Escenas Míticas: Amnesia - Dark City

 

   Esta es una de esas películas que encaja la perfección en la denominación de “título de culto”, pues está considerada una de las mejores películas de los noventa, de hecho, cosechó excelentes críticas profesionales. Hoy el público la recuerda como una muy buena película. Sin embargo, en su estreno no fue muy apoyada por él. Es más, costó 27 millones de dólares y esa es justo la cantidad que consiguió en taquilla.

   Normalmente consideramos que esto supone un fracaso porque al presupuesto hay que añadir los gastos de promoción y distribución pero en este caso casi no hubo porque lo único que se considera es que simplemente no tuvo beneficios. Lo extraño de su trama hizo que mucha parte de los espectadores no terminara de entenderla y su acogida fuera muy fría.

   ¿Cómo encaja en el ciclo? Bueno, comienza con el protagonista despertando sin recordar nada y siendo acusado de asesinato. Pero es que el motivo de su amnesia es la clave para el interés de la historia. El porqué de que no recuerde nada es el meollo de lo que está ocurriendo en esta Dark City. Por cierto, que para el título de la película también se manejaron “Dark World” y “Dark Empire”. Lo de Dark estaba claro, parece ser.

   Antes de seguir, vamos a aclarar una serie de conclusiones acerca de tanto las influencias de otras películas como de la influencia de “Dark City” para títulos posteriores. Se la ha relacionado con algunos filmes que representan universos alternativos en sus tramas tales como las lynchianas “Carretera perdida” y “Mulholland Drive”, “Nivel 13”, “Virtuosity”, “Identidad” o “eXistenz”. Bien, más allá de tener algún vínculo argumental, no hay ninguna relación de ellas con “Dark City”.

   Personalmente, esa mezcla de géneros entre la ciencia ficción y el cine negro me sugería como inspiración “Blade Runner”. Pero según su director, Alex Proyas, aunque sí estuvo inspirado en el noir fue más en relación a “El halcón maltés” de John Huston. Y luego en directores tan dispares como Terry Gillian y su “Brazil”, Jean Pierre Jeunet y “La Ciudad de los niños perdidos”, y Fritz Lang con “Metrópolis”.

   Pero si hay una película que incluso se le acusó de plagiar a esta es a “Matrix”. Pues no, es literalmente imposible por una cuestión de fechas. Mientras la primera se estaba estrenando en 1998, la segunda lo haría un año después, 1999, por lo que en el momento de su estreno, su rodaje estaba concluido y se procedía a la postproducción, qué fue muy larga. Quien sí reconoció su influencia fue Christopher Nolan para “Origen”.

   Proyas tiene una filmografía muy corta pero interesante. Debutó con mi adorada “El cuervo”, cuyo protagonista, Brandon Lee era el que tenía pensado para su siguiente película, "Dark City”. Su lamentable fallecimiento dio al traste con esa idea. Le siguió la comedia musical “Días de garaje”, y después “Yo, robot”, “Señales del futuro” y “Dioses de Egipto”, que fue un desastre, desde el cual no ha vuelto a dirigir.

   Sin Brandon Lee, el papel principal fue para Rufus Sewell, a quien acompañaba un muy buen reparto, formado por William Hurt, Jennifer Connelly, Melissa George y un Kiefer Sutherland que interpretaba un personaje con nombre de una figura real, Daniel P. Schreber, un escritor alemán que describió sus propios delirios psicóticos en su libro “Memoria de un enfermo de nervios”.

   La película puede tener múltiples interpretaciones pero la reconocida fascinación de Alex Proyas por la mitología griega apuntada a dos teorías. Por un lado la alegoría de la Cueva de Platón, en cuanto a que los habitantes de la ciudad desconocen ser prisioneros. Y por otros emparentar a los Ocultos (mezcla de los Cenobitas de "Hellraiser" con el Riff Raff de "The Rocky horror picture show" como dioses que manipulan a los mortales.

