Escenas Míticas: Especial DC - The Batman

 

   Un año después de su estreno es prácticamente indiscutible (saco de esta afirmación a los haters que ya lo eran antes de estrenarse y no se bajaron del burro después) que fue un acierto de película, a pesar que naciera con múltiples controversias, cambios de director, elección de protagonista, duración de su metraje, y demás. Barreras todas superadas por mucho que les pique a algunos.

   Un proyecto que nació con la idea de que el propio Ben Affleck protagonizara, dirigiera, produjera y hasta escribiera. Poco a poco fueron descolgándole roles en tal empresa hasta salir totalmente del proyecto. Él mismo renunció a la dirección lo que propició que se barajaran una lista de directores con poco en común entre ellos. Solo un rasgo, todos tenían personalidad propia y difícilmente iban a aceptar la idea preconcebida de Affleck.

   Entre ellos estaba Ridley Scott, George Miller, Dennis Villeneuve y Fede Álvarez. Pero finalmente el elegido fue un Matt Reeves que, aunque con una filmografía corta, venía avalado por títulos como “Monstruoso”, el remake de “Dejame entrar” (como mínimo tan bueno como la original, se pongan cómo se pongan algunos), y la segunda y tercera parte de la trilogía precuela de “El planeta de los simios”, “ El amanecer del planeta de los simios” y “La guerra del planeta de los simios”.

   Lo primero que hizo Reeves fue rechazar el guion de Affleck pues tenía su propio concepto del personaje de Batman, muy alejado de lo visto en las películas de Zack Snyder, pues su intención era mostrar un Batman más detectivesco, basado en los cómics “Batman, Año Uno” o “Largo Halloween”.

   Y que estilísticamente estaba más cerca de David Fincher (de hecho, tiene ecos “Seven” o “Zodiac”) que del “Batman begins” de Christopher Nolan o “La liga de la justicia“ de Snyder. Es más, el propio villano, Enigma, tenía ciertas similitudes con el asesino en serie real apodado Zodiaco, en cuanto en lo de dejar mensajes cifrados a la policía.

   La otra elección controvertida fue la del protagonista. Optaron actores como Armie Hammer o Nicholas Hoult pero el seleccionado fue Robert Pattinson, lo que provocó una absurda campaña de rechazo, hasta el punto de organizar recogidas de firmas en su contra. Vamos como le pasó a Heath Ledger. Todo muy maduro, si. 

   Es increíble como la gente es incapaz de ver más allá de la saga “Crepúsculo”, aunque posteriormente, el actor haya trabajado con cineastas como David Cronenberg, James Gray, Robert Eggers o el propio Christopher Nolan, que digo yo que algo saben de esto del cine.

   Algo similar a lo que le ocurre a Kristen Stewart, que estuvo en la terna para interpretar a Catwoman (me habría encantado), aunque finalmente el papel fue para Zoe Kravitz. Los acompañaban Jeffrey Wright, John Turturro, Colin Farrell, Andy Serkis, Paul Dano, Peter Sarsgaard y Barry Keoghan (aunque no le lleguemos a ver pero me da que sí lo haremos en la secuela).

   Porque habrá secuela. De hecho, ya está en camino y hasta tiene fecha de estreno, allá por el verano de 2025. E incluso una serie spin-off sobre el Pingüino interpretado por Colin Farrell. Porque la película tuvo muy buenas críticas, tanto profesionales como del público, lo que se tradujo en unos excelentes números de taquilla. Costó 185 millones de dólares y recaudó 770 en las salas.

   Estoy convencido que esto se convertirá en una trilogía. Su futuro está a salvo incluso del nuevo jefe de operaciones de DC, James Gunn, pues considera tanto a “The Batman” como a "Joker" (de la que también se viene secuela) como parte de lo que denominan "Else Worlds" (otros mundos). Personalmente, esta visión más oscura, realista y policiaca, me encanta. Es más, la he visto hasta cuatro veces en un año.

Trailerfilos: Caballeros del Zodiaco

 

   No sé cuantas veces habré dicho que porque no se hace un live action de "Los Caballeros del Zodiaco". Antes se podía entender porque los efectos habrían cantado pero ahora se tienen los medios para llevar a cabo una película en condiciones de una de las series favoritas de mi infancia. Pero daba miedo que se asemejara más a las aproximaciones que se han hecho a "Power Rangers", "Dragon Ball" o las primeras de "Mortal Kombat", que jugara en esa liga. No obstante, tras ver el tráiler y un reparto lleno de caras conocidas como Sean Bean (morirá), Famke Janssen, Mark Dacascos, Nick Stahl y Madison Iseman, como que me he venido arriba. Se estrena el 26 de mayo, que casualmente es mi cumpleaños, ¿será una señal?

