Cazafantasmas, Imperio helado

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Cazafantasmas, Imperio helado.
Dirección: Gil Kenan.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 115 min.
Género: Fantástico, comedia.
Interpretación: Mckenna Grace, Finn Wolfhard, Logan Kim, Celeste O'Connor, Carrie Coon, Paul Rudd, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, William Atherton.
Guion: Gil Kenan, Jason Reitman.
Producción: Jason Reitman, Jason Blumenfeld, Ivan Reitman.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Eric Steelberg.
Distribuidora: Sony Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El nuevo equipo de Cazafantasmas ha dejado Oklahoma para volver a donde empezó todo, Nueva York, y allí deberán hacer frente a una nueva amenaza que pondrá en peligro a toda la ciudad.

   LO MEJOR: De verdad que muchas veces no entiendo si es que la gente no sabe lo que va a ver o qué. La acusan de mirar demasiado al pasado y abusar del fan service. Que la culpa de lo que nos dan, de las franquicias, de la secuelitis, de los remakes y de los reboots y del fan service, la tenemos nosotros que como público respondemos en las salas de cine. Mucho más en productos meramente comerciales, como este, para los que escogen a directores corporativos. Aquí no hay ni Nolan ni Villeneuve que digan “aquí se hace lo que yo digo”, sino que se hace lo que digan los productores y nadie se mete en una película para perder dinero. Personalmente no me parece mal el fan service siempre que está al servicio de la historia y no al revés. Pero vamos, que sabiendo que la acción volvía a Nueva York como no iba a haber referencias a las películas del pasado. Sí que es verdad que la anterior película habían cambiado el tercio con un escenario radicalmente distinto y una aproximación al tono de “Stranger Things”, y ahora ha sido volver a lo mismo que había anteriormente. No obstante, la película es bastante entretenida, aunque menos divertida de lo que pretende. Lo que sí me ha sorprendido es la cantidad de elementos de terror que han incluido. Ojo, no digo miedo, es una comedia de terror pero más de lo primero que de lo segundo, hablo de mecanismos de puesta en escena del género del terror, y de eso había bastante menos en anteriores entregas.

   Interpretación: Siempre ha sido una saga de repartos muy corales pero aquí como que se les ha ido de las manos. Muchos actores pero con personajes poco o nada desarrollados. A excepción de la que claramente es la protagonista, como en la anterior, Mckenna Grace, que es el verdadero motor. En cuanto a la promesa de que iban a volver los Cazafantasmas clásicos pues solo se cumple a medias. El que más lo hace es Dan Aykroid. Ernie Hudson sale muy poco y lo de Bill Murray es poco más que un cameo. Decepcionante. Para colmo desaprovechan al personaje más gracioso, el de Kumail Nanjiani. Le podían haber dado la mitad de los minutos de Paul Ruud.

   Escena (SPOILERS!!): Vuelve “Moquete” y este probablemente sea el momento más nostálgico. Como escenas más graciosas, cuando entran en el cuarto de la abuela de Nadeen (Nanjiani) y su prueba con Venkman. Si hubieran juntado más tiempo a estos dos la cosa habría estado más divertida. Por lo demás, la secuencia de los pinchos helados es bastante potente en lo visual y el villano final es muy atractivo en su estética y en la manera de mostrárnoslo siempre, y aquí es donde entra esa puesta en escena más del terror clásico que de una comedia para todos los públicos.

   LO PEOR: Es verdad que no aporta nada nuevo y vuelve a la fórmula conocida por lo que la sensación es de ser una más. Además, tiene un claro problema de apelotonamiento del personajes. Es inferior a “Cazafantasmas, más allá”.

   REFERENCIAS: Va más a la línea de las dos películas de los ochenta que de ser más directamente predecesora y eso es lo que hace que la sensación de que ha primado el efecto nostálgico al renovador.

   CONCLUSIÓN: 6. Película entretenida pero es una vuelta a la fórmula de las películas de los ochenta, dejando atrás el intento de cambio de tercio de la entrega anterior y desaprovechando la posibilidad que tenía de variar el rumbo.

Escenas Míticas: Space Operas - Avatar, el sentido del agua

 

   Nada menos que trece años después llegaba la secuela de la que a día de hoy tras una dura pugna de reestrenos con “End Game”, sigue siendo la película más taquillera de la historia del cine, “Avatar”, una perfecta representación de lo que se llama película “evento”, no sólo en cuanto a recaudación sino a repercusión mediática más allá de lo cinematográfico.

   Algo en lo que James Cameron es un consumado experto a pesar de poseer una filmografía relativamente corta. Sin embargo, su prestigio como director está fuera de toda duda gracias a títulos como las dos primeras (y mejores) entregas de “Terminator”, “Aliens, el regreso” (rompiendo la regla de que segundas partes no son buenas), “Abbys”, “Mentiras arriesgadas” y, sobre todo, “Titanic”.

