Escenas Míticas: África - Zulú

 

   Considerada por muchos como una de las mejores películas bélicas en clave clásico y basada en hechos reales, a los cuales se fue bastante fiel, más allá de las lógicas licencias dramáticas. Título especialmente importante para Michael Caine, que por primera vez ejerció como uno de los protagonistas de la película, junto a Stanley Baker, que era el actor fetiche del director, Cy Endfield.

   Un Endfield que había emigrado de Estados Unidos, al ser acusado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses de ser comunista, lo que le supuso ser puesto en una lista negra que provocó su exclusión de los estudios de Hollywood, después de haber hecho películas allí como “Historias del hampa”. Ya en Reino Unido, antes de la que ahora comentamos, realizó títulos como “Ruta infernal “ (con Stanley Baker también) o “La isla misteriosa”(adaptación de novela de Julio Verne).

   Siendo un hecho histórico, situemos el relato. Lo narrado en la película sucede justo después del mayor fracaso del Imperio Británico en la batalla de Isandhlawana la primera contra el Reino Zulú, once días después de la invasión de los británicos de su territorio en Sudáfrica, 20000 zulúes masacraron a una columna británica de 1500 hombres.

   El resultado de dicha batalla es una de las primeras escenas de la película pero el desarrollo de la contienda se contó en una precuela estrenada nada menos que 15 años después, con Burt Lancaster y Peter O’Toole como protagonistas y que se centra en los días previos y la propia batalla que desembocó en la masacre de Isandhlawana. Cy Endfield fue su guionista.

   La cuestión es que el ejército zulú, ese mismo día, persiguiendo a los británicos dispersados y huyendo dieron con la misión de Rorke’s Drift donde aguardaban 140 soldados del Imperio Británico, contando heridos incluso. Lo que consiguieron se considera una de las defensas más heroicas, y más condecoradas por el Reino Unido, de un puesto militar, pues esos 140 hombres consiguieron resistir a 3000 zulúes, aunque la película se diga que son 4000.

   La hazaña fue muy promocionada por el Imperio Británico, dándole una publicidad exagerada, probablemente para amortiguar el desastre que había supuesto perder ese mismo día a 1500 soldados bien armados con armas de fuego. La realidad es que el intento de asalto por parte de los zulúes de Rorke’s Drift fue un enorme error estratégico, pues tuvieron 700 bajas intentando abordar un puesto que carecía de valor.

   Finalmente, todo lo acontecido en esos dos días supuso que el conflicto definitivamente no se resolviera de forma pacífica y que el Imperio Británico realizara una segunda invasión con mayor fuerza militar. Por cierto, el saludo final de los zulúes antes de retirarse como reconociendo la valentía y bravura de los soldados británicos (que eran galeses) es totalmente falso, no ocurrió.

   Como decía, fue el primer papel como coprotagonista de Michael Caine, lo que supuso el lanzamiento del actor, que personalmente considero que se comía a Stanley Baker en todas las escenas, no estando mal Baker, que además de ser el actor con que ya había colaborado Cy Endfield en varias ocasiones, también ejercía como productor de la película.

    El film fue rodado en la propia Sudáfrica, concretamente las montañas de Drakensberg. A pesar de contar con numerosos extras, solo costó 2 millones de dólares. Claro que todos los extras eran zulúes verdaderos y no salieron muy caros. De hecho, el rodaje se dio en pleno período Aparheid en Sudáfrica, que empezó en 1948 y terminó en 1990. La película consiguió recaudar 8 millones en taquilla.

As bestas

 

   FICHA TÉCNICA

Título: As bestas.
Dirección: Rodrigo Sorogoyen.
País: España.
Año: 2022.
Duración: 137 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Marina Foïs, Denis Ménochet, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb, Luisa Merelas, José Manuel Fernández y Blanco, Xavier Estévez, Gonzalo García, Federico Pérez, Javier Varela, Pepo Suevos, Machi Salgado, Emile Duthu.
Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen
Música: Olivier Arson.
Fotografía: Álex de Pablo.
Distribuidora: Le Pacte.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un matrimonio de franceses vive en una aldea gallega en un proyecto de vida basado en poner en marcha una granja. Pero un conflicto con sus vecinos hace que se cree una tensión que va creciendo hasta límites peligrosos.

   LO MEJOR: No tengo ninguna duda que es la mejor película española de este año y probablemente de la propia filmografía de su director, Rodrigo Sorogoyen, que si bien es cierto que no es muy extensa pero en la que ya tiene títulos tan destacados como “Que Dios nos perdone” o “El reino”, y esta “As bestas”, que le sitúan como el cineasta patrio más en forma actualmente. Pues es un especialista en aunar drama con thriller a la perfección. Esta vez, basándose en un hecho real ocurrido en 2010, Sorogoyen cocina a fuego lento una historia tensa y agobiante que va creciendo en su escala de tragedia y de violencia, no explícita pero sí psicológica. Pero además, mientras nos la cuenta nos transmite el retrato de la España vaciada, impactada por la llegada del progreso y también el retrato de dos puntos de vista contrapuestos, ninguno exento de razón, que sirve como caldo de cultivo para un nivel de odio que asciende exponencialmente hasta tocar con la punta de los dedos el folk horror, porque ese suspense se acerca al terror rural, sin llegar a serlo claramente. De hecho, en su manera de presentarnos el conflicto y las dos posiciones enfrentadas, recuerda el modus operandi del western. Es más, el argumento es perfectamente extrapolable. Aunque esa tensión asfixiante es más palpable por lo que el director nos hace pensar en que podría pasar a continuación que por lo que realmente llega a ocurrir.

