Escenas Míticas: Mujeres de acción - Memoria letal

 

 

    Ya decía que volveríamos a ver a Geena Davis en este ciclo y aquí está de nuevo. No es casualidad porque la actriz se convirtió en un icono del empoderamiento femenino protagonizando dos películas donde normalmente primaba el protagonismo masculino. Y eso que todavía quedaba por llegar “Thelma y Louise” que terminaría por proclamarla, junto a Susan Sarandon, como icono del feminismo.

 

 

 

   Sin embargo, nunca volvería a ejercer como estrella tras la película de Ridley Scott y se le echa la culpa precisamente a esas dos películas dirigidas por el entonces pareja suya, el finlandés Renny Harlin, “La isla de las cabezas cortadas” y ésta, “Memoria letal”. La primera por ser uno de los fracasos más sonados de la historia del cine, invirtiendo 100 millones de dólares y recaudando solo 10. 

 

 

 

   A “Memoria letal” no le fue tan mal. Es más, en Estados Unidos tuvo una muy buena acogida. Pero a los 60 millones invertidos la respuesta fueron 90 de recaudación en taquilla, que no está nada mal pero suponen unos beneficios más bien cortos. Quizá el problema fueron las altas expectativas de la película, en gran medida por el precio de su guion. 

 

 

   Es que en su momento fue el más caro, nada menos que 4 millones de dólares. Su autor, el mismo que consiguió vender dos guiones más por encima del millón de dólares, concretamente los de “El último boy scout” y “El último gran héroe”, es Shane Black, un tipo, que se me entienda, no escribía mal pero que estaba pero que muy sobrevalorado. 

 

 

   Porque las claves de su guiones estaban cortadas por el mismo patrón, todas eran buddy movies, aquí al menos la pareja de “colegas” estaba formada por dos personajes de distintos sexos. Pero es que además, en este caso, la trama tenía cierto parecido a la de “El caso Bourne”. Si, es una película posterior a “Memoria letal” pero la novela de Robert Ludlum en la que se basa es de 1980. ¿Casualidad?. 

 

 

  De todos modos creo que Renny Harlin firmó una buena película de evasión, muy entretenida y trepidante, que respondía a los canones definidos en el blockbuster de los noventa. Un director cuya película precedente es verdad que fue un fracaso “La isla de las cabezas cortadas” pero las dos anteriores eran muy buenas películas de acción “La jungla 2” y “Máximo riesgo”. Tras la que hoy comentamos todavía daría una tan disfrutable como “Deep blue sea”. Después caería en el declive absoluto del que no se ha levantado. 

 

 

   Aunque después se redimiría con un papel muy diferente al de mujer dura de estas dos con Harlin en “Thelma y Louise”, lo que le valió otra nominación al Oscar, Geena Davis no volvió a ejercer de estrella, apareció una más en papeles secundarios o de televisión. La acompañó un Samuel L. Jackson que aún hoy afirma que esta es su película favorita de las que ha participado. No en vano, convenció a los productores para que lo seleccionaran para el papel, el cual habían pensado para Matthew Broderick o Richard Dreyfuss. Completan el reparto Craig Bierko, Brian Cox y David Morse. 

 

 

   Algunas curiosidades del rodaje. Para la escena de la tortura, Geena Davis ensayó con su marido, Renny Harlin, cronometrándose bajo el agua para conocer hasta dónde era posible de llegar con su capacidad pulmonar. La Davis se entregó totalmente en lo físico. Por otro lado, la parte que rodaron en la mansión Windenmere fue muy accidentada, llegando a producirse un gran incendio que la destruyó del todo. Años más tarde se reconstruyó y se abrió al público.

 

 

    Por cierto, su título en España responde a la manía que tenemos de ponerle la coletilla a los títulos americanos de "letal, final o mortal". El verdadero es "The long kiss goodnight", que viene a ser "El largo beso de buenas noches". Las críticas a la película fueron más bien negativas, aunque hubo de todo. Personalmente pienso que fue muy injustamente tratada y la considero una película rescatable y muy disfrutable.

