Escenas Míticas: Músicos - Bohemian Rhapsody

 

   Si hace una semana poníamos como ejemplo de biopic de cantante que se mete a fondo con todos los aspectos de la figura a "The Doors", de Oliver Stone, esto es justo lo contrario, estaría en el otro extremo. Porque "Bohemian Rhapsody" es más un homenaje que un retrato de uno de los grupos musicales más importantes de la historia de la música moderna, Queen, y más en concreto de su vocalista y líder, Freddie Mercury.

   Porque si se había criticado a Stone por excesivo en su forma de retratar a Jim Morrison, con Mercury se hizo lo opuesto, un claro blanqueamiento de su imagen, sobre todo en cuanto a su abuso del alcohol y las drogas, tema por el que se pasa descaradamente de puntillas. Algo parecido a lo que se hizo con biopics de otros cantantes como Whitney Houston, Amy Winehouse o Elvis.

   Aunque sí muestra más profundamente el aspecto de su homosexualidad y el debate interno que esto le produjo. Mucho más de pasada se toca el tema de su gusto por las fiestas repletas de excesos o el de su contagio de sida, que final y desgraciadamente fue el motivo de su temprana muerte. Y es que la línea narrativa era estrechamente controlada por los restantes miembros de Queen.

   Porque ya los anteriores intentos de hacer un biopic sobre Queen y mostrar un lado más oscuro y realista de Freddie Mercury habían dado al traste con propuestas anteriores y con retiradas de directores de la talla de Stephen Frears o David Fincher, por motivos de diferencia de criterios creativos, que es otra manera de decir que no les iban a dejar plasmar su visión sobre la historia. Algo parecido a lo que ha pasado con el de Michael Jackson, por lo visto.

   La que si se puso en pie fue la que contaba con Bryan Singer como director. El responsable de las mejores películas de la saga "X-Men" pero también de títulos muy alejados del género de superhéroes, como las magníficas "Sospechosos habituales" o "Valkiria". Paradójicamente, si se había intentado evitar las polémicas de la vida de Mercury, se iban a dar de bruces con las del cineasta elegido.

   Singer fue despedido en la parte final del rodaje. Fue sustituido por Dexter Fletcher, que ya había estado a punto de ser el seleccionado antes que Bryan Singer. Aunque no pudo ser acreditado como codirector, pues la mayor parte de la película era de Singer. Curiosamente, un año después, Fletcher estrenó otro biopic de cantante, más atrevido que este, "Rocketman".

   El motivo de su despido, oficialmente, es por "comportamientos poco profesionales". Se decía que por sus continuos enfrentamientos con el protagonista, Rami Malek, y por sus ausencias en el rodaje, que obligaban al director de fotografía, Newton Thomas Sigel, a hacerse cargo de él. Aunque Bryan Singer se defendió haciendo un comunicado quejándose de que no le habían dejado ausentarse por la grave enfermedad de su padre.

   Aunque la realidad posiblemente sea bien distinta. Y es que iban a darse a conocer las acusaciones de acoso sexual de personas de películas anteriores. Aunque hay que decir que nunca se demostraron y a día de hoy siguen sin hacerlo. Pero provocaron su despido y que no se le nominara en los Oscars en la categoría de mejor director, como era la intención. Y después fue relegado por la industria hasta justo este año, donde por fin va a poder estrenar una película, "Monument".

   Antes de Malek, en anteriores proyectos, habían sido considerados actores como Sacha Baron Cohen (el más atrevido) o Ben Whishaw. Pero en este el elegido fue Rami Malek, tras su trabajo en la serie "Mr. Robot". A quien acompañaron Lucy Boynton (con quien mantuvo una relación sentimental durante cinco años), Joseph Mazzello ("Jurassic Park"), Aidan Gillen, Tom Hollander o Mike Myers. Por cierto, los integrantes de Queen quedaron muy satisfechos con la interpretación de Malek.

   La película tuvo mezcla de críticas. Las negativas lo acusaban de superficial y poco realista retrato de Freddie Mercury. Sin embargo, no le fue mal en la temporada de premios, logrando el Globo de Oro como mejor película dramática, y transformando en estatuillas cuatro de sus cinco nominaciones a los Oscars. Concretamente las correspondientes a mejor actor, montaje, sonido y edición de sonido.

   Y al público le encantó, convirtiéndola en un absoluto éxito de taquilla. Costó 52 millones de dólares y recaudó nada menos que 911. Se especuló durante un tiempo con una secuela que contara desde el concierto de Live Aid hasta su muerte pero no llegó a concretarse.

Send help

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Send Help.
Dirección: Sam Raimi.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 113 min.
Género: Aventuras, comedia, thriller.
Interpretación: Rachel Mcadams, Dylan O'Brien, Edyll Ismail, Dennis Haysbert, Xavier Samuel, Thaneth Warakulnukroh, Chris Pang, Emma Raimi.
Guion: Damian Shannon, Mark Swift.
Producción: Sam Raimi, Zainab Azizi.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Bill Pope.
Distribuidora: 20th Century Studios.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La empleada de una empresa y su jefe, son los únicos supervivientes de un accidente de avión. Van a dar a una isla donde es ella la que tiene más habilidades para mantenerlos a los dos con vida, lo que cambia los roles entre ellos.