   No estuvo en grandes eventos de premios pero si triunfó en festivales más particulares, como los de ciencia ficción, terror y fantasía, más concretamente en los Saturn y los Hugo, donde se llevó varios galardones. Por cierto, hay una versión del director con diez minutos más y algunos cambios en el montaje.

Nido de víboras

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Nido de víboras.
Dirección: Kim Yong-hoon.
País: Corea del Sur.
Año: 2020.
Duración: 108 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Jeon Do-yeon, Jung Woo-sung, Bae Seong-woo, Jung Man-sik, Jin Kyung, Shin Hyun-bin, Jung Ga-ram, Youn Yuh-jung.
Guion: Kim Yong-hoon. Novela: Keisuke Sone.
Producción: Kim Jin-sun.
Música: Nene Kang.
Fotografía: Kim Tae-Soo.
Distribuidora: Megabox Plus M.
 

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Las vidas de un grupo de personas que no se conocen y que pertenecen a muy diferentes ámbitos, cambian en torno a una bolsa de mucho dinero y sus reacciones ante su encuentro.

   LO MEJOR: El cine coreano siempre nos trae cosas interesantes y cada vez más de forma variada en cuanto a géneros. Aquí con un thriller criminal de cine negro puro y duro que me atrevo a decir que a Quentin Tarantino le gustaría. Intencionadamente o no, tiene varios elementos predominantes en su filmografía. Lo primero es estar fuertemente apoyada en su guion, muy bueno, no perfecto pero si efectivo, con una historia hecha a partir de sus personajes, todos llenos de personalidad, que además se divide en episodios y cuenta con una serie de tramas cruzadas, interrelacionadas o más bien encadenadas. Para colmo el hilo conductor de la principal es una bolsa de dinero. Y por si fuera poco hay bastante violencia, aunque contrariamente al cine de Tarantino y al propio cine coreano, no es en absoluto explícita. Se separa de otros títulos coreanos también en el tono. Habitualmente con varios tonos, uno ligero que muta hacia uno más grave y trágico. Aquí no, aquí el tono de comedia negra está siempre presente, a pesar de que todo lo que ocurre en pantalla es bastante horrible, con continuos crímenes. Toda esta ensalada está alineada con un excelente ritmo en el que no dejan de pasar cosas y cuyo conjunto da como resultado una película divertidísima.

   Interpretación: Es una película con varias subtramas, que forman parte de mini películas dentro de la principal, y por lo tanto es un reparto bastante coral en el que por lo general todos están muy correctos. Por destacar algunos, Jeon Do-Yeun, a pesar de aparecer tarde en la película. Y Jung Woo-Sung, que creo que tiene el personaje más divertido.

   Escena (SPOILERS!!): Prácticamente no hay ni un personaje inocente del todo. Todos intentan engañar, timar e incluso asesinar con tal de quedarse con el dinero. Pero los hay moralmente mejores y peores. Por eso algunas acciones resultan más duras. Como el final de la mujer maltratada, porque aunque haya incitado a otra persona a matar y ella misma lo haya hecho, sus motivos son más desesperados. De lo que se aprovecha la verdadera timadora de la película. Eso supone el gran giro de la historia y la mayor sorpresa de la película. Lo mismo pasa con el empleado de la sauna. Es el más salvable. Por eso duele como está a punto de morir en el incendio provocado de su casa, tras recibir el planchazo (literal) él y su madre. Aunque finalmente hay un poco de justicia poética porque el dinero vuelve a él, con una carambola del destino.

   LO PEOR: En un principio cuesta situar cada trama dentro de la historia global. No se consigue hasta ya un poco avanzada la narración. De hecho, hay personajes que aparecen en el segundo acto. Personajes que no todas las veces reaccionan de forma lógica. No pasa nada, forma parte del encanto de la película.

   REFERENCIAS: Hay cosas del cine de Tarantino, sobre todo el de gangsters, más concretamente “Pulp Fiction”, mezclado con el de Bong Joon-Ho, “Parasitos”, para más señas. Pero sin llegar al nivel de ambas.

