profundidad de campo. No obstante, para que piense que Cameron ha vuelto a repetir la fórmula de la primera parte, está totalmente equivocado. Visualmente ha creado un mundo nuevo, de imágenes con las que te quedas embobado, de una belleza excelsa, donde se nota que el director ha disfrutado al llevar la historia al medio que personalmente más le fascina, el agua. Además, a pesar de la extensa duración, más allá de las tres horas de metraje, le ha sabido dar tan buen ritmo que no se notan. Y por si fuera poco, también el guion tiene mayor profundidad. Desde luego, continúa con sus mensajes ecologistas y sobre la biodiversidad frente al imperialismo, pero de lo que realmente nos habla esta vez es de la familia.

   Interpretación: La técnica de captación de expresión facial ha mejorado incluso más de lo que ya de por sí era asombrosa en la anterior entrega, por lo que no nos cuesta ver a los rostros que están detrás, recuperando a Sam Worthington, Zoe Saldaña y esta vez a Sigourney Weaver (aunque en otro papel la mayor parte) y a Stephen Lang. Además tenemos la incorporación de Kate Winslet, que vuelve a trabajar con Cameron tras “Titanic”. No obstante, en esta segunda parte, el protagonismo es mucho más coral e incluso son los hijos de los protagonistas los que cobran mayor importancia.

   Escena (SPOILERS!!): La parte que más se asemeja a la primera entrega es nuevamente la del aprendizaje, esta vez en el medio acuático, con una colección de imágenes espectaculares como no se habían visto. Cameron no digo que se autorreferencie, simplemente es que la cabra tira al monte. De tal manera que todo el tramo de las ballenas tiene un tono como el de sus documentales. Pero también apreciamos el tono bélico de “Aliens, el regreso“. Al igual que prácticamente todo el tercer acto, con el hundimiento de la embarcación de los humanos, irremediablemente nos venga la cabeza el de “su” “Titanic”. No es que se copie a sí mismo, es que no puede evitar ser James Cameron. Y se nota que ésta si es parte de una historia más grande.

   LO PEOR: Prácticamente nada, pero quizá a algunos les parezca que se recrea demasiado en imágenes que parecen las de un documental. Personalmente me resultan tan bellas que me da absolutamente igual, de hecho, lo disfruto muchísimo.

   REFERENCIAS: Se vienen nada menos que tres secuelas más, de las cuales una incluso ya está rodada a falta de una larga postporducción. Y encontramos en la película reminiscencias de la filmografía de Cameron como “Aliens, el regreso”, “Titanic” y “Abyss”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Cameron lo ha vuelto a hacer. Visualmente una verdadera maravilla que merece apreciarse en el formato 3D, pero además ha mejorado en facetas más cojas en su predecesora, como el guion.

Escenas Míticas: Agua - Esfera

 

   Esta sección nació para hacer repasos de películas por las que haya pasado ya algún tiempo, en vista de alguna relación temática entre ellas pero con el tiempo me he dado cuenta que tiendo a elegir títulos que en su momento no gozaron del éxito que en mi modesta opinión si merecieron o que incluso fueron un fracaso por lo que la sección también tiene una función reivindicativa o de homenaje a esas películas.

   Y esta es un perfecto exponente de un caso así. Si bien es cierto que actualmente las opiniones de ellas son mejores que en el momento de su estreno, donde la crítica la torpedeó desde todos los flancos y con el público no le fue mucho mejor. Buena parte de él estaba formado por los lectores de la novela y parecía que iban a ver la película con un bloc de notas para apuntar todas las diferencias con el libro.

   Que para colmo tampoco era uno de los favoritos precisamente por los fans de su escritor, Michael Crichton. En ese sentido tiene cierto paralelismo con lo que le ocurrió a otra que comentamos hace poco, “Congo”. Adaptación de una novela de Crichton posterior al éxito de la de “Jurassic Park”, lo cual sobredimensionó las expectativas sobre las siguientes. Sin embargo, personalmente, después de la de los dinosaurios, ésta es mi favorita de las adaptaciones que se han hecho de la obra literaria de este escritor.

