Cinéfilos de Oro 2024

 

PELICULA: 1. Pobres criaturas. 2. Civil war. 3. Dune, parte 2. 4. Nosferatu. 5. La sustancia.
DIRECTOR: Jorgos Lanthimos (Pobres criaturas). 2. Denis Villeneuve (Dune 2), 3. Alex Garland (Civil war). 4. Robert Eggers (Nosferatu).  5. Caroline Fargeat (La sustancia).

ACTOR PRINCIPAL: 1. Caleb Landry Jones (Dogman). 2. Nicholas Cage (Dream scenario). 3. Mads Mikkelsen (La tierra prometida). 4. Joaquin Phoenix (Joker 2) 5. Paul Giamatti (Los que se quedan).

ACTRIZ PRINCIPAL: 1. Emma Stone (Pobres criaturas). 2. Kirsten Dunst (Civil war). 3. Demi Moore (La sustancia). Margaret Qualley (La sustancia). 5. Katy O’ Brien (Sangre en los labios).
ACTOR SECUNDARIO: 1. Willem Dafoe (Pobres criaturas). 2. Denzel Washington (Gladiator 2). 3. Nicholas Cage (Longlegs). 4. Chris Hemsworth (Furiosa). 5. Jesse Plemons (Civil war).
ACTRIZ SECUNDARIA: 1. Cailee Spaeny (Civil war). 2. Kristen Stewart (Sangre en los labios). 3. Rebecca Ferguson (Dune 2). 4. Anne Hathaway (Vidas perfectas). 5. Penélope Cruz (Ferrari).
GUION: 1. Pobres criaturas. 2. Dream scenario. 3. La sustancia. 4. Sangre en los labios. 5. Más allá del bucle infinito.
FOTOGRAFIA: 1. Pobres criaturas. 2. La sustancia. 3. Dune 2. 4. Longlegs. 5. Nosferatu. 5. 
EFECTOS ESPECIALES: 1. El reino del planeta de los simios. 2. Dune 2. 3. Twisters. 4. Gladiator 2. 5. La zona de interés.
PELÍCULA ESPAÑOLA: 1. La infiltrada. 2. Soy Nevenka. 3. Marco.
ANIMACION: 1. Robot salvaje. 2. Del revés 2. 3. Transformers One.
MUSICA: 1. Dune 2. 2. El Conde de Montecristo. 3. El reino del planeta de los simios. 4. Gladiator 2. 5. Robot salvaje. 
DECEPCIÓN: 1. Joker 2. 2. Borderlands. 3. Madame Web. 4. Argylle. 5. El cuervo.
SORPRESA: 1. La sustancia. 2. Dream scenario. 3. Sangre en los labios. 4. Longlegs. 5. Atrapados en un bucle infinito.
DIVERCINE: 1. Deadpool vs Wolverine. 2. Smile 2. 3. Alien Romulus. 4. Gladiator 2. 5. Bitelchus 2.
SERIES: 1. Shogun. 2. El Pingüino. 3. Fallout. 4. Mi reno de peluche. 5. The curse.

     A continuación, los carteles de los filmes más importantes de 2024. En un primer grupo, las películas más oscarizadas u oscarizables, es decir, las más completas. En un segundo grupo, las películas más esperadas y más han dado que hablar.  En un tercer grupo, las películas que pensamos han supuesto una sorpresa. Y finalmente uno con las mejores series. 

Escenas Míticas: Especial Drácula - Drácula (1979)

 

   Quizá no tiene el mismo aura que las versiones de 1931 y 1958, ni su protagonista fue tan mitificado como los de aquellas, Bela Lugosi y Christopher Lee, pero creo que es bastante reivindicable esta y también el trabajo de Frank Langella en el papel. Tampoco se valoró tanto la labor de su director, John Badham, como los de los anteriores, Todd Browning y Terence Fisher pero personalmente también me parece bastante valorable.

   Uno de los aspectos más interesantes de las distintas versiones del personaje de Drácula es lo diferentes que son entre sí las películas, a pesar de tomar las mismas referencias, es decir, la novela de Bram Stoker y la obra de teatro. Algo que volvía a cumplirse en la adaptación que prometía ser la más fiel pero que no lo fue, la de Francis Ford Coppola, de hecho, probablemente las más fieles sean las dos versiones de “Nosferatu”.

   La prescripción de los derechos de la novela del escritor alemán, tras la muerte de su viuda, provocó una avalancha de películas que, de una manera u otra, tomaban como referencia a Drácula, en 1979. Precisamente el remake de “Nosferatu”, de Werner Herzog, “Amor al primer mordisco”, “Nocturna” o la rumana “Vlad Tepes”, personaje real que sirvió como inspiración a Stoker.

   De hecho, aquel era un biopic sin ninguna connotación vampírica ni del género de terror. Bram Stoker tomó esta figura como referencia por su leyenda sobre su crueldad. No en vano era conocido como el Empalador y ese término lo tenía bien ganado. Tepes está considerado uno de los gobernantes más importantes de Valaquia y de Rumanía en general, a pesar de que su reinado tan solo duró seis años. El apodo de Drácula procedía de su padre, Vlad II Dracul, o el Dragón.