   Interpretación: El protagonismo es bastante más coral de lo que puede parecer en principio. Y todos están excelentes, todos. Si bien puede parecer más protagonista el galo Denis Menochet (el del prólogo de “Malditos bastardos”), que por cierto, antes de la película no sabía hablar español y le supuso un tremendo esfuerzo, pero más adelante tomará la delantera Marina Fois, sobre todo en el tercer acto. Al otro lado están Diego Anido y especialmente Luis Zahera, actor casi fetiche para Sorogoyen, aunque más en papeles secundarios. Sin duda, ésta es la mejor interpretación para el director pero también probablemente de su carrera. Es que todos están bien, incluso Marie Colomb, aunque más brevemente.

   Escena (SPOILERS!!): Que interesante es como trata el concepto de bestia el director español. Ya presentado en el prólogo, mostrando como unos hombres inmovilizan a un caballo, a la bestia. Son evidentes los paralelismos con la escena del asesinato de Antoine (Menochet), inmovilizado de igual manera, aunque curiosamente esta vez, las bestias son los dos agresores. Una secuencia en la que el plano se va cerrando de igual manera que en dicho prólogo. Pero además hay escenas de diálogo de una tensión brutal, como la del bar entre esos mismos personajes, donde el francés intenta hacerles entender pero de dónde también podemos comprender la postura de los hermanos. O la de Olga (Fois), con su hija Marie (Colomb) que intenta sacarla de ese pueblo, tras la desaparición de su padre. O la conversación de Olga con la madre de los asesinos, diciéndole que va a quedarse sola pues a sus hijos van a meterlos en la cárcel.

   LO PEOR: Como no, ha tenido su polémica. Una de las razones es por el uso de tres lenguas; el castellano, el gallego y el francés. Y parece que hay quien no aprueba como se ha usado el gallego. Pero sobre todo se ha criticado la película por el retrato que hace de la Galicia profunda. Sin embargo, es que no lo hace, si del mundo rural pero no como critica sino como descripción del contexto.

   REFERENCIAS: Claro que se reconoce la manera de rodar de Rodrigo Sorogoyen, a base de planos largos como miniplanos secuencia. Pero la película juega en el terreno del thriller rural a lo “Deliverance” y más evidentemente “Perros de paja”, incluso el “Prisioneros” de Denis Villeneuve.

   CONCLUSIÓN: 8. Sorogoyen no falla y se marca la mejor película española del año, a caballo entre el drama y el thriller rural, mientras retrata la España vaciada pero sobre todo un tenso enfrentamiento entre vecinos y el estallido del odio.

Música de Película: Casablanca

 

   Pocas canciones son tan icónicas como el "As time goes by" cantado por Dooley Wilson (Sam en la película) en toda la historia del cine. Porque es eso lo que es la banda sonora de "Casablanca" y en especial esa canción, historia del cine.

Tema: Suite.

Película: Casablanca.

Intérprete o compositor: Max Steiner.

Tema: As time goes by.

Película: Casablanca.

Intérprete o compositor: Dooley Wilson.

Microcríticas Express: El extraño (Watcher)/El extraño/Crímenes del futuro

 

   Lo más evidente es que juega con la idea del vouyerismo. Pero además le agrega la connotación del acoso. También juega con la posibilidad de la paranoia de la víctima. No quieren dar el mensaje de que cualquiera que sea observado desde una ventana sea una víctima de acoso y por otro lado tampoco de que haya que ignorar las señales de que hay un posible acosador. Suena muy ambiguo, eso es porque intento eludir cualquier posibilidad de hacer un spoiler o de dar una pista de que es lo que pasa al final de la película. No obstante, es que la propia situación es ambigua, si después de verla, te da la curiosidad de mirar por la ventana para ver si alguien está observando, si alguien te ve, puede pensar exactamente lo mismo sobre tí. A todo eso le saca partido la directora Chloe Okuno, porque realmente no tiene más que ese juego hitchcockiano de “La ventana indiscreta”, la película es modestísima y gran parte de la historia se desarrolla en un apartamento. Eso si, con una Maika Monroe en forma, no tanto en la línea de esa actriz que estaba llamada a ser una de las nuevas scream queens, sino con un personaje de mayor carga dramática. De hecho, es prácticamente ella solita quien lleva el peso de la película. Y a ver si después de verla seguís con las cortinas o las persianas abiertas. 6’5.