   De tal manera que si le tenía simpatía a “Congo” pero reconocía sus evidentes carencias y a la que muchos, como a ésta, consideraban paradójicamente una película “mala, buena”, es decir, mala pero muy disfrutable, para mí “Esfera” es una “buena, buena”, por lo que la reivindicó como un film tremendamente infravalorado. Y lo digo tras haberla visto al menos cuatro veces, y leído el libro otras dos.

   Es más, comparada con muchos de los productos que se hacen actualmente en su género, creo que gana en valor, y eso a pesar de contar con la tecnología de hace un cuarto de siglo. Personalmente creo que tenía suficientes elementos para hacer una película interesante. Un argumento puramente de ciencia ficción, con una posible amenaza extraterrestre, viajes en el tiempo, y unos escenarios especialmente acertados, el propio entorno submarino y una nave especial gigantesca.

   Y que conservaba buena parte de los diálogos científicos y psicológicos del texto original, tan marca de la casa de la pluma de Michael Crichton, que a muchos les resultan aburridos pero a mí me parecen de lo más interesantes. Adaptados al guion por Kurt Wimmer, director de una película de culto del género de la ciencia ficción, “Equilibrium”. Aunque sí reconozco que el epílogo es algo insatisfactorio.

   Pero en definitiva, “Esfera” termina decantándose por el terror, convirtiéndose en una monster-movie. Y es en esa recreación de los monstruos cuando un servidor más disfruta. Como con las medusas, para lo que se mezclaron medusas reales, con otras generadas por ordenador y marionetas, eso sí, filmadas a velocidad cinco veces más rápido de lo que son en la realidad para multiplicar la sensación de amenaza. Todo ésto rodado en tanques de agua, en California, para evitar el aumento de costes de rodar en el océano, como ya les había avisado el caso precisamente de “Waterworld” y así evitar el fracaso económico.

   Cosa que no pudo evitarse, pues costó 75 millones de dólares y sólo recuperó 50 de ellos. A pesar de tener un reparto muy atractivo, protagonizado por tres grandes figuras de Hollywood como eran Dustin Hoffman, Samuel L. Jackson y Sharon Stone (a la que se empeñaron en mostrar sin maquillar y despeinada aunque precisamente tuvieron que maquillar para que lo pareciera). Además, con secundarios como Liev Schreiber o Peter Coyote. Incluso Queen Latifah tiene un pequeño papel. Y a pesar de contar con un director de la talla de Barry Levinson, aunque sea un cineasta irregular, que ganó el Oscar con la espléndida "Rain man", que volvió a optar a él con "Bugsy", para luego caer en la horrible "Toys" y precisamente la adaptación de otra de las novelas de Michael Crichton, una de las peores, "Acoso". Para luego volver a recuperar el pulso con "La cortina de humo", la magnífica "Sleepers" y esta "Esfera".  

   Si es cierto que uno de los giros principales de la trama, en cuanto a la posibilidad de poder hacer realidad los pensamientos, no era tan original como lo venden pues ya se había planteado en clásicos de la ciencia- ficción como "Planeta prohibido" o "Solaris". Que el montaje de la película fue muy apresurado por las presiones de los productores. Y que Dustin hoffman dice "oh, Dios mío" al menos treinta veces a lo largo de la película. Pero no quita que sea una película bastante mejor de lo que se le juzgó.

The Piper

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Piper
Dirección: Kim Kwang-Tae
País: Corea del Sur.
Año: 2015.
Duración: 119 min.
Género: Terror, intriga, thriller.
Interpretación: Ryu Seung-ryong, Lee Sung-min, Chun Woo-hee, Lee Joon, Goo Seung-Hyeon. Voz: Zach Aguilar, Chris Hackney
Guion: Kim Kwang-Tae
Música: Incinur Dasdemir.
Fotografía: Hong Jae-Sik
Distribuidora: CJ Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras la guerra de Corea, un flautista y su hijo llegan a una pequeña aldea infestada de ratas. El flautista hace un trato con el líder del pueblo para loberarles de ellas. Pero cuando él cumple con su parte, es traicionado y su venganza será terrible.

