El último viaje del Demeter

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El último viaje del Demeter.
Dirección: André Øvredal.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 118 min.
Género: Terror.
Interpretación: Corey Hawkins, Aisling Franciosi, Liam Cunningham, David Dastmalchian, Woody Norman, Javier Botet.
Guion: Bragi F. Schut, Zak Olkewicz. Novela: Bram Stoker.
Producción: Bradley J. Fischer, Mike Medavoy, Arnold Messner.
Música: Bear McCreary.
Fotografía: Tom Stern, Roman Osin.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La goleta rusa Demeter parte de Carpatia con destino a Londres. A bordo llevan una extraño cargamento, 24 cajas de madera cuyo contenido desconoce toda la tripulación. La cual se embarca en una viaje de supervivencia que comienza nada más partir.

   LO MEJOR: Se centra en una parte de la novela de Bram Stoker que muy pocas veces se ha contado en las diferentes versiones de “Drácula”, incluso en algunas directamente le hacen una elipsis a este segmento de la historia. Y esto es uno de sus puntos a favor, basarse exclusivamente en el capítulo que habla del viaje de Drácula en el Demeter. Hasta el punto que podría considerarse totalmente independiente y al margen de cualquier otra versión. Porque esta ni siquiera lo es, sino que toma esa parte de la novela como excusa para marcarse una película de monstruo, dado que la figura de Drácula está muy alejada de la románticamente humanizada que hemos visto hasta ahora y básicamente está mostrada como poco más que una bestia sedienta de sangre cual depredador. Por tanto, es una película para amantes de las monster movies, una especie de “Alien, el octavo pasajero” pero en un barco en alta mar, donde tampoco se pueden oír los gritos. El noruego André Ovredal, autor de películas de terror tan interesantes como “Troll Hunter” y, sobre todo, “La autopsia de Jane Doe”, plantea una película muy atmosférica, basándose mucho en el trabajo de fotografía, en la oscuridad de la noche, el efecto de la niebla, para lograr una poderosa ambientación dando rienda suelta después al derramamiento de abundante sangre y al gore.

   Interpretación: No es que el trabajo interpretativo de Corey Hawkins sea malo pero su protagonismo está metido con calzador. Es tan forzado como que Liam Cunningham y David Dasmalchian sean secundarios. La historia pide a gritos que uno u otro, o ambos, sean los protagonistas. Habría ganado la película. A destacar la intervención del español Javier Botet, que parece estar especializándose en dar vida a monstruos.

   Escena (SPOILERS!!): Ovredal no tiene problema en mostrar a su criatura relativamente pronto y quizá habría incrementado el misterio retrasar su aparición de forma explícita. Como cuando aparecen todos los animales muertos y claramente atacados por alguna clase de depredador. No saber su apariencia habría aumentado la curiosidad. Pero claro, si es que ya sale en el propio cartel de la película. En cualquier caso, todas sus intervenciones posteriores son igualmente efectivas porque siempre se corresponden con ataques y muertes bastante sangrientas. Una de las mejores secuencias es cuando van a tirar al niño al mar y este comienza a arder. Y claro, todo el duelo final con la bestia.

   LO PEOR: A pesar de ser muy terrorífica no da demasiado miedo. Es una película correcta en su poco ambiciosa propuesta pero da la sensación que le podrían haber sacado más. No ayuda un metraje excesivo, sobre todo en su segunda hora. Cien minutos habría sido lo ideal.

   REFERENCIAS: La imagen del monstruo se corresponde más con la que hemos visto algún momento en el “Drácula de Bram Stoker” de Coppola o en “Nosferatu”. Aunque recuerda al vampiro de la miniserie “Misa de medianoche”, de Mike Flanagan. Pero estructuralmente se mira mucho en “Alien, el octavo pasajero” o “La cosa”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Fragmento muy poco explotado de la novela de Bram Stoker, que sirve de excusa para contarnos un survival en alta mar que se mira más en el espejo de las monster movies que en los clásicos góticos de terror.

Microcríticas Express: The Acolyte/The Boys T4

 

   No voy crear muchas simpatías con esta opinión pero la voy a dar igualmente. No, no voy a defender la serie a capa y espada (nunca mejor dicho) porque está bastante lejos de ser una maravilla pero tampoco me parece tan mal como muchos le están dando. Porque sinceramente me parece que tiene aspectos positivos. De primeras es una historia independiente y no relacionada con la saga de los Skywalker y eso ya es interesante. Y como me importa tres narices la esclavitud que otros profesan al canon y demás, pues eso. Ofrece una visión de los Jedis no tan amable, alejándose de su interpretación casi como unos santos, y por tanto, más oscura de lo que se haya visto anteriormente. Aunque es verdad que no va a fondo con ello. Y luego tiene muy buenas peleas, tanto cuerpo a cuerpo, como de sables láser, con gran influencia del cine de artes marciales. Por tanto, no me ha vuelto loco pero me ha entretenido, y ya está. Desde luego, está lejos de “The Mandalorian” y “Andor”, y también está por debajo de “Ahsoka”, pero es mejor que “Obi Wan Kenobi” (que tenía cosas que daban vergüenza ajena) o la primera mitad de “El Libro de Boba Fett” (hasta que el mandaloriano vino a rescatarla), que tienen notas muy superiores a esta en las distintas páginas. A este respecto, cuando veo campañas orquestadas por el fandom de Star Wars, votando al unísono con la nota más baja en todas esas páginas, para bajarle la media, me da una sensación rara, como la de estar ante los integrantes de una secta. Ya lo del tema “woke” ni lo comento, el que tenga problema con la inclusión, igual se tiene que mirar alguna cosita. Por cierto, los tomates que sean para gazpacho, así los aprovecho. 6. 