   LO MEJOR: Hay que estar de enhorabuena porque sin ser una de las mejores películas de su filmografía, sí recupera a mejor Sam Raimi, el más gamberro e irreverente. Ese que se divierte con su propia película, sin la presión de formar parte de una franquicia, e incluso saliéndose de sus géneros habituales como hacía en “Rápida y mortal”. Porque paradójicamente, aunque nos la hayan vendido como una película de terror, no lo es. Es un survival que está más cerca de la comedia negra que del terror. Eso sí, bastante sangrienta. Porque también recupera ese gusto de Raimi por ser tan exageradamente desagradable que resulta tremendamente divertido, como ya hacía en "Posesión infernal". Temáticamente, “Send Help” nos ofrece una descarada guerra de sexos pero sobre todo de clases, donde los roles de dominación varían radicalmente al variar el entorno que rodea a los dos protagonistas. Probablemente es lo más interesante pero tampoco hay que hacerle lecturas más profundas de lo que son. Raimi lo usa como preámbulo, como marco en el que plantea su historia pero su objetivo casi único es el de entretener. Y ahí cumple sobradamente porque el resultado es un entretenimiento muy divertido, con mucho humor negro, como es marca de la casa, en el que no dejan de pasar cosas continuamente y con un muy buen ritmo.

   Interpretación: Está apoyada casi exclusivamente sobre dos personajes, lo que da la posibilidad a sus intérpretes de lucirse, y así lo hacen. Tanto Rachel McAdams como Dylan O'Brien están geniales y además demuestran tener muy buena química entre ambos, lo que quizá de antemano no parecería que pudieran tener. Aunque estar solos en pantalla, supone una especie de duelo interpretativo entre ambos y aquí hay que decir que lo gana McAdams de largo.

   Escenas (SPOILERS!!): Claramente la escena más destacada es la caza del jabalí. Es un despliegue de sangre y otras secreciones. Aunque tampoco está mal la pelea final con un festival de guantazos, puñaladas, intentos de sacar ojos y demás. O la escena de la castración fuera de plano aunque después resulte no ser tal. A nivel de guion cuesta creer que haya una casa en la isla y Linda (McAdams) esté tan tranquila sabiendo que en cualquier momento puede aparecer alguien. Al igual que la casualidad de que la que aparece sea la novia de Bradley (O’Brien). En lo que respecta a Linda, tiene el perfil de una psicópata, al menos de una persona trastornada. Habla constantemente sola (vale, eso lo hacemos muchos), tiene problemas para relacionarse socialmente y provocó la muerte de su marido. Es casi esperable que cuando se presenta una situación en la que ella es la dominante, no quiera que eso acabe.

   LO PEOR: Hay algunas cuestiones de guion bastante discutibles, de esas que te tienes que creer porque ya estás tan interesado en la diversión que te da igual. Pero que son de “vale, aceptamos pulpo como animal de compañía”. Ayuda a digerirlas que tampoco es que la película se tome demasiado en serio a sí misma.

   REFERENCIAS: Es la versión heavy de "Seis días y siete noches". Y cierto trasfondo de inversión de clases aparece en "El triángulo de la tristeza". Dentro del cine de Raimi, está más cerca de "Arrástrame al infierno".

   CONCLUSIÓN: 6’5. No es su mejor película pero si el regreso del mejor Sam Raimi, aunque no al terror, aunque si hay varias muestras marca de la casa, con este survival sangriento, gamberro y muy divertido, en gran parte, gracias a Rachel McAdams.

Música de Película: Amadeus

 

   Que mejor banda sonora que la música original de uno de los mejores compositores de música clásica de la historia, Wolfang Amadeus Mozart, cuyo segundo nombre da título a la película. Es lo que debió pensar Milos Forman, no crear una score para ella. Sin embargo, ganó el Oscar porque Neville Marriner seleccionó y regrabó las piezas de Mozart adaptándolas en tiempo e intensidad a la película para que funcionaran como parte de la narración. Es decir, más una labor de montaje musical.

   

Tema: Sinfonía 25 en G menor.

Película: Amadeus.

Intérprete o compositor: Mozart/Neville Marriner.

Tema: Requiem, Confitatis.

Película: Amadeus.

Intérprete o compositor: Mozart/Neville Marriner.

Tema: Requiem, Lacrimosa.

Película: Amadeus.

Intérprete o compositor: Mozart/Neville Marriner.

Kill Bill, The whole bloody affair

 

   Mientras seguimos esperando la que parece que nunca va a llegar última película, según el propio Quentin Tarantino, podemos deleitarnos con lo que inicialmente la versión original de “Kill Bill”, que remite con la coletilla “The whole bloody affair”. Probablemente no esté ni entre sus tres mejores películas, tal es su nivel, pero sí es la más disfrutable de su filmografía, la favorita de gran parte de sus fans y la favorita del propio cineasta. La más violenta, la más sangrienta, la que más referencias visuales y sonoras tiene y la más icónica de Tarantino. Por ese motivo es a la que más cariño tiene.

