Bajocero

 

    FICHA TÉCNICA

 

Título: Bajocero.

Dirección: Lluís Quílez.

País: España.

Año: 2021.

Duración: 106 min.

Género: Thriller, intriga, policíaco.

Interpretación: Javier Gutiérrez, Karra Elejalde, Luis Callejo, Patrick Criado, Andrés Gertrudix, Isak Férriz, Miquel Gelabert, Édgar Vittorino, Florín Opritescu, Ángel Solo, Àlex Monner, Sebastián Haro.

Guion: Fernando Navarro, Lluís Quílez.

Producción: Pedro Uriol,Josep Amorós.

Música: Zacarías M. de la Riva.

Fotografía: Isaac Vila.

Distribuidora: Netflix.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: En su primer día, un policía tiene que hacer de conductor de un furgón que traslada un grupo de presos durante una noche fría. En el camino el furgón es asaltado. Alguien busca a uno de los pasajeros y no los dejará escapar hasta que se lo entreguen. 

 

   LO MEJOR: Desde hace ya unos cuantos años, el cine de género en España, y más concretamente el policíaco, goza de muy buena salud y la llegada de títulos como éste no hacen más que refrendarlo. Aunque esta película está a caballo entre el policíaco y el survival. Esta clase de cine nos llega más típicamente de las producciones norteamericanas. Y si a ellas les perdonamos ciertas licencias a cambio de que nos entretengan, a ésta también deberíamos. Porque cosas que perdonar tiene. Pero también es verdad que cumple su premisa central de entretener sobradamente, porque engancha prácticamente desde el principio y no te suelta hasta el final. Lo hace gracias a una trama tensa, que es cierto que se ven venir ciertos giros, pero que el buen hacer de Luis Quílez tras la cámara, con mano de hierro, mantiene la intriga lo suficiente como para mantenernos con los ojos pegados a la pantalla. Son varios aspectos los que producen esa sensación de tensión. De primeras nos muestra como funciona un traslado de presos. Nada de pasar directamente a la acción, nos sitúa entre esos convictos, lo que acrecenta el efecto claustrofóbico que impera en el interior del furgón. Luego si, el ritmo es excelente, lo cual no lo provoca con acción, sino con buenas dosis de suspense. Además, no escatima con el nivel de violencia. 

 

   Interpretación: Tiene dos actores enormes. De Karra Elejalde ya poco se puede decir. Su talento está más que contrastado. Pero es que Javier Gutiérrez debe estar en el Top3 de los mejores actores españoles. Encima, además están respaldados por un grupo de secundarios que rayan a un nivel altísimo. Mención especial para Patrick Criado, al que venía de ver en la serie “Antidisturbios”, o Luis Callejo. Todos, principales y secundarios, son los que sostienen la película. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Tiene secuencias de auténtica tensión. Como el “asalto” al furgón. Continuando cuando los policías salen al exterior y son atacados por un francotirador. O toda la escena en el lago helado al que cae el furgón.Ya no digo la parte del pueblo abandonado donde terminan por sacarle la verdad al personaje de Patrick Criado. Pero tiene algunos, ya no diría agujeros, pero si atajos de guion. Tienes que pasar por creer que no va a pasar absolutamente nadie en toda la noche por esa carretera. Que Karra Elejalde no tiene ni prisa. O que el policía dado por muerto, después de llevar un buen rato en el suelo, que si no ha muerto por los disparos debería haberlo hecho por la hipotermia, en realidad está vivo y en lugar de buscar refuerzos, vaya en persecución del furgón, solo para morir en cuanto llega. Da la impresión de que solo se buscaba tener una escena de coches. Pero el más grave es como sabe Elejalde todos los detalles de lo que hicieron a su hija si aún no la han encontrado, ni el culpable ha confesado. Por cierto, cuando finalmene lo hace, después de volarle la mano, recuerda a una escena de “Robocop”.  

 

   LO PEOR: He leído muchas alabanzas al guion. No me parece precisamente su mejor virtud. Como otros ejemplos de este cine, toma atajos con tal de que la historia siga en marcha sin bajar la tensión. Pero de perfecto no tiene nada. De hecho, si estuviera más pulido, la película sería más redonda. A veces los personajes son clarividentes y saben cosas que no les han contado. 

 

   REFERENCIAS: El cine policíaco español de la mano de Rodrigo Sorogoyen o Alberto Rodríguez. Y alguna cosilla de “El fugitivo”. 

 

    CONCLUSIÓN: 6’5. El cine policíaco español sigue gozando de muy buena salud, sobre todo cuando se apoya en personajes interpretados por repartos tan competentes como éste, donde sobresale de nuevo Javier Gutiérrez.