 

 

Escenas Míticas: Mujeres de acción - Thelma & Louise

 

 

   Aunque no es una película de acción puramente, este título me parece imprescindible en este ciclo de “Mujeres de acción” por ser una de las mayores representantes del feminismo en el cine, cuyo tratamiento le valió no pocas críticas y una generosa polémica que ahora pasaré a explicar por lo injusta que me parece.

 

 

   La película tomaba un caso de violencia machista, un intento de violación, y hacía que sus víctimas reaccionarán con la misma o mayor violencia que su agresor. Tiene narices que el film fuera acusado de incitar precisamente a la violencia y de pretender dar una imagen de los hombres exageradamente negativa. De modo que si a John Wick le matan el perro todos aplaudimos cuando se carga varias docenas de personas, pero si unas mujeres son agredidas sexualmente, no pueden darle su merecido al colega. 

   De todas formas, voy a desmontar lo de la imagen negativa de los hombres. Muchos mantenían la teoría de que todos los hombres de la película están retratados como unos cretinos. Si, algunos lo son, pero no precisamente por tratar con mujeres, lo son en general. Y tenemos los personajes encarnados por Michael Madsen o Harvey Keitel (que las defiende a muerte), cuya imagen es muy positiva. 

 

   Pero si atendemos a lo que realmente habla la película, más que de feminismo habla de amistad y para ello se hace con varios subgéneros. Argumentalmente es una road movie que a su vez es una buddy movie (película de colegas). Pero en esencia es un neowestern. Básicamente son dos forajidas que escapan de un grupo de agentes de la ley. Una especie de “Dos mujeres y un destino”, que incluso tiene un final similar al de la película de Paul Newman y Robert Redford. 

   Aunque también podría considerarse el “Un día de furia” de las mujeres, por la actitud de justicieras que toman después y que las hace caer en una escalada de violencia. Por cierto, que precisamente ese final “no feliz” les hizo desconfiar tanto a los productores que estuvieron a punto de cancelar el proyecto antes de iniciarlo. 

   Ridley Scott comenzaba la década de los noventa de forma inmejorable con “Thema y Lousie” pero el resto de la década no fue muy buena con títulos como “1942, la conquista del paraíso”, “ Tormenta blanca” y “La teniente O'Neil” (que parece más propia de su hermano Tony), pero que nuevamente reivindicaba el papel protagonista de una mujer. Hay que recordar que Ridley Scott ya fue pionero de este aspecto otorgando a Sigourney Weaver uno de los personajes  protagonistas femeninos más importantes de la historia del cine. 

   Para los de ésta pensó en Michelle Pfeiffer y Jodie Foster (que no estaba dispuesta a ser víctima de otra violación en el cine). Finalmente los papeles protagonistas cayeron en Susan Sarandon y Geena Davis, quienes bordaron tanto sus papeles que fueron nominadas ambas al Oscar como mejor actriz principal. Curiosamente fue Jodie Foster quien se lo quitó enfrentándose a acierto psicópata caníbal en “El silencio de los corderos”. El elenco lo completaban tres habituales de Quentin Tarantino; Michael Madsen, Harvey Keitel y un joven Brad Pitt.

   La película lanzó al estrellato a Geena Davis, que a la postre se convirtió en una actriz de acción (de hecho, la veremos en otro título de este ciclo). Aparte de las nominaciones a las actrices, la película tuvo otras cuatro, al montaje, la fotografía, al propio Ridley Scott y al guión original, el único que se llevó la estatuilla, escrito precisamente por una mujer, Callie Khouri. La película costó tan solo 16 millones de dólares y recaudó 45 en taquilla lo que aunque no sea una gran cifra si fue lo suficientemente rentable.