   Sinceramente no conocía el caso éste y prácticamente no me he enterado de que iba la historia hasta ya bastante entrada. Porque pensaba que era la típica película de psicokiller pero resulta que fue una compleja operación para sonsacar información a un asesino sobre sus víctimas para poder utilizarla contra él. No voy a revelar nada más, pero digamos que la trama no va tanto de saber si es culpable o no, ni de quien es, sino de ganarse su confianza. La narración es tremendamente sobria. No hay alardes de dirección ni adornos estéticos. Casi hay un tono periodístico o documental. Aunque en realidad transita más hacia el género policíaco. Lo más destacable es la labor de montaje, que se hace notar especialmente en el tercer acto. Aunque si es verdad que tiene tramos en los que se echa de menos un poco más de brío narrativo, un poco más de movimiento con la cámara. Pero, sin duda, lo más sobresaliente es el duelo interpretativo entre los dos protagonistas, ya no solo por sus actuaciones, que son magníficas, tanto Joel Edgerton como Sean Harris, sino por la gran química entre ambos, pues aunque en teoría son antagonistas, la relación de “amistad” entre ellos es una de las claves del argumento. Buena película que quizá en manos de otro director podría haber sido más brillante pero que cumple de todas formas. 6’5.

   El cine de David Cronenberg siempre es una experiencia en si. Más si, como en este caso, vuelve a la corriente creada por él mismo, la “nueva carne”, en esa fusión de lo orgánico con lo tecnológico, como no, mezclado con el sexo. Y como el resto de su filmografía, me pasa que todas sus películas tienen una idea interesante pero su ejecución no siempre me convence. Algo así me pasa con ésta, me resulta tan fascinante como insoportable. No solo por lo desagradable que son algunas largas secuencias, explícitas a más no poder, sino porque el desarrollo de la narración se me ha hecho muy cuesta arriba. No obstante, entiendo el mensaje que quiere transmitir, el de una ciencia ficción no basada en los adelantos tecnológicos propiamente, de hecho, el diseño de producción está bastante lejos de ser futurista, sino desde la perspectiva de la evolución del ser humano como especie. Además, las interpretaciones son muy buenas, tanto Viggo Mortensen (sobre todo), como Lea Seydoux, como Kristen Stewart (si). Y las recreaciones de los shows, con ese extraño concepto del arte, son visualmente impresionantes. Todo eso está claro, pero aún así no me ha enganchado, me ha supuesto un esfuerzo mantenerme en ella. No es para todo el mundo, esta vez, ni siquiera para mí. 6. 

Escenas Míticas: África - La reina de África

 

   No era Katherine Hepburn la reina a la que se refería el título sino la modesta embarcación en la que navegaba Humphrey Bogart. ¿O, sí? El caso es que ese pequeño barco es el protagonista de la película por transportar durante casi toda ella a uno de los mejores duetos de actores de la historia del cine.

   Con cuya interpretación le valió a Bogart para alzarse con la estatuilla del Oscar que prácticamente diez años antes se le había escapado con “Casablanca”. La Hepburn no lo conseguiría aunque también fue nominada. Pero ella ya tenía uno y después obtendría otros tres siendo a día de hoy la actriz más galardonada de la historia de los Oscars de Hollywood. Las otras dos nominaciones fueron para el guion adaptado y para el director, John Huston.

   Un Huston que venía de firmar “Cayo Largo” y “La jungla de asfalto” previamente. No nos vamos a poner a hacer una lista del resto de obras destacadas que vinieron después porque la filmografía de este director es extensísiva. No en vano estuvo dirigiendo hasta el día de su muerte, a los 81 años, llegando a ir al rodaje con botella de oxígeno y en silla de ruedas.

   Basada en la novela homónima C.S. Forrester, quien tras el rodaje de la película, en la que participó como guionista no acreditado, escribió otra novela en la que retrataba precisamente este rodaje remarcando la obsesión que tenía el cineasta por cazar un elefante. Esa novela la adaptó y protagonizó otro de los grandes, Clint Eastwood, en “Cazador blanco, corazón negro”.

   Por cierto, rodaje que todo el equipo de producción y todo el reparto catalogaron como infernal. Porque John Huston quiso filmarla en la verdadera África. Concretamente en el río Lualaba, entre el Congo y Uganda. Río que para llegar a él suponía un odisea de viaje. Primero en un tren de cuatro vagones que cada vez que se detenía se incendiaba con los propias chispas que provocaban sus frenos.

   Luego pasaban a hacer el viaje en coche por caminos prácticamente intransitables, para finalmente hacer el último tramo sobre una balsa. Pero es que además, su estancia allí no fue mucho mejor que su manera de llegar. Aparte de estar con el peligro de estar rodeados de toda clase de animales salvajes, fueron pasto para los mosquitos y toda clase de enfermedades derivadas del mal estado del agua.