Archive/Cielo de medianoche/Sputnik

 

 

 

 

 

   Perfectamente podría encajar como un episodio largo de la serie “Black mirror” pues hace una reflexión sobre el uso de ciertos avances tecnológicos y sus consecuencias. Tiene un diseño de producción impecable. Especialmente me gustan los robots. No todos, porque no me creo la evolución que tiene el más avanzado, precisamente porque no parece un robot. Pero si los que tienen una estética más retro. Hasta el punto de que me he sorprendido a mí mismo empatizando con el más básico. Lo que no entiendo es para que tienes a gente en el reparto como Rhona Mitra o Toby Jones y les das apenas unos minutos en pantalla, desaprovechándolos totalmente. Es de esas películas que pretende dar un gran efecto con el giro final pero que o tenía mi sentido arácnido muy despierto el día que la vi o es que se ve venir. Al menos no es tramposo del todo. En resumen, podría haber estado mucho mejor pero aún así no está mal. 6 

 

 

   Ya he visto que le han dado palos por todas partes pero como la acusación general era que era muy lenta y yo no tengo ningún problema con ese aspecto, incluso me gusta que se tomen su tiempo para desarrollar los temas. Y teniendo en cuenta que el argumento es bastante interesante y George Clooney no es ni mucho menos mal director, pues tampoco podía ser para tanto. Y efectivamente no lo es. Si un tanto decepcionante respecto a lo que podría haber sido. Porque si te lo vas a tomar con tranquilidad para exponer la historia, al menos hazlo con profundidad, da la impresión que se ha invertido mucho tiempo para en realidad contar poco. Además, la trama se alterna entre una base en la tierra y una nave espacial que vuelve a ella, pero el montaje para ofrecernos los dos escenarios no es nada equilibrado. Hay tramos que el personaje de Clooney desaparece durante un buen rato. Y eso que el mensaje final me ha gustado y tiene un par de muy buenas escenas. Pero me da que le sobra metraje para lo que quiere contar. 5’5. 

 

 

   Modesta película rusa de serie B que aunque bebe de la fórmula de “Alien”, hay que reconocerle el esfuerzo de alejarse lo mas posible de su parecido. Básicamente trata de un astronauta que vuelve del espacio con sorpresa incorporada. Lo interesante es que la criatura en cuestión está en simbiosis con él, y ambos se necesitan para poder vivir. Un bicho que a pesar de lo escueto del presupuesto, está muy bien recreado y, de hecho, es lo mejor del film. Y sus apariciones, sus ataques, no se cortan en absoluto con la violencia y la sangre. No hay que fiarse de algunos carteles que dan una perspectiva del alienígena como si fuera enorme, más alto que una persona cuando tiene aproximadamente el tamaño de un gremlin, solo que más letal y sin talento para cantar villancicos. No está mal pero fácilmente le podrían haber recortado una media horita, y tener más claro que querían ofrecer, una monster movie o un drama. 6.

Yellowstone

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Yellowstone.

Dirección: Taylor Sheridan (Creador), John Linson (Creador), Taylor Sheridan, Stephen T. Kay, Ed Bianchi, John Dahl, Ben Richardson, Christina Voros, Guy Ferland.

País: Estados Unidos.

Año: 2018.

Duración: 60 min.

Género: Western, drama.

Interpretación: Kevin Costner, Kelly Reilly, Kelsey Chow, Wes Bentley, Danny Huston, Gil Birmingham, Cole Hauser, Ian Bohen, Luke Grimes, Michael Nouri, Wendy Moniz, Dave Annable, Geno Segers, Golden Brooks, Jeremiah Bitsui, Jefferson White, Austin R. Grant, Mason D. Davis, Atticus Todd, J.R. Cacia, Denim Richards, Christopher May, David Cleveland Brown, Michael Todd Behrens, Dakota Love, Heather Hemmens.

Guion: John Linson, Taylor Sheridan, Brett Conrad, John Coveny, Eric Jay Beck, Ian McCulloch.

Producción: John Vohlers, Michael Polaire.

Música: Brian Tyler, Breton Vivian.

Fotografía: Ben Richardson.

Distribuidora: Paramount Television.

    CRÍTICA     

   SINOPSIS: John Dutton es el propietario del rancho más extenso del país, lo que suscita envidias y codicias por parte de poderosos enemigos. Como patriarca de la familia, lidera la defensa de su imperio con la ayuda de sus hijos, aunque la relación entre ellos no es la mejor. 