   CONCLUSIÓN: 7. Nueva muestra de mezcla de géneros coreana, cine negro y comedia trágica, con una trama muy tarantiniana, en una historia violenta, con líneas argumentales entrelazadas en esa tela de araña que tejen sus variados personajes.

El sastre de la mafia

 

  FICHA TÉCNICA

Título: El sastre de la mafia.
Dirección: Graham Moore.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 106 min.
Género: Drama, intriga.
Interpretación: Mark Rylance, Zoey Deutch, Dylan O'Brien, Johnny Flynn, Nikki Amuka-Bird, Simon Russell Beale, Alan Mehdizadeh, Johnathan McClain, Chiedu Agborh, Scoop Wasserstein, John Gumley-Mason, Michal Forejtek.
Guion: Johnathan McClain, Graham Moore.
Producción: Scoop Wasserstein, Amy Jackson, Ben Browning.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Dick Pope.
Distribuidora: Focus Features.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un reputado sastre de la ciudad de Chicago tiene como clientela habitual a una familia de gangsters, que además utilizan su tienda para realizar ciertos intercambios. Pero una noche se tuerce todo y se verá envuelto en una trama de traiciones y crímenes.

   LO MEJOR: Algunos la catalogan abiertamente como pretenciosa. Siempre me ha hecho bastante gracia este término para describir a una película. ¿Por qué? ¿Por desarrollarse enteramente en un único escenario? ¿Por querer ofrecer algo distinto? Parece que algunos están deseando dar salida a ese adjetivo cuando alguien se atreve a hacer algo diferente. A mí lo que me parece es minimalista. Una película absolutamente basada en su guion, coescrito por el debutante en la dirección, Graham Moore (del mundo de la televisión), y en las interpretaciones de su reparto. Pero centrándonos en el guion, me parece una puñetera maravilla. Todo está planificado, todo está sembrado para que florezca después, nada está puesto porque si en la historia, nada sobra. Hay que atender concienzudamente a los diálogos porque encierran muchas claves y aún así hay giros muy interesantes. Y aunque inevitablemente hay una sensación muy teatral en el film, pues todo se desarrolla en interiores (solo hay un supuesto exterior y está rodado en un set), hay que ver el buen rendimiento que le sabe sacar a las dos únicas instancias de la sastrería donde se desarrolla toda la acción. Es puro cine negro clásico pero con un toque moderno. Por lo que voy a decir probablemente algunos se lleven las manos a la cabeza pero es como un cruce del cine de Hitchcock con el de Tarantino.

   Interpretación: Madre mía qué actor es Mark Rylance. Él es la película de principio a fin. Todos los demás están bien, incluso los actores jóvenes en papeles muy distintos a los cuales hemos visto, como Johnny Flynn o Dylan O’Brien. Aunque la que mejor secunda a Rylance es Zoey Deutch. Pero es el enorme talento de este actor aparentemente de perfil bajo quien lo sostiene todo.

   Escena (SPOILERS!!): Aunque tiene algunos momentos de gran intensidad, incluso de acción, como el tiroteo, o cuando el sastre cose la herida del personaje de Dylan O’Brien, son ciertos diálogos lo más interesante de la película. Como cuando Leonard (Rylance) bromea con la idea de que es el traidor, cosa que más tarde sabremos que efectivamente es así. De hecho, será porque me encantan esas reconstrucciones, esos montajes en los que nos explican cómo encajan todas las piezas del rompecabezas, un poco al estilo de los whodunit a lo Agatha Christie, pero la resolución final en la que conocemos como Leonard no solo ha manejado la situación, sino que la ha orquestado desde el principio, ha manipulado a todos y finalmente les ha doblegado, simplemente porque todos le han subestimado.

   LO PEOR: Creo honestamente que sortean bastante bien lo de rodarse en un núcleo escenario pero tampoco evita que esa limitación tenga que pagar un precio. Todo lo que ocurre fuera de la sastrería tiene que ser contado por los propios personajes y pasan demasiadas cosas que no vemos en imágenes. Eso aumenta la sensación de parecer teatro filmado.

