Wicked

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Wicked: Parte 1.
Dirección: Jon M. Chu.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 160 min.
Género: Musical, fantástico, comedia, aventuras.
Interpretación: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Keala Settle, Bowen Yang, Bronwyn James, Colin Michael Carmichael, Ethan Slater, Marissa Bode, Aaron Teoh.
Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Musical: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Novela: Gregory Maguire. Personaje: L. Frank Baum.
Producción: Marc Platt, David Stone.
Música: Stephen Schwartz, John Powell.
Fotografía: Alice Brooks.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En el mundo de Oz, dos estudiantes llegan a la universidad de Shiz. Una es Glinda, popular y privilegiada. La otra es Elphaba, discriminada por su color verde. Sin embargo, descubrirá que tiene un poder que no tienen los demás.

   LO MEJOR: Antes de nada hay que tener claro varios aspectos. Esto no es una adaptación de “Los libros de Oz”, de L. Frank Baum, sino directamente del musical de Broadway, que a su vez se basa en la novela de Gregory Maguire, “Wicked, memorias de una bruja mala”, que es una versión bastante alternativa de “El mago de Oz”, algo bastante habitual en este escritor, realizar revisiones de cuentas clásicos infantiles. Por tanto, teniendo claro que no es la misma historia, sino desde un punto de vista muy diferente, y que es un musical como los de antes, “Wicked” es una película muy disfrutable. Porque su director, Jon M. Chu, que ya había realizado un musical muy valorable con “En un barrio de Nueva York”, acierta en no quedarse en solo hacer una recreación de la obra de teatro, sino en sacarle todo el partido que puede a trasladarla al formato cinematográfico. De tal manera que hace que la película sea visualmente impresionante, creando un espectáculo que no abusa de los efectos digitales, aunque evidentemente los tiene. Pero me refiero a que la gran mayoría de los decorados están construidos y eso se percibe. Los apartados de vestuario, peluquería, fotografía, en general, todo lo que se refiere a la dirección artística, es en gran parte artesanal. Y se agradece lo bien que lo combina con lo digital. Pero es que además el guion funciona. Es la historia de orígenes de una “villana” pero también la de una amistad. Y temáticamente toca de todo; el bullying, la discriminación, el racismo, la corrupción política, e incluso tiene un mensaje animalista.

   Interpretación: Era básico y se consigue de sobra, la química entre las dos protagonista es total. Y no era fácil porque a priori no es que pegaran demasiado. Además, de Cynthia Erivo si sabía que es muy buena actriz, y de hecho, su protagonismo es superior, lo que le ha valido la nominación al Oscar. Pero la sorpresa me la he llevado con Ariana Grande, que es más cantante que otra cosa, que además ha tenido que hacer un considerable esfuerzo con la voz pues es un estilo musical muy distinto al que ella domina y que, al parecer, tenía una gran ilusión en realizar, un papel que tengo que decir que borda. Está maravillosa. Y además, tenemos a Michelle Yeoh y a Jeff Goldblum.

   Escenas (SPOILERS!!): La recreación del mundo de Oz es magnífica pero es en escenas más pequeñas donde se reflejan mejor los mensajes que quiere transmitir. Como en el arresto del profesor cabra (a la discriminación), el baile en la fiesta (al bullying), la transformación de los monos con las alas (maltrato animal), toda la parte con el mago de Oz (corrupción política), las referencias al color de piel de Elphaba (racismo). Y hay bastantes más ejemplos. Por cierto, se ve muy de pasada a los personajes de “El mago de Oz”, Dorothy, el Espantapájaros, el Hombre de hojalata y el León. Seguro que los vemos en la segunda parte porque sale en el principio que en realidad es el final de esta película.

   LO PEOR: Si es posible que sea un poco larga. Hay que tener en cuenta que la obra de teatro no llega a las tres horas completa. Y esto dura dos y media y solo es la primera parte. Podemos decir que se han marcado un “El hobbit”. Evidentemente se debe a que aquí además de la parte cantada, también está la no musical, con diálogos normales, y eso hace que sea más extensa que la obra original. Quizás recortando un par de números musicales habría aligerado. Aun así, no se hace pesada en absoluto.

   REFERENCIAS: Es la adaptación de la obra de teatro homónima y de su primer acto. Evidentemente forma parte del universo de “El mago de Oz”. Pero tiene cosas que recuerdan a la saga “Harry Potter”, a la serie “Miércoles”, y musicalmente estaría cerca de “Wonka”.

   CONCLUSIÓN: 7´5. La adaptación del ya original musical de Broadway brilla gracias a la química del dúo formado por Cynthia Erivo y Ariana Grande, que se come todo el espectacular mundo de Oz. Ya esperamos la segunda parte.

Escenas Míticas: Especial Muñecos - Barbie

 

   Formó parte del que sin duda alguna fue el mayor evento cinematográfico de los últimos años. La coincidencia en la misma fecha de los estrenos de dos de los pesos pesados en salas de cine en 2023, hizo que se especulara con que probablemente se perjudicarían entre sí las películas “Oppenheimer” y “Barbie”. Sin embargo, fue justo lo contrario. Se promovió la idea de que la gente fuera a ver ambos títulos ese mismo día.

   Lo que se llamó “Barbenheimer”, y aunque las películas fueran tan diametralmente distintas e incluso fueran destinadas a públicos muy diferentes, supuso un gancho publicitario que hizo que el interés por verlas las retroalimentaran entre sí. Llegando la película de Christopher Nolan hasta los 985 millones de dólares, habiendo invertido 100 en ella, y la de Greta Gerwig a los 1445, la más taquillera de ese año, habiendo invertido 130.