LO MEJOR: Me sorprende que una serie de este nivel, la mejor que he visto en lo que llevamos de este año, con la gran cantidad de plataformas que existen actualmente, llevando ya tres temporadas, haya llegado ahora, y la tercera aún no lo haya hecho. A su creador, Taylor Sheridan, ya le consideraba uno de los mejores guionistas de hoy en día, como atestiguan los libretos de “Sicario” o “Comanchería”. Pero es que cuando se ha pasado a la dirección también ha resultado sumamente interesante, con “Wind River”. ¿Qué tienen en común estos títulos? Todos contienen elementos del western moderno, o más bien, del neowestern, es decir, el western contemporáneo. Porque Sheridan nos traslada al poderoso rancho de los Dutton y nos muestra todo su funcionamiento, con sus traslados de reses, sus domas de caballos, haciendo un efectivo uso del paisaje natural de Montana. Pero a la vez nos cuenta la lucha de su propietario para conservarlo, en una trama cercana a la de mafias. Sheridan nos hace además un retrato de la América de los cowboys actuales. No es casualidad que los dos antagonistas que tienen los Dutton representen el pasado y el futuro, respectivamente, qué es entre lo que se debaten los ranchos ganaderos norteamericanos. No obstante, “Yellowstone” tiene aroma a serie clásica como las de antes, esas basadas en clanes familiares. 

   Interpretación: Taylor Sheridan apoya mucho sus guiones sobre los personajes y si éstos están encarnados por un buen reparto, cosa que ha pasado en todos los casos, incluido éste, los actores se lucen. Cómo ocurre con Kevin Costner, en otro papel relacionado con el western, que por fin vemos aprovechado plenamente, cosa que no pasa en el cine. Costner es uno de esos actores que llena la pantalla. Pero es que la nómina de secundarios es sobresaliente. Tenemos a un Cole Hawser muy sorprendente, siempre me ha parecido un actor mediocre pero está ejemplar, y su personaje es uno de mis favoritos. Pero es que también están Kelly Reilly (especialmente inspirada), Wes Bentley (otro desaprovechado en el cine) o Danny Huston, entre otros. 

   Escena (SPOILERS!!): Sinceramente, lo que más me gusta son las escenas de cómo funciona el rancho, cómo doman los caballos, llevan en el ganado o cualquier otra actividad. Pero hay que tener en cuenta que la serie no va de eso, al menos no únicamente. Y cuando la familia tiene problemas, arregla las cosas como cualquier clan mafioso. Ahí es donde podemos ver ajustes de cuentas como el casi ahorcamiento de Dan Jenkins (Huston), la paliza a Beth (Reilly) o la liberación del nieto de John Dutton (Costner). Pero son muy interesantes los flashbacks cuidadosamente dosificados para conocer los orígenes del imperio y el motivo de las relaciones entre los hijos. 

   LO PEOR: Incomprensiblemente, ha recibido bastantes malas críticas por parte de la prensa. Cosa que al público le ha dado completamente igual pues es la serie más vista en la televisión por cable y acaba de ser renovada por dos temporadas más, cuarta y quinta. Si es cierto que es un poco culebrón pero es que es precisamente a lo que juega. Y parece que a la audiencia le gusta. 

     REFERENCIAS:Desde luego podemos adivinar el tono mostrado en el Sheridan director de “Wind River”. Pero la historia viene a ser una especie de “Dallas” del siglo XXI, qué podría tener sus similitudes con otros “culebrones” tipo “Dinastía” o “Falcon Crest”.   

  CONCLUSIÓN: 8. Es el “Dallas” de este siglo, envuelto en el neowestern que Taylor Sheridan ha cultivado tanto como guionista como director. Serie de estilo clásico que recupera a uno de los mejores actores de los noventa, un gran Kevin Costner.

Escenas Míticas: Sean Connery - La roca

 

 

    Ya en la última etapa de su carrera, tan solo siete años después estrenaría su última película, “La liga de los hombres extraordinarios” en 2003, Sean Connery firmaría el que fue su también último éxito comercial con una película que es considerada una de las más icónicas y mejor valoradas películas de acción de los noventa y a la vez de su director, Michael Bay. 

 

 

 

   Aunque la elección de éste estuvo marcada por las dudas. La primera opción era Tony Scott. Pero por aquel entonces prefirió embarcarse en su “Fanático”. Por lo que se buscó un director que respondiera al estilo visual similar al de Scott y surgió el nombre de Michael Bay, que acababa de triunfar con su primera película, “Dos policías rebeldes”, con unos rasgos muy parecidos a los de Tony Scott, marcados por la estética videoclipera, la espectacularidad y el montaje desenfrenado.