   REFERENCIAS: Si metemos en una coctelera “La soga” de Alfred Hitchcock, y los “Reservoir Dogs” y “Los odiosos ocho“ de Quentin Tarantino, con mucha menos violencia, claro, puede salir algo como esta película.

   CONCLUSIÓN: 7. Cuando Hitchcock se junta con Tarantino, se apoya todo en un gran guion, se cuida con una trabajada puesta en escena y se tiene a un actor como Mark Rylance, sale una joyita como ésta, aunque tenga un aroma teatral.

Escenas Míticas: Especial Gangsters - Atrapado por su pasado

   Porque será que los directores que mejor han retratado el mundo del hampa son italoamericanos. Scorsese, Coppola, el propio De Palma, y podríamos incluir un italiano puro como Sergio Leone con su “Érase una vez en América”, título al que este mismo año ha homenajeado Quentin Tarantino con “Érase una vez en Hollywood”. Aunque también, supongo, tenía como referencia de su homenaje, otro título de Leone , “Hasta que llegó su hora”, cuyo título original era “Érase una vez en el oeste”.

   Sin embargo, Brian de Palma completaba su trilogía de temática mafiosa con otro protagonista latino.  Si en “Scarface, el precio del poder”, el personaje principal era cubano, aquí lo es un puertorriqueño. De hecho, en Hispanoamérica fue promocionada como una secuela de aquella, llegando a titularse en algunos países como Perú “ Caracortada 2” (es decir "Scarface 2”, lo que no puede entenderse como otra cosa que una argucia comercial pues ambas películas no tienen nada que ver.

   El caso es que De Palma volvía al género que mejores críticas le ha cosechado. si decíamos en la anterior crítica que siempre se le ha situado por debajo de Scorsese o Coppola, un servidor le defendía afirmando que De Palma había realizado tres películas sobre el mismo tema pero muy diferentes entre sí, cosa que Coppola (sus tres películas son una trilogía sobre el mismo personaje) o Scorsese (las suyas estaban siempre en el mismo ángulo).

   Sin embargo, “Scarface” si retrataba el ascenso y caída de un magnate, no de la mafia, pero si de narcotráfico lo que estaría más emparentado con la visión de Scorsese en “Uno de los nuestros”, “Casino” o incluso la reciente “El irlandés”. Pero en “Los intocables de Eliot Ness” trataba desde el punto de vista de los perseguidores de los líderes del hampa, en este caso Al Capone, qué es el villano pero no el protagonista. Y en "Atrapado por su pasado”, tomaba un ex-matón qué quiere reformarse y redimirse pero su antigua vida no se lo permite.

   Aunque el título original de la película es “Carlito’s way”, lo que algunos tradujeron como “A la manera de Carlito”, de forma errónea por “way” no ejerce como “manera” si no como “recorrido”. La traducción más acertada sería “El camino de Carlito”. Y más bien, ninguna de las dos, la película realmente adapta la novela “After hours”. Ambas novelas “Carlito’s way” y “After hours” tienen como protagonista a Carlito Brigante y en España fueron agrupadas y vendidas en un mismo libro tras el estreno de la película. Así los leí yo. Pero están escritos en 1975 y 1979 respectivamente.

   Su escritor fue Edwin Torres, puertorriqueño como el protagonista, y juez de la Corte Suprema de Nueva York. “After hours” fue adaptada por el guionista David Koepp. Torres no intervino en dicha adaptación. En 2005, se hizo una adaptación verdadera de “Carlito's way” como precuela de “ Atrapado por su pasado”. “Carlito's, el ascenso al poder”, película que fue machacada por la crítica, qué mucha gente ni siquiera sabe que existe pero que el propio Edwin Torres defendió por la fidelidad a su novela.

   El caso es que aunque inicialmente De Palma pretendía haber adaptado esa primera novela, el actor designado e innegociable para el director, Al Pacino, era demasiado mayor para el Carlito Brigante del primer libro. Pero si adaptó el título pues “After hours” podría confundirse con la película de Martin Scorsese, aquí conocida como “Jo, que noche”. Desde luego cuando nos ponemos a poner títulos aquí, es que nos salimos.