   LO MEJOR: Claro, es que Hollywood se ha empeñado en dar una visión mucho más amable e incluso infantil de los cuentos más populares cuando de inicio su tono era mucho más oscuro y adulto, hasta el punto de tener pinceladas terroríficas. Pero ésto es una película coreana y la versión que hacen de “El fluatista de Hamelin” no tiene nada que ver con lo anteriormente visto. Como tantas veces hacen, comienzan con un tono más ligero, que puede tener tintes hasta de comedia dentro de una historia de corte costumbrista, pero en un momento dado da un giro en el tratamiento del tono, que te coge desprevenido, con el paso cambiado. Es entonces donde le dan una vuelta de tuerca al popular cuento, otorgándole una visión mucho más oscura y retorcida, que en el final del segundo acto muestra una tensión brutal para dar paso a un tercer acto plenamente en el género de terror, con bastante influencia fantástica, que le dan un aspecto de alegoría. No obstante, la sensación de tragedia está muy presente en su tramo final, haciendo que el espectador llegue a pasarlo mal, por que el cine coreano es capaz de tener esa gravedad, que en su desenlace te deja mal cuerpo. En todo eso ayuda su ambientación a través de la fotografía, sobre todo con el uso de la niebla.

   Interpretación: La película se apoya en tres pilares, como muestra claramente uno de sus carteles publicitarios. Desde luego, el protagonista es Ryu Seung-ryong. Su cambio de tono del personaje es el último tramo es muy palpable. Lee Dong-hee es un gran villano. Y si se conoce el cine coreano, Chun Woo-hee les puede sonar a algunos, sobre todo si se han visto títulos como “El extraño” o “”Mother”.

   Escena (SPOILERS!!): La secuencia en la que saca a las ratas del pueblo intenta darle un toque realista que se aleja de la leyenda recogida por los hermanos Grimm. Además, se da una explicación a el motivo por el que el pueblo estaba atestado de ratas y por el que su anterior medium rechazó seguir viviendo en el pueblo. Toda la parte en la que traicionan al protagonista es de auténtico terror, cuando le mutilan la mano e incluso parece que van a matar a su hijo. Cosa que finalmente pasa aunque sea por envenenamiento. Antes también la chica con la que pensaba huir, primero le traiciona y luego se suicida. Toda una gran tragedia que sirve de preparación para la gran venganza final. Aquí aparecen los elementos fantásticos. Además, esa cantidad de ratas es imposible, está idealizado. La cuestión es que toda la parte del desenlace es puro terror, con las ratas volviendo a entrar en el pueblo devorando a los habitantes a su paso. En el epílogo, si se hace un guiño literal al cuento, con el flautista llevándose a los niños del pueblo.

   LO PEOR: Es una película que no ha visto mucha gente y en gran parte está en la dificultad para llegar a ella. Es una pena. En cuanto a la película quizá alargue demasiado el primer acto. Y bueno, en ocasiones, los efectos especiales de las ratas cantan un poco.

   REFERENCIAS: Una nueva revisión de la leyenda de “El flautista de Hamelin”, documentado por los hermanos Grimm. En cuanto al cine, recuerda al tono de “El extraño” o la reciente “The medium”.
 

   CONCLUSIÓN: 7’5. Visión oscura, retorcida y perturbadora del famoso cuento de “El flautista de Hamelin” al modo coreano, alejándose del tono infantil para adentrarse en una gran tragedia, más emparentada con más puro género de terror.

Los Libros de Zoe: 20000 leguas de viaje submarino

 

   AUTOR: Julio Verne (Nantes, 1828 – Amiens, 1905). Género: ciancia-ficción. Publicación: 1869.