 

 

 

   A la postre, personalmente considero a Bay el heredero de Scott pero por aquellos tiempos su inexperiencia suscitaba dudas. Incluso a los pocos meses de comenzar la producción, los productores, nada satisfechos con lo que estaba preparando Bay, le convocaron a una reunión para apretarle las clavijas. A la cual asistió por sorpresa el propio Sean Connery con indumentaria de golf (jugaba todas las mañanas), para defender al director. Y eso fue suficiente para dejarle tranquilo el resto del rodaje.

 

 

   El resultado fue excelente y Bay se convirtió en uno de los directores más taquilleros, cómo prueban sus siguientes títulos, “Armageddon”, “Pearl Harbour”, “La isla” o la saga “Transformers”. Pero también muy masacrado por la crítica, aunque no fue el caso de “La roca”, que si fue bien valorada. Además, tiene algunos ejemplos de cine de calidad como “Dolor y dinero” y “13 horas, los soldados secretos de Bengasi". 

 

 

   Pero también es cierto que en este caso, la película se veía sostenida por su trío protagonista, es decir, Sean Connery, Nicholas Cage y Ed Harris. A los que acompañaba un reparto nada despreciable de secundarios con nombres con Michael Biehn, David Morse, Tony Todd, William Forsythe o Vanessa Marcil. Por cierto, Stanley Anderson hacía de presidente de los Estados Unidos, lo mismo que en la siguiente película de Bay, “Armageddon”. 

 

 

   Sin embargo, también Nicholas Cage suscitaba dudas entre los productores, que no le veían como un actor de acción, venía de ganar el Oscar por “Leaving Las Vegas” y querían apostar por un valor seguro como Arnold Schwarzenegger. Al cual Bay no le veía para el papel de un científico y se empeñó en Cage. El resultado volvió a ser un éxito.

 

 

    De hecho, tanto Jerry Bruckheimer como Don Simpson, el cual murió durante el rodaje y al que se le dedicó la película, acabaron encantados. Bruckheimer volvió a contar con Cage para "60 segundos", "Con Air" y "La búsqueda", convirtiendo al actor en una estrella del cine de acción. Muy lejos, lamentablemente, de la pobre imagen que destila hoy en día, aceptando participar en películas de muy dudosa calidad.

  Unas cuantas anécdotas. El papel de Connery hace varios guiños a su etapa como James Bond. Se hace alusión a que era un agente secreto britanico en 1962, que casualmene es el año en que se estrenó la primera película de la saga, "007 contra el Doctor No". Incluso hay una frase tras el interrogatorio al que es sometido en la película que sutilmente podría hacer referencia. Bay no ocultaba que uno de sus anhelos era dirigir una película Bond y ésta fue su manera de hacerlo.

 

   Por cierto, si los diálogos son más afilados de lo habitual en esta clase de películas es porque, aunque no fueron acreditados, Aaron Sorkin y Quentin Tarantino hicieron sus aportaciones como "negros". Por su parte, Sean Connery hizo que le prepararan un camerino en la propia cárcel de Alcatraz para no tener que desplazarse en barco todos los días al rodaje. La película costó 75 millones de dólares y recaudó 335 en taquilla.

Akira

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Akira.

Dirección: Katsuhiro Ōtomo.

País: Japón.

Año: 1988.

Duración: 124 min.

Género: Animación, ciencia ficción, acción, thriller.

Interpretación: Animación.

Guion: Katsuhiro Ōtomo, Izo Hashimoto (Manga: Katsuhiro Ōtomo).

Producción:Shunzō Katō, Ryōhei Suzuki.

Música: Shoji Yamashiro.

Distribuidora: Toho.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: En la ciudad de Neo-Tokio, el ejçercito está llevando un experimento para desarrrolar las capacidades psíquicas de una serie de niños especiales. Pero uno de ellos se convierte en un peligro para toda la ciudad cuando adquiere un poder imposible de controlar. 

 