   La película está enclavada en lo que se considera la segunda época dorada del género de terror, con títulos como “La noche de Halloween”, “Alien, el octavo pasajero”, “La profecía”, “Carrie”, “La invasión de los ultracuerpos” o la también vampírica miniserie, “El misterio de Salem’s Lot”, que a día de hoy sigue siendo la mejor adaptación de la novela de Stephen King.

   Como decía, el protagonista elegido fue un muy joven y desconocido por entonces, Frank Langella, que se encontraba interpretando al personaje en el teatro, lo que guarda cierto paralelismo con cómo llegó a él precisamente Bela Lugosi. Pero ni mucho menos fue la primera opción. Se barajaron los nombres de Clint Eastwood, Harrison Ford, Robert Redford, Roy Scheider o Tom Berenger. Cuesta imaginarlo hoy.

   Langella aceptó a condición de que no realizaría ninguna campaña publicitaria de la película vestido de Drácula. El reparto que le acompañaba era bastante notable. La coprotagonista femenina fue Kate Nelligan, pero en el papel de Lucy, no de Mina, que en esta versión cambiaban sus roles, o intercambiaban sus nombres, según se quiera ver. En el papel de Van Helsing, Lawrence Olivier, personaje que rechazó Donald Pleasance por considerarlo muy parecido a su Dr. Loomis de “La noche de Halloween”, pero si acepto otro papel.

   Al mando de la dirección John Badham, uno de esos artesanos muy efectivos pero que nunca ha sido muy alabado, y eso que tiene títulos en su filmografía tan tremendamente populares como “Fiebre en el sábado noche”, “Juegos de guerra”, “Cortocircuito”, “El trueno azul” o “A la hora señalada”. Badham quería homenajear a la versión de 1931 rodando en blanco y negro, pero se llevó una rotunda negativa por parte de los productores.

   No obstante, si hay otros notables cambios respecto a las adaptaciones anteriores. Es la única que no incluye el prólogo en Transilvania sino que directamente se inicia en el barco que transporta a Drácula, el Demeter. Y curiosamente no vemos al vampiro sus colmillos ni tampoco rastros de sangre, como bien habían explotado en la película de 1958, lo que la acercaba a la de 1931. A las que si podemos ver los colmillos es a Lucy y Mina, paradójicamente.

   Por cierto, no será una de sus bandas sonoras más recordadas pero la música corre a cargo de John Williams. La película tuvo mayoritariamente buenas críticas y comercialmente funcionó muy bien. Costó 12 millones dólares y recaudó 31 en taquilla.

Nosferatu (2024)

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Nosferatu.
Dirección: Robert Eggers.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 132 min.
Género: Terror.
Interpretación: Nicholas Hoult, Lily-Rose Depp, Bill Skarsgård, Aaron Taylor-Johnson,Willem Dafoe, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon McBurney, Paul A. Maynard.
Guion: Robert Eggers. Libro: Bram Stoker.
Producción: Chris Columbus, Eleanor Columbus, Robert Eggers, John Graham, Jeff Robinov, Garrett Bird, Alma Bacula, David Minkowski, Matthew Stillman.
Música: Robin Carolan.
Fotografía: Jarin Blaschke.
Distribuidora: Focus Features.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un agente inmobiliario se ve obligado a viajar a la región rumana de Transilvania, para firmar un contrato con un conde que se ha interesado en una casa de su ciudad en Alemania. Sin embargo, ese conde está más interesado en su esposa.

   LO MEJOR: Robert Eggers confirma su póker de aciertos porque, a título personal, pues las cuatro películas de se filmografía son brillantes. Y tiene mérito porque no hace un cine precisamente para todo el mundo, y eso se cumple con esta película, con la que pone un gran colofón a un muy buen año en el género de terror, que a última hora se coloca como una de las mejores películas del año (a mi juicio debería optar a premios importantes). Una oda al terror gótico clásico, porque muy posiblemente sea la versión más terrorífica basada en el personaje de Drácula (cuya novela de Bram Stoker fue el origen de la versión apócrifa de 1922 de Murnau), y no es que tenga pocas versiones ya. Pero es que este “ Nosferatu” contiene pasajes realmente espeluznantes. Fiel a su estilo, pues es uno de los cineastas más personales que hay actualmente, Eggers construye una ambientación tremendamente atmosférica, densa, opresiva, inquietante. Con cuidado excelso en cada plano, cada encuadre, en cada movimiento de cámara. Es aterradoramente bella. Dicho sea de paso, era el director idóneo para realizar esta versión porque el expresionismo alemán en el cual se gestaba la original, ya tenía influencia en la obra de Robert Eggers, véase “El faro”. Es un remake directo de la película de 1922, de hecho, recupera los nombres de los personajes de aquella, pero parece tomar el camino del remake, que a su vez hizo Werner Herzog en 1979. No obstante, ya en el segundo acto se despega de ambas para encontrar su identidad propia. No en vano supera en una hora a la primera y en media a la segunda, y no precisamente para meter relleno. No le sobra nada.