   Al Pacino, que un año antes, tras siete nominaciones fallidas, por fin le daban un merecidísimo Oscar por “Esencia de mujer”, volvía a reunirse con Brian de Palma, cambiando a Tony Montana por Carlito Brigante. Y lo volvían a bordar ambos, actor y director. Acompañado de un gran Sean Penn, que venía de otra película del género, “El clan de los irlandeses” y que iba camino del gran actor que conocemos hoy. Completaban el reparto Pennelope Anne Miller, Luis Guzmán, John Leguizamo y Viggo Mortensen. Pacino y Penn fueron nominados al Globo de Oro.

   El final de la película estaba pensado rodarse en el World Trade Center pero el atentado de 1993, anterior al de los aviones, les hizo cambiar el escenario por la Grand Central Terminal. De Palma no quería hacer el final en una estación de tren pues lo consideraba demasiado parecido a la escena de “Los intocables de Eliot Ness”. La película costó 36 millones de dólares y recaudó 63, y tuvo buenas críticas.

Escenas Míticas: Especial Gangsters - Scarface, el precio del poder

   Llegamos a la que para mí es una de las mejores películas de gangsters de todos los tiempos, superando, y que me disculpen los románticos, a la original de 1932, dirigida por Howard Hawks, de la que ejerce como remake. No en vano, es esta versión la que aparece en todos los Top 10 de películas del género y no la clásica, duela a quien le duela. Es más, si no es la mejor película de Brian de Palma, poco le falta.

   Y es que, de ese club de jóvenes directores promesas que formaron en su momento, Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, George Lucas, Martin Scorsese y el propio De Palma, ha sido éste último siempre el menos valorado artísticamente. Se puede deber a lo irregular de su carrera cinematográfica, con su querencia hacia el cine de serie B en buena parte de ella, que favorecía su obsesión por la técnica, por los trucos de cámara, el efectismo y la poca homogeneidad de sus desarrollos narrativos.

   Sin embargo, si De Palma ha recibido buenas críticas en su filmografía es por sus intrusiones en el género de gangsters. En este sentido, no creo que tenga mucho que envidiar a Coppola o Scorsese. Prueba de ello, es que en este ciclo he incluido sus tres películas con el tema de la mafia y sus derivados. Y es que, lo que hizo De Palma, que los otros no, es tres películas del mismo género, pero completamente diferentes.

   Las estructuras y enfoques de “Los intocables de Elliot Ness”, “Atrapado por su pasado” y “El precio del poder” no tienen nada que ver. Desde luego que comparte muchísimos nexos, pero son muy distintas. De éstas, quizá la más valorada por las críticas de su repertorio es “Scarface”, la más elogiada de todas ellas. Sorprende esa buena acogida de la prensa especializada para una cinta con tan abundantes excesos.

   Pero es que ya partía de un buen origen, que no era otro que el guion de Oliver Stone, a quien De Palma contrató para tal menester, tras sustituir a Sidney Lumet como director, y quien escribió una adaptación muy libre de la novela homónima de Armitage Trail, y que también puso bastante empeño en alejarse de la anterior versión. Por cierto, Stone se encontraba recuperándos precisamente de su adicción a la cocaína. Curioso teniendo en cuenta que su guion narraba el ascenso y caída de un magnate del narcotráfico.

   El caso es que el binomio Stone-De Palma dio como resultado todo un peliculón, que no tenía las carencias de ritmo y desarrollo que siempre se le achacaron al director italoamericano. Y eso que el metraje bordeó las tres horas de duración. Tiene uno de los finales más icónicos y míticos del cine. El propio Oliver Stone lo homenajea en “Asesinos natos”, con un guiño en una escena donde se ve la película proyectada en un televisor.