Scream VI

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Scream VI.
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 123 min.
Género: Terror, thriller, intriga.
Interpretación: Melissa Barrera, Jenna Ortega, Courteney Cox, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding, Hayden Panettiere, Dermot Mulroney, Josh Segarra, Samara Weaving, Jack Champion, Liana Liberato, Henry Czerny, Tony Revolori, Devyn Nekoda, Thomas Cadrot, Andre Anthony.
Guion: James Vanderbilt, Guy Busick. Personajes: Kevin Williamson.
Producción: William Sherak, James Vanderbilt, Paul Neisntein.
Música: Sven Faulconer, Brian Tyler.
Fotografía: Brett Jutkiewicz.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Los supervivientes de los últimos asesinatos de Woodsboro deciden empezar desde cero lejos de allí, concretamente en Nueva York. Pero la amenaza de Ghostface les seguirá la pista.

   LO MEJOR: Esta saga ha vuelto para quedarse y esta nueva entrega no viene más que para confirmar que está en las mejores manos, las de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, dos tipos encantados de estar al frente, que rinden pleitesía al trabajo de Wes Craven en sus cuatro películas a la vez que introducen, y actualizan, nuevos matices a una fórmula que ha demostrado que sigue funcionando de cara al público. De hecho, esta nueva secuela está yendo de maravilla en taquilla, incluso mejor que la anterior, primera con estos directores. Porque ésta, como mínimo, es tan buena como la quinta y asegura que haya una séptima (ya está en marcha). ¿Cuáles son esos matices? Pues son más autoconscientes que nunca de sus propios clichés, de los que no solo no huyen sino que los abrazan hasta el punto de bordear la autoparodia, en este episodio centrada en la explotación de las franquicias. Pero además, nos han traído al Ghostface más brutal, algo que ya se percibía en la película anterior. Hay sangre a raudales e incluso un poco de gore, sin llegar a la casquería. Y han sabido darle otro aspecto visual trasladando la historia a una gran ciudad con tanta identidad propia como Nueva York, lo que les ha permitido sacar provecho de nuevos escenarios. Todo contribuye a que sus dos horas se pasan volando, que siga siendo tan entretenida y divertida como sus predecesoras. Y ya si eres fan de esta saga, dejarse llevar por la fiesta no solo es fácil, es que es lo que buscas.

   Interpretación: Traspaso de poderes: check. El protagonismo absoluto se ha completado y queda en manos de Melissa Barrera y Jenna Ortega, la final girls totales. A las que se ha adherido Jasmin Savoy Brown. La “perdida” de David Arquette y ahora de Neve Campbell se añade el papel totalmente secundario de Courteney Cox, apenas un poco más que cameo. De hecho, la película tiene el mérito de salir airosa sin casi participación de sus protagonistas clásicos. ¿Significa eso que no se echan de menos? De ninguna manera, su ausencia se nota. Pero no se resiente la película por ello. En esta entrega han contado con la veteranía de Dermont Mulroney y la recuperación de Hayden Pennettiere, aunque está terrible.

   Escena (SPOILERS!!): La clásica escena de asesinato del prólogo la ha tocado a una actriz que ya me hubiera gustado que fuera protagonista de la saga, Samara Weaving. Además con sorpresa porque esta vez el prólogo tiene dos partes, con sendos asesinatos, y el segundo corre a cargo del asesino del primero. Y eso sí que es una variante. Como lo es también que en esta ocasión es la primera vez que hay tres asesinos. Por lo demás, todas las secuencias de muertes están realmente bien; ya sea la de la tienda (Ghostface matando con una recortada), la de la escalera o la del metro. Y desde luego el ataque a Gale (Cox) en el que juegan con la idea de que muera, como ocurrió con Dewey.

   LO PEOR: El guion es un sin sentido constante. Consciente, si, pero muy al límite y en esta entrega casi lo sobrepasan. Personajes “resucitados” que se daban por muertos, otros que sobreviven a pesar de recibir treinta puñaladas, giros detrás de giros, la mayoría tramposos. Juegan con ello, incluso se ríen de sus propios trucos, pero ojo que aquí casi se pasan.

   REFERENCIAS: Sigue respetando las claves marcadas por Wes Craven hasta “Scream 4” pero se nota que son los mismos creadores de “Scream 5”.