   SINOPSIS: Un científico y su ayudante viajan a bordo de un buque de guerra para investigar lo smisteriosos ataques de un monstruo marino, cuando ellos mismos son atacados. Pero la supuesta bestia revela ser otra cosa muy distinta

   LO MEJOR: Fue bastante peculiar la manera de llegar al público esta novela. Se dio a conocer en la “Revista de Ilustración y Creatividad” francesa que dirigía Pierre Jules Hetzel. Sin embargo, en un principio se negó a aceptar la obra de Julio Verne por considerarla como un ataque al progreso tecnológico y mandar un mensaje de odio a la humanidad, siendo él un idealista precisamente del progreso como vía de cambio en el mundo. Por lo que le pidió a Verne que la corrigiera, cosa que el escritor francés no estaba dispuesto a hacer, pues no consideraba que hubiera nada erróneo en su historia. Finalmente fue publicada en dos partes, una en 1869 y otra en 1870, aunque curiosamente existe una edición precisamente española completa en 1869, cuando en Francia la primera vez que se publicó completa fue en 1971. Hay que decir que a Hetzel no le faltaba razón en cuanto al mensaje de Verne en la novela. La figura del Capitán Nemo es la propia encarnación del escritor, las ideas que expone Nemo en la historia son las propias de Verne. Al igual que el Naitilus es el símbolo del progreso tecnológico, que Nemo utiliza para la exploración del mundo pero también como instrumento de terrorismo. Tampoco se que equivocaba Verne en cuanto al uso del submarino como herramienta militar y como otras veces, se adelantaba su tiempo, pues aún faltaban setenta años para que el concurso de los submarinos fuera clave en la Segunda Guerra Mundial. No obstante, más allá de eso, la novela tiene un tono absolutamente de aventuras mientras nos muestra su viaje por los océanos del planeta. De hecho, es más que probable que sea su mejor obra literaria.

   LO PEOR: No todas las fases de libros son igual de entretenidas y están muy salpicadas por largas reflexiones que Nemo comparte con sus “invitados”, y a veces, eso lastra el ritmo de la narración.

   CONCLUSIONES: Forma parte de una trilogía llamada “Viajes extraordinarios” junto a otros dos títulos, “Los hijos del Capitán Grant” y “La isla misteriosa”, donde se revelaban los secretos del Capitán Nemo. En el cine fue adaptada, con grandes recortes del argumento, en 1954, cargo de Richard Fleischer, con Kirk Douglas y James Mason en el reparo. Hay otras versioes, una muda de 1916 o para televisión en 1997, con Michael Caine.

Escenas Míticas: Agua - Waterworld

 

   Podría ser perfectamente la versión marina de “Una serie de catastróficas desdichas”. Al menos eso es lo que supuso su rodaje, uno de los más desastrosos de la historia del cine, lo que incrementó considerablemente su presupuesto y junto con las malas críticas que obtuvo hizo que nada menos que una de las grandes, Universal, temblara. Lo vamos a contar aquí más detalladamente, pero también como realmente la cosa no fue para tanto.

   Primero porque la película, a pesar de las críticas, logró colocarse en el primer puesto de la taquilla de Estados Unidos, que junto a lo que recaudó en el resto del mundo hicieron un total de 264 millones de los 172 invertido. Si hacemos el balance incluyendo el lanzamiento al formato doméstico y los gastos de promoción, resulta que incluso tuvo beneficios, pocos, apenas unos 30 millones pero no fue tanto fracaso.

   Pero sí es cierto que el rodaje fue sobradamente tormentoso. Nunca mejor dicho, porque para ahorrarse dinero en previsión meteorológica, no pudieron prever que hasta dos huracanes en Kona (Hawaii) les destrozaran los decorados, que eran carísimos, lo que hizo que los 96 días en que se había previsto rodar la película se fueran a 220 y los 60 millones de presupuesto a 172.