   Una Greta Gerwig que ya había imprimido un marcado tono feminista en sus dos anteriores películas como directora, “Lady Bird” y “Mujercitas”, con las que incluso llegó a conseguir varias nominaciones para los Oscars, tanto para la dirección como para el guion, la hacía en una elección perfecta para llevar a cabo el tono que pretendía dársele a la película.

   Aunque también fue considerada Patty Jenkins (“Wonder Woman”). El trabajo tras la cámara de Gerwig volvió a ser alabado y también volvió a ser nominada al Oscar. En total fueron siete nominaciones, que, a parte de la dirección, fueron para mejor película, guion adaptado, diseño de producción, vestuario y dos canciones. Solo consiguió transformar uno en premio, precisamente una de las canciones, la de Billie Eilish, el que fue su segundo Oscar consecutivo.

   El éxito de la película a nivel de crítica y taquilla hizo pensar rápidamente en una posible secuela, de lo cual hubo noticias de confirmación al respecto pero fueron desmentidas posteriormente. Ahora no se sabe muy bien si ese proyecto está en marcha o no. Desde luego, tanto los protagonistas de la película como la directora, no la tienen agendada entre sus futuros. Greta Gerwig, de hecho, lo siguiente que va a hacer es una nueva adaptación de la saga literaria “Las crónicas de Narnia” para Netflix.

  El motivo del éxito de “Barbie” es que no era una película basada en un juguete sin más. No, su directora le imprimió un claro mensaje feminista. Es decir, acerca de la igualdad de géneros y no sobre la superioridad de uno sobre el otro. Es más, lo que parodia precisamente es esa lucha de sexos.

   Hay que considerar que en el universo de la muñeca Barbie, es el hombre el que tiene un rol secundario. Además, rompía con la idea de que las muñecas eran emulaciones de niños, por lo que las niñas solo podían ejercer de “madres”. Sin embargo, Barbie era una muñeca adulta, con casa, coche y un trabajo en el que, en el mundo real, las mujeres estaban relegadas a un segundo plano.

   No obstante, su significado como icono tampoco estuvo exento de polémica, acusada de mostrar un perfil de mujeres estereotipado, de una perfección difícil de alcanzar, representando un físico extremadamente delgado pero con curvas muy marcadas, lo que la sexualizaba, y con una forma de vestir siempre muy femenina.

   A muchos les extrañó que dos estrellas del calibre de Margot Robbie y Ryan Gosling hubieran aceptado participar en un proyecto, a priori, infantil. Luego veríamos que no lo era. Para Barbie, aunque inicialmente se había pensado en Anne Hathaway, la elección de la Robbie, que prácticamente era una Barbie a tamaño natural, era bastante acertada. Le acompañaron un reparto lleno de nombres conocidos como América Ferrara, Kate McKinnon, Will Ferrell, Michael Cera, Emma Mackey o Samu Liu. Y Rhea Perlman ("Cheers") como la creadora de la muñeca.

   El diseño de producción es impresionante. Recrearon una Barbieland en cartón piedra, para acrecentar el efecto de juguete, en lugar de usar CGI, usando tanta pintura rosa, en al menos cinco tonos diferentes, que hicieron que escasearan las reservas a nivel nacional, aseguran. Consultaron a Peter Weir para ver como hacer un mundo artificial, con un cielo no real, como en "El show de Truman". Y en cuanto al vestuario, se tomaron como referencia las décadas de los cincuenta y sesenta, en concreto a la figura de Brigitte Bardot.

   Además, aunque no fuera estrictamente musical, se fijaron de producciones clásicas musicales como "El mago de Oz", "Las zapatillas rojas" o "El paraguas de Cherburgo". Y se inspiraron en "Grease" y "Fiebre en el sábado noche" para las coreografías de los números musicales.

The monkey

 

   FICHA TÉCNICA

Título: The Monkey.
Dirección: Osgood Perkins.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 95 min.
Género: Terror, comedia.
Interpretación: Theo James, Tatiana Maslany, Christian Convery, Colin O'Brien, Elijah Wood, Rohan Campbell, Sarah Levy, Oz Perkins, Tess Degenstein, Danica Dreyer.
Guion: Osgood Perkins. Historia: Stephen King.
Producción: James Wan.
Música: Edo Van Breemen.
Fotografía: Nico Aguilar.
Distribuidora: Neon.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos hermanos gemelos encuentran, en su infancia, un extraño mono de juguete. Cuando le dan cuerda se dan cuenta que empiezan a ocurrir repentinos accidentes mortales. Con el paso de los años esos accidentes vuelven a suceder.