   Interpretación: Bill Skarsgard va a terminar traumatizado si sigue interpretando personajes tan oscuros. Ha sido Pennywise (“It”), “El cuervo” (aunque la película sea un fiasco) y el Conde Orlok (Drácula). Solo le falta el Joker. Todos con mucho maquillaje, por cierto. Aquí físicamente queda enterrado en él pero atención al trabajo de voz. No obstante, la sorpresa me la he llevado con Lily Rose Depp. La hija de Johnny Depp ejecuta una actuación extrema, la que su personaje requería, desplegando una potencia expresiva impactante. De todos modos, el reparto es espectacular, en los papeles secundarios tenemos Nicholas Hoult,  Emma Corrin, Aaron Taylor-Johnson, Ralph Ineson y el siempre maravilloso Willem Dafoe.

   Escenas (SPOILERS!!): Toda la fase en el interior del castillo es de un suspense brutal. Casi podemos sentir el terror que siente Thomas (Hoult) en presencia del Conde Orlok. Pero es que tiene momentos que se te quedan grabados en el cerebro, como las apabullantes posesiones de Ellen (Depp), la masacre de la familia Harding, niñas incluidas, el ataque de Anna (Corrin) por las ratas. Y planos como el juego de sombras con las cortinas o la mano sobre la ciudad. La escena final, previo a la muerte de Orlok está planteada como un acto de sexo porque eso es lo que se percibe constantemente entre él y Ellen, una tensión sexual brutal.

   LO PEOR: Es que es prácticamente por decir algo. En el segundo acto, en la vuelta a la ciudad, hay un breve periodo de valle. Pero es provocado por la potencia generada en el primero. Es más una sensación de que la tensión baje porque en toda la parte del castillo es enorme.

   REFERENCIAS: Es evidente que es remake del “Nosferatu” de Murnau y no reinterpretación de la novela de Bram Stoker pero también se mira en el espejo de la versión de 1979. E incluso tiene cosas del “Drácula” de Coppola.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Robert Eggers se confirma como uno de los directores más interesantes de la actualidad, con la que probablemente sea la versión más terrorífica del personaje de Drácula y se coloca como una de las mejores películas del año.

Microcríticas Express: Equipaje de mano/Red One

 

   Sin duda, el espejo en el que se mira es el de “La jungla de cristal”. No digo que sea un plagio porque tiene una estructura diferente pero las semejanzas son demasiadas como para obviarlas. También es verdad que no oculta los guiños a toda esa saga, partiendo de la época en que se desarrolla la historia, es decir, Navidad. O sea, es autoconsciente de ello y no pretende engañar a nadie. Lo que si pretende es ser un entretenimiento superior a la media y he de reconocer que lo consigue. Aunque tarde en arrancar con la parte de acción, desde el primer momento resulta sumamente entretenida, con una primera mitad que transita más por el camino de “Última llamada” (la de la cabina con Colin Farrell), entregándose más al ejercicio de suspense. No son malas referencias las que tiene, por tanto, pero cualquiera, leyendo esto, diría que no es que sea la originalidad su mayor virtud. Y no lo es, su virtud es que todo funcione. Desde la dirección de un Jaume Collet-Serra que, como siempre, es un artesano que se mueve tan cómodamente en el terreno del thiller puro como cuando pasa directamente a la acción (atención a la secuencia del coche). Pasando por un guion que incluso con sus atajos es lo suficientemente efectivo. Hasta las interpretaciones de sus dos protagonistas. Taron Egerton no es Bruce Willis haciendo de John McClane, de hecho, a veces parece más el Ethan Hunt de Tom Cruise. Ni Jason Bateman es Alan Rickman haciendo de Hans Gruber, pero sorprende lo bien que está en el rol de villano. No, no lo son pero cubren el expediente bastante mejor de lo que cabría esperar. No me extrañaría que tuviera alguna secuela. 7.

   Paradójicamente se estrenó hace un mes y medio, no sé si porque pensaban que su éxito le haría llegar en cines a fechas navideñas o porque querían tenerla un mes en salas y luego pasarla a la plataforma para que todo el mundo pudiera verla en casa en Navidad. Sea como fuere, el movimiento comercial no resultó, porque ha sido un considerable, otro más, fracaso de taquilla. La película costó 250 millones de dólares, de los cuales, al parecer, una quinta parte fue directamente al bolsillo de Dwayne Johnson, pero es que solo ha recaudado 180. Tampoco sé como se les ocurre gastarse tal pastón en una película de este estilo y encima estrenada fuera de su fecha más recomendable. Personalmente pensaba que sería una gamberrada divertida pero lo que me he encontrado es otra película familiar típica de Navidad, con el mismo mensaje de que hay portarse bien porque Santa Claus de verdad existe y todo eso. Con la salvedad de que tiene muchísima acción y efectos especiales por doquier. Y juega en el terreno de la buddy movie con la pareja formada por el propio The Rock y Chris Evans (que desde que se quitó el traje de Capitán América no hace más que papeles secundarios, cameos o coprotagonistas haciendo el payaso). El reparto lo completan Lucy Liu, Kiernan Shipka y JK Simmons. Pues ni por esas, la película entretiene, tiene al director de las últimas entregas de “Jumanji” (que mí me parecieron muy disfrutables), Jake Kasdan, pero claramente le sobra metraje. Un recorte de cuarto de hora le habría venido muy bien al ritmo, porque tanto ir y venir llega a hacerse repetitivo. 5’5.