   Lo que la convirtió, a su pesar, en la película más cara de la historia del cine en su momento. Ya dijo el propio Steven Spielberg tras terminar el rodaje de “Tiburón”, que jamás volvería a hacer una película en el agua, y eso que la suya solo se desarrollaba en ese medio en un 50%. Sin embargo, “Waterworld” era en un 95%. Pero hubo más, lo que hizo al equipo recordar otros míticos rodajes malditos históricos como los de “La reina de África” o “Apocalypse now".

   De hecho, gran parte del equipo cayó enfermo, en buena parte por estar viviendo en una especie de vivencias flotantes. Las dos actrices principales, Jeanne Tripplehorn y la joven Tina Majorino, cayeron al mar y estuvieron a punto de morir ahogadas de no ser rescatadas por un equipo de buceadores profesionales que tenían contratados para esos menesteres. Kevin Costner también tuvo un accidente que puso su vida en peligro.

   Por si fuera poco, creativamente también hubo problemas. Hasta 36 guionistas, incluyendo a Joss Whedon, pasaron por el libreto, aunque solo se acreditaron a David Twohy y Peter Raider. Además, el director, Kevin Reynolds, que había sido impuesto por Costner, con el que había colaborado varias veces, la más reciente en “Robin Hood, príncipe de los ladrones” y de quién era amigo, en lugar de Robert Zemeckis que era quien quería el estudio, abandonó la postproducción por diferencias precisamente con Kevin Costner.

   El propio Costner fue quien completó el montaje de la película. Más tarde se reconciliaría con Reynolds cuando ambos hicieron la miniserie, “Hatfields & McCoys”. Pero para el actor, “Waterworld” tuvo consecuencias nefastas. Tras “El guardaespaldas” y “Un mundo perfecto “, se convirtió en una de las mayores estrellas de Hollywood, pero sus siguientes películas, “La guerra” y “Wyatt Earp”(película que siempre defenderé) fueron sendos fracasos de taquilla. A la que se sumó “Waterworld” y más tarde la que puso el último clavo en el ataúd de la carrera de Kevin Costner a nivel de superproducciones (aunque Zack Snyder lo recuperó para su “El hombre de acero”, aunque como secundario), “El mensajero del futuro”.

   Después haría buenas películas pero menores. En mi opinión, Kevin Costner ha sido un actor desaprovechado en los últimos veinte años. A parte de las dos féminas ya citadas, Jeanne Tripplehorn y la joven Tina Majorino, el villano fue a parar a Dennis Hopper, tras considerar a Gene Hackman, Gary Oldman y James Caan. Aunque el favorito era Samuel L. Jackson, quien denegó el ofrecimiento para irse a rodar "La jungla 3" junto a Bruce Willis y John McTiernan, buena elección.

   Las críticas fueron malísimas e incluso se permitieron mofarse de la película con titulares como "Con el agua al cuello", "Hace aguas", "No sale a flote" o "Se hunde". Además de nominarla al Razzie como peor película. Y a Dennis Hopper, que por cierto, lo ganó. Aunque también el Oscar al mejor sonido.

   Personalmente me parece una buena película de aventuras, divertidísima, una especie de Mad Max marino, lo que le daba un tono de western sobre los océanos. 

Los renglones torcidos de Dios

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Los renglones torcidos de Dios.
Dirección: Oriol Paulo.
País: España.
Año: 2022.
Duración: 154 min.
Género: Intriga, thriller, drama.
Interpretación: Bárbara Lennie, Eduard Fernández, Loreto Mauleón, Pablo Derqui, Javier Beltrán, Samuel Soler, Federico Aguado, Lluís Soler, Adelfa Calvo, Dafnis Balduz, Francisco Javier Pastor, Txell Aixendri, Antonio Buil, Blanca Rosa Rovira, Sergi Sáez, Mathilde Eloy.
Guion: Oriol Paulo, Guillem Clua, Lara Sendim. Novela: Torcuato Luca de Tena.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Bernat Bosch.
Distribuidora: Warner Bros. España

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una detective privada ingresa voluntariamente en un centro psiquiátrico fingiendo estar enferma, pero en realidad lo que pretende es investigar la muerte de uno de los internos en circunstancias poco claras. No obstante, dentro corre el peligro de perder su propia cordura.