   LA VENGANZA ES UN PLATO QUE SE SIRVE FRÍO

   Tarantino siempre ha defendido que “Kill Bill” es una sola película y nunca la ha contado entre esas diez películas que se propone llegar en su carrera cinematográfica, como dos, ni como si el Volumen 2 fuera secuela del Volumen 1. Sino que es una, partida en dos, lo cual le obligó a dividir el ahora defenestrado Harvey Weinstein. Tarantino se venga de esa imposición mostrando la concepción original como una sola película, lo que hace que se vaya muy holgadamente hasta más allá de las cuatro horas, incluyendo el cuarto de hora de descanso que se tiene en su exhibición en cines.

   ESA MUJER SE MERECE UNA VENGANZA Y NOSOTROS MORIR

   Es la versión que Quentin Tarantino merecía mostrar y nosotros ver. La pregunta que muchos se hacen es si merece la pena verla entera en una sala de cine, teniendo en cuenta su elevada duración, y la respuesta es rotundamente sí. Siempre he defendido que el Volumen 1 tiene un tono y un tempo diferente al Volumen 2, y sigo percibiendo ese cambio tonal ahora en una sola película. Pero es cierto que esta versión se siente más como un todo. Porque aunque los cambios no son tan notables como la Redux de “Apocalypse Now” o el Snyder Cut de “La Liga de la Justicia”, sino mucho más sutiles, no por ello no son notables. No se reduce solo a pegar los dos volúmenes. Ha habido un trabajo de edición, o mejor dicho, se ha vuelto al original que estaba guardado en un cajón. Hay escenas que entran antes, la narración es más fluida y menos episódica, aunque sigue manteniéndose la estructura conocida. Es algo que se percibe mucho mejor si tienes la versión partida reciente, como era mi caso. Se elimina el cliffhanger final del Volumen 1 (bastante ridículo, por cierto) y el resumen inicial del Volumen 2. Parece poco significativo pero se nota bastante.

   Además, hay secuencias extendidas con muchos planos que se cortaban por motivos de censura. Y esto es especialmente perceptible en la parte anime que cuenta la infancia y venganza de O-Ren Ishii y especialmente en la masacre de la Casa de las Hojas Azules, mi parte favorita de toda la película. Así que podemos disfrutar de muchos más cercenamientos de extremidades, decapitaciones y hasta empalamientos, y sobre todo, a pleno color, porque se ha eliminado el blanco y negro que se sacó Tarantino de la manga para eludir la censura. Así que podemos ver ese festival de sangre bien roja.

   Por lo que si eres fan de “Kill Bill” y quieres disfrutar de la experiencia de verla de forma íntegra y como fue concebida originalmente por su director, merece la pena pasar sus más de cuatro horas de puro cine de género, sentado en una butaca con un buen cubo de palomitas.

Escenas Míticas: Músicos - The Doors

 

   Que raro es ver un biopic como este hoy en día sobre una estrella de la música. De hecho, cuando estamos a las puertas del casi estreno del correspondiente a Michael Jackson, ha trascendido que se vieron obligados a eliminar ciertas partes del montaje final, probablemente evitando entrar demasiado en polémicas, bastante cuantiosas, por cierto, en la historia de este cantante.

   Porque el mito no solo es su apartado musical. Estamos hablando de personas con tal trascendencia pública que su vida personal privada, sus excentricidades, sus escándalos, son indivisibles de su parte musical, de su aspecto profesional. El mito es todo, y todo es mito. Sin embargo, hoy en día nos encontramos con biopics sobre cantantes, bastante descafeinados, blanqueados.

   Los grupos musicales originales y los familiares poseen tal control sobre el resultado final que los que pretenden realizar un retrato fidedigno de lo que fue la figura del correspondiente cantante, tienen las manos atadas y se ven obligados a pasar de puntillas sobre las principales polémicas de ellos, que todos sabemos que sí pasaron, por mucho que nos las quieran minimizar.

   De tal manera que cuesta creer que muertes con finales tan oscuros como los de Amy Winehouse, Whitney Houston, o Freddie Mercury, profundamente marcados por la tragedia en la vida real, queden difuminados en las películas que se han hecho sobre ellos, que parecen más homenajes que verdaderos retratos de sus vidas. Probablemente por ello no termine de concretarse el de Madonna.

   No es lo que estaba dispuesto a asumir Oliver Stone cuando aceptó encargarse de adaptar la historia de uno de los grupos más influyentes de la música moderna, y más en concreto de la de su principal figura, su vocalista, Jim Morrison. De tal manera que aunque varios integrantes de los Doors ejercieron como consejeros, Stone hizo realmente lo que le dio la gana.

   Retratando a Jim Morrison como poco menos que un psicótico, incidiendo en su abuso del alcohol, las drogas y el sexo. Prácticamente no hay ni una escena en la que el cantante no vaya colocado o borracho. Lo que le valió no pocas críticas, del propio grupo de los Doors y de los seguidores, y a la prensa cinematográfica la dividiría, predominando los comentarios negativos.