   LO MEJOR: No hace ni un año desde que Osgood Perkins nos trajera una de las mejores películas de terror de 2024, “Longlegs”. Muy fiel a su propio estilo, como gran creador de atmósferas y lo que se podría denominar “slow horror”, películas habitualmente acusadas de ser lentas. Pues bien, aquí ha demostrado que tiene más registros de lo que se podría esperar tras títulos como el mencionado o “La enviada del mal” y “Gretel y Hansel”. Porque aunque siga permaneciendo su talento en la puesta en escena, se sale bastante de su propio molde, no solo aplicando un ritmo más acelerado, más cercano al del cine comercial más común, es que la película es tan divertida, tiene tanto humor negro, que se acerca más al género de comedia que al del terror. Es más, diría que tiene un toque muy tarantiniano. Basándose en un relato de Stephen King, Perkins le aporta un tono gamberro que no tenía el texto original, regalándonos un festival de sangre y gore, que se basa más en el impacto que producen las muertes de la historia, y creedme, son muchísimas, tantas que podrían fácilmente colocar al mono del título como el muñeco con más víctimas de la historia del cine. Muertes tan disparatadas que nuevamente se aproximan más a la comedia, más basadas en su desmedida truculencia que en el suspense. De hecho, Perkins no se entretiene en prepararte para cuando llegan. Incluso estando preavisados consigue que lo hagan por sorpresa, y eso es lo realmente divertido de la película.

   Interpretación: Aunque tarde un poco en aparecer, Theo James es el protagonista total ejerciendo un papel doble, es decir, dando vida a los dos gemelos como personajes principales. Tiene un papel pequeño pero la verdad es que Tatiana Maslany (“She-Hulk, abogada Hulka”) está muy bien. El que no sé a qué aspira con papeles tan cortos que casi parecen cameos, por lo poco relevantes que además son, es Elijah Wood.

   Escenas (SPOILERS!!): El prólogo, por cierto, con el cameo de un divertidísimo Adam Scott, ya es todo una declaración total de intenciones, respecto al gore y al tono de comedia negra. De todas las muertes que hay, que se suceden siempre como accidentes, la más espectacular, loca y burra, y no es que haya pocas que lo sean, es sin duda, la de la piscina. Aunque tampoco se queda atrás el de las abejas. El final sí recuerda a la tendencia por los desenlaces apocalípticos que le gustan a Stephen King, dando lugar a que la epidemia de accidentes sangrientos va a seguir, cerrando con broche de oro con la decapitación múltiple de las animadoras del autobús.

   LO PEOR: El guion es bastante simple. Básicamente consiste en que alguien de cuerda al muñeco, este se ponga a tocar el tambor y seguidamente produzca una muerte de forma espantosa. Tratan de enriquecer la historia con la trama del enfrentamiento entre los dos hermanos pero no evitan que sea eso, muertes y más muertes.

   REFERENCIAS: La forma en que se dan los accidentes recuerda mucho a la saga “Destino final”, pero con el tono del “Planet Terror” de Robert Rodríguez, de la mano de Quentin Tarantino.

   CONCLUSIÓN: 7. Osgood Perkins se sale de su habitual slow horror para regalarnos un festival de sangre y gore con toneladas de humor negro añadiendo diversión muy gamberra al relato de Stephen King del que parte.

Microcríticas Express: Kraven, el cazador/Megalopolis

 

   Pues en la misma línea que el resto del Spiderverso, es decir, bastante pobre. Algún día alguien me tendría que explicar quien tomó la decisión de crear un universo expandido de Spiderman pero sin Spiderman. Porque por ahí ya empezaban mal, aunque ese no es el principal problema que han tenido. Lo que ha pasado es que las películas son de muy baja calidad, especialmente en cuanto a los guiones, que no hay por donde echarles mano para que te susciten una pizca de interés. Y eso se confirma en esta, donde los personajes parecen clarividentes, que hacen las cosas porque un señor lo ha escrito así y punto pelota, donde hay diálogos que dan vergüencita. Como será para que “Morbius” me siga pareciendo la mejor de este Spiderverso, a pesar de todos los palos que se llevó, pero al menos había un duelo entre Jared Leto y Matt Smith. Pero vamos, que mejor casi por foto finish. Desperdicia a un muy buen reparto. A un Aaron Taylor Johnson que en el prólogo, la mejor secuencia de largo de toda la película, demuestra que podría ser perfectamente un buen Bond, pero que en el resto del metraje retratan como un Tarzán pero sin lianas. A un Russell Crowe que salva los muebles cuando sale pero lo hace más bien poco. A Ariana DeBose, a Fred Hechinger, a Christopher Abbott . . . y sin embargo, le da bola de más a un insoportable Alessandro Nivola. Un tipo que ya cuando salió en “Jurassic Park 3”, había velociraptores que le superaban en talento. El caso es que la película no tiene mal director, J.C. Chandor tiene algunas bastante interesantes, pero claro, contando con un guion en condiciones. Lo único salvable es la calificación R y alguna escena de acción potable, pero ya, no tiene más. 4.

   Me tiré años leyendo sobre el proyecto frustrado de esta película por parte de Francis Ford Coppola, siempre pensando en lo interesante que podría ser la idea que tenía. Y pasó lo inaudito, que pasados los ochenta años de edad, finalmente la haría. A pesar de todas la críticas, quería verla y juzgarla con mi propio criterio y la mente abierta. Estas películas que reciben tantos palos me suelen gustar. Y tenía bastantes ganas de poder llevarle la contraria a todo el mundo pero . . . . es que no hay por donde cogerla. No me puedo creer que este sea el mismo director de obras maestras como “El padrino” o “Apocalypse now”. Aunque hay que decir que Coppola llevaba más de 25 años sin hacer una película ni medio decente. Artísticamente si es impresionante, el diseño de producción, el vestuario y el talento visual del cineasta italoamericano para dejar imágenes espectaculares. Todo eso está. El problema es que no hay nada más. La narración es caótica hasta lo molesto, irregular, dando tumbos a golpe de pedal en un puerto de montaña. El guion es un completo despropósito, repleto de situaciones ridículas, que ni asumiendo que es una evidente sátira, dejan de dar vergüenza ajena. Desaprovecha líneas argumentales que podrían ser interesantes, como lo de parar el tiempo, que se queda en algo meramente anecdótico. Al final resulta poco más que un reboltijo de ideas que no salva ni su gran reparto, en parte porque no hay ni un personaje al que agarrarse, y sobre todo, porque todos están exageradamente sobreactuados, lo que me hace pensar que era la consigna general dictada por el propio Coppola, porque si no, no me lo explico. Y lo peor es que me he aburrido como hacía tiempo que no me pasaba. 4.