   CONCLUSIÓN: 7. La saga ha vuelto para quedarse y goza de buena salud, siendo más autoconsciente que nunca de sus propios clichés, esta vez más enfocados al modelo de explotación de franquicia, al que parodian, mientras Ghostface se vuelve cada vez más brutal.

Música de Película: La ballena

 

    Rob Simonsen ha sido todo un descubrimiento pues aunque ha participado en un montón de banda sonoras, no lo ha hecho como compositor principal sino aportando música adicional, salvo en casos como "Nerve" o "Cazafantasmas, más allá". Sin embargo, con "La ballena" se ha destapado como un compositor a tener en cuenta para hacer música muy emotiva, como bien despliega en esta película.

   

Tema: Safe return (epic version).

Película: La ballena.

Intérprete o compositor: Rob Simonsen.

Microcríticas Express: El estrangulador de Boston (2023/1968)

 

   Aunque tenga el mismo título no se trata de un remake de la película de 1968, con la que incluso podría complementarse, pues trata de la investigación paralela que llevó a cabo la prensa de los crímenes del Estrangulador de Boston, más concretamente el periódico Record American por medio de dos reporteras, muy bien interpretadas por Keira Knightley y Carrie Coon aquí, que pusieron en duda la de la policía, señalando su falta de rigor por no cotejar las pruebas con los departamentos de otros distritos, su impaciencia por colocarle los asesinatos a alguien y en general su incompetencia. Lo que les habría dejado pasar por alto la teoría que sostiene la película, que es que podría haber habido varios asesinos, o que al menos, Albert DeSalvo no fue el único autor material de los estrangulamientos de trece mujeres. No obstante, está más cerca del drama periodístico, con cierto toque de reivindicación feminista, que del thriller policíaco. En cierto modo, tiene algunas similitudes con “Zodiac”. Ojo, no en la calidad porque la maestría en la puesta en escena y la narración de David Fincher en aquella, no la tiene ésta. De hecho, si algo se le puede achacar es que le falta tensión. Pero tiene algunos paralelismos argumentales, como que la historia esté llevada por un periodista y la ambigüedad en cuanto a la identidad del asesino. 6’5.

   Esto si en un psicokiller en toda regla, de hecho, en mi opinión, uno de los mejores. La película sostiene la teoría de que Albert DeSalvo si fue el único responsable de los trece crímenes de los que se le acusaba, aunque deja una puerta abierta. Porque hay que aclarar, que en la realidad, su autoría solo se basó en la propia confesión pero no hubo pruebas concluyentes. Tiene dos mitades más o menos diferenciadas. En la primera asistimos a los primeros asesinatos y a la investigación policial liderada por nada menos que Henry Fonda y George Kennedy. En la segunda ya nos mostraban a DeSalvo, al que podemos seguir, observar su modus operandi y demás. No hay misterio en ese sentido porque está interpretado por un actor tan famoso como era Tony Curtis, que está absolutamente magnífico en su interpretación, de la que hace exhibición en el último tramo de la película, dejándonos algunas miradas que pueden helar la sangre. Es justo decir que tampoco es que se haga una reconstrucción de los hechos exhaustiva pero si se hace uno una idea bastante clara del pánico que creó este caso. Como curiosidad, el estilo de dirección que desplegó Richard Fleischer, con recursos muy modernos por esa época de finales de los setenta, con el movimiento de la cámara, esos miniplanos secuencia y, sobre todo, el uso de la pantalla partida. Bastante recurrente éste último y que en ocasiones suponía tener tres, cuatro y cinco pantallas de forma simultánea. Antes de que Brian De Palma la incluyera en su abanico de trucos visuales. 8.

Escenas Míticas: Especial DC - Wonder Woman 1984

 

    No pensaba defenderla pues aunque la primera vez que la vi ya advertí que la somanta de palos que se estaba llevando era exagerada, pero si es verdad que me dejó frío y que constató que estaba muy por debajo de la primera entrega del personaje. Lo cual he confirmado en este segundo visionado, pero que también que la película fue maltratada en exceso. De hecho, me ha gustado más que la anterior vez.

   No obstante, tampoco vamos a negar la mayor. La película tiene algunos problemas que podrían haber sido subsanados fácilmente. Warner es muy criticada pero lo cierto es que es la major que más libertad da a sus directores. Y ésta es la prueba, donde quizá hubiera venido bien cortarle las alas a Patty Jenkins, quien se equivoca tratando la historia focalizando demasiado en el romance.