   LO MEJOR: Tiene las mismas virtudes que la novela que adapta, lo cual es decir mucho por dos razones. Uno porque la obra de Torcuato Luca de Tena es uno de los libros más aditivos que he leído en los últimos años. Y dos, porque hacer una buena adaptación no era nada fácil. Una novela repleta de virajes en el argumento, de giros constantes, de revelaciones y con un ritmo alto de acontecimientos. Por lo que hay que felicitar la labor de Oriol Paulo en la narración, presentando la historia de forma entendible. Era más fácil haber caído en el caos narrativo, que era lo que me temía, y no ha sido así. Paulo consigue enganchar desde el principio y lograr mantener el nivel hasta el final. La película es tremendamente entretenida y eso que se va hasta las dos horas y media. Saca un máximo provecho del juego de la curiosidad por saber si la protagonista está cuerda o paranoica, hasta el punto de hacer cambiar al espectador de parecer cada diez minutos. Como decía, ésto ya viene del texto original, pero además en la película introducen algo que no hacen el libro y que de haberlo hecho no habría podido funcionar también, jugar también con el montaje. Se podría considerar la maniobra más tramposa, pero es una trampa muy efectiva.

   Interpretación: Bárbara Lennie lleva todo el peso de la película. Además sin ningún problema, tanto en su versión de concienzuda detective como cuando parece perder el control. Lennie es la película. Aunque sola no está. La acompaña el siempre soberbio Eduard Fernández. Y Loreto Mauleón, que quizá les suene a quienes la vieron en la serie “Patria”. El resto está bien, pero sus personajes solo están ahí para que la protagonista tire de ellos, lo cual quizá es uno de los problemas de la película.

   Escena (SPOILERS!!): El truco con el montaje al que me refería es contar la secuencia del incendio como si fuera un flashback cuando en un flashforward, es decir, algo que todavía no ha ocurrido, y por tanto, el asesinato que se produce no es de quién creemos. Es tramposo pero también brillante. Yo compro el engaño. En cuanto al final, queda más abierto que en la novela. En la cual no sólo quedaba claro que ella sí estaba enferma sino que además te explicaban porque. No lo voy a contar por si alguien no la ha leído. No obstante, en la película, la última escena da lugar a pensar que efectivamente ella está loca, que toda la trama de conspiración estaba en su cabeza, que todo es producto de su propia paranoia. Pero, ojo, no sé cierra la puerta definitivamente, aquel médico del final pudiera estar en el ajo y formar parte de la conspiración contra ella. Es plausible aunque improbable, porque el director del centro ya ha dimitido y en teoría, ella está libre, solo que ahora sería consciente de que no está en sus cabales.

   LO PEOR: Si sus virtudes son las de la novela, sus defectos también. Y no creo que a nadie se le escape que es rizar el rizo, después volver a rizarlo y después ya pasar a hacer directamente tirabuzones. Los que amamos la novela pagamos el precio gustosamente. Y con la película pasa lo mismo.

   REFERENCIAS: Existe una versión mexicana con el mismo título de 1983. Pero la película puede recordar más a “Alguien voló sobre el nido del cuco” en su representación de un centro psiquiátrico, y a “Sutter Island” en su trama. Y hasta ahí se puede leer.

   CONCLUSIÓN: 8. Brillante adaptación de la novela de Torcuato Luca de Tena hasta el punto de colocarse entre las dos mejores películas españolas, junto “As bestas” y uno de los thrillers de intriga más adictivos del año, gracias a la narración de Oriol Paulo y la interpretación de Bárbara Lennie.

Los Libros de Zoe: Congo

 

   AUTOR: Michael Crichton (Chicago, 1942 – Los Ángeles, 2008). Género: novela de ciencia-ficción y aventuras. Publicación: 1980.