   Que afectó a todo el equipo. Al parecer, Katherine Hepburn, durante la escena del piano, tenía un cubo escondido a sus pies para vomitar entre toma y toma. No obstante, no afectó a todos, hubo dos a los que no, el propio Huston y Bogart, se cuenta que porque no probaron ni una gota del agua de allí. Ambos le daban al whisky importado en grandes cantidades que habían traído.

   Por si fuera poco, sufrieron el ataque de un elefante al que siguieron algunos miembros del reparto, hasta que el animal se percató de su presencia y decidió atacarlos, sin consecuencias, parece ser. Al final del rodaje, Huston pidió permanecer allí otros tres días extras, lo que casi le supone un motín del resto del equipo que se dieron prisa para acabarlo todo en solo un día y así poder irse.

   La historia está situada históricamente durante la Primera Guerra Mundial, lo que le supuso que en el Festival de Berlín hubiera protestas por considerar la película de tendencia anti-alemana y se exigiera que no fuera proyectada, lo cual no ocurrió. Por cierto, la película sirvió como inspiración para la atracción de Disney, Jungle Cruise, de la cual recientemente se hizo una película también. “La reina de África” costó un millón de dólares y recaudó 11 en taquilla, colocándose la sexta en ganancias de 1952.

No te preocupes querida

 

   FICHA TÉCNICA

Título: No te preocupes, querida.
Dirección: Olivia Wilde.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 122 min.
Género: Intriga, thriller.
Interpretación: Florence Pugh, Harry Styles, Olivia Wilde, Chris Pine, Gemma Chan, KiKi Layne, Nick Kroll, Douglas Smith, Kate Berlant, Asif Ali, Dita Von Teese, Timothy Simons, Sydney Chandler.
Guion: Katie Silberman, Carey Van Dyke, Shane Van Dyke.
Producción: Roy Lee, Katie Silberman.
Música: John Powell.
Fotografía: Matthew Libatique.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un joven matrimonio vive en una idílica comunidad de los años cincuenta llamada Victoria. Los hombres cada mañana va a trabajar en un misterioso proyecto secreto y las mujeres se quedan haciendo las tareas de la casa. Pero las cosas no son siempre como aparentan.

   LO MEJOR: Se ha hablado de todos menos de la película. Que si Shia Lebouef fue despedido, que si no, que se fue él, que si Olivia Wilde y Harry Styles estaban enrollados, que si peleas de la directora con Florence Pugh, la extraña actitud durante la promoción de la película, incluido rumor sobre un supuesto escupitajo de Styles en el Festival de Venecia. Tanta negatividad, aunque le ha supuesto publicidad gratuita, parece que contagió a la propia crítica y extendió la “moda” de vapulearla lo más violentamente posible. No tanto al público, de hecho, ha sido rentable en taquilla. Pero es que yo solo quiero hablar de la película. Y en ese sentido no me ha aparecido en absoluto el desastre que nos habían vendido. Es más, hay bastantes aspectos interesantes en el film. Visualmente es muy atractiva, con un diseño de producción muy elaborado. Además, se aprecia un estilo en la forma de dirigir de Olivia Wilde, con una gran capacidad de componer imágenes llamativas desde el punto de vista estético y de su puesta en escena. Me gustaría ver más películas dirigidas por ella. Y la trama es muy intrigante. Si es verdad que suena a distopia ya contada antes y falta de originalidad pero está bien contada, con algo de irregularidad pero entretenida al fin y al cabo. Y sí, tiene un mensaje contra el machismo más que evidente y excesivamente subrayado pero no empaña el resultado. Igual está bien que machaquen tanto a una película, para que luego descubras que no estaba tan mal.

   Interpretación: Hay un claro desequilibrio en el reparto. No le puedes poner a Harry Styles al lado de Florence Pugh porque se lo come con patatas y eso solo para abrir boca. Porque ella nuevamente está maravillosa. Muchas veces es ella solita la que levanta la película. Solamente Chris Pine aguanta el tipo. Porque la propia Olivia Wilde está mejor detrás de la cámara que delante, aunque no está mal del todo.

   Escena (SPOILERS!!): Vamos directamente a explicar la conclusión. Al parecer todos los personajes viven en una especie de Matrix. Es decir, su cuerpo está inconsciente en una cama pero su mente está en un programa informático que recrea una idílica vida en la década de los cincuenta. Cuando los hombres se van a trabajar a ese misterioso centro, es que lo hacen realmente. Es decir, los hombres, en la realidad, desconectan del programa para ir a trabajar en el mundo real y así poder seguir pagando ese Matrix. ¿Qué significa el avión? Pues es demasiado parecido al que tiene Margaret en sus manos. Así que el avión que cae en las montañas, podría ser un mensaje para que Alice (Pugh) investigue, que podría haberle dado desde el exterior. ¿Cuál es el mensaje? Los hombres de la película no pueden soportar no ser los que mantengan a sus mujeres, los que deciden sobre sus vidas. Y Frank (Pine) inventa un mundo en el que sí pueden hacerlo.