Air Doll

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Air Doll.
Dirección: Hirokazu Koreeda.
País: Japón.
Año: 2009.
Duración: 116 min.
Género: Drama, comedia, fantástico.
Interpretación: Bae Doona, Arata Iura, Itsuji Itao, Joe Odagiri, Susumu Terajima, Sumiko Fuji, Kimiko Yo, Masaya Takahashi, Mari Hoshino, Ryō Iwamatsu.
Guion: Hirokazu Koreeda. Historia: Yoshiie Goda.
Producción: Hirokazu Koreeda.
Música: World's End Girlfriend.
Fotografía: Mark Lee.
Distribuidora: Asmik Ace Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una muñeca hinchable cobra vida y descubre que hay un mundo fuera de la casa en la que la tiene su dueño. Sale al exterior, conoce a otras personas y empieza a conocer lo que es el milagro de vivir.

   LO MEJOR: Las mejores joyas son las que encuentras por casualidad, las que en su momento se te pasaron, de las que no sabías de su existencia y ves ahora sin más expectativa que la de la curiosidad. Así es como he llegado a esta conmovedora, poética y, en ocasiones, incluso desgarradora historia de una muñeca hinchable a la que un día se le concede tener un corazón y. por tanto, vivir. Desde luego, hay mucho de la obra de Carlo Callodi, “Pinocho” en ella, aunque el aspecto fantástico está al servicio de la historia, es decir, es un mero pretexto en forma de metáfora, que ejerce como fábula sobre la sociedad japonesa, pero en general cualquier sociedad, realizando un retrato sobre la soledad de la gente, donde su personaje principal, Nozomi, se muestra como un espejo de los demás personajes, que destapan, a través de su contacto con ella, sus debilidades. Y si, hay mensajes muy claros, como el tema de la mujer como objeto sexual. No obstante, hay mucho más, porque Nozomi, desea ser humana y es interesante ver como se emparenta la acción de vivir con la de sufrir. Nosotros sufrimos con ella. ¿Y que hay más humano que sufrir? Así que de alguna manera, Nozomi nos humaniza. Es de esas películas que te dejan noqueado y pensando, y eso que visualmente es una maravilla en cuanto a la puesta en escena. Por cierto, me encanta el homenaje que hace al cine, desarrollando gran parte de la historia en un videoclub.

   Interpretación: Bae Doona esta fantástica, nunca mejor dicho. Pero sí, me parece una de las mejores actrices orientales. Hay que resaltar que ella es coreana pero la película es japonesa. Si Nozomi enamora no es precisamente por el aspecto sexual, tan presente en el personaje, aunque es importante su aspecto físico, la delicadeza de su cuerpo en las escenas de desnudos, que son unas cuantas, para transmitir todavía más su aspecto de fragilidad, sino porque ella es la película y por eso solo hablo de ella.

   Escena (SPOILERS!!): Hay secuencias de una emotividad superlativa. El momento en que ella se pincha y empieza a desinflarse es casi trágico, que se convierte prácticamente en erótico cuando él la vuelve a inflar con su aliento y con ese aliento la devuelve a la vida. O cuando el dueño del videoclub la chantajea para tener relaciones sexuales con ella, y esta vuelve a convertirse, durante el acto en muñeca porque no siente nada. Sin embargo, vemos que lo que él demanda es en realidad cariño. O cuando el anciano le pide que le toque y ella cree que es de forma sexual pero lo que quiere es que le toque la frente, notar su tacto frío porque piensa que la gente de manos frías tiene el corazón muy caliente. O la escena más perturbadora de la película, cuando le clava al chico unas tijeras en el vientre, con la intención de poder inflarlo a él, como metáfora del acto sexual, sin darse cuenta que él es realmente humano y por lo tanto, sin saberlo, de forma inocente, lo ha matado. Es durísima la imagen de su cadáver dentro de la bolsa de basura. Y desde luego como su dueño, el que la poseía como muñeca, prefiere que vuelva a su estado como objeto que verla como humana. ¿Como se puede interpretar el final? De forma directa o indirecta, Nozomi ha influido a una serie de personas. Al final ella misma se abandona en la basura. Pero ni siquiera así puede morir. Cuando una chica que vive como en un basurero precisamente, la ve desde la ventana, la considera preciosa, quizá baje a recoger a Nozomi, y cuando menos le ha inspirado un sentimiento de belleza.

   LO PEOR: Su desarrollo es lento, pausado, incluso a algunos les parecerá que no pasa realmente nada, que no va a ninguna parte. Si no tienes paciencia, eso puede ocurrir. Pero si la tienes merece mucho la pena.

   REFERENCIAS: Lo dicho, hay mucho de “Pinocho” de Collodi, incluso en la película hay una especie de Geppetto. Pero recuerda más a “Inteligencia artificial” de Steven Spielberg, e incluso tiene alguna reminiscencia a la reciente “Pobres criaturas”, aunque esta sea posterior.