Escenas Míticas: Especial Drácula - Nosferatu, vampiro de la noche (1979)

 

   Ahora que estamos a punto de ver el estreno de la nueva versión, a cargo de Robert Eggers, vamos a recuperar la anterior, que ya era un remake y no una nueva adaptación de la novela de Bram Stoker. Werner Herzog consideraba a la original de 1922 como la mejor película alemana de todos los tiempos y con esta pretendía hacerle un homenaje pero de forma actualizada, es decir, en color y con el sonido de los diálogos.

   Aunque el “Nosferatu” de Murnau esté considerada una de las piedras angulares del cine de terror clásico, hay que recordar que fue una adaptación ilegal de “Drácula” de Bram Stoker, por lo que el nombre de los personajes estaban cambiados, lo cual no esquivó la demanda por plagio de la viuda del escritor, a la cual dieron la razón, provocando que se eliminaran todas las copias de la película.

   Bueno, todas no. Algunas sobrevivieron y tras la muerte de la esposa de Stoker, se procedió a su restauración. Además, para 1979, los derechos de explotación de la novela ya habían prescrito y se pudo adaptar con los nombres verdaderos de la película. Es decir, el Conde Orlock pasó a llamarse como en ella, Drácula.

   Sin embargo, su apariencia era la misma que tenía Max Schreck en la versión de 1922, esta vez en la piel de Klaus Kinski, que tenía que soportar hasta cuatro horas de maquillaje para ser caracterizado como el personaje. Algo que aguantó bastante bien y eso que era un actor conocido por sus rabietas y quejas durante los rodajes en los que participaba.

   Bien lo sabía Werner Herzog quien trabajó con él, con esta, en cinco ocasiones. Cómo fueron en las películas “Fitzcarraldo”, “Cobra verde”, “Wayzack” y “Aguirre, la cólera de Dios”. Las relaciones entre el director y el actor se podría considerar como de amor-odio. Se admiraban mutuamente pero sus conflictos eran bastante sonados. Aunque, en honor a la verdad, a Klaus Kinski no le soportaba nadie, tenía fama de ser inaguantable.

   Tanto fue así que la actriz seleccionada para ejercer de protagonista femenina, Sylvia Kristel, conocida por sus películas de corte erótico, como la mítica saga “Emmanuelle”, rechazó el papel por no querer compartir reparto con Kinski. En su lugar se contrató a la francesa Isabelle Adjani. En el elenco también estaban Bruno Ganz, a quien muchos recordarán por encarnar a Adolf Hitler en “El hundimiento”.

   Vayamos a uno de los puntos más peliagudos del rodaje. La utilización 11.000 ratas reales para recrear la plaga con la que Drácula trae la peste al lugar. Lo cual les obligó a cambiar de ciudad por que inicialmente no les permitieron soltar las ratas para realizar sus escenas. Y razón no les faltaba porque a pesar todas las medidas de contención, que no fueron pocas, se escaparon muchísimas. Lo que hizo que ofrecieran cinco florines (unos dos euros) a quienes capturara una rata.

   Ratas que, para colmo, durante su transporte se convirtieron en 30.000, que fueron dejadas en una granja. Pero, al parecer, el granjero a cargo de ellas no las alimentó debidamente, lo que ocasionó un enfrentamiento con las dos biólogas que debían supervisar su buen cuidado. El incidente tuvo como resultado varios heridos entre los miembros del equipo, que por cierto, ya era bastante reducido, tan solo 16 personas.

   Porque se trabajó con un presupuesto lo más reducido posible, de 2’5 millones de dólares, que reportaron 5 en taquilla, lo que se consideró un buen resultado teniendo en cuenta las características un tanto experimentales de la película, no favorecedoras a lo comercial. Sin embargo, las buenas críticas la ayudaron.

   Eso y satisfacer la petición de Fox de rodarla en dos idiomas, el alemán y el inglés, para favorecer su distribución. La repercusión de la película fue evidente. Se creó un videojuego inspirado en ella tanto para Amstrad, Commodore o Spectrum. Además, tuvo una secuela, un tanto tardía, 1988, "Nosferatu en Venecia", en la cual solo repitió precisamente el propio Klaus Kinski, y con una calidad muy inferior a la que estamos comentando.

Jurado número 2

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Jurado número 2.
Dirección: Clint Eastwood.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 117 min.
Género: Thriller, drama, intriga.
Interpretación: Nicholas Hoult, Toni Collette, J. K. Simmons, Kiefer Sutherland, Zoey Deutch, Gabriel Basso, Leslie Bibb, Chris Messina, Amy Aquino, Adrienne C. Moore, Cedric Yarbrough, Francesca Eastwood.
Guion: Jonathan Abrams.
Producción: Clint Eastwood, Adam Goodman, Tim Moore, Jessica Meier, Peter Oberth,Matt Skiena.
Música: Mark Mancina.
Fotografía: Yves Bélanger.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre que forma parte de un jurado popular, se encuentra en el dilema moral de intentar influir en los demás miembros para ocultar su implicación personal en el caso.