   Para lo cual mete con calzador al personaje de Steve Trevor (Pine) y se olvida de Wonder Woman durante casi una hora en favor de Diana Prince, y con ello se olvida de en qué clase de película está. Eso provoca una evidente problema de ritmo que se había evitado recortando mínimo media hora a esa fase romántica y de paso a la película. Por no hablar del error de continuidad que supone situar la historia en 1984, cuando se supone que el mundo no sabe de su existencia hasta “Batman vs Superman”, qué es cronológicamente posterior, incluso a “La Liga de la Justicia” si me apuras.

   El resultado fue que tuviera la peor nota media por parte del público, que la masacró sin piedad. Ojo que no coincidía con la opinión de la crítica profesional que mayoritariamente aprobaba la película. Y ahí es donde se decanta un servidor. Incluso con esos errores mencionados, creo que objetivamente la película está claramente infravalorada.

   Porque las críticas de los espectadores no se quedaron ahí, se burlaron de que Wonder Woman pudiera volar, de que pudiera utilizar los rayos y fuera resistente a la electrocución, además de hacer que el avión en que viajan en un momento dado fuera invisible. Pues señoras y señores, amantes de las adaptaciones fieles a los originales, todo eso está en los cómics.

   Porque en ellos ya se describe a una Chica Maravilla capaz de aprovechar las corrientes de aire y el viento para volar. Al igual que es inmune a la electricidad pues es la hija de Zeus, Dios del cielo y del rayo. De Zeus también le viene el poder de hacer invisible mediante un campo de energía, como hizo para ocultar la propia Themyscira. Lo mismo que la armadura dorada de Asteria, que aparece más concretamente en la novela gráfica “Kingdom Come” de Alex Ross.

   Por supuesto, para el papel de la Amazona se volvió a contar con Gal Gadot que multiplicó notablemente su caché. Pasó de cobrar 300.000 dólares en “Wonder Woman” a 10 millones aquí. Por lo que el esfuerzo que realizó aumentando hasta diecisiete kilos de músculo para el papel, valió la pena. Por cierto, en su versión de Diana niña, la interpretó Lily Aspoll, que se mostró tan habilidosa con sus escenas acrobáticas que llevó a cabo todas ellas sin dobles.

   La acompañó de nuevo Chris Pine y los dos nuevos villanos, encarnados por Kristen Wiig y Pedro Pascal (ahora tan de actualidad). El papel de Wiig, Cheetah, se le ofreció primero a Emma Stone (habría estado genial) y Sarah Poulson se interesó por él, pero Patty Jenkins tenía claro que sería para Kristen Wiig. Los cameos corrieron a cargo de Robin Wright, Connie Nielsen y Linda Carter (la Wonder Woman de la serie de televisión en los setenta).

   La película costó 200 millones de dólares y tan solo recaudó 166 en taquilla. Aunque ésto tiene matices. Fue una de las damnificadas por la pandemia del covid, obligándola a retrasar en dos ocasiones e incluso a estrenar precipitadamente cuando aún había muchas salas de cine cerradas, además de limitaciones de aforo en las que estaban abiertas. Por si fuera poco, fue estrenada simultáneamente en la plataforma de HBO, estrategia que se confirmó como un gran error por parte de Warner.

   En cuanto al futuro, la tercera parte ha sido cancelada tras la salida del proyecto de Patty Jenkins, que también tenía prevista una especie de spin off sobre las Amazonas. Tras la llegada de James Gunn no se sabe que ocurrirá pero si tiene planeada una serie titulada "Paradise lost" sobre Themyscira antes del nacimiento de Diana Prince.

Creed III

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Creed III.
Dirección: Michael B. Jordan.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 116 min.
Género: Drama, deporte.
Interpretación: Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Jonathan Majors, Phylicia Rashad, Mila Davis-Kent, Florian Munteanu, Selenis Leyva, Spence Moore II, Tony Bellew, Michelle Davidson, Wood Harris, Thaddeus J. Mixson. Cameo: Saúl "Canelo" Alvarez.
Guion: Zach Baylin, Keenan Coogler. Historia: Ryan Coogler, Keenan Coogler, Zach Baylin.
Música: Joseph Shirley
Fotografía: Kramer Morgenthau.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras dominar el mundo del boxeo, Adonis Creed se ha retirado para dedicarse a su gimnasio, donde prepara nuevos boxeadores, y su vida familiar. Pero el reencuentro con un viejo amigo, con el que hay cuentas pendientes, le hace replantearse volverse a subir al ring.