   Poco le importó a un Oliver Stone en el mejor momento de su carrera, con dos Oscars ya bajo el brazo, tres si contamos el de guionista por “El expreso de medianoche”. Que en su repaso de la historia moderna de Estados Unidos, venía de firmar “Platoon”, “Wall Street” y “Nacido el 4 de julio”. Y que tras “The Doors”, realizaría la que considero su mejor película, “JFK, caso abierto”.

   No volvería a alcanzar el nivel de estos títulos aunque sí dirigió películas tan reseñables como “Asesinos natos”, “Nixon”, “Giro al infierno” o “Un domingo cualquiera”. Sin embargo, lleva prácticamente los últimos diez años haciendo documentales, cuando ya cuenta con 79 años. Ojalá vuelva a dejarnos alguna película más de verdad.

   Para el papel de Morrison se barajaron nombres como los de Tom Cruise, Johnny Depp, John Travolta o Richard Gere, pero el elegido fue uno no muy conocido por aquella época, Val Kilmer, aunque ya había hecho “Top Gun” y “Willow”. Sería precisamente “The Doors” quien lanzara definitivamente su carrera como actor. No sería la única vez que encarnase a una leyenda de la música. Se puso en la piel de Elvis Presley en “Amor a quemarropa”, aunque eso fue más un cameo. Su interpretación fue lo más destacado de una película que económicamente fue una decepción. Costó 32 millones de dólares y recaudó solo 34.

   Pero no fue por culpa de Kilmer, que estuvo casi un año viviendo como Jim Morrison, visitando sus lugares emblemáticos, hablando como él. Se aprendió 50 de sus canciones e interpretó con su voz 15 de ellas para la película. Incluso los integrantes de los Doors declararon que no podrían diferenciar su voz de la de Morrison. Le acompañaban en el reparto Meg Ryan, Kyle MacLachlan, Kevin Dillon, Michael Madsen, Kathleen Quinlan o Michael Wincott.

Noche de Bodas 2

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Noche de bodas.
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 108 min.
Género: Thriller, terror, comedia.
Interpretación: Samara Weaving, Kathryn Newton, Kevin Durand, Sarah Michelle Gellar, Elijah Wood, Shawn Hatosy, Néstor Carbonell, David Cronenberg, Olivia Cheng, Varun Saranga, Daniel Beirne.
Guion: Guy Busick, R. Christopher Murphy.
Producción: Tripp Vinson, Bradley J. Fischer, William Sherak, James Vanderbilt.
Música: Sven Faulconer.
Fotografía: Brett Jutkiewicz.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras sobrevivir toda la noche y, como consecuencia, acabar con toda la familia Le Domas, Grace se da cuenta que eso ha activado la siguiente fase del juego, que las demás familias se disputen el poder que controla el mundo. Pero esta vez tiene a su hermana acompañándola.

   LO MEJOR: Gran parte de la culpa de que se repitan las fórmulas es del propio público, cuando compran más entradas para secuelas que para propuestas originales y cuando además le piden a la secuela exactamente lo mismo que a la original. Esa es la premisa que ha seguido la pareja de directores, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, que si algo funciona, no hay que tocarlo. Que cuando se pidió una secuela de “La jungla de cristal”, querían exactamente eso de nuevo. Y estos cineastas eran plenamente conscientes de que eso era justo lo que les pedían a ellos. Por eso no se esfuerzan lo más mínimo en ocultarlo. Han pensado, si les ha gustado esto, esto le vamos a dar pero en dosis multiplicadas. Así que, salvo alguna que otra modificación como doblar el protagonismo femenino, básicamente, han vuelto a darnos un survival muy gamberro y tremendamente divertido, porque ese humor negro que ya impregnaba a su antecesora aquí se hace más patente, acercándose a la comedia de terror. Por ejemplo, casi se autoparodia con la enorme cantidad de hemoglobina que hay casi en cada escena. Además, como aquí se ahorran la introducción y la presentación de los nuevos personajes es lo más simplificada posible, la película arranca muy pronto y desde ahí es trepidante hasta el final. De hecho comienza justo donde terminó la primera, casi que podrían verse seguidas en una especie de versión a lo “Kill Bill, The Whole Bloody Affair” de Quentin Tarantino. La cuestión es que si te lo pasaste bien con la anterior,  harás lo propio con esta.

   Interpretación: Ha demostrado bastante más versatilidad de la que se le reconoce pero es verdad que se especializó en películas de terror de cierto toque de serie B. Y Samara Weaving sigue siendo la reina de esta función, y ni poniéndole a Kathryn Newton de coprotagonista consiguen opacarla ni un poquito. Por cierto, con la que mantiene una buena química. Eso sí, esta vez el reparto trae más nombres, algunos tan icónicos como Sarah Michelle Gellar o Elijah Wood. O Shawn Hatosy (“The Faculty”) o Kevin Durand. Hasta David Cronenberg tiene un cameo.