   Tampoco esta opinión va a ser con la que más de acuerdo se ponga la gente. Pero esta temporada confirma lo que vengo diciendo de la serie desde el principio y que solo en su tercera temporada pareció que mejoraba. Y es que sus creadores y guionistas están más preocupados de poner burradas en pantalla que de contar una historia, lo cual crea una especie de efecto sketch. Es decir, ves una escena, te sorprendes, te ríes, incluso abres los ojos como platos. Y luego ves otra, y después otra. Pero juntas no forman una historia. De hecho, hay muchas de ellas que si las quitas, no varía absolutamente nada de la trama. Y eso es porque son gratuitas. Ojo, no pasa nada. Es más, aún así es de las pocas series que sigo semana a semana, sin esperar a termine la temporada. Porque me lo paso bien, me entretiene, me parece tremendamente divertida. Pero a nivel de guion, bueno, digamos que no es su mayor fuerte. Se nota en que hay personajes que directamente empiezan a sobrar, como Hughie (que antes era protagonista y ahora es un secundario) o Annie/Luz Estelar (tres cuartas partes de lo mismo). Además, la aportación de un actor que anunciaron a bombo y platillo, Jeffrey Dean Morgan, ha sido bastante más escueta de lo deseable. Está bastante desaprovechado. Patriota, por suerte, sigue en plena forma, aunque se ha echado de menos tener en contraposición a Soldier Boy. Por cierto, el spin off, “Gen V”, no es imprescindible haberlo visto pero si engancha con la serie troncal y aporta información interesante. Curiosamente, esos defectos los solucionaba mejor y estaba mejor cohesionada narrativamente. Es recomendable para quien le guste este universo. 7.

Escenas Míticas: Catástrofes naturales - Deep impact

 

   Otra de esas películas que venían de la mano como varias veces pasó en la década de los noventa y en este mismo género, como ya comentamos con el caso de “Volcano” y “Dante’s Peak”. Esta vez con el tema de los meteoritos, se estrenaron “Deep impact” y “Armageddon” con diferencia de tan solo mes y medio. Hay que decir que ambas salieron bien paradas económicamente.

   “Deep impact” costó 75 millones de dólares y recaudó 350 en taquilla. Ahí le ganó la partida “Armageddon” con 550, aunque es verdad que su producción fue más cara, 140 millones, por lo que la rentabilidad económica de ambas no estaba tan alejada. Sin embargo, en cuanto a la crítica, la mejor puntuada fue “Deep impact”.

   No obstante, fue criticada por no tener muchas escenas espectaculares. Y es verdad que su competidora, como decía, la doblaba en presupuesto y que tiene bastante menos espectáculo visual que la película de Michael Bay, pero es que pretendían centrarse en las reacciones humanas, en como afectaría a la sociedad, a través de varios arquetipos de personajes, una situación de este tipo.

   Y, objetivamente, es mejor. Lo cual no quiere decir que fuera mejor entretenimiento que “Armageddon”. La película de Michael Bay tenía un guion demencial. Ya solo la idea de mandar a un asteroide a unos perforadores de petróleo sin ninguna clase de preparación espacial es de locos. Pero es una película tremendamente divertida y el placer culpable de muchos, entre los cuales me incluyo.

   Pero en honor a la verdad, como decía, “Deep impact” es mejor. Su tratamiento es más serio y se centra, más que en heroicidades, en el efecto que tendría en la población la posibilidad del impacto inminente de un meteorito que podría acabar con la vida sobre la superficie de la Tierra. Tan en serio se lo tomó que incluso fue aplaudida por varios astrónomos.

   De hecho, sirvió de homenaje al astrónomo Eugene Shoemoker, que había muerto en un accidente de tráfico. Y Gerry Griffin, antiguo director de vuelo de la NASA, asesoró en varios aspectos a la película, como en cuanto a la dirección artística, para recrear la superficie del cometa, por ejemplo.

   El proyecto era anhelado por Richard D. Zanuck y David Brown, los productores de “Tiburón”, quienes pretendían que fuera precisamente Steven Spielberg quien lo dirigiera. Y eso pretendía él cuando compró los derechos de la novela de Arthur C. Clark, “El martillo de Dios”. Sin embargo, más tarde prefirió dejárselo a una protegida suya, Mimi Leder, a quien conocía de su participación dirigiendo muchos episodios de la serie “Urgencias” y quien solo un año antes haría una película de acción con bastante buen tino, “El pacificador”.

   Posteriormente dirigiría “Cadena de favores”, pero su carrera volvió a vincularse principalmente a la televisión. Para prepararse para dirigir “Deep Impact”, no tomó como referencia otras películas sobre impactos de meteoritos, como “Asteroide”, “Cuando los mundos chocan” o “Meteoro”, sino que se fijó en “La hora final”, de Stanley Kramer, con Gregory Peck, Ava Gardner y Fred Astaire, sobre un holocausto nuclear.