   LO MEJOR: Desde luego es una despedida considerablemente más digna que las anteriores dos películas que apuntaban a serlo, “La mula” y “Cry Macho”, que no eran malas películas pero estaban demasiado por debajo del nivel que se le presupone a un director como Clint Eastwood. Ahora, tampoco esta “Jurado N°2” esta ni mucho menos a la altura de sus mejores obras. Pero si deja mejor sabor de boca que los otros ejemplos. Para ello parece que haya tomado como principal referencia una de las mejores películas, si no la mejor, del género judicial, qué curiosamente se desarrollaba casi por completo fuera de la sala de un juicio. De hecho, como en “Doce hombre sin piedad”, lo más interesante de la película son las conversaciones que se dan en la sala donde el jurado debe deliberar. Y no, no es una copia. A Clint Eastwood siempre le ha gustado escarbar en la moralidad de los personajes, planteándole dilemas éticos tanto a ellos como a los espectadores, haciéndonos empatizar con ellos a la vez que los juzgamos. Es por eso que introduce una vuelta de tuerca en esos diálogos del jurado, agregándole la implicación personal a uno de sus miembros. Todo ello le sirve Eastwood para elaborar una crítica al sistema judicial norteamericano en el que el cumplimiento de la ley no asegura que haya justicia. Todo bajo el habitual estilo clásico del cineasta y la habilidad narrativa sin estridencias visuales de adorno.

   Interpretación: Lo cierto es que es un reparto muy coral, con varios actores importantes y en roles bastante principales. Como el caso de Toni Colette. Pero además, con secundarios de la talla de J.K. Simmons, Kiefer Sutherland, Chris Messi a o Leslie Bibb. Por eso sorprende que el verdaderamente protagonista sea Nicholas Hoult. Y más que no lo haga nada mal ante tanto talento a su alrededor. Hoult no es un mal actor ni mucho menos, pero pocas veces tiene un papel como este. Y ha cumplido. También aparece la hija del director, Francesca Eastwood.

   Escenas (SPOILERS!!): Si en “Doce hombres sin piedad” lo interesante era ver como un posible veredicto de culpabilidad cambiaba a medida que uno de los integrantes del jurado desmontaba los prejuicios de los otros miembros, aquí hay uno que tiene el dilema de intentar influir en los demás para no ser descubierto a la vez que lucha contra su moral e intenta que la cosa no salga demasiado mal para el acusado. De todos modos, la ambigüedad es parte de la trama. Damos por hecho que el que ha atropellado accidentalmente a la chica ha sido él. Pero realmente no lo llegamos a ver de forma explícita y ni siquiera él mismo lo sabe. Es más, no llega ni a ver el cuerpo de la víctima. Lo único que sabe es que el acusado no ha sido. Pero todas las pruebas, e incluso, sus recuerdos, son circunstanciales. Y ahí está la crítica al sistema judicial que hace Clint Eastwood. ¿Qué pasa al final? Bueno, no sabemos si finalmente van a meter al protagonista en la cárcel pero si intuimos que la fiscal va a seguir tirando del hilo y no lo va a dejar estar.

   LO PEOR: Por mucho que algunos se hayan aventurado a decir que está entre las mejores películas de Clint Eastwood, no es más que la confirmación de que lo mejor ya quedó atrás hace tiempo, quizá desde “Gran Torino”. Es más, si no fuera por su mano y la participación de ese formidable reparto, estaría cerca del tono de un telefilm.

   REFERENCIAS: La llevamos mencionando todo el tiempo, “Doce hombres sin piedad” de Sidney Lumet. Pero también tiene conexión con otro título de Eastwood, “Ejecución inminente”.

   CONCLUSIÓN: 7. Mucho mejor despedida de lo que hubieran supuesto sus anteriores dos trabajos, que no llega a la altura de las mayores obras de la filmografía de Clint Eastwood, pero si nos deja con un mucho mejor sabor de boca.

Música de Película: It follows

 

   Disasterpiece es el nombre artístico del compositor Richard Vreeland, que casi exclusivamente estaba ligado al mundo de los videojuegos. Su participación en esta película fue una apuesta personal de su director, David Robert Mitchell. El resultado fue una partitura muy electrónica que sonaba como un videojuego ochentero con sonido de 8 bits.

Tema: Main title.

Película: It follows.

Intérprete o compositor: Richard Vreeland.

Tema: Heels.

Película: It follows.

Intérprete o compositor: Richard Vreeland.

Tema: Detroit.

Película: It follows.

Intérprete o compositor: Richard Vreeland.