   CONCLUSIÓN: 8. Esta joyita nos habla de nuestra sociedad y también de nuestra humanidad, a través de la conmovedora historia de una muñeca hinchable a la que se le concede el milagro de la vida pero no como saber vivir.

Escenas Míticas: Especial Muñecos - Annabelle creation

 

   Si decíamos que Chucky probablemente sea el muñeco más famoso de la historia del cine, en la última década Annabelle le ha recortado distancias, también en el ámbito del terror, también inspirada en un hecho supuestamente real y en la leyenda negra de una muñeca encantada que aterrorizó a unos estudiantes en los años setenta mediante diversos sucesos extraños que les llevaron a recurrir a varios especialistas en parapsicología.

   La película pretende mostrar el origen de la historia pero hay que decir que este es totalmente inventado. La verdadera muñeca era una más de la serie Raggeddy Ann, comercializada por una empresa juguetera y que tuvo un gran éxito de ventas a partir de 1969. Fue un regalo de la madre de una estudiante de enfermería que junto a su compañera de piso empezaron a notar cosas extrañas.

   La muñeca parecía moverse sola, aparecía en distintas posturas y en diferentes lugares a los que la habían dejado previamente. Además de empezar a aparecer mensajes sin sentido con frases como “Ayúdanos” o ¿Me echas de menos?. Cuando los fenómenos fueron en aumento, recurrieron a una médium que les dijo que la muñeca estaba habitada por el espíritu de una niña llamada Annabelle Higgins.

   Cuando los fenómenos aumentaron todavía más, llamaron a un cura que a su vez contactó con los demonólogos Ed y Lorraine Warren, que les dijeron que Annabelle no existía y que era un demonio con la intención de poseer a su dueña. Por lo cual decidieron llevársela y conservarla en su Museo de Ocultismo, donde hoy sigue estando. Esa escena es la que se recrea en el prólogo de “Expediente Warren”.

   Con ella hacían un breve adelanto de la película que pasaría a formar parte del Warrenverso, que llegaría en 2014, “Annabelle” y que dirigió John Robert Leonetti, habitual director de fotografía del propio James Wan. También iba a ser el elegido para esta precuela pero finalmente Wan se decantó por David F. Sandberg tras ver su trabajo en “Nunca apagues la luz”, del cual quedó impresionado.

   Aunque Sandberg no estaba interesado en secuelas de terror, aceptó cuando le aseguraron que podía hacer una película totalmente independiente en su desarrollo, pero que sí debía conectar con la película precedente. Además de incluir una escena post créditos para hacer un nuevo adelanto de un personaje del Warrenverso, que fue “La monja”.

   Sandberg era básicamente un cortometrajista, que incluso después de realizar “Nunca apagues la luz”, a partir precisamente de un corto suyo, ha seguido rodando muchos, habitualmente de índole terrorífica. Sin embargo, también ha sido el director de las dos entregas de Shazam, “¡Shazam!” y “Shazam, la furia de los dioses”. Esta misma primavera va a estrenar “Until dawn”, la adaptación de un videojuego, un slasher con toques de ciencia ficción.

   David F. Sandberg quería salirse de su típica puesta en escena de sus cortos, planificados casi plano por plano, para aplicar a la precuela de “Annabelle” un estilo más clásico. De hecho, se inspiró como influencias en títulos como “La casa encantada” (1963) y “El resplandor”. Además, tomó la decisión de suavizar los rasgos de la muñeca para hacerla más creíble como juguete infantil. A mí me sigue pareciendo horripilante.

   Dicho sea de paso, la verdadera Anabelle tiene una apariencia mucho más amable y menos amenazante, a la cual hacen un guiño en las tres películas que se centran en ella, apareciendo en un momento dado en todas ellas. Pero para la película prefirieron un diseño que diera más miedo ya de entrada, ya desde “Expediente Warren”.

   Además, se hacen varios guiños a "El mago de Oz", como la figura de Dorothy, el espantapájaros en la pared, el hacha del hombre de hojalata, el peluche del león o los zapatos rojos. Hubo otra secuela más, "Annabelle vuelve a casa", pero la más exitosa y con mejores críticas, y me atrevo a decir que es la mejor película de todo el universo Warren después de las dos películas dirigidas por James Wan. Costó 15 millones de dólares y recaudó nada menos que 306 en taquilla.

   En el reparto había nombres como Anthony LaPaglia o Miranda Otto, pero las verdaderas protagonistas eran las niñas, algunas de ellas se han hecho populares después; como Lulu Wilson ("Becky"), Talitha Bateman, Grace Fulton ("Shazam"), Tayler Buck ("Superman y Lois"). Y cuenta con los cameos de Patrick Wilson y Annabelle Wallis. 

Emilia Pérez

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Emilia Pérez.
Dirección: Jacques Audiard.
País: Francia.
Año: 2024.
Duración: 132 min.
Género: Thriller, musical, drama.
Interpretación: Zoe Saldana, Selena Gomez, Edgar Ramirez, Karla Sofía Gascón, Mark Ivanir, Adriana Paz, Eric Geynes, James Gerard, Agathe Bokja, Tulika Srivastava, Shiraz Tzarfati, Line Phé, Anabel Lopez, Eduardo Aladro, Yohan Levy, Cyrus Khodaveisi.
Guion: Jacques Audiard. Novela: Boris Razon.
Producción: Pascal Caucheteux.
Música: Clément Ducol, Camille.
Fotografía: Paul Guilhaume.
Distribuidora: Pathé.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una abogada insatisfecha con su rol en el bufete para el que trabaja, recibe la oferta del líder de un cártel. Consiste en una misión muy delicada y secreta, ayudarle a dar un giro a su vida y conseguir lo que lleva años añorando, cambiar de sexo.