   El reparto estaba plagado de nombres conocidos, como Robert Duvall, Tea Leoni, Elijah Wood, Vanessa Redgrave, Leelee Sobieski, Maximilian Schell, James Cromwell, Jon Favreau y Morgan Freeman, lo que ahora parece que era el presagio del primer presidente afroamericano que posteriormente fue Obama.

   Una curiosidad, hubo un cambio en el guion, una vez sabido el título de su competidora de ese año. Cuando el presidente de los Estados Unidos comunica a la nación la proximidad del impacto de un meteorito, le dice a la prensa: "La vida seguirá. Perduraremos". Pero en realidad era: "Esto no es un armageddon". Quitaron esa frase por motivos obvios.

Twisters

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Twisters.
Dirección: Lee Isaac Chung.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 128 min.
Género: Acción, aventuras.
Interpretación: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Anthony Ramos, Maura Tierney, Brandon Perea, David Corenswet, Katy O’Brian, Daryl McCormack, Sasha Lane, Kiernan Shipka.
Guion: Mark L. Smith. Historia: Joseph Kosinski. Guion original: Michael Crichton, Anne-Marie Martin.
Producción: Frank Marshall, Pat Crowley.
Música: Benjamin Wallfisch.
Fotografía: Daniel Mindel.
Distribuidora: Warner Bros., Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras una experiencia traumática del pasado, una estudiante de las tormentas, trabaja en Nueva York, en el mismo tema pero lejos del terreno. Pero el regreso de un antiguo amigo la convence de volver a cazar tornados.

   LO MEJOR: Pues efectivamente es más un remake que una secuela, y más exactamente un reboot de la que, en la década de los noventa, fue un revulsivo para que el género de catástrofes viviera una especie de segunda juventud como la que vivió en los setenta. Porque no tiene ninguna vinculación con la “Twister” de Jan de Bont, salvo algún que otro guiño, pero hay evidentes paralelismos argumentales y estructuralmente son prácticamente iguales. Ahora, esto se puede hacer bien o mal. Y esta lo hace muy bien, recuperando ese espíritu noventero, no solo en este subgénero, sino en todo el cine de ese tiempo, con esa festividad por el espectáculo. De hecho, cumple con la premisa de típico blockbuster veraniego, donde sus mejores bazas se juegan en torno a unos excelentes efectos especiales y un sonido impresionante (más si lo ves en una sala XE), pero que como su antecesora tiene unos personajes no demasiado complejos pero tampoco planos. Eso le da más cuerpo a una narración que va como un tiro, con un ritmo muy notable, que hace que se te pase volando (nunca mejor dicho). Además, la recreación de los tornados es tan buena que la experiencia de ver la película en una sala de cine es absolutamente inmersiva. Por lo que resulta muy entretenida y disfrutable. Incluso tiene su punto de conciencia social en torno a las víctimas de los desastres naturales en contraposición con los intereses económicos.

   Interpretación: Ya lo he destacado a la que he tenido la menor oportunidad, Daisy Edgar-Jones es muy buena actriz. Se nota incluso en un papel que no implica mucha complejidad dramática. Ella es la verdadera protagonista. Glen Powell me recuerda a los inicios de Tom Cruise. Guaperas que ejerce de personaje chulesco que en realidad hay más actor de lo que parece. Anthony Ramos es el tercer lado de ese triángulo pero sinceramente, está por detrás de ellos en nivel. Un poco decepcionante que la participación de Kiernan Shipka sea tan escueta.

   Escena (SPOILERS!!): El prólogo tiene exactamente la misma función que en la anterior “Twister”, servir para explicar el trauma de la protagonista. Aunque esta es mejor secuencia que la de aquella. También podemos encontrar otro paralelismo en la escena del tornado, durante el rodeo, que es muy similar al tornado del cine de la película de 1997. Casi podemos decir lo mismo de las persecuciones de tornados del principio, espectaculares y muy bien rodadas todas. Donde si hay diferencias es la secuencia final, más fantasiosa pero también más emocionante. Es lo que vengo diciendo, copia pero funciona.

   LO PEOR: Salvo por algunas pinceladas y reenfoques, es básicamente la misma película que su antecesora. Por tanto, no tiene mucha originalidad precisamente, así que no hay que esperar innovaciones para nada.

   REFERENCIAS: Evidentemente, la “Twister” que dio pie a otros títulos como “Un pueblo llamado Dante’s Peak” o “Deep Impact”. Si funciona en taquilla es bastante probable una secuela. Se ha formado un grupo de personajes que podría seguir en ella.

   CONCLUSIÓN: 7. Reboot que recupera el aroma noventero del género de catástrofes de esa década, ofreciendo lo que se esperaba de ella, un blockbuster veraniego que proporciona un gran espectáculo a base de efectos especiales y buen entretenimiento.