   Escenas (SPOILERS!!): Estaba claro que el final debía superar al de la anterior aunque solo fuera en cuanto a cantidad de explosiones sangrientas y vaya que sí lo cumplen. Es tan exagerado que te tienes que reír. Aspecto que parodian durante toda la película en cuanto a que las protagonistas se la pasan enteras llenas de sangre de la gente que les revienta en las narices. Aunque la mejor escena es la paliza doble a las hermanas, una contra Titus (Hatosy) y otra desternillante pelea de Grace contra Francesca. Por cierto, es conocida ya la capacidad de Samara Weaving para el grito y aquí la hacen lucirse en ese arte con una discreta a cámara, casi rompiendo la cuarta pared.

   LO PEOR: Tiene más acción, más sangre y más de todo, pero como película es inferior a la original, precisamente porque el único cambio de una a otra es que la primera tenía un primer acto donde dominaba la intriga que explotaba al comenzar el segundo con un gran giro. Y eso se pierde aquí. Aparte de no aportar ninguna novedad reseñable.

   REFERENCIAS: Se notaba su dirección en las dos entregas de “Scream”, que dirigió el dúo Bettinelli-Olpin/Gillett, al igual que se ha notado su ausencia en la última. Aquí vuelven a mostrar lo que propusieron en “Noche de bodas”, que ya era una especie de “Tú eres el siguiente" y que repitieron en "Abigail".

   CONCLUSIÓN: 7. Es prácticamente lo mismo que la primera entrega, por eso tiene los mismos niveles de gamberrismo y diversión, pero aumentando la cantidad de sangre y violencia. Samara Weaving vuelve a ser la reina de la función.

Música de Película: Proyecto Salvación

 

   Daniel Pemberton me parece un compositor infravalorado. Fue nominado al Oscar por una canción de "El juicio de los 7 de chicago" y se le reconoce por bandas sonoras como "Spider-Man: Cruzando el multiverso" o "Steve Jobs". Aunque personalmente me parece una maravilla el trabajo que hizo con la música de la serie "Cristal Oscuro, la era de la resistencia". Y en esta "Proyecto Salvación", donde compone una atípica banda sonora para una película del espacio, que parece que tira más al terreno de las aventuras.

Tema: Amaze.

Película: Proyecto Salvación.

Intérprete o compositor: Daniel Pemberton.

Tema: Life is reason.

Película: Proyecto Salvación.

Intérprete o compositor: Daniel Pemberton.

Tema: Sign of the times.

Película: Proyecto Salvación.

Intérprete o compositor: Harry Styles.

La hermanastra fea

 

   FICHA TÉCNICA

Título: La hermanastra fea.
Dirección: Emilie Blichfeldt.
País: Noruega.
Año: 2025.
Duración: 110 min.
Género: Terror.
Interpretación: Lea Myren, Thea Sofie Loch Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gardinger, Ralph Carlsson, Isac Aspberg, Albin Weidenbladh, Oksana Czerkasyna, Katarzyna Herman, Adam Lundgren, Willy Ramnek Petri.
Guion: Emilie Blichfeldt.
Producción: Maria Ekerhovd, Lizette Jonjic, Mariusz Włodarski, Theis Nørgaard
Música: John Erik Kaada, Vilde Tuv.
Fotografía: Marcel Zyskind.
Distribuidora: Scanbox Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Elvira, una de las hermanastras de Cenicienta, debe competir con su belleza para conseguir ser elegida por el príncipe. Para ello está dispuesta a hacer toda clase de sacrificios físicos, para ponerse a su altura.

   LO MEJOR: Últimamente se ha puesto de moda convertir ciertos personajes de cuentos infantiles como brutales slasher de terror. Desde Winni de Pooh, Bambi, Popeye, hasta Peter Pan. Todos bastante malos y de una calidad paupérrima. Por eso conviene dejar claro que no es lo que han hecho aquí, porque esta película es bastante superior a cualquiera de ellos. Aquí han cambiado el foco, contando la historia desde el punto de vista de una de las hermanastras de Cenicienta, lo que la relega a ella a un plano secundario. Pero la historia es básicamente la misma. Eso sí, la han convertido en una body horror porque para poder competir con ella en la atención del príncipe, Elvira tiene que someterse a unos “tratamientos de belleza” brutales. Aquí es donde la película encuentra su valor añadido, en hacer una crítica de los estándares de belleza sufridos por las mujeres. Porque aquí la búsqueda obsesiva de la belleza no está motivada por la vanidad sino por la supervivencia, y el sacrificio para conseguirlo se simboliza en esa forma extrema de “cirugía estética” de la época. Ahí es donde se recrea de lo lindo porque es tan desagradable como pretende. Eso sí, con mucho sentido de un humor muy negro. Cabe resaltar que los cuentos de los hermanos Grimm realmente eran muy terroríficos y no como se han empeñado Disney en mostrarlos. De hecho, la escena más fuerte de la película es totalmente fiel al cuento original de “Cenicienta”. Pero además de todo esto, la película despliega un gran trabajo de ambientación gótica, de vestuario pero especialmente de maquillaje (fue nominada al Oscar).