   LO MEJOR: Parece que todas estas películas van a estar siempre bajo sospecha bien sea por el género o la raza de sus personajes. Si no son blancos y heterosexuales, la acusación de inclusión va a estar ahí perenne. Por tanto, de todas las consideraciones ajenas a lo estrictamente cinematográfico, voy a pasar pero mucho, y voy a juzgarla exclusivamente por su valor como película. Y a ese respecto tengo que decir que me ha sorprendido mucho. Es una propuesta atrevida y muy arriesgada y, por lo tanto, fresca y original. Y personalmente siempre estaré en el team de los valientes. Es que además hay de todo. Tiene momentos divertidos, tristes, trágicos y violentos. Su falta de complejos no solo se demuestra en una rocambolesca trama sino en la forma de contarla. Porque, para colmo, es un musical, lo que eleva todavía más la apuesta. La cuestión es si toda esta ensalada termina funcionando o no. Y la respuesta, a mi entender, es que sí. Porque la música se utiliza como un medio narrativo. Las canciones cuentan cosas, incluso tienen una función reivindicativa. No están de adorno como hace Todd Phillips en “Joker 2”, por ejemplo. Además temáticamente habla de cosas tan importantes como el derecho a que una persona sea quien sienta que es, el derecho a dar un giro a su vida, a buscar la redención por los actos pasados. Es decir, dentro de que toque temas como los de las víctimas del narcotráfico o el reinado de los cárteles, la película verdaderamente habla de la identidad de la persona.

   Interpretación: Le duela a quien le duela, Karla Sofía Gascón realiza una gran interpretación. Y si no, fijaos a los dos registros que maneja, tanto como hombre como mujer. No la veía favorita, ya antes de la polémica de los comentarios para el Óscar, pero merece la nominación. Tanto como Zoe Saldana, a la que si veo con posibilidad de llevarse la estatuilla. Bien es cierto que la han nominado como actriz de reparto y realmente es coprotagonista. Muy destacables también en los trabajos de Selena Gómez (aunque a veces cuesta entenderla) y Adriana Paz.

   Escenas (SPOILERS!!): Ojo a las primeras conversaciones entre “Manitas” (Gascón todavía de narcotraficante) y Rita (Saldana). El trabajo de voz es impresionante, da miedo. Pero gran parte del acierto de la película está en la fuerza de los números musicales, ya sea por la letra de sus canciones o por la puesta en escena de sus coreografías. El de la clínica de cirugía estética, el reencuentro en el restaurante, el karaoke con Selena Gómez o el emotivo y trágico desenlace. Un final que es perfectamente lógico con cómo se han ido desarrollando las cosas. Esos personajes solo podían acabar mal.

   LO PEOR: Me da pena que la gente vea las películas con la mochila cargada de prejuicios  ya antes de verla. A ver, no es para todo el mundo, desde luego. Además, su narración es irregular, eso es cierto. Y es verdad que no hay ni un mexicano en sus papeles principales, aunque más allá del detalle es algo que a quien no sea de ese país, le importa bastante poco.

   REFERENCIAS: Es del tono de “El consejero” de Ridley Scott, con personajes cercanos a “La chica danesa” o “Boys don’t cry”, pero como si los hubiera dirigido Pedro Almodóvar, aunque la puesta en escena no sea lo suyo.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Si nos abstraemos de sus diversas polémicas, cinematográficamente es una propuesta fresca y original, que arriesga tanto en su fondo como en su forma, contando la historia a través de un musical nada habitual.

Microcríticas Express: La bestia/Las desapariciones

 

   Lo primero, advertir que no es una película ni mucho menos para todo el mundo. De hecho, si tuviera que buscar una referencia para quien lea esto, y no sería muy exacta, podría ser el cine de David Lynch precisamente. Me he tirado gran parte de la película sin saber de que iba realmente, con larguísimas conversaciones que no sabes a donde van y porque están hablando de eso. Es más, en ocasiones me daba la sensación de estar viendo una película de arte y ensayo. Por tanto, a estas alturas ya es evidente que hay que armarse de bastante paciencia para enfrentarse a ella. La cuestión es si merece la pena. Bueno, a ver como explico el planteamiento. La historia se desarrolla en tres líneas temporales, en 1910, 2014 y 2044, y los protagonistas son siempre los mismos aunque no realicen los mismos personajes pero si paralelos a los de las otras líneas. Es decir, son dos personas que se encuentran en tres vidas diferentes, en todas ellas se sienten atraídos y lo que queda por ver es si consiguen estar juntos. Parece que siempre hay algo que se interpone en que esto ocurra y es a lo que se refiere el título, La Bestia, que podría ser una suerte de destino fatal o lo que sea. Que mensaje manda como acaba cada historia (que en realidad son parte de la misma) ya eso lo debe interpretar cada uno. Pero si deja más cerrado su desenlace de lo que solía hacer precisamente Lynch. No obstante, volviendo a la pregunta de si merece la pena intentar desenredar esta madeja, pues para mí personalmente si. En base a tres motivos, tiene algunas secuencias que me parecen brillantes, la representación que hace de la inteligencia artificial futura ya la vemos muy presente y la interpretación de Lea Seydoux es muy buena. 6’5.