Microcríticas Express: The sadness/Los vigilantes/You'll never find me

 

   ¿Es la película más burra que he visto del subgénero de infectados? Muy probablemente, si. Al menos, no recuerdo otra con este nivel de brutalidad. Sangre a raudales, mutilaciones, mucho gore y . . . sexo. Porque este nuevo virus tiene le efecto de generar un deseo irrefrenable de violencia y deseo sexual. Y si, a veces combinado. Creo que tiene la violación más perturbadora y bizarra que haya visto en una película. Menos mal que no es totalmente explícita. Y voy a tardar de sacar de mi cabeza la escena del brote en el vagón de metro (tranquilos, no es spoiler, se ve venir de lejos), que deja al de “Train to Busan” como una cosa normalita. Además, ofrece otra variación sobre lo que se suele encontrar en las tramas de estas películas, y es que los infectados en cuestión son conscientes, es decir, siguen siendo inteligentes después de contagiarse. Y eso contribuye a que haya algunas secuencias especialmente sádicas. No obstante, no por ello la considero mejor que otros títulos de este cine, simplemente es más fuerte de lo habitual. Porque de guion anda más bien justita. Ofrece una medio explicación un tanto cuestionable de lo ocurrido pero cuando llega ya estás lo suficientemente horrorizado para que te de igual. Pero bueno, me ha agobiado bastante por momentos y es una película de sobra terrorífica. Por cierto, no viene ni de Japón ni de Corea, esta vez, sino de Taiwan. 6’5.

   Debut en la dirección de Ishana Shyamalan. Si, hija de M. Night Shyamalan, que por cierto, produce, tutelando a su retoña como ya hizo con los primeros envites en la dirección en la muy recomendable serie “Servant”. Teniendo un padre con estilo tan marcado y encima teniéndole detrás de la silla pues es normal que su cine tenga claras reminiscencias de su personalidad cinematográfica. Como es el interés en el folklore, en las leyendas y en mezclar la fantasía con el terror pero a través del suspense y no tanto de los trucos clásicos del terror como el gusto por lo explícito y por los sustos gratuitos. No, la puesta en escena de Ishana Shyamalan se acerca a la de su padre en cuanto a la elegancia, a planificar perfectamente la composición del plano y como se mueve la cámara por el escenario. A la película le han dado bastantes palos, pero vamos, a eso, en la familia deben estar más que acostumbrados. Pero es que la acusan de que se parece demasiado a “El bosque” y a mí eso alguien tendrá que explicármelo porque no lo veo, más allá de que parte de la historia se desarrolle en un bosque. De hecho, en todo caso se me parece más a otro título de la filmografía de su progenitor, que no diré. Independientemente de ello, a mí la película me ha parecido interesante en todo momento y no estoy de acuerdo con esas críticas negativas. Si es cierto que al guion, que también escribe ella, habría que haberle dado alguna vuelta más. Y el giro final lo he visto venir, avisado de que probablemente lo habría, teniendo en cuenta quienes están detrás de esto. Por cierto, Dakota Fanning está genial. 6’5.

   Vaya, vaya, con el cine de terror australiano últimamente, como desde presupuestos bajísimos pueden hacer películas tan interesantes. Aunque no es exactamente una película de terror, más allá de que en su tercer acto vaya claramente hacia él. Porque durante la mayoría de la película transita más por el terreno del suspense. Y de la intriga, porque a lo que juega es a quien de los dos protagonistas hay que temer realmente. Quien es el verdaderamente peligroso. Porque está claro desde el principio que ambos tienen algo que ocultar. Y esa tensión se siente casi desde el primer minuto y se va cociendo a fuego lento. La premisa no puede ser más escueta. Un solo escenario, y muy reducido, una casa prefabricada en un parque, y dos únicos personajes. Muy bien interpretados por Brandan Rock y Jordan Cowan, que previamente no había visto nunca. Pues bien, una chica se presenta en la casa de un hombre bastante extraño, para resguardarse de la lluvia. A partir de ahí el juego que comentaba. Y es una incertidumbre que se mantiene hasta muy cerca del desenlace con una revelación bastante sorpresiva que explica el asunto aunque no de manera explícita. Cuando terminas, te das cuenta de que te han estado dando pistas de ello pero eso solo se encaja al final, así por muy atento que se esté y avisado, no va a ser fácil adelantarse. Por cierto, la fotografía es esencial, como está iluminado ese escenario y como evoluciona ese aspecto. Thriller psicológico, modesto, interesante y muy recomendable. 7.

Escenas Míticas: Catástrofes naturales - Twister

 

   Se estrena de forma inminente la que llaman secuela, es el mismo título solo que en plural, “Twisters”, con Glen Powell y Daisy Edgar-Jones como protagonistas, que no parece que esté vinculada directamente a esta, y lo digo más desde la intuición y también ignorancia, pues tiene pinta más de un reboot que de una continuación.

   En cualquier caso, vamos a recordar su precedente de hace casi treinta años y que fue la precursora de una nueva oleada, como previamente había ocurrido en la década de los setenta, pero en los noventa, del subgénero de catástrofes, que dio pie a títulos como “Volcano”, “Un pueblo llamado Dante’s Peak”, “Armageddon” o “Deep Impact”. Sin embargo, de todas ellas la mejor fue precisamente “Twister”. De hecho, cosechó mejores críticas que todas las mencionadas.