   Interpretación: Quien haya visto a Lea Myren en la ceremonia de los recientes Oscars, ni la habría reconocido. Porque efectivamente, en realidad es guapísima. En la película se han empeñado en mostrarla muy "fea" para luego ir mejorando progresivamente y finalmente terminar horrible. Y hay que decir que en todo ese proceso, la actriz lo da todo y está genial.

   Escenas (SPOILERS!!): El maltrato físico al que es sometida Elvira (Myren) es brutal. Le rompen la nariz para hacérsela más corta posteriormente, le cosen unas pestañas a los párpados y luego pierde todo el pelo. Y todo lo vemos de la forma más explícita posible. Aunque la escena más fuerte es en la que ella misma se corta los dedos de los pies con una especie de hacha, para que le pueda caber en el zapato de Cenicienta. Eso es fiel al cuento de los Grimm. De hecho, se queda corta pues en el texto original, una de las hermanastras se corta los dedos pero es que la otra se corta el talón. Lo más sorprendente, no obstante, es cómo muestran escenas de sexo mostrándonos genitales tanto femeninos como masculinos de forma explícita, lo cual es bastante gratuito, yo creo. Por ejemplo, en la escena de Agnes (Cenicienta) en la cuadra.

   LO PEOR: Que nadie espere un festival de sangre como los ejemplos que he puesto antes porque esto no es un slasher gore. Es más, su ritmo es más bien lento y se toma tiempo en su desarrollo. Que es verdad que se podría haber recortado un poco.

   REFERENCIAS: El tema de crítica de los estándares de belleza y la obsesión por conseguirlos a cualquier precio va muy en la línea de “La sustancia” y de otras películas que han seguido ese camino, como “Grafted”.

   CONCLUSIÓN: 7. Retorcida interpretación del cuento de Cenicienta, trasladando el protagonismo a una de las hermanastras y al terreno del body horror, en su crítica de los estándares de la belleza sufridos por las mujeres actualmente.

Escenas Míticas: Músicos - Amadeus

 

   Que pocas películas hay sobre compositores de música clásica. Si coges la lista de los que se consideran los mejores de la historia con nombres como Johann Sebastian Bach, Robert Wagner, Frédéric Chopin o Johannes Brahms, solo encontramos, y no muchas, de los dos más famosos, como Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart. Siempre hablando de películas que hayan llegado a salas de cine, no a la televisión ni en formato documental.

   Y resulta que de esos dos más conocidos por el público no entendido en música clásica, tienen muy pocos títulos. Podemos nombrar “Amor inmortal” y “Copying Beethoven”, de Beethoven, interpretados respectivamente por Gary Oldman y Ed Harris respectivamente. Y tan solo precisamente esta “Amadeus” por parte de Mozart.

   Y ninguna de ellas es un biopic puro sino que están enfocadas desde un punto de vista muy particular. Como le pasa a “Amadeus”, narrada desde el punto de vista de otro compositor real, Antonio Salieri, supuestamente rival del propio Mozart en la ficción de la película. Aunque no hay ninguna prueba de esa enemistad en la realidad.

   Una rivalidad que es más que probable que ni existiera. De hecho, se sabe que trabajaron juntos en la cantata “Per la ricuperata salute di Ofelia”, y que el propio Mozart invitó a Salieri a su ópera “La flauta mágica”, la cual aceptó y se deshizo en elogios al término, sobre la obra del compositor alemán. Incluso llegó a dirigir otras óperas de Mozart tras su muerte.

   Cuya causa no fue el envenenamiento, que estaba más basada en la leyenda de que Mozart fue envenenado por algún compositor envidioso. Sus síntomas estaban muy lejos de encajar con una intoxicación por arsénico o mercurio. La causa oficial de la muerte fue fiebre miliar aguda, un término que es verdad que es muy poco preciso. Lo más probable es que fuera por fiebre reumática, la cual padeció en su infancia, o un fallo renal.

   Así que no, Antonio Salieri no fue quien mató a Mozart, aunque en la película “El último gran héroe” se bromea con ello, en un ejercicio habitual en ella de metacine, porque también participa el actor que lo interpretaba, F. Murray Abraham. De hecho, se sabe que quien estuvo en sus últimos días tomando notas de su última obra, "Réquiem", fue un aprendiz suyo, Franz Xavier Süssmayr.

   Pero Milos Forman tomó la obra de teatro de Peter Shaffer, quien además escribe el guion de la película, como excusa para elaborar una fábula sobre la envidia, que adquiere tintes de terror en su tramo final, y también sobre la obsesión por el talento y la perfección, que inspiró a películas posteriores y relativamente modernas, como “Cisne negro” o “Whiplash”.

   Un Forman que en su segunda película en Estados Unidos, triunfó con “Alguien voló sobre el nido del cuco”, logrando cinco Oscars, uno de ellos para él mismo. Le siguieron títulos como “Hair”, “Ragtime”, hasta llegar a “Amadeus”, que se convirtió en una de las películas más oscarizadas, con ocho estatuillas, la segunda para él como director. Cosechó muy buenas críticas y terminó con cuarenta premios.