 

   Personalmente me encanta esta película, una de mis favoritas de los noventa. Me emocionó especialmente su final (el cual estuvo a punto de tener un tratamiento distinto al que Ridley Scott se negó) y lo sigue haciendo. Actualmente es una película que se valora más de lo que se hizo en su momento. Un film cuya influencia eb otros posteriores es más que evidente.

 

Escenas Míticas: Mujeres de acción - Lucy

 

   “Viuda negra” fue uno de los grandes estrenos de 2020 que se quedó a las puertas de producirse cuando estalló definitivamente el cierre de los cines a nivel mundial a causa de la pandemia. Con un año de retraso, finalmente va a estrenarse en cines (aunque lo hará simultáneamente en la plataforma Disney mediante pago premium). Es una de las películas más esperadas del año y nos sirve como excusa para hacer un repaso de títulos con personajes femeninos “cañeros”.

 

   Precisamente comenzamos con uno protagonizado por Scarlett Johansson, a la cual Luc Besson eligió por el tirón mediático de la actriz en el género acción gracias a su participación en la saga “Vengadores”. Aunque también es cierto que no era la primera opción. Lo era Angelina Jolie, que rechazó el papel. 

  Con “Lucy”, Johansson se consolidó aún más como heroína de acción, rol que ha mantenido hasta hoy en día pero que parece que pretende abandonar tras “Viuda negra”. Quizá porque tras todas las películas del Universo Marvel en las que ha participado sumadas a ésta y “Ghost in the Shell”, su imagen como actriz ha quedado un tanto estigmatizada. 

   Solo hay que tener ojos en la cara para darse cuenta de la espectacular presencia en pantalla de Scarlett, lo que llevó a los productores a buscarla para películas de corte más bien comercial. Pero ella ya ha demostrado que es una actriz de talento, con incursiones en papeles más dramáticos e incluso alternativos como “Under the skin”, “Historia de un matrimonio” o “Jojo Rabbit”. 

   En el reparto la acompañan Choi Min-Sik, actor recurrente del cine coreano, un habitual de Park Chan-Wook, para su trilogía de la venganza en “Oldboy”, “Symphaty for Lady Vengeance”, y que también pudimos ver en “Encontré al diablo”. Completan el elenco el incombustible Morgan Freeman y muy brevemente Pilou Asbaek, con quién la Johansson volvió a coincidir en “Ghost in the shell”. Muchos le recordarán de la serie “Juego de tronos”.

   Besson tomaba la teoría del “diez por ciento” qué sostiene que el ser humano solo aprovecha un 10% de la capacidad cerebral y que de aprovecharse totalmente podría dar lugar al desarrollo de poderes digamos sobrenaturales tales como la percepción extrasensorial, la telekinesis o la telepatía. Científicamente se ha demostrado que está teoría no tiene ninguna validez y se la considera una leyenda urbana. 

   Éste fue uno de los motivos principales para las críticas negativas que tuvo la película. Algo bastante absurdo pues el director francés solo tomó el tema como excusa argumental, como ya habían hecho títulos como “Transcendence” o “Sin límites”, pero para hacer una película de ciencia ficción y más concretamente de superhéroes. Porque si, se puede hacer ese cine fuera de Marvel y DC. 

   Un Luc Besson que ya hace bastantes años que no está en su mejor momento, aunque hace tres diera una película que merece reivindicarse, “Valerian y la ciudad de los mil planetas”. Pero que recordaba y mucho a “El quinto elemento”. Besson hace tiempo que viene repitiéndose incluso copiándose a sí mismo. “Lucy” viene a ser una “Nikita” futurista, y ese modelo volvió a repetirlo con “Anna”. 

   No obstante, “Lucy” me pareció un film tremendamente entretenido y muy divertido desde el punto de vista de su desatada imaginación argumental y visual. Cosa que no compartió la crítica profesional pero si el público. Costó 40 millones de dólares y conseguió 460 en taquilla, lo que la convirtió en la tercera película más taquillera basada en una mujer como protagonista absoluta.