   LO MEJOR: El motivo de esta especie de review es el reestreno de esta obra de culto indiscutible del anime y del cine en general, en formato 4K. Los que me conocen saben que no soy fan de la reediciones en calidades mejoradas porque considero que para apreciarlas se exige tener unas condiciones muy determinadas. Pero es precisamente en una sala de cine donde si se puede disfrutar de estos formatos. Es más, creo que es el único lugar donde merece la pena. Y siempre hay que aprovechar que se ponga una película de esta calidad en pantalla grande (de una sala, no de una casa, por muchas pulgadas que tenga). Además, la calidad técnica de la película en su modelo de animación ya era muy superior a lo visto hasta finales de los ochenta. Hay que tener en cuenta que cada movimiento, cada expresión, lleva detrás un enorme trabajo de construcción visual, y eso cuesta dinero. No en vano, fue la película animada más cara de su tiempo. Por ejemplo, hasta el momento, lo habitual era ver el rostro de los personajes totalmente inmoviles mientra que tan solo se movían los labios cuando hablaban. Pues bien, en “Akira”, la expresividad facial era total. A ese tipo de calidad me refiero. Pero es que además, temáticamente es una película mucho más compleja de lo que podría parecer en un principio, que incluía aspectos como el miedo nuclear en Japón, claramente derivado de las masacres provocadas por las bombas de Hiroshima y Nagasaki en la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico, y la desconfianza en el gobierno japonés en cuanto a la sospecha de sus experimentos con los ciudadanos. Pero también funcionaba como un homenaje a un género que por entonces no era tan poderoso como hoy en día, el de los superhéroes, aunque en un enfoque claramente más oscuro. Todo ésto lo hizo el hecho de que su director, Katsuhiro Otomo, creador a su vez del propio manga que adaptaba, exigió control absoluto sobre su obra, lo que le permitió imprimirle un tono extremadamente violento y una complejidad nada habitual hasta el momento, y dio como resultado un título clave en el subgénero del ciberpunk.  

 

   Interpretación: Es animación, o sea que no tenemos interpretaciones. Solo apuntar que siempre se recuerda al personaje de Kaneda como protagonista pero en realidad el protagonismo es compartido con Tetsuo. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Recuerdo que la primera vez que la vi, flipé en colores con ciertas escenas. De acción, como las espectaculares secuencias de persecuciones de motos. Lo de Kaneda fue tal icono que la moto aparece en la película “Ready Player One” de Steven Spielberg como icono de la cultura pop de los ochenta. De violencia, pues es tremendamente sangrienta. E incluye escenas como cuando Tetsuo y su novia son alcanzados por una banda de motoristas y son apalizados, llegando incluso a desnudar a la chica. A esa clase de escenas no estábamos acostumbrados en animación. O surrealistas, como la de los muñecos del hospital. Pero sin duda, la más comentada es la del desenlace y las interpretaciones del final. Personalmente me inclino a pensar que Tetsuo llega a tal nivel de poder que se funde con esa energía que llaman Akira, hacia lo que parte junto a los otros niños “ancianos” en lo que posiblemente es una dimensión paralela. 

 

   LO PEOR: Su mayor distintivo es a su vez su mayor lastre. Al menos para la época, para el público no acostumbrado a un anime tan denso, con tantas capas y que en la mayoría de los casos dejó a los espectadores con cara de no entender lo que habían visto. Incluso hoy en día, las interpretaciones de la película son variadas. “Akira” no es un simple entretenimiento, a pesar de su espectacularidad y su ritmo bastante alto. 

 

   CITAS: “Llegará un día en el que nosotros también seremos. Ese día no ha llegado”. “La gente perdió el orgullo hace tiempo, ahora solo piensan en vivir con lujos y diversiones". “Esconderse no sirve de nada”. “Abre los ojos y mira el mundo; Sois todos marionetas de políticos y capitalistas corruptos. ¿No entiendes? Es inútil pelear entre vosotros”. El futuro no es una línea recta. Hay muchos caminos diferentes. Debemos intentar decidir el futuro por nosotros mismos”.  

 

   REFERENCIAS: Guarda diferencias con el manga pues éste aún no estaba terminado cuando se hizo la película. “Akira” ha influenciado a multitud de obras posteriores, como la saga “Star Wars”, “Matrix”, “Looper”, “Chronicle” (muy descaradamente), “Origen” o más recientemente la serie “Stranger things”. 

 

   CONCLUSIÓN: 8’5. Se reestrenó en cines la versión en formato 4K de este clásico indiscutible de la obra de culto del anime y del cine en general, que marcó un antes y un después en el género de la animación de los ochenta.

Microcríticas Express: Da 5 bloods/The outpost/Triple frontera

 

 

 

   La he visto en varias listas de posibles aspirantes a los Oscars. Después de verla solo se me ocurre una expresión: tiene que ser una broma. Admito que no soy un entusiasta precisamente de Spike Lee, salvo en algunos títulos no tan descaradamente reivindicativos como “Plan oculto”. Primero le sobra como una de sus dos horas y media de metraje. Pero muy a gusto, porque hay una cantidad de relleno muy importante. Segundo, las escenas bélicas parecen las de un telefilm, por mucho que les cambien el formato y el tipo de fotografía, que quizá es lo único salvable. Tercero, las imágenes de denuncia racista, de Black Lives Matter y de Donald Trump, están claramente añadidas cuando la película ya estaba terminada, parece un corta y pega. Y cuarto, la historia se desarrolla entre la aventura del presente, que es donde mejor funciona, y los flashbacks del pasado donde curiosamente, ¡los personajes están igual! Físicamente son prácticamente iguales. Eso si, Delroy Lindo está que se sale, solo por él me mantuve en la película. Para los Oscars dicen . . . 5.