   Y si eso que su realización no estuvo exenta de problemas y se puede considerar precisamente de catastrófica, empezando porque su rodaje tuvo que retrasarse a causa de una catástrofe real pero no natural, el atentado de Oklahoma, que dejó nada menos que 168 víctimas.

   Producida por la Amblin Entertainment, es decir la productora que Steven Spielberg tiene a medias con Frank Marshall y Kathleen Kennedy, quien rápidamente se puso en contacto con su amigo Michael Crichton, con quien había estado relacionado tanto para la serie “Urgencias” como para “Jurassic Park”, para que le hiciera el guion. El cual Crichton coescribió con su mujer Anne Marie Martin.

   No obstante, Spielberg solicitó a Josh Whedon que reescribiera algunas partes, Whedon accedió pero tuvo que abandonarlo hasta en dos ocasiones, primero por problemas de salud y luego para casarse. Lo que llevó a Spielberg a recurrir a otro conocido suyo, Steven Zaillian (“La lista de Schindler”), que tampoco pudo acabarlo, recurriendo a Jeff Nathanson. Ninguno de estos tres fue acreditado finalmente.

   Para la dirección se recurrió al holandés Jan de Bont, que se encontraba intentando levantar un proyecto de “Godzilla”, hasta el momento de forma fallida, lo cual provocó que lo abandonara para ponerse con “Twister”. Curiosamente, fue Roland Emnerich, un consumado especialista en el género de catástrofes, quien terminó dirigiendo “Godzilla”.

   Jan de Bont era un reputado director de fotografía, participando en multitud de películas tan señaladas como “La jungla de cristal”, “La caza del Octubre Rojo” o “Instinto básico”. Sin embargo, como director de películas solo contaba con “Speed”, la cual fue un éxito de taquilla total. Junto con “Twister” contribuyó a la fama de Jan de Bont en los noventa como realizador de acción.

   No tuvieron el mismo éxito sus siguientes tres películas, “Speed 2”, “La guarida” y “Lara Croft 2, la cuna de la vida”, lo que quizá provocó que De Bont abandonara su contribución al cine con una corta filmografía. Aunque económicamente la única que realmente supuso un fracaso fue la secuela de “Speed”, lastrada por la ausencia de su protagonista anterior, Keanu Reeves.

   Para el protagonista se pensó en Tom Hanks, aunque terminaron decantándose por Bill Paxton por su procedencia sureña (Texas) y la recomendación de James Cameron. Compartió protagonismo con Helen Hunt, con quien no se llevó precisamente bien durante el rodaje. Más tarde se reconciliaron e incluso manifestaron hacer la secuela juntos, situación que se fue al traste por el fallecimiento de Paxton, por el cual Hunt se mostró muy afectada. El reparto lo completaban Philip Seymour Hoffman, Cary Elwes y Jami Gertz, entre otros.

      La película fue nominada a dos Oscars, a los mejores efectos especiales y el sonido. En cuanto a los efectos, hay abundante trabajo digital, generado por Industrial Light & Magic (la de George Lucas), como la famosa vaca, que se recreó a partir de la escena de la cebra de "Jumanji", pero también hubo otros trucos más artesanales. Como la creación del viento, tomando el motor de un Boing 707. 

   En cuanto al sonido, el que correspondía al del tornado se hizo con el gemido ralentizado de un camello. Sonido que llegó a reventar los altavoces de algunos cines. El resultado fue una película entretenidísima, con espectáculo visual pero también con personajes, que fue un éxito de taquilla, logrando 495 millones de dólares, habiendo invertido 92, y colocándose la segunda del año 1996, tras "Independence day". 

El último late night

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El último late night.
Dirección: Cameron Cairnes, Colin Cairnes.
País: Australia.
Año: 2023.
Duración: 93 min.
Género: Terror.
Interpretación: Christopher Kirby, Ian Bliss, David Dastmalchian, Fayssal Bazzi, Laura Gordon, Ingrid Torelli, Rhys Auteri, Josh Quong Tart, Georgina Haig, Steve Mouzakis, Gaby Seow.
Guion: Cameron Cairnes, Colin Cairnes.
Producción: Joel Anderson.
Música: Glenn Richards.
Fotografía: Matthew Temple.
Distribuidora: Umbrella Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El presentador de un conocido late night ha preparado un programa con muchas emociones con el objetivo de colocarse como el número uno para la audiencia. Pero las cosas no salen como las había planeado y todo se descontrola.

   LO MEJOR: La etiqueta de “mejor película de terror del año” termina siendo más perjudicial que otra cosa pues aunque inicialmente puede venir bien en cuanto a lo comercial, llega a generar unas expectativas sobredimensionadas. En ese aspecto, yo pediría calma al espectador que se disponga a abordarla. No obstante, yo sí considero que es una película de esas que se pueden considerar especiales, una que podría instalarse junto títulos de culto del cine de terror australiano e independiente, como “Wolf Creek”, o las más recientes “Háblame” o “Relic”. Y si podría ser una de las mejores películas de terror del año, pero no de las más terroríficas. Esto que parece una contradicción no lo es. Pertenece al género de terror puesto que incluye varios set pieces bastante perturbadores e incluso alguno bastante bizarro. Sin embargo, su intención principal no es la de asustar sino hacer una sátira sobre los programas late night de los setenta y ochenta, de corte sobradamente sensacionalista. De hecho, la película es una especie de found footage, la grabación de un programa integrado en un reportaje falso. Formato, por cierto, del que no tiene problema de salirse cuando le conviene. La recreación del programa en sí es lo más destacado, con una ambientación magnífica, tan conseguida que pasados unos minutos uno se olvida de su época actual para sumergirse en la de la película. Ayuda bastante un muy buen guion, donde no hay ningún dato que esté porque sí. También su medido metraje. No sobra ni falta nada.