   Con la cuál no sólo igualaba a “Ben-Hur”, como película más galardonada de los Oscars, en total once, sino que además el mismo era premiado como mejor director. Sin embargo, su mayor película evento llegaría con “Avatar”. No se ha quedado demasiado atrás la secuela, colocándose la tercera del ranking de películas más taquilleras de la historia.

   Gracias a una recaudación de nada menos que 2320 millones de dólares, habiendo invertido 350 en su producción. De tal manera que de las cinco primeras películas que más han recaudado en las salas de cine, tres de ellas son de James Cameron. Parte de los beneficios son donados a organizaciones para el estudio medioambiental, por cierto.

   Tema con el que Cameron se muestra muy comprometido. Algo que se muestra muy patente en la temática de su saga “Avatar”, con un notable tono ecologista. Saga a la que se unirán otras tres entregas más. En principio, sus títulos serán: “El portador de semillas”, “El jinete de Tulkum” y “La búsqueda de Eywa”, y lo harán a finales de los años 2025, 2029 y 2031, respectivamente, aunque esto es posible que sufra alguna modificación.

   Y trece años ha esperado para poder desarrollar la tecnología, algo en lo que Cameron es siempre un pionero del cine, los efectos especiales, necesaria para llevar a cabo las capturas de movimiento en el medio acuático. Porque hay que aclarar que los actores interpretaron físicamente cada una de las escenas bajo el agua, llegando a acumular hasta 200.000 horas de inmersión.

   De hecho, Kate Winslet superó el récord de inmersión en un rodaje, ostentado hasta el momento por Tom Cruise, con seis minutos para “Misión Imposible : Nación secreta”, dejando en siete minutos y catorce segundos. Escenas submarinas que se rodaron en un tanque de agua de verdad. No en un trucaje visual como se cree.

   Desde luego, luego en postproducción todo eso lleva un tratamiento visual. Es más, visualmente la película es incluso más espectacular en lo que respecta a la imagen. En relación a esto, hay muchos detractores de este método de hacer cine en cuanto a que todo lo que vemos es en realidad una pantalla verde. Lo entiendo y hasta lo comparto pero no puedo dejar de sentirme seducido por una calidad estética muy superior a otras películas, acuáticas como, por ejemplo, “Aquaman, el reino perdido”.

   Mucho que ver tendrá que se nota que el cineasta está disfrutando con lo que está haciendo, pues aunaba aquí sus dos grandes pasiones, el cine y el océano (sobre el cual también ha realizado varios documentales), trasladando la acción de la jungla de Pandora al medio acuático en gran parte del metraje.

   Junto a Winslet, con la que Cameron volvía a trabajar tras "Titanic", recuperaban a los protagonistas de la primera parte, es decir, Sam Worthington, Sigourney Weaver, Stephen Lang y una Zoe Saldana que habría que resaltar que aparece en las tres primeras películas más taquilleras porque también lo hace en "End Game", eso si, esta vez de color verde.

   La película tuvo, como la anterior, muy buenas críticas, destacando que incluso el guion estaba más trabajado, más allá del mastodóntico espectáculo visual. Además, fue nominada a cuatro Oscars, incluido el de mejor película, los otros fueron diseño de producción, sonido y efectos especiales, que fue lo único que se llevó.

Música de Película: Dune, parte 2

 

   Con la primara parte ganó su segundo Oscar, que ya tiene narices que Hans Zimmer no lleve como cuatro cinco estatuillas, pero bueno. Y en la segunda parte me parece incluso mejor el trabajo que ha hecho, favorecido por el tono más épico de la historia en este segundo capítulo. ¿Quiere decir que podría ganar otro Oscar con ella? Poder podría, pero eso no va a pasar.

   

Tema: Main theme.

Película: Dune, parte 2.

Intérprete o compositor: Hans Zimmer.

Tema: The emperor.

Película: Dune, parte 2.

Intérprete o compositor: Hans Zimmer.

Vidas pasadas

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Vidas pasadas.
Dirección: Celine Song.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 105 min.
Género: Drama.
Interpretación: Greta Lee, yoo Teo, John Magaro, Jonica T. Gibbs, Isaac Cole Powell y Jane Yubin Kim.
Guion: Celine Song.
Producción: Pamela Koffler, Christine Vachon.
Música: Christopher Bear, Daniel Rossen.
Fotografía: Shabier Kirchner.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos amigos de la infancia se separan. Ella emigra a Canadá y él se queda en Corea. Pero más adelante tendrán ocasión de reencontrarse y poner a prueba que es lo que siguen sintiendo el uno por el otro a lo largo del tiempo.