   LO MEJOR: La han resuelto bastante bien y no lo tenían nada fácil, sobre todo si atendemos a superar tres situaciones de enorme dificultad. La primera salta a la vista, hacer una película de la saga “Rocky” pero sin Rocky, aunque forma parte del spin-off “Creed” en cuyas películas Rocky Balboa era un personaje más secundario. No obstante, su ausencia es una losa bastante pesada. La segunda es que Ryan Coogler ya no está tras la cámara, ya no lo estuvo en la segunda, aunque si en la producción. Y la tercera es que precisamente quien se sienta en la silla de director es Michael B. Jordan, debutando en tal menester. Este es el escollo que mejor solventan porque Jordan se rebela como un director muy solvente, con una gran destreza a la hora de rodar los combates y que cumple bastante bien como narrador. Sin duda, la tutela de Coogler se ha notado pues ya en “Creed II” delegaba en Steven Caple Jr. Y la cosa salía bien. Pero es que además Jordan lo ha tenido como director en “Creed” y “Black Panther”, y su influencia en el estilo es evidente. En cuanto a la ausencia de Rocky Balboa, saben desviar la atención colocando una historia personal de venganza, resentimiento, rencor y culpa como trasfondo del enfrentamiento en el ring. De todos modos hay evidentes paralelismos que sufre el personaje de Adonis Creed con lo que sufrió el de Rocky Balboa durante su saga, y creo que con ello le homenajean.

   Interpretación: Hasta ahora los rivales de Adonis eran boxeadores de verdad metidos a actores (con muy pocas líneas de diálogo y carga dramática). Aquí hay un actor que se ha transformado en boxeador para la película. Y un actor muy bueno, Jonathan Majors. Y este aspecto hace que el enfrentamiento con el protagonista, un Michael B. Jordan que vuelva a estar perfecto con su personaje, eleve exponencialmente el nivel de una pugna que no solo se libra sobre el ring.

   Escena (SPOILERS!!): Vamos a aclarar esos paralelismos con la evolución dramática de Rocky Balboa durante la saga. La perdida; Rocky tuvo que lidiar con varias perdidas muy duras, su entrenador (Mickey), el propio Apolo Creed (su amigo) y su mujer (Adrian). Adonis aquí pierde a su madre. La retirada; Rocky tuvo que volver a boxear varias veces tras su retirada, la más importante en “Rocky Balboa”. Adonis está retirado al inicio de “Creed III”. Inferioridad física; Rocky siempre se enfrentó a boxeadores físicamente más fuertes que él, Apolo Creed, Clubber Lang, Iván Drago y Mason Dixon. Adonis pelea con Damian Anderson, mucho más en forma que él. Combate épico; todos los combates finales de Rocky son de una épica espectacular, a menudo remontando una derrota cantada. Adonis hace lo mismo con su pelea final con Damian.

   LO PEOR: A Rocky solo se le menciona una vez y casi de pasada. Es como si no quisieran saber nada de él, a pesar de esos paralelismos que tiene con la evolución del personaje de Adonis Creed. No se explica ni dónde está ni qué le ha pasado para que no le veamos. Está mal resuelta su ausencia y queda mal.

   REFERENCIAS: Es la tercera parte en la saga “Creed” pero la novena en el cómputo total de la saga “Rocky”. Y no parece que la gente se canse, sigue funcionando. Ésta tiene más semejanzas quizá con “Rocky III”.

   CONCLUSIÓN: 7. Aunque la ausencia de Sylvester Stallone es un agujero demasiado grande para que no se note, la película sabe desviar la atención hacia el conflicto personal entre los personajes de Michael B. Jordan (bien tambien en la dirección) y Jonathan Majors.

Microcríticas Express: The last of us/El cuento de la criada T5

 

   No me hubiera ganado muchos aplausos por aquí si hubiera compartido mi opinión sobre la serie antes de ver el último episodio. Tampoco creo que me los gane ahora, a tenor del incondicional fandom del videojuego que cada semana ha estado defendiendo que cada minuto del correspondiente capítulo era una obra maestra. Aunque los argumentos que se esgrimían en un 90% de los comentarios eran comparaciones con un videojuego que, atención sorpresa, no hemos jugado ni teníamos porque, todo el mundo. Por cierto, vertiendo cada una de esas semanas una tonelada de spoilers sobre el juego (gracias). Afortunadamente, acostumbro a formarme una opinión cuando las historias están terminadas, y eso en este caso es de vital importancia porque el último episodio le da sentido a todo y hace que su nota se eleve. Porque anteriormente me parecía una serie normal, otra más apocalíptica que machacaba lo que ya nos habían contado mil veces películas como “La carretera”, “28 días después” o la también serie “The Walking Dead”, que el hombre es el verdadero monstruo y todo eso. Para colmo, ni siquiera salían muchos infectados y el ritmo era bastante lento. No obstante, había aspectos interesantes. La serie claramente está hecha con cariño, de vez en cuando nos han mostrado unos escenarios espectaculares, algunos episodios hay que reconocer que han sido brillantes y, sobre todo, tiene dos protagonistas que se comen la pantalla, tanto Pedro Pascal como Bella Ramsey (muy criticada antes del estreno por cometer el pecado de no ser clavada a la Ellie del juego). Pero además, el desenlace de la temporada ha dado sentido a todo lo acontecido anteriormente, y es que no era una historia postapocalíptica de infectados, eso solo estaba ahí, la verdadera era la de la propia relación de los personajes principales y como escala a niveles paterno filiales, y que decisiones les hace tomar. Eso es lo que si es diferente y hace que valga la pena. 7.