   Interpretación: El papel principal es para un habitual secundario que diría que está ante su primer personaje protagónico. Se trata de Daniel Dastmalchian, cuyo peculiar rostro es muy adecuado para él. Pero sin quitar mérito a la actuación del actor que está soberbio. Ojo a la aportación de la joven Ingrid Torelli, bastante intrigante.

   Escena (SPOILERS!!): Tiene varias secuencias de esas que dejan huella gracias a una buena puesta en escena. Como la posesión de la niña, claramente un homenaje a “El exorcista”. O la de los gusanos. Y por supuesto, el impactante final, toda una ida de olla total. Pero, ¿Qué es lo realmente que ha pasado? Como decía, el guion no da datos de relleno y en lo que se podría considerar la intro del reportaje se da una información vital para entender el desenlace o por lo menos para formarse una teoría. Y las claves son la pertenencia del protagonista una especie de club sectario que realiza controvertidas prácticas rituales y orgías, la frustración por no ser el presentador número uno y el fallecimiento de su esposa. Allá va mi teoría pues. Jack Delroy (Dastmalchian) pide ayuda a su club para conseguir el éxito profesional y le proporcionan una especie de pacto con el diablo. Pero debía sacrificar algo, en este caso, alguien, la vida de su mujer. El programa que vemos es el que debía consagrar a Delroy como número uno de la audiencia. La serie de extraños acontecimientos paranormales y el desastre final se debe a la venganza del espíritu de su esposa fallecida de cáncer (recalcan, de pulmón sin haber fumado en toda su vida). Es más, la narración está plagada de imágenes de ella, unas más evidentes y otras más subliminales, pero están ahí.

   LO PEOR: Es perfecta candidata para que muchos entonen esas frases que tanto les gusta entonar a algunos, tales como “no es para tanto” o “está sobrevalorada”, exactamente lo mismo que les pasó a esos títulos mencionados antes. Además que tampoco diría que sea una película de terror exclusivamente, hay mucha comedia negra en su tono.

   REFERENCIAS: Sería la versión terrorífica de lo planteado en películas como “Network, un mundo implacable” o “El rey de la comedia”. Aunque recuerda a una película hecha para televisión, una de las precursoras del found footage, “Ghostwatch”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Una sátira sobre los programas sensacionalistas de los setenta, perfectamente ambientada y con un gran Daniel Dastmalchian. Y si, será una de las mejores películas de terror del año aunque no la más terrorífica.

Microcríticas Express: El simpatizante/El régimen/Manhunt, la caza del asesino

 

   Una miniserie que no ha tenido una gran respuesta entre el público pero si cuenta con el beneplácito de la crítica. De hecho, no ha tenido apenas repercusión mediática. Hay que reconocer que no es para todos los públicos por varias razones, lo cual no quiere decir que no sea sumamente interesante. Es la segunda miniserie de Park Chan Wook y nuevamente sobre el género del espionaje, aunque la propuesta es muy diferente de “La chica del tambor”, mucho más convencional y menos personal que esta, que tiene un estilo bastante más arriesgado. De hecho, cuesta definirla, en principio es una comedia negra con aires de sátira pero con momentos tremendamente dramáticos y trágicos, que hace un particular retrato del Vietnam de postguerra, que no muchas veces ha sido mostrado. Además, narrada de una forma un tanto peculiar, con el director coreano más desatado que en su anterior incursión televisiva. Siendo sinceros, me costó entrar, me terminó enganchando del todo en su episodio central, el cuarto de siete, que es una loca suerte de cine dentro del cine divertidísima, y en su episodio final me ha convencido de que es una serie totalmente infravalorada. El protagonista es un tal Hoa Xuande, que no había visto en mi vida pero que hace una gran interpretación, secundado de forma múltiple por Robert Downey Jr. Lo digo porque da vida hasta a cuatro personajes, a cual más sobreactuado, aunque eso es adrede y tiene una explicación. Además, se nota que se lo está pasando bomba. 7

   Es una miniserie discutida porque en general ha tenido buenas críticas pero al público no le ha terminado de gustar. Y en parte lo entiendo porque a mí me ha costado y en un principio me he tenido que agarrar exclusivamente a la lección de interpretación inapelable que da Kate Winslet. Lo cual no beneficia a su coprotagonista, Matthias Schoanaerts, al que supera demasiado ampliamente y con el que no tiene una gran química. Pero ella sola mantiene el barco a flote. Si son buenas las aportaciones de Andrea Riseborough y Hugh Grant, nuevamente pidiendo a gritos ser mejor aprovechado. El creador de la serie, Will Tracy, uno de los guionistas de la magnífica “Succession” nos engaña inicialmente con lo que parece una comedia ligera para ir cobrando gravedad hasta un sátira muy ácida sobre un régimen dictatorial. Y si resulta divertida apero también es verdad que su humor no es para todo el mundo. Porque es incómodo reírse de situaciones que a priori no deberían ser graciosas. Es a su término, o en su tramo final, cuando su mensaje se hace verdaderamente efectivo y uno entiende que está haciendo referencia a algunos líderes políticos actuales y algunas situaciones geopolíticas que estamos viviendo en nuestros días. Es por eso que, aunque en su desarrollo me he tenido que armar de paciencia pues muchas veces no entendía hacia donde iba, en su conclusión si tengo que decir que me ha parecido buena en su crítica a estas cuestiones. 6’5.