Microcríticas Express: Borderlands/Venom, el último baile

 

   Muchas felicidades a los que les gusten los videojuegos porque esta parece uno de arcade. Consiste en hacer persecuciones, pegar unos cuantos tiros, ir a otro sitio, volver a perseguirse y volver a dispararse. El problema es que esto es una película. O lo intentaba. Porque en si, no tiene guion, los diálogos dan vergüenza ajena y los componen un 90% de chistes, que además no tienen gracia. Sobre todo en manos del robot de las narices y la niña. Me he tirado la mitad de la película preguntándome que hacía Cate Blanchett en esta cosa. Y la otra mitad en que hacía Jamie Lee Curtis, mucho más doliente en este caso porque es que a la pobre le dan un personaje con el que no puede hacer nada. En general, el reparto está desperdiciado. Lo mismo que su director. Cada vez que le dan dinero a Eli Roth, no se le ve por ninguna parte, no tiene nada que ver con el que hace terror. De hecho, el año pasado hizo la divertidísima “Black Friday”. Pero aquí es como si fuera con el piloto automático y a cobrar el cheque. Es como una película de serie B pero con pasta. De hecho, me ha recordado a “Cherry 2000” (esta mucha más entretenida). Por cierto, más de cien millones de los cuales no han recuperado ni una tercera parte. Por lo que si, es el mayor fracaso del año. No la mayor decepción, porque tampoco es que esperara demasiado, ese calificativo se lo reservo a cierto payaso. Ah, y ese sorpresón que se reservan como giro final se ve venir desde la mitad de la película. 4.

   Final de trilogía y parece que final del Spiderverso de Sony, a juzgar por los resultados de su enésimo fracaso, “Kraven, el cazador”. Así que ya podemos analizar porque la cosa no ha funcionado. La principal razón es la más evidente, las películas que han sacado de este universo son muy malas. Es que no se salva ni una. Como será el nivel para que sea “Morbius” la que me parece más potable. La otra razón es que crear un universo expandido en torno a Spiderman pero sin rastro de Spiderman, pues parece una tomadura de pelo. Es que ni para un cameo, oiga. Respecto a la trilogía de “Venom”, pues es la única que ha funcionado en taquilla, lo cual no quiere decir que sea buena. La primera me resultó entretenida, sin más. La segunda es absolutamente horrenda. Y esta tercera casi diría que es la mejor. Pero de la misma manera que es mejor que te pisen un juanete a que te saquen una muela. Porque tiene las mismas incongruencias que en las entregas anteriores. Que manera de desperdiciar repartos. Por ejemplo, si tienes a Juno Temple formando de la partida, sácale provecho, no la tengas de adorno. Por no hablar de que hay personajes que no se sabe para que están ahí. La familia de Rhys Ifans está metida con calzador pero en un zapato muy pequeño. Y nada más empezar nos presentan el que se supone que será el gran villano, pero que luego no sale. Pero bueno, como ya se despiden y tal, voy a decir algo positivo; hay muchos monstruos (la parte final es un festival), tiene cierto componente emotivo e incluso épico, y se agradece que no se hayan bajado de la calificación R. Tom Hardy, ahora ve a aprovechar más tu talento y a llenar menos el bolsillo. 5’5.

Escenas Míticas: Especial Drácula - Drácula (1958)

 

   Algunos la consideran incluso mejor que la anterior versión, que nuevamente se alejaba de la novela de Bram Stoker, y que en Estados Unidos se estrenó como “Horror of Drácula”, no sólo para evitar problemas legales con la versión de 1931 sino porque casi treinta años después, esta seguía siendo proyectada en algunos cines del país. John Carpenter afirmó que era la mejor película de vampiros y la ha homenajeado en varias de sus películas.

   Aunque la Hammer llevaba más de veinte años creada, con un buen saco de títulos a sus espaldas, fue a partir de esta, junto con “La maldición de Frankenstein” con las que se inició un ciclo de monstruos clásicos y un período sumamente provechoso comercialmente para la productora. Ambas estaban dirigidas por Terence Fisher que se convirtió en uno de sus directores franquicia.

   El principal, lo cual confirma en un buen lote de títulos posteriores como “El perro de los Baskerville”, “Drácula, príncipe de las tinieblas” (secuela de la que estamos comentando), “La momia”, “Las novias de Drácula”, “La maldición del hombre lobo” o “El fantasma de la ópera”. De hecho, este Drácula, el interpretado por Christopher Lee, apareció en otras siete películas más, aunque no en todas como protagonista.

   Aunque lo de ser protagonista es un decir. Pasa como en otras películas, como “Tiburón”, “Alien, el octavo pasajero” o la propia “Bitelchus”, que quien da título a la película y supuestamente es el protagonista, el monstruo, tenemos la sensación de que su presencia es constante. Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Drácula solo está en pantalla siete minutos y el personaje tan solo tiene 16 líneas de diálogo.

   Un Christopher Lee que pasaría a ser uno de los Drácula más icónico de la historia del cine y que junto a Peter Cushing formaría uno de los dúos protagónicos, muchas veces enfrentados en la ficción, aquí como Van Helsing, más recordados. Les acompaña Michael Gough (el primer Alfred del cine, el del “Batman” precisamente de Tim Burton) y Melissa Stribling y Carol Marsh en el capítulo femenino. 