   Vaya por delante que considero que esta serie ha sido estirada de más, que han desaprovechado la oportunidad de contar cosas diferentes en lugar de estar dando vueltas a lo mismo en muchas ocasiones. Por ejemplo como empezó todo, porque realmente no nos contaron como se fueron dando los pasos para gestarse el golpe de estado y como se ejecutó, y ya no creo que lo hagan. Aunque quizá se lo reserven para realizar una precuela, quien sabe. No obstante, no puedo negar que la serie sigue teniendo una gran nivel en las tres categorías en las que toda historia se debería medir; dirección, guion e interpretación. De éstas, la tercera es la mayor virtud de la serie, no solo por el ya muy reconocido trabajo de Elizabeth Moss sino por el de Yvonne Strahovski, cuyo personaje creo que es el que mayor evolución ha tenido durante las temporadas anteriores y cuya interpretación se ha colocado casi a la altura de la Moss. Curiosamente, esta temporada me ha parecido más entretenida y emocionane que otras anteriores a pesar de que la trama realmente no ha avanzado demasiado, más allá de mostrar la interacción de los personajes de June y Serena y también su forzoso vínculo. De hecho, es lo más interesante que se plantea para la sexta y última temporada (esta vez parece que si, que ya termina), pues el final de la quinta termina de lo más emocionante. Espero que le den un buen final pues la serie, con sus altibajos, ha tenido siempre muy buen nivel. 7.

Escenas Míticas: Especial DC - Shazam

 

   Este repaso a las películas de DC, o más bien, expansión del ciclo dedicado a ello, venía provocado por el estreno de la secuela de ésta, “Shazam, la furia de los dioses”, que no será el único de DC, el próximo mes vendrá la que probablemente sea la más esperada y que más expectativas ha generado, sobre todo tras su tráiler en la Superbowl, “Flash”. Y al final del año llegará “Aquaman y el Reino perdido”.

   Pero además, la secuela de “Shazam” tiene la incertidumbre de saber si será la última del personaje tal y como lo conocemos o será rebooteado como ya sabemos que serán los de Batman y Superman. Y probablemente Wonder Woman. No se sabe nada al respecto todavía pero lo que si está confirmado es que “Black Adam”, antagonista de Shazam, no tendrá secuelas, por el momento.

   Shazam nacía como Capitán Marvel en 1939 para Fawcett Comics de la mano del guionista Bill Parker y el dibujante Clarence Charles Beck. Sin embargo, una demanda por parte de DC, alegando que el personaje plagiaba a Superman (de hecho, los poderes son prácticamente los mismos), puso a Fawcett Comics en bancarrota, sobre todo al tener que cancelar la serie de televisión sobre el personaje.

   Paradójicamente, fue DC quien compró los derechos del personaje procediendo a cambiarle el nombre de Capitán Marvel, por evidentes conflictos con Marvel Comics, por Shazam, que eran las siglas de una serie de personajes de la mitología griega, concretamente; Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Mercurio, SHAZAM.

   No obstante, la película incluso hace varios guiños a esta situación por la que pasó el personaje en los despachos. En la parte final, cuando se ponen a abrir puertas para salir del lugar, tras una de ellas aparecen unos hombres-cocodrilo jugando a las cartas, que eran enemigos del Capitán Marvel en Fawcett Comics. Y también aparece, justo en la última escena, Superman, aunque no le vemos la cara.

   No son los únicos guiños. El prólogo del film se sitúa temporalmente en 1974, que fue el año en que el personaje debutó en televisión. Hay otros aunque no relacionados con este tema. En un momento dado, en una juguetería, vemos un piano en el suelo, como el de la película de Tom Hanks, “Big”, en referencia a que Shazam es un niño en el cuerpo de un hombre. Para entender el otro, la aparición de la muñeca Annabelle, hay que explicar algo.