   Además de ser reconocida como una de las diez películas más representativas de Estados Unidos. Costó 18 millones de dólares y recaudó 52 en taquilla. No volvió a alcanzar ese nivel aunque sí buenas películas, como “El escándalo de Larry Flynt”, “Valmont” o “Man on the Moon”, desde 2005 estuvo inactivo hasta su fallecimiento en 2018.

   La rivalidad del argumento fue llevada tras las cámaras, en lo que parece que fue un ejercicio consciente, llevando a la prensa el debate de quien era realmente el protagonista de la cinta, Tom Hulce (Mozart) o F. Murray Abraham (Salieri). Lo cierto es que eran coprotagonistas. De hecho, ambos fueron nominados para el Oscar en la misma categoría, la de actor principal, que terminó ganando el segundo. Completaban el reparto nombres como Jeffrey Jones o Cynthia Nixon

Proyecto Salvación

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Proyecto Salvación.
Dirección: Phil Lord, Christopher Miller.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 156 min.
Género: Ciencia ficción, thriller, aventuras.
Interpretación: Ryan Gosling, Milana Vayntrub, Sandra Hüller, Ken Leung, Liz Kingsman, James Ortiz, Lionel Boyce, James Wright, Priya Kansara, Alice Brittain, Orion Lee, Aaron Neil, Isla McRae, Robert James Smith, Bastian Antonio Fuentes, Richie Cheung, Annelle Olaleye.
Guion: Drew Goddard. Novela: Andy Weir.
Producción: Amy Pascal, Ryan Gosling, Phil Lord, Christopher Miller, Aditya Sood, Rachel O'Connor, Andy Weir.
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Greig Fraser.
Distribuidora: MGM.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre despierta en una nave espacial sin saber porque está allí ni que tiene que hacer. Pero a medida que va recordando, se da cuenta que tiene entre manos una importante misión, salvar la tierra. En su tarea contará con la ayuda de un inesperado amigo.

   LO MEJOR: Que bien vienen algunas veces películas como estas, que desprenden buen rollo por todas partes, y además para todos los públicos pero con una propuesta madura y no infantilizada. Se nota que está basada en una novela de Andy Weir, que ya fue adaptado en “Marte”, por el tono y el estilo de la historia. Porque hace una perfecta fusión de géneros, como la comedia (pero sin excederse en su estado cómico), la ciencia ficción y las aventuras, que termina imponiéndose. Uno de los aspectos más interesantes es que la justificación científica, más allá de estar plenamente inventada, es bastante creíble y estar bien explicada. Aunque en realidad es la historia de una amistad. Independientemente de que asistamos a la “enésima salvación de nuestro planeta”, lo que de verdad es su espíritu, es el de una buddy movie. Una extraña e improbable relación entre dos seres de mundos tan distintos que uno nunca podría vivir en el del otro de forma natural, pero no supone problema para que se hagan amigos, formen equipo y arriesguen su vida por el otro. Es la relación con Rocky (“no el de la película”, hay que verla para entender esta referencia), sin duda, lo mejor de la película. Junto a sus efectos especiales, mucho más prácticos y artesanales de lo que sería esperable. Tiene momentos muy emotivos y también emocionantes. Me lo he pasado realmente bien.

   Interpretación: Que infravalorado está Ryan Gosling y que injusta la acusación de que es un actor inexpresivo. Igual algunos deberían atender a que esa calificación se la ganó por dos películas del mismo director, Nicolas Winding Refn, concretamente “Drive” y “Solo Dios perdona”, y que quizá era lo que le demandaba. Porque es un actor tan dotado para el drama como la comedia. Y si no, comparad su vuelta al espacio con la anterior incursión, con "First Man". Aquí le acompaña una gran actriz como Sandra Hüller.

   Escenas (SPOILERS!!): Personalmente me encanta la parte en la que están aprendiendo a comunicarse, que además ocupa una parte importante en el segundo acto. Aunque, sin duda, el momento más emocionante es el de que Rocky salva a Ryland (Gosling) de una muerte segura, a costa de poner la suya en peligro saliéndose de la cápsula que le protege de la atmósfera de la nave humana. Te temes lo peor. Y también la despedida entre ambos. Aunque quizá cuando vuelven a verse, cuando Ryland vuelve interceptando la nave de Rocky de camino a su planeta, debería haberse quedado ahí. Ya sabemos que va a salvarle. No necesitamos lo de la playa y los alumnos de Erid, el planeta de Rocky. Pero bueno, tampoco desentona.

   LO PEOR: No se hace para nada aburrida en ningún momento porque siempre están pasando cosas y cuando se para a desarrollar, siempre es entretenida. Pero quizá sí se va de metraje. Y posiblemente sea precisamente en su parte final.

   REFERENCIAS: Como decía, se nota que tiene el mismo origen, del escritor de que se adaptó para “Marte”, y vemos elementos que recuerdan a películas como "Contact", “Interstellar” o “La llegada”. Pero está más cerca de Steven Spielberg en cuanto a tono, o Robert Zemeckis, especialmente en “Náufrago”.