 

   El cine bélico ha ido incorporando lugares nuevos donde combatir y ya no solo se pueden ver películas de la Segunda Guerra Mundial o Vietnam sino que últimamente han predominado las guerras en Oriente Medio tales como Iraq o Afganistan. Me refiero en las que han estado los Estados unidos. Esta película se basa en una de esas batallas reales en plan “Blackhawk derribado” o “13 horas, los soldados secretos de Bengasi”, sin llegar ni por asomo al nivel de ninguna de ellas pero con la misma premisa de tener en pantalla unos cuantos americanos rodeados por todas partes de enemigos. El caso es que me ha resultado muy entretenida, con muy buen ritmo y mucha acción. Además, es la primera vez que veo a Scott Eastwood con un papel de carácter, con un personaje duro. Debería seguir esa línea. Más dudas me plantea el porque escoger a un actor como Orlando Bloom para tener un rol tan secundario. 6.

 

   Básicamente es una película que te cuenta un robo. La particularidad que tiene es que es perpetrado por un grupo de exmilitares bastante preparados, que además son amigos y que pretenden robar a un importante narcotraficante. La película está muy claramente dividida en tres partes, bastante típicas de esta clase de argumentos, preparación, ejecución y huida. Esa tercera fase es la más larga y además la más interesante por toda la cadena de acontecimientos que va precipitando todo hasta el final en un survival deseperado. Me ha resultado muy entretenida, aunque no lo trepidante que podría haber sido en materia de narración, más que en escenas. Lo que seguramente habría pasado si Kathryn Bigelow hubiera dirigido, pues el proyecto era para ella pero decidió irse a rodar ese peliculón que es “Detroit”. Eso si, el reparto está muy bien, todos ellos. 6.

 

The addiction

 

    FICHA TÉCNICA

Título: The Addiction.

Dirección: Abel Ferrara.

País: Estados Unidos.

Año: 1995.

Duración: 82 min.

Género: Terror.

Interpretación: Lili Taylor, Christopher Walken, Annabella Sciorra, Edie Falco, Paul Calderon, Fredro Starr, Robert Castle, Bianca Pratt.

Guion: Nicholas St. John.

Producción: Preston L. Holmes, Russell Simmons, Denis Hannz, Fernando Sulichin.

Música: Joe Delia.

Fotografía: Ken Kelsch (B&W).

Distribuidora: October Films.

    CRÍTICA

   SINOPSIS: Una estudiante es atacada por una vampira cuando volvía a casa una noche. A parir de ahí empieza a experimentar cambios tanto físicos como mentales, hasta convertirse en una adicta a la sangre mientras se adapta a su nueva vida intentando comprender que es. 

 

   LO MEJOR: Hay películas que parece que hablen de una cosa pero realmente lo hacen de otra. Por eso decir que ésta es “una de vampiros” no sería lo más acertado, aunque vampiros hay unos cuantos. En este caso el vampirismo es utilizado como metáfora, con dos interpretaciones posibles. Por un lado podría ser una parábola de la maldad inherente en el ser humano, de tal manera que el vampiro representa la liberación de los instintos reprimidos del ser humano, la liberación de las limitaciones que conlleva la condición humana para no convertirse en puros depredadores, para lo que la película hace uso de una posible conversión filosófica, planteando dilemas morales y haciendo uso de ciertos conceptos religiosos en relación a los del bien y del mal. Pero al mismo tiempo, por otro lado habla del vampirismo como una adicción, estableciendo un paralelismo entre los vampiros y los drogadictos, como esclavos de una adicción, y nos lanza el mensaje de que los adictos son destructores de todo lo que les rodea. Es por eso que presenta a las víctimas como incapaces de rechazar los ataques, que no serían otra cosa que la representación de la tentación. 

 

   Interpretación: Pues hay unas cuántas caras conocidas. No estrellas pero sí que pueden sonar. Tenemos por ahí a Annabella Sciorra (“La mano que mece la cuna”) en un par de escenas pero muy importantes. Podemos ver a Katherine Erbe aunque en un papel casi testimonial. Pero todo gira en torno a una Lili Taylor que está notable en mostrar su transformación. Y tenemos a uno de esos actores que con una sola secuencia se puede robar toda la película, con un personaje que merecería una para él solo, Christopher Walken. 