   LO PEOR: Sus referencias son demasiado apreciables. Bebe de tantas fuentes que parece un compendio de todas ellas, bastante falta de originalidad y que provoca que sea muy previsible. Es como que piensas, no creo que sea lo mismo que… y si, es.

   REFERENCIAS: Son muchas, recientemente hemos tenido una película similar, “Vivarium”. Pero creo que hay dos títulos clave, ”Las mujeres perfectas” y “El show de Truman”. Y claro, la mencionada "Matrix".

   CONCLUSIÓN: 6. Se habló de todo menos de la película, a lo que siguió el vapuleo de la crítica, pero lo cierto es que no es el desastre que muchos vendieron. Si quizá falta de originalidad pero no del desempeño en su realización.

Microcríticas Express: La princesa/Enola Holmes 2/El teléfono del señor Harrigan

 

   No voy a decir que es buena, de hecho, el guion es prácticamente un despropósito que solo busca la excusa para encadenar una escena de acción detrás de otra. Pero que no sea buena no significa que no me lo haya pasado bien. Precisamente por toda esa acción. Porque no es la típica película de época ni de princesas esperando a que las salven, aquí la princesa del título es muy atípica. Es más, el único interés de la historia está en ver como ella va repartiendo estopa por todo el castillo, que es el único escenario que vamos a ver. Pero es que las largas secuencias de combate me funcionan muy bien, con unas coreografías muy trabajadas, que parecen sacadas de “Kill Bill”. Que por cierto, tiene más violencia de lo esperado en una película de la plataforma de Disney+, aunque ésta viene de Hulu. La cuestión es que en conjunto, sabiendo que lo que estás viendo no tiene otra pretensión que entretener, me ha resultado divertida. La película está puesta al servicio del lucimiento de una actriz joven que ya ha demostrado bastante versatilidad y que se mueve bastante bien en las escenas de peleas, Joey King, que se la ha podido ver también este verano en “Bullet train”, y aquí se nota que se lo ha pasado bien. Eso si, si se tiene en el reparto a Olga Kurylenko, hay que aprovecharla más, hombre. 5.

   A quien le gustara la película anterior es casi seguro que le gustará ésta, porque, en mi opinión, es mejor. Al menos mejora en los aspectos que eran más achacables a su predecesora. Por ejemplo, el tono no es tan juvenil. La trama es más seria y está tratada de forma más madura. Y el concurso de Henry Cavill, que fue prácticamente un cameo en la otra, aquí tiene mayor participación pero siendo un secundario y sin robarle protagonismo a una Milly Bobby Brown que está genial como Enola Holmes, mucho más suelta que en la serie que la dio a conocer, “Stranger Things”. Se nota que se lo pasa bien con el personaje, es pura expresividad. Y Cavill demuestra que es actor y no solo una estrella del acción. Por otro lado, mantiene los aspectos que ya funcionaban con anterioridad. Sobre todo respecto a un ritmo que es altísimo, en gran parte gracias a la labor de montaje, que hace muy dinámica la narración. La rotura de la cuarta pared sigue funcionando porque no abusan de ella y la dosifican adecuadamente. Al igual que el punto de humor. Si es cierto que tiene un toque reivindicativo muy “made in Netflix” que, aunque está bien integrado en la historia, era perfectamente prescindible. Pero en definitiva, el resultado es el de un producto muy entretenido, que ha sabido pulir las debilidades de su anterior entrega y potenciar sus virtudes, sabiendo muy claro lo que es. No me importaría que hicieran unas cuantas más de esta saga. 7.

   Damos por hecho que cada vez que se adapta una novela o un relato de Stephen King, el género va a ser terror. Pero en su obra literaria, el escritor posee muchas historias que no son puramente terror, y de algunas de ellas se han hecho excelentes adaptaciones, como “Cadena perpetua” o “La milla verde”, entre otras. Esta película es más un drama de intriga que de terror, aunque es verdad que toques de ello tiene o que al menos llega a bordearlo. Y se sigue notando que es una historia sacada de la mente de King, porque se dan temas recurrentes en muchos de sus libros, como la ausencia de los padres, los problemas de la adolescencia y el bullying. Y se juega con la idea de la explicación sobrenatural. A este respecto, evidentemente no voy a revelar nada, pero digamos que no queda totalmente explicado el final, lo que a muchos les resultará bastante insatisfactorio. Personalmente tengo una teoría más psicológica y terrenal. Tampoco es el típico escenario del estado de Maine, habitual en sus historias, pero si nuevamente es un pequeño pueblecito. De todos modos, creo que en la película se ha querido enfatizar en la dependencia que tenemos de los móviles hoy en día. Por cierto, tanto Jaeden Martell (que ya participó en el remake de “It”) como Donald Sutherland están bien en sus papeles. 6.