   Aunque inicialmente se pensara en Peter Seagal, un director habitual de la comedia, finalmente se eligió un perfil diametralmente opuesto, el de David F. Sandberg, que tenía muchos cortos pero solo dos largometrajes, ambos de terror. Uno era, “No apagues la luz” (película bastante inquietante) y “Anabelle Creation”, precuela de “Anabelle” a la que superaba ampliamente.

   Para el reparto se eligió a Zachary Levi, que no llevo en ningún momento relleno de músculos, lo que compensó aumentando de peso y puliendo su cuerpo con un exigente plan de entrenamiento. Su versión de niño la interpretaba Asher Angel. Los acompañaban Mark Strong, Djimon Hounsou, Megan Good y Grace Fulton (que en la secuela interpretará sus dos versiones, la joven y la adulta), entre otros.

   Debo reconocer que la primera vez que la vi no me convenció demasiado, en gran parte a su tono claramente familiar, e incluso infantil. Sin embargo, esta segunda vez la he visto como una película de aventuras cercana al estilo de protagonismo de grupo, como “Los Goonies”, muy entretenida, y que introduce elementos no habituales en los demás superhéroes de DC, como la magia y los monstruos (los que representan los siete pecados capitales fueron interpretados por dobles acrobáticos con trajes para la captura de movimiento). 

   Las críticas fueron mayoritariamente positivas y funciono bien en taquilla. Costó entre 80 y 100 millones de dólares y recaudó 370.

Escenas Míticas: Especial DC - Watchmen

 

    Lo primero a resaltar es que la serie limitada de cómics que adaptaba esta película me parece una obra maestra absoluta y probablemente la mejor que haya leído un servidor hasta ahora. Pero también la más compleja de adaptar a película, al menos en una sola. Quizá era más adecuada para una miniserie o una trilogía. Aun así creo que hicieron un gran trabajo de adaptación, sabiendo escoger lo que contar respetando el espíritu del cómic.

   Cómic que había sido creado por el dibujante Dave Gibbons y el que considero el mejor escritor de cómics, el cascarrabias Alan Moore, que por supuesto, como es habitual en él, se opuso a la adaptación hasta el punto de querer retirar su nombre de los créditos de la película, pues ya venía bastante indignado de las adaptaciones de otras dos obras suyas, “V de Vendetta” (incomprensible) y “La liga de los hombres extraordinarios” (muy comprensible).

   Pero no se quejó de que aunque la película no fue ni mucho menos un éxito, costó 130 millones de dólares y recaudó 185 en taquilla, si provocó un relanzamiento del cómic en formato con todos los números reunidos, en las librerías y volvió a colocarse en los primeros puestos de ventas tras el estreno de la película en cines.

   No obstante, es cierto que la complejidad de tan magna obra generaba dudas y eso mantuvo el proyecto atascado durante años. Varios directores se postularon para dirigirlo. El primero de ellos fue Terry Gillian, quien también lo abandonó antes al considerar que la historia era imposible adaptarla para una sola película. Más tarde se interesaron cineastas como Darren Aronofsky o Paul Greengrass, aunque no con demasiada fuerza. Quien sí lo hizo con ella fue Tim Burton.

   El director de “Batman” incluso llegó a pensar en Johnny Depp para uno de los papeles. Pero finalmente el elegido fue Zack Snyder, que venía de cosechar sendos éxitos con su remake de “El amanecer de los muertos” y la adaptación de otro cómic, de otro maestro en la materia, Frank Miller, “300”. Esta última es la que terminó de convencer a los productores de su elección.

   Y Snyder volvió a realizar una adaptación con gran fidelidad al original, a pesar de las quejas de Alan Moore, llegando a evocar muchas de las viñetas más icónicas del cómic, como ya había hecho con “300”, precisamente tomando esas viñetas como guía para las storyboards del guion. Además, el tono oscuro que quiso dotarle era el adecuado para la historia.

   Aún así, se vio obligado a recortar muchos minutos de la versión que se estrenó en cines, de 163, por los 186 que tenía la versión extendida y los 215 que tenía la otra versión aún más extendida, Ultimate Cut. Para la comercial las críticas estuvieron bastante polarizadas, tanto las profesionales como las del público, que con el tiempo han ido mejorando hasta colocarla como un título de culto.