 

   Escena (SPOILERS!!): Las imágenes con las que comienza la película, procedentes de un documental sobre la barbarie y los efectos de la guerra, es para señalar al ser humano como el verdadero monstruo. Es más, hay una imagen en la que se ve cómo se amontonan los cadáveres de las víctimas civiles en Vietnam en fosas comunes. Volveremos a ver una escena paralela a esa imagen, en la orgía de sangre de la parte final, donde los vampiros amontonan los cadáveres en el salón de la fiesta de esa manera. El paralelismo es hombre-monstruo. Por cierto, el ataque múltiple en esa secuencia, dónde se dan un festín con los inocentes invitados, es de las escenas de vampiros más impactantes que he visto. Luego dos más, muy simbólicas. El ataque de Casanova (Sciorra) a Katheleen (Taylor), donde ésta es incapaz de decirle que se vaya. Y en el hospital, entre estos mismos personajes, cuando ella prácticamente quiere suicidarse siendo quemada por el sol y es precisamente salvada por Casanova. El epílogo con la lápida puede significar el renacer a través de la redención por arrepentirse del mal de que ha hecho gala. 

 

   LO PEOR: No tiene nada que ver con otras propuestas comerciales sobre cine de vampiros. Es cine independiente y es cine de autor, y para colmo de Abel Ferrara, un tipo nada convencional y alejado de los estándares de Hollywood. Por lo que a muchos les parecerá pedante (quizá), pretenciosa (desde luego), lenta (ya lo creo) y confusa (bueno es cine de hacer reflexionar, no de dártelo todo masticado). 

 

   CITAS: “No somos pecadores porque pequemos. Pecamos porque somos pecadores”. 

 

   REFERENCIAS: En algunos aspectos de su desarrollo me ha recordado a “Thrist” de Park Chan-Wook. Pero el estilo es bastante reconocido del cine de Abel Ferrara, como “Teniente corrupto”donde también hay referencias religiosas y de redención) y “Juego peligroso”. 

 

   CONCLUSIÓN: 6’5. Metáfora sobre la maldad y la adicción  através de una historia de vampiros al más puro estilo del cine de autor de Abel Ferrara, que contiene algunos momentos realmente perturbadores.

Snyder Cut's Justice League Trailer

 

      Creo que es la primera vez que hago un análisis de un trailer pero creo que la expectación que está creando éste lo merece. Yo mismo ya he perdido la cuenta de las veces que lo he visto cuando no suelo más que echarles un vistazo rápido. YouTube está repleto de vídeos con las reacciones de la gente. La palabra más repetida es "hype". La cual comparto pero que no me deja de sorprender porque este trailer recuerda mucho al tono empleado en "Batman v Superman, el amanecer de la justicia", que a mí me encanta pero que se llevó una legíon muy generosa de palos. 

 

   Vaya por delante que "La liga de la justicia" me pareció una película muy entretenida y divertida pero . . . marvelizada. Porque Joss Whedon desechó lo rodado por Zack Snyder para hacer la película desde cero aunque tomando parte del guion, que estaba escrito por él mismo. Es por eso que la película tiene un aspecto tan Marvel. Que no es ni mejor ni peor, pero lo que si que no es, es DC.

 

   Y parece que Snyder le ha devuelto el detalle porque si algunos dudaban de que fuera haber realmente material nuevo, tanto los teasers como el trailer oficial dejan claro que hay un cambio notable. Lo que nos ofrece es mucho más que un añadido de unos cuantos minutos, son como mínimo dos horas, y me da que va a ser mucho más porque seguramente ha desechado mucho del metraje de la película de 2017. Y lo que no, lo va a presentar con una estética totalmente distinta. Es una película nueva, algo que nunca se ha hecho y que parecía imposible. Una verdadera versión alternativa.

   Porque lo que puede advertirse más claramente es un cambio en la paleta de colores, con una fotografía notablemente más oscura y cercana a la parte final de "Batman v Superman". Un tono general "made in Zack Snyder", más serio, trascendental, pretencioso (bueno ¿y que?) pero sobre todo, épico (muy subrayado por la banda sonora) que es lo que viene proponiendo el director desde "El hombre de acero", y antes en "Watchmen", una forma de entender el género de superhéroes más adulta, más grave. 