Escenas Míticas: África - Casablanca

 

   Llegamos a una de las películas más valoradas de la historia del cine. Situación confirmada por el American Film Registry, que la coloca en segundo lugar, solo por detrás del “Ciudadano Kane” de Orson Welles, y por delante de “El padrino” y “Lo que el viento se llevó”. Una película que incluso quien no la ha visto tiene una idea de qué se trata, tiene alguna referencia de ella, dada la cantidad de imágenes y frases icónicas para el cine.

   Sin embargo, quizá el recuerdo que se tiene de ella está un tanto distorsionado, quedando más su huella como una de las películas románticas más famosas de la historia. Y es que no es solo un romance, ni mucho menos. Si hay una historia de amor que se utiliza como hilo conductor para contarnos una historia de espionaje, con la Segunda Guerra Mundial y el régimen nazi como trasfondo, para hablarnos de temas como la moral, la política y el desamor.

   Todos esos temas planean sobre el protagonista, Rick Blaine, pero también sobre el resto de personajes. Rick estuvo interpretado por un magnífico Humphrey Bogart que estuvo nominado al Oscar pero no lo consiguió, lo haría casi una década después con “La reina de África”. Aunque sin duda fue el de “Casablanca” su papel más icónico y contribuyó a afianzar aún más su imagen de galán y estrella en el Hollywood dorado.

   Bogart estaba excelentemente acompañado por Ingrid Bergman, aunque la primera opción para el papel era Hedi Lamarr. La altura de la actriz sueca supuso un problema porque le sacaba a Humphrey Bogart unos cinco centímetros, lo que suplieron subiendo al actor a un bloque de ladrillos cuando estaban de pie y unos almohadones cuando estaban sentados. Les acompañaron Paul Henreid, Claude Rains y un joven Peter Lorre.

   Para la dirección la primera opción era William Wyler, que por motivos de agenda tuvo que negarse, lo que dejó la película en manos de Michael Curtiz, realizador húngaro emigrado a Estados Unidos y con familiares refugiados del régimen nazi, lo que le hacía muy idóneo para la historia de la película. Quizá Curtiz solo se le recuerda por esta película pero en su filmografía hay títulos de mucho nivel.

   Cómo “Los crímenes del museo”, “Robin de los bosques”, “Ángeles con caras sucias”, “Dodge City, ciudad sin ley”, “Sinuhé, el egipcio” o “ Los comancheros”. La lista es bastante larga. Curiosamente, la dirección le fue ofrecida también a Howard Hawks, que se negó pero tiempo después dirigió otra película claramente influenciada por ésta y la propia dirección de Curtiz, “Argel”.

   Como encaja “Casablanca” en el ciclo de este mes, bueno, ya adelanté que tocaríamos diferentes enfoques del continente africano. La ciudad de Casablanca, enmarcada en Marruecos, tuvo un papel importante como ciudad puente para muchos de los que huían de Europa y más concretamente de los nazis. No obstante, no vemos parajes naturales, tan habituales de películas sobre África. De hecho, es un film de estudio, rodado casi totalmente en interiores, lo cual venía muy influenciado por tener como base una obra de teatro, “Everybody comes to Rick’s” (Todos vienen al café de Rick).

   Circularon diversos rumores. Como que Ronald Reagan fue considerado para el papel, aunque realmente estaba a punto de ingresar en las Fuerzas Aéreas. O que los actores no supieron el desenlace de la historia hasta el final. Aunque el código ético de la época les obligaba a que una mujer no podía huir con su amante dejando a su marido plantado, por lo que si es verdad que no lo sabían, sin duda, lo intuían. Así que forma un poco todo parte de la leyenda de la película.

   Película que tuvo ocho nominaciones al Oscar, de las cuales ganó tres de las más importantes, a la mejor película, al mejor director para Michael Curtiz y el mejor guion adaptado. Costó un millón de dólares y recaudó en su año de estreno casi el cuádruple, 3.700.000. Pero posteriormente es incalculable el dinero que generó.

   Hubo pensada una secuela con el título de "Brazzaville" pero nunca se llegó a rodar. Como el remake que le ofrecieron hacer a Truffaut en 1974, el cual se negó rotundamente.

   

El ángel de la muerte

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El ángel de la muerte.
Dirección: Tobias Lindholm.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 121 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Jessica Chastain, Eddie Redmayne, Nnamdi Asomugha, Kim Dickens, Noah Emmerich, Ajay Naidu, Devyn McDowell, Chris Henry Coffey, Brooke Stacy Mills, Alix West Lefler, Marcia Jean Kurtz, Victor Cruz, Gabe Fazio, Gina Jun, Moe Irvin, David Boston, Anjelica Bosboom, Rebecca Watson, Lauren Yaffe, Jennifer Regan, Shaun O'Hagan, Dartel McRae, David Lavine, Steve Antonucci, Marcia M Francis, Malik Yoba.
Guion: Krysty Wilson-Cairns. Novela: Charles Graeber.
Producción: Darren Aronofsky, Scott Franklin.
Música: Biosphere.
Fotografía: Jody Lee Lipes.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

    SINOPSIS: Una enfermera con problemas de salud se encuentra sobrepasada por su trabajo. Un día, ponen a un enfermero como apoyo. Rápidamente hacen buenas migas pero tiempo después empieza a sospechar que esté implicado en algunos fallecimientos sospechosos del hospital.