   Es una reconstrucción en torno al atentado contra Abraham Lincoln, desde el propio asesinato hasta la persecución y procesamiento de los responsables del magnicidio, por lo que tiene una parte importante de tono policiaco. Aunque en realidad el tema de trasfondo es la situación política posterior a este acto, que ponía en jaque todo lo que pretendía hacer Lincoln tras la Guerra de Secesión Americana, que consistía en la reunificación del norte con el sur del país y la liberación de los esclavos afroamericanos. Es por ello que se enfoca el atentado como una conspiración, como un golpe de estado que podría haber retrasado esos avances varias décadas. Son curiosas las similitudes de este caso con el también asesinato de John F. Kennedy en cuanto a la teoría conspiratoria. En cuanto a la política es un homenaje al que fue el Secretario de Guerra y mano derecha de Lincoln, interpretado magníficamente por Tobias Menzies, Edwin Stanton, gracias al cual su legado pudo hacerse posible aún habiendo muerto, gracias a su lucha por capturar a los culpables del crimen y su resistencia política a un nuevo cambio en el rumbo del gobierno. He de reconocer que en principio me ha costado entrar porque es un tanto lenta, pero mi interés por este hecho histórico me ha mantenido mientras, a medida que pasaban los episodios, ha mejorado el ritmo y se ha hecho cada vez más interesante. Aún sabiendo bastante previamente sobre el tema me ha aportado datos que no conocía. 6’5.

Escenas Míticas: Catástrofes naturales - Un pueblo llamado Dante's Peak

 

   Curiosamente, no hay muchas películas de volcanes dentro del género de catástrofes. Si con erupciones volcánicas en algún momento pero no donde un volcán sea el tema principal de la historia y el argumento gire en torno a su actividad. Sin embargo, en 1997 se estrenaron dos en espacio de tiempo de apenas un par de meses entre sus estrenos.

   De hecho, durante su producción ambas distribuidoras, Universal y Fox, mantuvieron una dura pugna para ser la primera en estrenarse. El gato al agua se lo llevó la primera con esta “Un pueblo llamado Dante’s Peak”, que además, a la postre se impuso a “Volcano” tanto en taquilla, recaudando 180 millones de dólares de 110 que habían invertido, como en crítica, aunque las de ambas no fueron muy buenas, precisamente.

   Sinceramente, creo que “Dante’s Peak” es mejor un poco en todo. El guion está plagado de tópicos pero es coherente, los efectos especiales eran bastante buenos y ofrecía un gran espectáculo de entretenimiento. Sin embargo, “Volcano” aunque es muy divertida y disfrutable, y la premisa de una erupción volcánica en plenas calles de Los Ángeles, es cuando menos curiosa, el guion era un cúmulo de sin sentidos y técnicamente no estaba tan bien hecha.

   La competencia entre ambas películas que incluso trascendió en cuanto a sus parejas protagonistas, llegando a tentar a los mismos actores ofreciéndoles sustanciosas cantidades de dinero. Finalmente, “Volcano” se llevó a Tommy Lee Jones (ya oscarizado por “El fugitivo”) y Anne Heche. Y “Dante’s Peak” el, por ese tiempo, nuevo James Bond, Pierce Brosnan y la ex Sarah Connor, Linda Hamilton.

   Aunque se pensó en Michael Douglas para el papel masculino. En cuanto al femenino, me llama mucho la atención lo poco que ha destacado Linda Hamilton fuera de la saga “Terminator”, siendo una actriz que objetivamente me parece muy competente. Pero su filmografía es bastante pobre. En televisión si tiene algunas aportaciones interesantes, como a la serie “La bella y la bestia", junto a Ron Perlman.

   En la dirección, un todoterreno, con una filmografía no muy prolífica pero sí muy variada, el australiano Roger Donaldson, con títulos como el remake de “Motín a bordo” (con Mel Gibson y Anthony Hopkins), la famosa “Cocktail” (con Tom Cruise), “No hay salida” con un joven Kevin Costner, con el que repitió en la que probablemente es la mejor película del director, “13 días”. Y uno de mis placeres culpables, “Species”.

   Pero es que posteriormente tampoco se han hecho películas sobre este tema más allá de telefilmes para la programación de las tardes de los domingos, o la no muy destacable pero sí con cierta repercusión en su momento, “Pompeya”, de Paul W.S. Anderson. Y no será que no ha habido erupciones volcánicas reales en las que basarse.