  Hágamos un repaso de lo visto en el trailer. Inicia con un el grito de Superman que sugiere que provoque el despertar de las Cajas Madre. Podemos ver el templo de las Amazonas, Temiscira, derrumbarse y una serie de combates con un Steppenwolf diseñado de forma bastante más espectacular que en la película vista en cines. Tenemos una imagen de la pesadilla de Batman. El personaje de Iris West, vinculado a Flash. Y uno de los platos fuertes, el gran villano, Darkseid, y lo que parece ser Apokolips. Tanto como el del traje negro de Superman, por cierto, emulando el primer vuelo de "El hombre de acero". Y el colofón no podría ser mejor, unas palabras del Joker interpretado por Jared Leto pero muy alejado del aspecto del de "Escuadrón suicida". Cuanto puedan salir Darkseid o el Joker no lo sabrems hasta el 18 de marzo, me inclino a pensar que no mucho, pero ya es un aliciente más. Habrá que esperar. 

Escenas Míticas: Sean Connery - La caza del Octubre Rojo

 

 

    Ya sé que muchos dirán que la mejor película de submarinos es “Das Boot” (el submarino) y muy probablemente lo sea. Pero no tengo ninguna duda que ésta es mi favorita y treinta años después de su estreno me lo sigue pareciendo porque en este nuevo visionado para poder hacer este artículo me lo he vuelto a pasar en grande.

 

 

   Por cierto que su estreno no pudo ser más oportunista aunque no pretendido sino más fruto de la casualidad. Digo ésto porque la caída del Muro de Berlín se produjo en 1989 y la película estaba en los cines en 1990. Y no, no da tiempo a hacer una película en un año, su producción se inició antes. Pero es oportuna porque dicha caída ponía fin a la Guerra Fría precisamente con la Unión Soviética (Rusia hoy) como coprotagonista. 

 

 

   Pero el origen de la película venía de la intención de adaptar una de las 18 novelas de la saga protagonizada por el agente Jack Ryan, escrita por Tom Clancy, cuyos temas recurrentes eran el espionaje, la inteligencia (relativa al espionaje, se refiere) y la Guerra Fría, y que contaba con varios bestsellers precisamente de esa saga. 

 

 

   Pero si hay un responsable ese es John McTiernan, que se encontraba en el mejor momento de su carrera, es decir, justo al principio. De hecho, venía de firmar nada menos que “Depredador” y “La jungla de cristal” en apenas dos años anteriormente, dos iconos indiscutibles del cine de acción de los ochenta y en adelante. Y tras ellas vino ésta que hoy comentamos para instaurarse como una de las mejores películas de submarinos. 

 

 

   Después vendrían películas también interesantes pero no al nivel de estas tres, cómo “Los últimos días del Edén” (también con Sean Connery), y “El último gran héroe” (repitiendo con Arnold Schwarzenegger), “La jungla 3” (haciendo lo propio con Bruce Willis) y “El secreto de Thomas Crown” (con Pierce Brosnan, con el que había trabajado en su primera película, “Nómadas”). Por desgracia, lleva sin dirigir desde 2003 y no parece que vaya a volver a hacerlo. 

 

 

   La idea de McTiernan era separarse de la de “El submarino”, que si copió en parte Tony Scott para otra película de submarinos que me encanta, “Marea roja”, qué era la de explotar la sensación claustrofóbica que producía desarrollar toda la película en el interior del barco. No, en ésta hay numerosas escenas fuera de él tanto de tipo bélico como en las gestiones diplomáticas.

 

 

    Sean Connery ya había encarnado a los personajes más icónicos de su carrera, el Ramírez de "Los inmortales", el Guillermo de Baskerville de "El nombre de la rosa", el Malone de "Los intocables de Eliot Ness" o el padre de Indiana Jones. Aparte de su inestimable aportacion como James Bond. Pero faltaba uno más. Al menos para mí es uno de sus mejores papeles. Curiosamente no era el protagonista de la saga de novelas, Jack Ryan, sino el antagonista.

 

 

    Le acompañó un gran reparto, Alec Baldwin (supuestamente el protagonista pues era Jack Ryan), Sam Neill (pre-Jurassic Park), Scott Glen, Tim Curry, James Earl Jones, Richard Jordan y un muy joven Stellan Skarsgard. A Baldwin le sucedió como Ryan, Harrison Ford ("Juego de patriotas" y "Peligro inminente"), Ben Affleck ("Pánico nuclear") y Chris Pine ("Operación Sombra"). Paradójicamente, años después Ford interpretaría a un comandante ruso de submarino en "K-19" de Kathryn Bigelow.

 

    Incomprendiblemente tuvo críticas mixtas. Medios como Washington Post, New York times o Newsweek le dieron palos. Aunque en las principales webs de cine, tales como IMDB o Rottentomatoes, su nota media es muy alta. Al público le gustó y mucho. Como demuestran sus 200 millones de dólares de taquilla habiendo invertido 30. Tuvo un Oscar a los efectos sonoros y fue nominada además al montaje y la edición de sonido.