   Esta versión era considerablemente diferente a la de 1931, que era mucho más teatralizada. Incorporó de forma mucho más clara el componente fantástico, el romance, la sexualidad y la visión de la sangre de forma explícita, a lo cual le sacaron gran rendimiento gracias a ser una película en color.

   Es más, se especuló con que existía una versión con los 36 minutos que fueron censurados en su estreno en Europa, que la leyenda decía que estaba en Japón, donde no había sido censurada. Eso es lo que se pensaba, que había sido una leyenda. Pero no, efectivamente se encontró una versión en Tokio, que fue restaurada en 2007.

 

  La película tuvo un presupuesto limitadísimo, tan solo de 81.000 libras esterlinas, unos cien mil dólares americanos. Para ajustarse a él, se excluyeron todas las transformaciones y los viajes. Todos menos uno, para el cual pidieron el carruaje prestado a un coleccionista, George Mossmam, que accedió encantado. El negocio salió redondo porque aunque inicialmente las críticas no fueron demasiado positivas, solo en su estreno logró recaudar tres millones y medio de dólares, y a lo largo de todas las explotaciones en salas se calcula que su recaudación total fue de 25 millones.

   Algunas curiosidades del rodaje. En algunas escenas, Lee debía llevar unas lentillas que hacían parecer que tenía los ojos inyectados en sangre, pero que limitaban tanto su visión que incluso provocaron que se saliera varias veces del plano. Por cierto, se eliminó el sonido de sus pasos en montaje para dar una sensación más sobrenatural a su presencia en pantalla.

   Tras esta película quedó totalmente instaurada la imagen del vampiro con colmillos. Respecto a la capa que llevaba en la película, estuvo perdida durante décadas, y no fue recuperada hasta encontrarse en el inventario de una tienda de disfraces de Londres. El tema de las capas que llevan los actores que hacen de Drácula siempre ha suscitado curiosidades.

Triangle

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Triangle.
Dirección: Christopher Smith.
País: Australia.
Año: 2009.
Duración: 99 min.
Género: Intriga, terror thriller, fantástico, ciencia ficción.
Interpretación: Melissa George, Liam Hemsworth, Rachael Carpani, Emma Lung.
Guion: Christopher Smith.
Producción: Jason Newmark, Julie Baines, Chris Brown.
Música: Christian Henson.
Fotografía: Robert Humphreys.
Distribuidora: Icon Entertainment International.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una mujer se reúne con un grupo de amigos para pasar unos días en un yate. Pero tras una violenta tormenta, se ven obligados a abandonarlo, lo cual hacen al encontrar un enorme barco, al parecer, vacío.

   LO MEJOR: He tardado en verla, porque esta producción australiana tiene ya quince años, y ya es raro porque mezcla dos de mi géneros predilectos, el terror y la ciencia ficción. Pero es una película que no anda por plataformas, que ni siquiera está doblada, por lo que nunca llegó a España, por lo tanto, tampoco la puedes encontrar en la televisión convencional. Y es una pena porque creo que es una pequeña joyita, lo que no sabría decir es de qué género más predominantemente. Su puesta en escena sí es claramente de una película de terror, una a la luz del día, pero su trama, su alma, es más de  de ciencia ficción, aunque todo junto queda en el terreno del fantástico. De hecho, ya desde el título juega con la idea de la temática del Triángulo de las Bermudas. Muy pronto nos daremos cuenta de que no va por ahí la cosa, sino por la del subgénero de los bucles temporales. Es más, me atrevería a decir que es de las mejores en esa materia. Sobre todo si atendemos a lo bien enlazado que está el guion, dándote siempre lo necesario para entender lo que está pasando, aportándote un poco más de información en cada bucle. Gran parte de su interés reside en cómo se cuenta la historia, de tal manera que cuanto más avanza más tiene que ir hacia atrás. Sin sobrarle nada, sin sobreexplicar, en una narración acertadísima, marcada por un ritmo brutal, que no desfallece, en el que tiene gran importancia la agilidad del montaje y lo bien medido del metraje. No hay relleno, todo lo que está es porque tiene que estar.

   Interpretación: Tengo la sensación de que Melissa George no es una actriz que se la haya aprovechado lo suficiente, a juzgar por su trabajo aquí. Nunca la he visto mejor que en esta película, siempre relegada a roles secundarios. Sin embargo, aquí se echa la película en sus espaldas, incluso desdoblándose en pantalla, y está magnífica. Aparece Liam Hemsworth, sin demasiada importancia.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos directamente a explicarla. La clave está en la fábula mitológica que se cuenta en un momento dado en la película, y como el resto del guion, no está ahí por casualidad. La de Sisifo, cuyo padre era Eolis (nombre del barco que encuentran), que fue condenado por intentar engañar a la muerte, a repetir constantemente la misma acción. Es justo lo que le pasa a Jess (George) qué está siendo castigada por matar a su hijo autista. Pero a lo largo de los bucles, se desdobla, de tal manera que vemos a tres Jess; la que mata a su hijo, la que ve como van matando a sus amigos en el barco, y la que los está matando. Porque son la Jess del pasado, del presente y del futuro, completando los tres lados de triángulo que se repite constantemente. Lo curioso realmente es que esas tres Jess están actuando al mismo tiempo y en el mismo lugar. Hay varias pistas visuales para apercibirnos de ello. Los reflejos de Jess en los espejos casi siempre se dan lugar a varias imágenes de ella, como metáfora de su fraccionamiento.