   LO MEJOR: No es una película de terror pero da mucho miedo, porque las víctimas del asesino se encuentran en su momento más vulnerable, en total indefensión, y podríamos ser cualquiera de nosotros. Porque ¿Quién no ha estado en un hospital alguna vez? De todos modos, hay que aclarar que la película no pretende ser una inmersión en la mente del psicópata, como ha sido la reciente miniserie sobre Jeffrey Dahmer. Trata sobre como le descubrieron y como le cogieron, tirando más hacia el género de intriga y policíaco. De hecho, la verdadera protagonista es la enfermera que colaboró con la policía para detenerle. El título original de la película lo explica mejor, “The good nurse”, (La buena enfermera). Por cierto, un asesino que sin la popularidad de otros como el propio Dahmer, Ted Bundy o John Wayne Gacy. Quizá porque no era ni violento ni depravado y su modus operandi le permitía matar sin siquiera tocar a sus víctimas. Sin embargo, probablemente sea el asesino más prolífico de la historia. De todos modos, tampoco es una recreación exhaustiva de los hechos aunque se aproxima bastante. Su director, Tobias Lindholm elabora una narración sin aspavientos y recursos efectistas que distraigan al espectador de lo importante, que es una historia con la suficiente fuerza de por sí como para necesitar adornos artísticos. Pero si se recrea en primeros planos de sus dos protagonistas sabedor de los dos actorazos que tiene entre manos para sacarles provecho dramático. No obstante, a la vez carga las tintas contra un sistema hospitalario que funciona más como uno empresarial, lo cual provocó que este monstruo siguiera actuando yendo de un hospital a otro.

   Interpretación: Que voy a decir de Jessica Chastain que es mi actriz favorita, pues que está como siempre, excepcional y además llevando el peso de la película como intérprete todopoderosa que es. Pero es que lo de Eddie Redmayne es de matrícula, me sorprendería que no fuera nominado por su interpretación, desde la contención es capaz de helarte la sangre a base de miradas.

   Escena (SPOILERS!!): Ya en la primera escena podemos apreciar una de esas miradas de Charles Cullen (Redmayne), sin pronunciar ni una palabra. Por eso sorprende tanto su despliegue expresivo en el intensivo interrogatorio final, sobre todo con los dos inspectores. También hay otro momento en el que mira fijamente a los ojos de una de sus víctimas ya muerta, que es terrorífico. Como los diversos momentos de Amy (Chastain) con él cuando ya es consciente de lo que ha hecho, donde se palpa su incomodidad y nerviosismo. Hay otra escena, tras despedir a Cullen donde el personaje de Kim Dickens, que se queda a solas y se aprecia su sentimiento de culpabilidad por no denunciarle. En cuanto a la motivación de Cullen, se apunta de pasada que quizá mataban mujeres por su mala experiencia con su mujer o su madre. No se dice en la película pero él decía que era para darles una muerte digna sin dolor. Ninguna de esas teorías era real. No mató solo mujeres, ni tampoco solo enfermos terminales, incluso pudo hacer que murieran sufriendo de más. Así que de ángel nada.

   LO PEOR: Quizá muchos esperen un pulso más vigoroso, con la referencia de otros psicokillers que estudian más la mente del asesino, se recrean en sus crímenes y están plagados de giros. Ésta no va por ahí, se aproxima más al drama que al suspense. Aún así, engancha sobradamente.

   REFERENCIAS: La película está basada en el libro “The good nurse” de Charles Graber. Pero esta historia tiene muchas similitudes con la miniserie "Dr. Death", también basada en un terrible hecho real en el ámbito médico.

   CONCLUSIÓN: 7’5. No es ni una inmersión en la mente del asesino ni una exposición exhaustiva de los hechos, pero si un gran duelo interpretativo entre sus dos protagonistas, unos enormes Jessica Chastain y Eddie Redmayne.

Música de Película: Black Adam

 

   Ya me pareció interesante la banda sonora compuesta por Lorne Balfe para "Viuda Negra", y repite con otra para una película de superhéroes. Iniciada su carrera como compositor de música de videojuego, parece haberse especializado ahora como uno reclamado para películas del género de acción, como confirma que este mismo año también ha hecho la de "Top Gun: Maverick".

Tema: Teth Adam.

Película: Black Adam.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe.

Tema: Hawkman’s fate.

Película: Black Adam.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe.

Tema: I am no hero.

Película: Black Adam.

Intérprete o compositor: Lorne Balfe.