   La pareja de directores Alexandre Bustillo y Julien Maury se ha caracterizado siempre por hacer películas de terror, además con momentos bastante fuertes visualmente, como la escalofriante “Al interior”. Sin embargo, aquí se salen un poco de su género, concretamente al policiaco. Digo un poco porque la cabra tira al monte y porque es una historia policiaca pero dentro del subgénero de polar francés. Para hacernos una idea, va por el camino de títulos como “Los ríos de color púrpura”. Es decir, es un psicokiller pero con escenas tan explícitas que la acercan al tono de terror. Además, que la película tiene ciertos paralelismos con la mencionada. Presenta una trama muy retorcida, llena de crímenes atroces, muchas veces con recreaciones bastante brutales. También se apoya mucho en el envoltorio del folclore y las leyendas populares como caldo de cultivo para lanzar un misterio que consiguen mantener durante gran parte del metraje, dejando abierta siempre la posibilidad sobrenatural en su resolución. Para ello ayuda estar ambientada en una pequeña localidad francesa, un poco apartada de todo, en la que se están produciendo una serie de extrañas desapariciones. La trama resulta interesante aunque tiene algunas situaciones de guion que me han sacado de la película en ocasiones, aunque rápidamente volviera a ella. Como que nadie se de cuenta que todos los niños desaparecidos sean de la misma zona, nadie explica porque está haciendo lo que hace y, por dios, aquí nadie utiliza unos guantes en la escena del crimen. Además, el giro final me lo he visto venir. Pero si entretiene y logra tenerte intrigado. Por cierto, la protagonista es una ya veterana Virginie Ledoyen. 6´5.

Escenas Míticas: Especial Muñecos - Pequeños guerreros

 

   Probablemente es la última película de Joe Dante con un buen resultado tanto comercial como de crítica, y es una pena porque data casi ya treinta años atrás porque de ahí en adelante el director de “Piraña” y “Aullidos” ha aparecido más en televisión que en la gran pantalla, merced a que su carrera ha sido muy irregular en cuanto a la taquilla se refiere.

   Tras el que a la postre fue el mayor éxito de su filmografía, de la mano de Steven Spielberg, eso sí, “Gremlins”, tanto “Exploradores” como “El chip prodigioso” fueron sendos fracasos. “No matarás al vecino” si funcionó muy bien pero con “Gremlins 2” y “Matinee” volvió a dar resultados negativos en las salas de cine, bastante injustamente, creo yo, porque todos ellos me parecen títulos muy rescatables y el talento de Dante siempre me ha parecido incuestionable.

   Aquí contó con un presupuesto respetable de 40 millones de dólares que se convirtieron en 54 de recaudación en taquilla, que no es que fuera para tirar cohetes pero al menos dio números positivos. Y la crítica también fue mayoritariamente favorable. Y es que Dante siempre ha tenido un problema con la calificación por edades.

   Es como que Joe Dante siempre ha querido películas más para adultos pero le han obligado a bajar el tono. Le pasó con la propia “Gremlins”, a la que originariamente pretendía dar un tratamiento más de terror que de comedia, pero con la que tuvo que ceder para poder alcanzar la calificación de PG-13 y así optar a un rango de público más amplio. Y con “Pequeños guerreros”, tres cuartas partes de lo mismo.

   Es más, muchos la consideran un remake encubierto de “Gremlins”. Y es cierto que hay paralelismos muy sospechosos. Estructuralmente hay muchísimas semejanzas. El perfil de los personajes y cómo los divide entre buenos y malos, tanto entre los humanos como en las criaturas, es el mismo. Además, el tema de la familia, la figura del padre, la novieta vecina deseada por el protagonista y el enfrentamiento final, son bastante parecidos.

   Y como aquella era una película que buscaba al público juvenil pero no tanto al infantil por mucho que tenga una apariencia de cine familiar. De hecho, contiene bastante violencia. Era el mensaje principal que se quería transmitir, una crítica a los juguetes de naturaleza violenta. Por cierto, los Gorgonitas se inspiraban en los Másters del Universo, y el Comando Elite en los G.I. Joe descaradamente.

   Hay que decir que comercialmente se pudo ver afectada por un clima de violencia adverso pero ajeno, o por lo menos, no generado por la película. Hubo dos hechos bastante trágicos que enturbiaron la imagen de esta. Uno fue el asesinato, a manos de su esposa, de uno de los intérpretes del reparto, Phil Hartman, a quien disparó en varias ocasiones para después suicidarse.

   El otro también fue un asesinato, un adolescente, Kip Kinkel, que mató a sus padres. La similitud de su nombre con el de uno de los personajes, Killigan Kip, que se iba a vender como muñeco en Burger King, supuso su prohibición. Y paró la idea de comercializar la venta de los muñecos de la película a cargo de un importante empresa de juguetes. Sí, en Estados Unidos se prohíben los muñecos pero no las armas de fuego.

   Incluso el cartel de la película se vio modificado, donde el personaje de Chip Hazard portaba una pistola, la cual se eliminó haciendo parecer que estaba señalando con el dedo, no apuntando con un arma al público. Por lo demás, los efectos especiales son una de las mejores bazas de la película. No en vano, al cargo estaba Stan Winston, que se reunió con la marca de juguetes Hasbro para ver como de realistas podían hacer a los muñecos. Ganaron esta categoría en el Festival de Sitges.