   LO PEOR: Aunque está notablemente bien contada, su director, Christopher Smith, no quiere ponérselo fácil al espectador, y le exige un esfuerzo de concentración. Es de esos títulos que figura en listas de películas difíciles de entender. Esto no es en sí un aspecto negativo pero conviene advertirlo.

   REFERENCIAS: Aunque parezca que va inicialmente por el camino de “Ghost ship”, “Virus”, “Deep Rising” o películas de ese estilo, en realidad viene a ser un cruce de “Donnie Darko” y “Los cronocrímenes”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Una pequeña joya de los bucles temporales, que juega tanto en el terreno del terror como de la ciencia ficción. Es de esas películas que no se lo pone fácil al espectador pero merece la pena el viaje a ese triángulo.

Superman y Lois

 

   Quien me iba a decir a mí que esta serie me iba a gustar tanto, hasta el punto que me parece la mejor que se ha hecho sobre Superman, superando a “Lois y Clark”, a la mismísima “Smallville” y, desde luego, a “Superboy”. Que inicialmente iba a pertenecer al Arrowverso, compartiendo el mundo precisamente de “Arrow” o “The Flash”. De hecho, iba a ser spin off de “Supergirl”.

   MÁS CLARK QUE SUPERMAN

   Bueno sí, ¿Y qué? En la trama vemos que Superman vuelve a Smallville con Lois Lane y allí sigue ejerciendo de superhéroe en secreto, pero además de marido y padre de familia. Y si, le vemos mucho en ese rol durante gran parte de los episodios. Pero eso no la exime de tener potentes escenas de acción, teniendo en cuenta su presupuesto. De hecho, han sabido salvar uno de los problemas que habitualmente se tiene con este personaje, y es que al ser tan poderoso, es difícil crear amenazas para él. Lo han hecho gracias a sacarle mucho juego al tema de la kryptonita y al de los universos paralelos, dando lugar a finales de temporada espectaculares. Y como digo, los efectos especiales son bastante dignos.

   SUPERMAN NUNCA HA ESTADO TAN BIEN ESCRITO

   De todos modos, el espectáculo no es lo más importante. A pesar de ser una serie para todos los públicos, incluso de corte familiar, ha introducido de forma sumamente natural y madura, temas que jamás se habían tratado en relación con Superman, como la enfermedad del cáncer (padecida por Lois, lo que hacía que fuera algo con lo que ni Superman podía luchar) o hablar abiertamente del sexo.

   Además han introducido aspectos y líneas argumentales innovadoras. Como el hecho de que el kriptoniano colabore con Defensa y que el máximo responsable de ella sea su suegro. O el tema de que sus hijos desarrollen poderes similares a los suyos con el tiempo. O la situación de tener que revelar su secreto a algunos personajes y finalmente presentarse públicamente al resto de la humanidad. Nada de todo esto se había visto tan bien desarrollado antes en series y tampoco en películas. Y además, los villanos tienen capas, y no me refiero precisamente a la prenda de ropa. El mejor ejemplo es Lex Luthor.

   SUPERMAN EN ESENCIA

   A parte del magnífico porte como Superman del actor elegido, Tyler Hoechlin, a quien ponen un traje que estéticamente tiene mucho en común con el de Henry Cavill en la era Zack Snyder, es que a pesar de mostrar esa otra cara como padre y marido, la esencia de Superman permanece intacta, mostrando los valores claros del personaje, mostrándolo sensible pero no débil, y más humano que nunca. Pero a la vez recupera líneas argumentales clásicas, con los enfrentamientos con villanos como Luthor o Doomsday. Y vuelve a tratar el tema de la muerte de Superman. Incluso de la pérdida de sus poderes. Todo bajo un guion bien escrito, bien armado, siempre bien hilado y coherente. Y que han sabido darle un buen final a la serie. Porque tiene uno de los desenlaces más emotivos que he visto en mucho tiempo. Nunca antes Superman me había emocionado así.

   CASTING ACERTADO

   Sí Tyler Hoechlin ha sido un excelente Superman, una de las claves es mantener equilibrado el protagonismo, como sugiere el título de la serie. De tal manera que Bitsie Tulloch ha sido una de las mejores Lois vistas. Y desde luego para televisión la mejor. Además recupera personajes como Lana Lang con Emmanuelle Chriqui. Y a veteranos como Dylan Walsh o Michael Cudlitz.

   TE TOCA GUNN

   Ya puede salirle bien su "Superman" a James Gunn, porque han cancelado la serie solo para que haga el suyo. Gunn ha apartado todo lo que no había hecho él. Se ha cargado al mejor Superman del cine, Henry Cavill, se ha cargado a este, para hacer su propia versión, para que no hubiera más de un Superman en liza. Bueno, señor Gunn, de verdad que le deseo que le salga bien, ojalá nos de un gran Superman, pero antes hay que tener un poco de respeto por lo que han hecho otros.