   SINOPSIS: Por diferentes intereses, un grupo de personas especialistas en diferentes disciplinas se embarcan en un viaje a través de la jungla del Congo en busca de la ciudad perdida de Zinj. Pero por el camino encontrarán inumerables peligros.

   LO MEJOR: Tras la exitosa adaptación para el cine de “Parque Jurásico”, no solo los productores de cine se interesaron por la obra de Michael Crichton, también lo hicieron los propios lectores. Los que no lo conocían descubrieron que el escritor tenía un buen abanico de géneros entre sus novelas. Bien es cierto que casi siempre apañándoselas para llevárselas al terreno científico. De tal manera que en “Congo” se va claramante al género de aventuras, tremendamente influenciado por el libro de H. Rider Haggard, “Las minas del rey Salomon”, por cierto, considerado uno de los iniciadores del subgénero “mundo perdido”,que inspiraría el título de la secuela de “Parque Jurásico” de Crichton. Pero también al género de terror. Hay que recordar que los dinosaurios de la novela eran bastante más sangrientos que los de la película. Y en “Congo” pasa lo mismo, aunque esta vez los simios de la novela si eran casi igual de fieros en la adaptación a la gran pantalla. Crichton, aparte de volver a imprimir sus dosis de ciencia-ficción al relato, también propone otra de las constantes en su obra literaria, mandar un mensaje. Esta vez planteando un enfrentamiento entre la investigación científica altruísta y la provocada por el interés económico. Mientras tanto nos sumerge en una entretenidísima búsqueda del tesoro por la jungla del Congo.

   LO PEOR: Algo muy característico de la forma de escribir de Michael Crichton, de vez en cuando los personajes entablan conversaciones con largas parrafadas de teorías científicas que chocan con el ritmo marrativo del resto de la acción. Si lo conoces ya te habrás acostumbrado pero si no, puede resultar extraño.

   CONCLUSIONES: La novela es anterior a “Parque Jurásico”, como diez años antes, incluso a “Esfera”, pero fue adaptado al cine después por parte de Frank Marshall, aunque con muchos cambios respecto al libro. No son éstas las únicas novelas de Crichton adaptadas al cine, hubo varias más, como La amenaza de Andrómeda”, “El gran rono del tren” (dirigida por el mismo), “Acoso”, “Rescate en el tiempo” o “Devoradores de cadáveres”.

Música de Película: Avatar

 

   

   Un accidente mientras pilotaba una avioneta nos privó de seguir disfrutando de James Horner. Pero antes nos dejó músicas de tal calidad como las de "Braveheart", "Una mente maravillosa" o "Apolo 13". No obstante, fue su colaboración con James Cameron la que le resultó más provechosa, pues con "Titanic" consiguió sus dos Oscars, a la banda sonora y la canción original, y con "Avatar", aparte de otra nominación más, que sería ya la décima, vendió nada menos que 27 millones de copias.

Tema: Main theme.

Película: Avatar.

Intérprete o compositor: James Horner.

Tema: Tsutey death.

Película: Avatar.

Intérprete o compositor: James Horner.

Tema: Adiemus.

Película: Avatar.

Intérprete o compositor: Karl Jenkins.

Tema: I see you.

Película: Avatar.

Intérprete o compositor: Leona Lewis. 

Escenas Míticas: Agua - Avatar

   Como ya decíamos en la entrega anterior del ciclo se estrena la secuela de esta película, “Avatar, el sentido del agua”, nada menos que trece años después. Pero no vendrá sola pues James Cameron no ha estado perdiendo el tiempo y ya tiene rodadas otras tres secuelas más, a las que solo les falta la postproducción, en una estrategia similar a la utilizada por la trilogía de “El Señor de los Anillos”.

   No es la única vinculación que tiene “Avatar” con esa saga. De hecho, fue la visión de la tecnología utilizada para recrear el personaje de Gollum lo que convenció a Cameron para llevar a cabo la recreación de sus Na’vi. Además, Peter Jackson fue uno de los directores a los que les ofreció ver los primeros 24 minutos de la película en un pase privado para ver cuál era su impresión. Los otros dos fueron Steven Spielberg y George Lucas.