   Para colmo la película es ultraviolenta, lo que le valió ser rechazada y ser limitada a salas de calificación X. El principal problema residía en la secuencia de la motosierra, donde se le amputa en vivo una pierna a uno de los personajes. De Palma realizó algunos cambios en busca de reducir esa calificación a R (+18) pero fueron tan leves que fue rechazada hasta en cinco ocasiones. Sin embargo, la presión de Universal Pictures provocó un debate interno entre los censores que se resolvió con admitir la última versión como R. Y aquí viene la jugada de De Palma, los cambios eran tan imperceptibles que engañó a todo el mundo y presentó en los cines la primera versión original, anteriormente calificada como X.

   El reparto es realmente brutal. De Niro y Pacino pugnaron por el proagonista, dos de los actores más representativos del cine de gánsters (ambos han sido reunidos en “El irlandés”). Al Pacino se llevó el papel, después de haber hecho dos de las entregas de “El padrino”. Años más tarde repetiría con De Palma y en el género, en “Atrapado por su pasado”. Le acompañaban en el reparto Steven Bauer (otro que repetiría como director en (“En nombre de Caín”), Michelle Pfeiffer, Maria Elisabeth Mastrantonio y F. Murray Abraham.

   Fue olvidada para los Oscar y tan solo tuvo tres nominaciones a los Globos de Oro, los correspondientes a los dos actores masculinos, Pacino y Bauer, y a la gran banda sonora de Giorgio Moroder. Lo mas anecdótico es que Brian De Palma fue nominado, incompresiblemente a los Rhapsody (actuales Razzie). La película costó 25 millones de dólares y recaudó 65 en taquilla.

El irlandés

   FICHA TÉCNICA

Título: El irlandés.

Dirección: Martin Scorsese.

País: Estados Unidos.

Año: 2019.

Duración: 210 min.

Género: Thriller, drama.

Interpretación: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Jack Huston, Ray Romano, Kathrine Narducci, Jesse Plemons, Domenick Lombardozzi, Stephen Graham, Jeremy Luke, Gary Basaraba, Welker White, Action Bronson, Chelsea Sheets, Kate Arrington, Sebastian Maniscalco, Stephanie Kurtzuba, Aleksa Palladino.

Guion: Steven Zaillian (Libro: Charles Brandt).

Producción: Martin Scorsese.

Música: Robbie Robertson.

Fotografía: Rodrigo Prieto.

Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: A través de la figura de Frank Sheeran, un veterano de la Segunda Guerra Mundial, que ejercía de estafador y después como sicario de la mafia en Estados Unidos, se narra una aproximación a la figura de Jimmy Hoffa, del cual llegó a ser mano derecha, y de su misteriosa desaparición.

   LO MEJOR: Ésto es lo que pasa cuando los buenos se juntan para hacer lo que mejor saben hacer. Así que si Martin Scorsese vuelve a su género por excelencia, el que ha dado lugar a sus mejores obras, y apoya la película sobre dos de los actores, si no los que más, representativos del cine negro, más en concreto, de la subtemas como la mafia y el crimen organizado, pues la apuesta sube notablemente el porcentaje de que salga una de las mejores películas del año, que muy probablemente que este entre las tres más destacadas. No obstante, el que esté tan centrada sobre la figura de Jimmy Hoffa, la acerca bastante al formato biopic. Lo que hace que nos muestren una visión distinta de la mafia, al menos desde un ángulo distinto del mostrado hasta ahora por el director italoamericano. Ésto es recalcando su vinculación con cargos administrativos oficiales de Estados Unidos. Es decir, con miembros de la política, en este caso, de uno de los sindicatos más poderosos del país de las barras y estrellas. Pero no por ello Scorsese es menos fiel a si mismo. Volvemos a ver largos travellings que pululan por elaborados planos secuencia. Una estructura similar a “Uno de los nuestros” o “Casino”, narrando el recorrido de los personajes desde sus inicios a sus declives. Y prestando especial atención al contexto histórico, remarcando las referencias políticas (las menciones a los hermanos Kennedy son cuantiosas) y, a pesar de tener un desarrollo menos dinámico de lo que acostumbra y de su muy extenso metraje (tres horas y media), la historia es tan interesante que no se hace en absoluto pesada.