   La de esta película se inspira en la del volcán Santa Elena, en el estado de Washington, que en 1980 ocasionó 57 muertos. En cuyo cráter, por cierto, se llegaron a rodar algunas escenas. Aunque la mayoría se recrearon mediante unos efectos especiales mezcla de digitales con otros artesanales, como las maquetas. Por ejemplo, la lluvia de ceniza se hizo con trozos de periódicos viejos.

   Además, el film saca gran rendimiento de todas las variantes de catástrofes naturales que se puedan dar alrededor de un volcán; aparte de las erupciones, terremotos, lluvia de ceniza, tormentas eléctricas, lagos de ácido, inundaciones y nubes piroplásticas.

   Además de recordar en ciertos aspectos a "Tiburón". De hecho, el protagonista podría ser una mezcla entre los personajes de Brody y Hooper, interpretados por Roy Scheider y Richard Dreyfuss. Y la reacción de los peces gordos del pueblo es la misma ante sus advertencias, anteponiendo los intereses económicos a la seguridad de los habitantes.

Dream Scenario

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Dream Scenario.
Dirección: Kristoffer Borgli.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 96 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Tim Meadows, Dylan Gelula, Michael Cera, Dylan Baker, Kate Berlant.
Guion: Kristoffer Borgli.
Producción: Ari Aster,Lars Knudsen, Nicolas Cage.
Música: Owen Pallett.
Fotografía: Benjamin Loeb.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una persona corriente, un padre de familia y profesor, comienza a salir en los sueños de la gente. No sabe porque ni como, pero le reporta una fama que considera que puede ser beneficiosa. Pero esos sueños se tornan en pesadillas y la situación cambia.

   LO MEJOR: Es verdad que la filmografía de Nicholas Cage de los últimos años ha dado lugar a toda clase de título de diversa calidad, muchos de ellos muy baja, pero entre ellos siempre cuela alguno realmente interesante, sobre todo, porque lo arriesgado de las propuestas que selecciona hace que sus películas sean imprevisibles y lleguen sorpresas tales como “Mandy”, “Color out to space” o “Pig”. Pues este es un ejemplo de ello precisamente. Ojalá hubiera más propuestas como esta porque tiene una de las tramas más originales de este año. Porque plantea ideas sumamente interesantes, de esas que te dejan pensando al término de la película. Nos habla sobre el precio de la fama, sobre todo, cuando llega de forma inesperada. Pero se centra más en lo que es la cultura de la cancelación. Todo para realizar un retrato de una sociedad dominada por las redes sociales, la publicidad, los influencers. Una comedia negra en forma de ácida sátira que evoluciona hasta el terror psicológico, llega a dar muy mal rollo, en la que caben tanto la explicación fantástica como la psicológica precisamente. Todo con muy buen ritmo, yendo al grano sin perderse por el camino, condensando la trama en cien minutos de metraje.

   Interpretación: Da igual la calidad del proyecto en el que participe, Nicholas Cage siempre lo da todo. Pero claro cuando tiene oportunidades como las que le brinda el personaje principal de esta película, pues te puede regalar una actuación como esta. Me atrevería a decir que una de las mejores de este año. Muy buena también la aportación de Julianne Nichols.

   Escena (SPOILERS!!): Vamos a intentar desgranar que significa esto. Lo primero que hay que señalar es que se inspira en dos fenómenos psicológicos reales; lo que se llamó “Efecto Mandela” y el de “Este hombre”. Ambos nos habla de situaciones en las que la gente llega a creer algo de forma generalizada sin que realmente haya ocurrido. ¿Significa eso que la explicación de lo que pasa en la película es psicológica? Bueno, los sueños en los que comienza a aparecer son siempre de personas que le conocen, luego cuando se hace famoso pues al resto de la población. Es decir, como en el fenómeno “Este hombre”. No obstante, personalmente sí creo que la trama tiene un componente fantástico, en el que él tiene una capacidad involuntaria de introducirse los sueños de los demás. Es por eso que los cambios en los sueños vayan apegados a su estado anímico. Es decir, tras la frustración de la recreación de la fantasía erótica con la adolescente, se siente ridiculizado y por tanto iracundo, lo cual hace que su participación en los sueños sea cada vez más violenta. De hecho, se detienen cuando él se mata a si mismo en un sueño propio. El accidente con la puerta que hiere a una mujer es la materialización para la gente de confirmar que él es peligroso, por eso esa comparación con Freddy Krueger.

   LO PEOR: Lo más evidente es que no es para todo el mundo, y eso es bueno, pero hay que advertirlo porque es la típica de la que muchos dirán que es infumable. Por otro lado, es una película que intenta más trasladar un mensaje y que dar respuesta a todas las preguntas que plantea la historia.

   REFERENCIAS: Se nota que detrás de todo esto, en la producción, está A24, y más concretamente, Ari Aster, sobre todo en relación a su última película, “Beau tiene miedo". Aunque la veo más cercana al cine de Spike Jonze en títulos como “Como ser John Malkovich” o “Adaptation, el ladrón de orquídeas”, también con Nicholas Cage, por cierto.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Una de las historias más originales del año, que sirve como retrato de una sociedad marcada por la publicidad, donde la fama y la cultura de la cancelación son los extremos a los que se somete un magnífico Nicholas Cage.