   Para James Cameron era de vital importancia contar con la tecnología para poder dar vida de forma creíble a sus personajes. Es más, el guion ya estaba escrito desde 1994 (antes del rodaje de “Titanic”) pero no fue hasta 2005 cuando se convenció de llevarlo a la gran pantalla. Mientras tanto lo llamó “Proyecto 800”

   Sólo siete títulos tiene James Cameron previos a éste. Incluyendo su lamentable debut en “Piraña 2, los vampiros del mar”, cuando era el responsable precisamente de los efectos especiales y le tocó sustituir al director, Ovidio G. Assonotis, que salió por piernas. Cameron también lo haría después, o al menos renegaría del resultado. Aunque también en tono jocoso dice que hizo la mejor película de pirañas voladoras del cine.

   Pero es que lo que vino después es todo canela en rama; “Terminator”, “Aliens, el regreso” (a día de hoy sigue siendo la mejor secuela, y muchos la ponen al mismo nivel de la primera), “Abbys”( primera vez que utilizaba la cámara estereoscópica), “Terminator 2, el día del juicio final” (gran salto tecnológico de los efectos visuales), “Mentiras arriesgadas” (espectacular parodia de las películas de espías tipo James Bond) y “Titanic”(que se convirtió en la película más taquillera hasta la fecha).

   O hasta que llegó precisamente “Avatar”. Primer puesto que le quitó momentáneamente “Vengadores, End Game”, pero que con el reestreno de “Avatar” volvió a recuperar, dejando la marca en nada menos que 2923 millones de dólares, habiendo invertido 237 en su producción, aunque probablemente la cifra ascendería con los gastos de distribución y marketing.

   Sin duda, Cameron pasará a la historia del cine por su enorme contribución al género de la ciencia ficción. No solo por su filmografía, que realmente no es precisamente muy extensa, aunque con títulos de gran peso, sino por la evolución tecnológica que ha proporcionado a la industria cinematográfica. De tal manera que si “Terminator 2” fue un salto a nivel de los efectos especiales, con “Avatar” consiguió lo mismo.

   Y aquí viene otro de los vínculos con “El Señor de los Anillos “. A través de la compañía de efectos visuales digitales Weta Digital de Peter Jackson, se introdujeron adelantos en la captura de movimiento, que incluso mejoraba la expresividad facial del Gollum de Jackson, y en unas nuevas cámaras estereoscópicas. Hay que tener en cuenta que el 60% de las imágenes de la película son generadas por animación por ordenador. Y el otro 40% de acción real.

   Para aquellos que simplifican este gran esfuerzo pensando que ésto lo crean un par de informáticos con un par de ordenadores, hay que aclararles que para realizar los efectos visuales del film, se necesitaron 4000 procesadores, 104 terabytes de RAM y otros 4000 servidores de Linux. Y también hay que decir que es de las pocas películas que merecen verse en 3D.

   No fue lo único que consiguió. Además de las críticas mayoritariamente positivas, ganó los Globos de Oro correspondientes a mejor película y director. Y nueve nominaciones al Oscar, incluyendo esas categorías, aunque los que ganó fueron los de fotografía, efectos visuales y dirección artística. 

   En el reparto tenemos a Sam Worthington y Zoe Saldana, que repiten en las secuelas. Saldana sale únicamente caracterizada como Neytiri, pero podemos apreciar perfectamente su interpretación, de hecho, creo que es la mejor de la película. Les acompañaban Sigourney Weaver, Stephen Lang, Giavani Ribisi y Michelle Rodríguez. 

   James Cameron reconoce como inspiraciones películas como "La selva esmeralda", "Bailando con lobos", La princesa Mononoke" y la obra literaria de Edgar Rice Burroughs, "John Carter". Y aunque no lo diga también hay algo de "Pocahontas". La intención de Cameron era mandar un mensaje ecologista de biodiversidad frente al imperialismo.