   CONCLUSIÓN: 8. Su larga duración no es impedimento para que resultar un entretenimiento de primera clase, una buddy movie en el espacio, llena de buen humor y aventuras. Y un Ryan Gosling que da réplica a los que le tachan de inexpresivo.

Música de Película: Granujas a todo ritmo

 

   Una auténtica recopilación de grandes temas clásicos del Blues, Soul y Rhythm and Blues, con varias versiones de los que pasaron a llamarse The Blues Brothers, con los protagonistas de la película a la cabeza, e invitados tan legendarios como James Brown, Aretha Franklin, Cab Calloway o Ray Charles.

Tema: Can’t turn you loose.

Película: Granujas a todo ritmo.

Intérprete o compositor: Blues Brothers.

Tema: The old landmark.

Película: Granujas a todo ritmo.

Intérprete o compositor: James Brown.

Tema: Think.

Película: Granujas a todo ritmo.

Intérprete o compositor: Aretha Franklin.

Tema: Everybody needs somebody to love.

Película: Granujas a todo ritmo.

Intérprete o compositor: Blues Brothers.

Escenas Míticas: Músicos - Granujas a todo ritmo

 

   Este mes se estrena el que probablemente es uno de los biopics más esperados durante años y una de las películas que producen más expectación de este 2026, “Michael”, sobre el rey del pop y, sin duda, uno de los cantantes más importantes de la historia de la música, que será interpretado por su sobrino, Jaafar Jackson. La película es dirigida por Antoine Fuqua, y nos sirve de excusa para hablar de películas sobre músicos reales.

   Aunque precisamente la película con la que vamos a comentar no sigue ese patrón. No es un biopic en absoluto sobre un grupo real de música sino que siguió justo la dirección contraria. Fue a partir de la película desde la que se creó un grupo que previamente no existía.

   Vamos a explicarlo. Los personajes principales se desarrollaron a partir de un sketch del programa de televisión Saturday Night Live, protagonizado por Dan Aykroyd y James Belushi. De hecho, el propio Aykroyd coescribe el guion junto al director de la cinta, John Landis. No obstante, la película no es un sketch alargado sino totalmente independiente de él y que funciona perfectamente sin necesidad de conocerlo previamente.

   Ahora bien, a partir de la película, los Blues Brothers sí existieron. Es más, llegaron a dar conciertos y vender discos, hasta el punto que el álbum “Briefcase Full of Blues” se colocó número uno en Estados Unidos. Y ellos ganaron un Grammy por la mejor interpretación. Además, el grupo lo completaban leyendas de la música como Steve Cropper, Donald “Duck” Dunn y Willie Hall. Además de contar con las participaciones de grandes estrellas del género.

   Que son los mismos que ya hacían cameos para la película, con nombres tan ilustres como Ray Charles, James Brown, Cab Calloway o Aretha Franklin. El reparto lo completaban Carrie Fisher y John Candy, acompañando a los ya mencionados protagonistas, Dan Aykroyd y James Belushi.

   “The Blues Brothers”, o como casi jocosamente se llamó en España, “Granujas a todo ritmo”, fue pionera en cuanto a películas surgidas a partir de sketches de Saturday Night Live. A la que siguieron otras, aunque ni mucho menos con el mismo éxito, como “Wayne’s World”, “Un loco a domicilio” o “Los caraconos” (también con Aykroyd).

   Porque “The Blues Brothers” es una de las comedias más valoradas de la década de los ochenta y casi considerada como una referencia para películas que funcionaban como musicales disfrazados, tales como “The Commitments” o “Escuela de rock”. Porque esa es una de las características que mejor le funcionan a su fórmula, la mezcla de géneros. Es una comedia con gran importancia del apartado musical pero también hay mucha acción.

   No en vano, aún a día de hoy, tiene una de las mejores persecuciones de coches del cine, y una de las más largas (todo el tramo final lo es) y divertidas de la historia. Donde se llegaron a destruir 103 coches, lo que supuso en su momento un récord Guinness. Todo el caos de esa secuencia, y en general de la película, era el que, al parecer, también se tenía tras la cámara.

   Por ejemplo, se tuvo que contratar a gente para que fueran a buscar a James Belushi por los bares cuando desaparecía, que era muy a menudo. Eso y otras muchas situaciones disparatadas, hizo que el presupuesto se disparase hasta los 30 millones de dólares, muy alto para la época y más teniendo en cuenta que era una comedia. Aun así salió rentable porque recaudó 120 en taquilla.

   

   Lo que posibilitó una secuela, aunque casi veinte años después, en 1998, "The Blues Brothers 2000". Esta vez si se respetó el título original en España. Que dirigió el mismo John Landis.

 

      Que antes de realizar la original, venía de hacer otra comedia referencia, "Desmadre a la americana" (también con Belushi), una de terror pero con marcado tono cómico, "Un hombre lobo americano en Londres", a la que siguieron varias comedias de éxito, asociándose con Eddie Murphy, como "Entre pillos anda el juego", "El príncipe de Zamunda" o "Superdetective en Hollywood III".