   Interpretación: Cuando tienes dos monstruos interpretativos a quienes entregar tus papeles principales, de la talla de Robert de Niro y Al Pacino, tienes más de la mitad del trabajo hecho. Más incluso teniendo en cuenta que son dos especialistas en personajes de este cariz. Probablemente entre ambos lleven una docena de películas de este género. Tan especialistas en estas lides como Joe Pesci pero en su rol secundario. Los tres están absolutamente soberbios. Pacino esta totalmente desatado en un papel a su medida, hacía bastante que no se le veía tan intenso en una interpretación. Pero lo mismo que De Niro, aunque éste más contenido. Me he quedado con las ganas de ver más a Harvey Keitel y me ha parecido muy interesante la breve participación de Anna Paquin, casi sin diálogo, pero diciendo mucho con la mirada.

   Escena (spoiler): La película es muy extensa y hay muchas escenas a destacar, por lo que me voy a centrar en la parte final. Solo recalcar algunos aspectos anteriores. Para la fase pre-Hoffa, se ha hecho un rejuvenecimiento digital (Sr. Scorsese, de ésto no ha renegado) que funciona muy bien en Joe Pesci pero en De Niro resulta extraño y demasiado palpable. El personaje de Frank Sheeran (De Niro) esta presentado como un hombre de buen corazón. Sin embargo, no son pocos los asesinatos a sangre fría que le vemos perpetrar. Como el de Joe Gallo o Whispers. Y también define bastante al de Hoffa cuando provoca a Tony Provenzana en la cárcel mientras se come su helado. Pero vayamos al último acto. Cuando le comunican a Sheeran que van a matar a Hoffa es el momento más dramático, viéndose su impotencia. Aunque ya le había avisado al mismo Hoffa, además de Russell Buffalino. (Pesci). Como se produce el asesinato es bastante plausible y tiene bastantes visos de ser la verdad. Cuando sale en las noticias la desaparición, la hija de Sheeran (Paquin) le pregunta “¿Por qué no había llamado a su esposa?" Aunque en realidad le esta preguntando “porque lo ha matado”. Por cierto, durante una conversación entre Sheeran y Russell, hablan sobre varias localidades italianas y de fondo está sonando la melodía de “El Padrino”.

   LO PEOR: No me voy a quedar sin decirlo. No poder verla en una sala de cine me parece una aberración y una falta de respeto al aficionado del buen cine. Porqué no tengo porque tener que irme a la Conchinchina para poder ver una película porque al Sr. Scorsese y Netflix les haya dado por estrenarla en solo una serie de cines muy seleccionados. Por mucha admiración que le profese a este director, es una hipocresía absoluta estar criticando el cine de superhéroes y luego estrenar la suya en una plataforma televisiva. Igual nos deberíamos acordar ahora de lo que dijo Spielberg hace casi un año y al que todo el mundo se le echó encima.

   CITAS: “Me han dicho que pintas casas”. “¿Sabes lo poderoso que te he hecho?”. “Era como en el ejército. Te daban órdenes. Obedecías, Y te recompensaban”. “No había nadie en este país que no supiera quien era Jimmy Hoffa”. “Con un cuchillo sales corriendo. Con un arma te echas encima”. “Porque”. “No es el momento de callarte”. “Hay cosas que ellos no saben que yo sé”. “¿De que lado estáis? ¿Del mío? Del suyo”.

   REFERENCIAS: Está basada en el libro de Charles Brandt “He oído que pintas casas”. La figura de Jimmy Hoffa ya ha sido tratada en el cine, en “FIST, símbolo de fuerza” con Sylvester Stallone y “Hoffa” con Jack Nicholson. Pero estructuralmente, la película recuerda a “Uno de los nuestros”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Cuando se junta uno de los más destacados directores del género con dos de los actores más representativos de éste, el resultado es una de las mejores películas del año. Aunque se acerca al biopic, centrado en la figura de Jimmy Hoffa.