   Intérpretes como Daniel Craig, Jude Law o Sigourney Weaver se interesaron, y Arnold Schwarzenegger fue postulado para el papel del Doctor Manhattan, que finalmente fue para Billy Crudup. A quien acompañaron Patrick Wilson, Malin Akerman, Matthew Goode, Jackie Early Haley, Carla Gugino y un Jeffrey Dean Morgan, en cuya entrevista apareció malhumorado y se mostró tremendamente antipático. Motivo por el cual Snyder precisamente le eligió como Comediante.

   Previo al estreno de la película, Fox y Warner mantuvieron un largo litigio en los tribunales por los derechos de explotación del cómic, que a pesar de ganar Warner, tuvo que ceder parte de la taquilla para colmo, a Fox. Además de la película y sus distintas versiones, existe una animada relacionada, “Relatos del navío negro” y una serie emitida por HBO.

Club de Opiniones: Oscars 2023

 

Mejor película: Todo a la vez en todas partes.

Mejor dirección: Daniel Kwan y Daniel Scheinert, por Todo a la vez en todas partes.

Mejor actriz: Michelle Yeoh, por Todo a la vez en todas partes

Mejor actor: Brendan Fraser, por La ballena

Mejor película de animación: Guillermo del Toro, por Pinocho

Mejor actor de reparto: Ke Huy Quan, por Todo a la vez en todas partes

Mejor actriz de reparto: Jamie Lee Curtis, por Todo a la vez en todas partes

Mejor documental: Navalny

Mejor cortometraje: An irish goodbye

Mejor fotografía: Sin novedad en el frente

Mejor maquillaje y peluquería: La ballena

Mejor vestuario: Ruth Carter, por Black Panther: Wakanda Forever

Mejor película internacional: Sin novedad en el frente

Mejor corto documental: Nuestro bebé elefante

Mejor corto de animación: El niño, el topo, el zorro y el caballo

Mejor diseño de producción: Christian M. Goldbeck y Ernestine Hipper, por Sin novedad en el frente

Mejor banda sonora: Sin novedad en el frente

Mejores efectos especiales: Avatar: El sentido del agua

Mejor guion: Daniel Kwan y Daniel Scheinert, por Todo a la vez en todas partes

Mejor guion adaptado: Sarah Polley por Ellas hablan

Mejor sonido: Top gun: Maverick

Mejor canción: Naatu Naatu (RRR)

Mejor montaje: Todo a la vez en todas partes

   Pocas veces quedo tan, no sé ya si decir satisfecho o conforme, con el reparto de los premios. Porque siempre he manifestado desde un principio que estaba en el TeamTodoALaVezEnTodasPartes y me alegro de que una película realmente diferente, arriesgada, atrevida, divertida y conmovedora se haya plantado en los Oscars y haya arrasado. Aunque sea a costa de los fracasos de películas como "Elvis", "Almas en pena de Inisherin" o "Los Fabelman", que son las grandes perdedoras de esta edición. Y muy a mi pesar de que le hayan birlado su tercer Oscar a mi admirado Steven Spielberg, y aún así no me distorsione el hecho de que se lo hayan llevado los Daniels, Kwan y Scheinert.

   Además, me da que Spielberg se ha topado con esa barrera no escrita de los Dos Oscars. Y es la de que si has ganado ya dos estatuillas, es tremendamente difícil ganar la tercera, y si no que se lo digan a Meryl Streep. O a Cate Blanchett. Lo cual no resta ningún mérito a Michelle Yeoh, que estaba maravillosa en su interpretación. Incluso algunos teníamos esperanzas con Ana de Armas.  

   A Yeoh se han añadido dos agradables sorpresas con las que no contaba. Especialmente por el Oscar de Jamie Lee Curtis, que no esperaba ni ella. Lo siento por Angela Bassett pero seamos claros, a mí hasta su nominación me parecía dudosa. Y el de Jonathan Ke Quan, aquel que muchos conocimos como Tapón en "Indiana Jones y el templo maldito" (por cierto, vaya abrazo precisamente con Harrison Ford) y Data en "Los Goonies" hace más de treinta años.

   Pero si por alguien me hacía ilusión que se llevara el Oscar era por Brendan Fraser. Todo lo que no fuera que lo ganara habría sido una tomadura de pelo. Y no tiene nada que ver con lo mal que lo ha pasado en los años anteriores, lo mal que le ha tratado la industria del cine o lo simpático que caiga como persona. No, su interpretación es la mejor del año pero por mucho y punto. Y mira que Austin Butler estaba genial en "Elvis", pero lo de Fraser en "La ballena" es otro nivel. Este tío consiguió que saliera de una sala de cine sin poder ni articular palabra, y eso merece un Oscar. Enhorabuena Brendan.