Trailerfilos: Puñales por la espalda 2; El misterio de Glass Onion

 

   Tras el éxito de crítica y público de la primera, era inevitable que hubiera una secuela. No habrá una sino dos, ese es el acuerdo al que llegó Netflix con su director y guionista, Rian Johnson, al igual que la condición de que la película se estrenara en cines previamente a su llegada a la plataforma. De Tal manera que el estreno en salas de la primera de ellas será el 23 de noviembre y en Netflix el 23 de diciembre. Una historia que no tendrá nada que ver con la de la primera y que solo tendrá como vínculo el personaje de Benoit Blanc, al estilo de las películas de Hércules Poirot, interpretado nuevamente por Daniel Craig y acompañado otra vez por un gran reparto donde podremos ver a Edward Norton, Janelle Monae, Ethan Hawke, Kate Hudson o Dave Bautista.

Trailerfilos: The whale (teaser oficial)

 

   Lo nuevo del siempre controvertido Darren Aronofsky es un drama basado en la obra teatral de Samuel D. Hunter, sobre un profesor encerrado en su casa a causa de la obesidad mórbida que sufre, a quien dará vida un Brendan Fraser definitivamente de vuelta, en una interpretación que promete ser una de las nominadas en los próximos Oscars. Rodada prácticamente en un solo escenario y con un reparto muy corto, en el que también podremos ver a Sadie Sink ("Stranger things") y Samantha Morton ("Minority report"), la película se estrenará el 4 de enero de 2023. 

Escenas Míticas: África - Black Panther

 

   El estreno de su secuela, “Black Panther: Wakanda forever”, nos da la excusa para hacer un ciclo de películas con el continente africano como escenario, que son unas cuantas y, como veremos, las hay de todas las clases. Trataremos de ofrecer una muestra variada y con cine de diferentes épocas, para mostrar las distintas maneras de enseñarnos África desde el cine.

   La película que se estrena esta semana tendrá que lidiar con un gran problema, sustituir a su protagonista. Y por el peor motivo posible, por su temprana muerte a la edad de 43 años a causa de un cáncer de colon. Enfermedad que mantuvo en secreto hasta prácticamente sus últimos días. Mientras la ocultaba siguió trabajando en diversas películas. Trabajó casi hasta el último momento.

   Más allá de la tristeza por su muerte, a Marvel se le planteaba un gran problema, dar por terminado este spin-off de los Vengadores, o sustituirlo. Y de hacerlo, ¿por quién? Hasta ahora han conseguido mantenerlo en secreto aunque las quinielas dan como muy posible sustituta a Leticia Wright, que como hermana de T’Challa, Shuri, se colocaría el traje de Black Panther, habrá que esperar unos días para confirmarlo o desmentirlo. Y en como han justificado este trasvase.

   Pero vayamos a la primera película, la de 2018. Que fue un auténtico fenómeno, convirtiéndose en la segunda película más taquillera de ese año, solo superada precisamente por “Infinity War”, con nada menos que 1350 millones de dólares recaudados, con una inversión de 200. Además de tener críticas mayoritariamente positivas, aunque no de forma unánime.

   Sin embargo, por lo que pasará la historia es por ser la primera película de superhéroes nominada al Oscar como mejor película. Además tuvo otras seis nominaciones; a la edición de sonido, al sonido, la canción original, vestuario, dirección artística y banda sonora. Solo consiguió los tres últimos pero ya es un hito significativo para su género. De hecho, algunos la calificaron la mejor película de superhéroes hasta el momento.

   Existiendo previamente una película llamada “El Caballero Oscuro” a mí esta afirmación me parece un insulto. Es más, tanto Christopher Nolan como Zack Snyder han hecho al menos tres películas por barba mejor que “Black Panther”. Considero, y ésto es solo mi humilde opinión, que la calificación de ella se vio sobredimensionada por su connotación racial.

   De hecho, todos los directores propuestos tenían películas previas con reivindicaciones raciales entre sus temáticas, como eran los casos de Mario Van Peebles, John Singleton o Ava DuVernay. Finalmente recayó la elección en Ryan Coogler, quien acababa de dirigir “Creed”, y quien también dirige “Black Panther: Wakanda forever”.

   Contó con un reparto de actores negros brillante. A parte de Chadwick Boseman (en cuyo papel estuvo interesado Wesley Snipes en 1995), están Danai Gurira, Lupita Nyong’o, Daniel Kaluuya, Forest Whitaker, Angela Bassett y Letitia Wright. Aunque también blancos, y curiosamente ambos también habían interpretado previamente a un hobbit, Martin Freeman y Andy Serkis.

   No se me entienda mal, objetivamente me parece una buena película, una muestra distinta y, por tanto, original del género de superhéroes. De hecho, es tan diferente que ni siquiera lo parece. Motivo quizá por el cual no me convenció del todo en el primer visionado. Por ello le he dado una segunda oportunidad y sí, es buena, incluso muy buena. Pero de ninguna manera la mejor película de superhéroes. Vamos, que si hiciera un Top10 de películas de superhéroes, no estaría.

   Una curiosidad, el ejército de fuerzas especiales de Wakanda, formado solo por mujeres, las dora Milaje, está inspirado en el pueblo masai.