   En el reparto no había nombres muy destacados más allá de los habituales secundarios Kevin Dunn o Dennis Leary, y de una muy joven Kirsten Dunst. Y, por supuesto, el fijo de Joe Dante, Dick Miller. Pero en el apartado de voces si hay para dar y tomar. El director pretendía que todo el elenco de "Depredador" pusiera las del Comando Élite. No fue así pero si tuvo las de Tommy Lee Jones, Ernest Borgine, Bruce Dern, Sarah Michelle Gellar, Christina Ricci o Frank Langella. 

   La película tiene muchos guiños, algunos autorreferenciales del cine de Dante, como a "Piraña" o "Gremlins". Y otros a títulos como "Terminator" o "Apocalypse now". Incluso a "La novia de Frankenstein" (la música en la transformación de las muñecas Wendy) y a "Los viajes de Gulliver".

La acompañante

 

   FICHA TÉCNICA

Título: La acompañante.
Dirección: Drew Hancock.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 97 min.
Género: Thriller, ciencia ficción.
Interpretación: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Lukas Gage, Megan Suri, Harvey Guillén, Rupert Friend.
Guion: Drew Hancock.
Producción: Zach Cregger.
Música: Hrishikesh Hirway.
Fotografía: Eli Born.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una pareja se dispone a pasar un fin de semana en una casa en el campo con unos amigos. Pero las cosas no van como se esperaban ni todos tienen las mismas intenciones.

   LO MEJOR: Ya se ha dicho que podría ser la película de terror del año. A ver, vamos a relajarnos un poco. Primero porque se ha estrenado en enero y queda todo el 2025 por delante. Segundo porque aunque el terror sea uno de los géneros que mezcla, pues hay algunas muertes bastante sangrientas, están tomadas con mucho humor, negro eso sí, y ni mucho menos se puede considerar una película terrorífica. De hecho, lo que domina es precisamente la comedia negra con toques bastante marcados de ciencia ficción. Es más, estaría curioso saber qué opinaría Isaac Asimov de cómo han jugado con las reglas que propuso acerca de los robots. Porque si bien no explora nada nuevo que no hayan hecho otras películas sobre este tema y, por extensión, de la inteligencia artificial, con aquello de los androides sintiéndose como humanos y planteando dilemas existenciales, si le dan una vuelta muy divertida a como se pueden retorcer esas famosa reglas. No obstante, no nos engañemos, la película es puro entretenimiento y ese es su máximo objetivo. Eso lo cumple de maravilla gracias a un excelente ritmo, un metraje muy medido y un guion repleto de giros. Si a eso le sumas que los efectos especiales, sin ser espectaculares, son muy efectivos, le da al espectador para pasárselo muy bien, y ese ha sido mi caso, sin duda. Además, si deja una reflexión. Cómo está tan sola la gente o qué poco quiere trabajar las relaciones sociales, como para recurrir a robots como compañía a la carta. Hay que recordar que aunque se sitúe en un futuro cercano, esto ya está en el presente, no tan perfeccionado pero eso solo es cuestión de un poco de tiempo.

   Interpretación: ¿Habemus nueva reina del terror? Pues teniendo en cuenta que venía de la serie “Yellowjackets” y que sus películas precedentes son “The boogeyman” o la que si tiene más papeletas de ser una de las sensaciones del terror del año, “Heretic”, se podría decir que sí. Porque Sophie Thatcher esta maravillosa aquí, se come a todos sus compañeros del reparto. Sobre todo a su coprotagonista, Jack Quaid, al que yo no consigo ver ninguna diferencia entre esta interpretación y las anteriores vistas, parece que siempre haga el mismo papel.

   Escenas (SPOILERS!!): Hay una intención clara de mostrar a Iris (Thatcher) a través de su peinado y su vestuario, como una muñeca a tamaño real. Sin embargo, no está en absoluto sexualizada. Es más, todas las escenas de corte sexual están sacadas fuera de plano. Y creo que es un acierto. Sin embargo, en cuanto a las secuencias de violencia, son todo lo explícitas que podían ser. La muerte del ruso es un ejemplo, parece que nos la iban a ocultar pero luego regresan a ella en flashback, para enseñarnos porque ella ha aparecido llena de sangre. Tampoco es que abuse pero volvemos a verla en el desenlace con el sacacorchos. Pero personalmente considero que las dos mejores escenas son, en la que ella se cambia el idioma a alemán, que es muy graciosa aunque termina en otra muerte brutal, la del policía. Y la de la vela y la mano, la más tensa indudablemente.

   LO PEOR: Esas ganas de poner titulares como “La mejor película del año” o “La película más…..tal”, no hacen ningún bien a las películas. Probablemente sean propicios por conseguir más clicks en las páginas pero provocan que algunos se dejen llevar y vayan a verlas con unas expectativas sobredimensionadas. Hay que dejar de vender tanto humo.

   REFERENCIAS: Se podría decir que es el debut en el largometraje de Drew Hancock, al que habrá que seguirle la pista, que ha podido tener como referencia “Ex-machina” o “Yo robot” pero con la vena gamberra de “Megan” o “Alice”.

   CONCLUSIÓN: 7. No, no será la película de terror del año pero si un entretenimiento muy divertido, lleno de humor muy negro y violencia, que retuerce las reglas que un día escribió un tal Asimov, gracias a una brillante Sophie Thatcher.