   LO MEJOR: Se puede contar una historia sin declaraciones de amor, sin escenas de sexo, es más, sin siquiera un solo beso y a pesar de eso ser una de las mejores historias románticas de los últimos años, sustituyendo lo pasional y habitual en otras películas por lo emotivo, pero desde la sutileza, sin grandes exhibiciones de secuencias llamativas, sin shows de discusiones, todo desde lo sutil. Se puede porque Celine Song lo ha hecho y nada menos que en su debut tras las cámaras. Con una idea sencilla pero apoyada en un gran guion, donde los silencios dicen más que los diálogos, nos relatan una historia de amor a través del tiempo y también del espacio, una historia de reencuentros, donde su principal virtud es su realismo. Su ausencia de momentos “peliculeros” nos acerca la narración hasta el punto de que podríamos ser perfectamente nosotros los protagonistas. Es por ello muy fácil empatizar con los dos personajes principales. No obstante, debajo de esa capa de romanticismo (nada pasteloso, por cierto), subyace otra lectura, la de la búsqueda de los sueños, la de la priorización de cumplir las metas aún sacrificando las situaciones sentimentales, representadas en la dicotomía del personaje femenino, Nae Young/Nora, Corea/ Estados Unidos.

   Interpretación: Todo gira en torno a sus dos personajes principales, y en todo caso un tercero. En primer lugar, una gran Greta Lee que ya descubrí en la serie “The Mornig Show”, con un rol más secundario pero que iba creciendo en cada temporada haciendo frente a las estrellas de esa serie. No por menos conocido es menos valorable el trabajo de Yoo Teo. Ambos están sobresalientes. Incluso John Magaro cumple bastante bien aunque con menos relevancia.

   Escena (SPOILERS!!): Más que destacar escenas, vamos a explicar algunas incógnitas de la historia, sobre todo en relación a su final. No es casualidad que durante la película nos hablan varias veces del concepto del “inyeon”, que vendría a ser algo así como el “destino”. Según esto, los encuentros entre dos personas que están destinadas a estar juntas son solo capas hasta llegar a esa unión. Esto estaría emparentado con los encuentros y reencuentros de los dos protagonistas. El primero, de niños, esa “cita” en el parque. El segundo por videoconferencia. Y el tercero en persona. Es de esperar que en el siguiente, que ya no vemos, quizás se produzca el acercamiento definitivo. No es casualidad que los encuentros sean equidistantes en el tiempo, cada doce años. Por otro lado está la búsqueda de los sueños por parte de Nora. Ella claramente antepone su ambición profesional a la sentimental. Incluso se deshace de su nombre coreano Nae Young, por el de Nora, pues quiere enterrar esa personalidad. De hecho, en la fase de conversaciones por vídeo, en el momento que ve que quiere ir a Corea para estar con él, corta la relación. Hay otro momento, cuando su marido le comenta, ante la visita de Hae Sung a Estados Unidos, que sabe que no va a escaparse con él, y ella contesta que nunca dejaría sus ensayos. Es una broma pero deja claro cuales son las prioridades de ella. Pero también ahí hay una gradación descendente en los premios que ambiciona. Primero un Nobel, luego un Pulitzer y luego un Tony. Sigue quitando capas.

   LO PEOR: Quien vaya buscando grandes exhibiciones pasionales, espectaculares demostraciones de amor, vibrantes secuencias de cama, esta no es su película, esto va por otro camino. A algunos les parecerá que no pasa nada aunque sí pase mucho, y le desconcertará su desenlace.

   REFERENCIAS: Esa sutileza romántica de reencuentros puede recordar a “Enamorarse”, con Robert de Niro y Meryl Streep. Pero es cierto que Celine Song tiene un tono similar a Sofía Coppola en “Lost in translation”. Aunque también habría algo de "La la land”, en cuanto al sacrificio de lo sentimental en favor de lo profesional.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Celine Song debuta en la dirección con una historia de amor de sutil romanticismo, con ecos de la mejor Sofía Coppola, apoyada como ella en un muy buen guion y en la inspiración de sus dos protagonistas.

Microcríticas Express: El astronauta/Madame Web/Hypnotic

 

   Es verdad que tenía mejor pinta de lo que después realmente ha sido pero tampoco veo justificadas las malas críticas. Es una película más bien reflexiva, y no de aventuras espaciales o de terror, que se podría insinuar en el tráiler. Juega más en el terreno de “Solaris”, basándose en el libro de Jaroslav Kalfar, y ya es raro que siendo la producción estadounidense no se lo hayan llevado a casa, respetando que el protagonista sea polaco, que me ha parecido curioso. Es cierto que es lenta, no deja de centrarse en lo que es el psicoanálisis del personaje principal en lo que podría tener dos teorías, la real o la psicológica. Es decir, cabe la posibilidad que la soledad en el espacio le esté jugando una mala pasada. Eso ya que cada uno juzgue. El caso, es que por muy desagradable que me resulte su compañero de viaje, me ha parecido de lo más acertada su recreación, y brinda un par de momentos bastante emocionantes. La película tiene un buen reparto, con Carey Mulligan, Lena Olin, Isabella Rossellini y, si, Adam Sandler. Hace tiempo que dejé de pensar que era solo un actor cómico. Es más, le veo muy bien dotado en el registro dramático y aquí lo vuelve a demostrar como ya lo hizo en “Diamantes en bruto” o “Garra”. 6.

   Un amigo me dijo que si había que bajar el listón, se baja, y si había que tirarlo, se tira. Estoy completamente seguro que no se refería a películas pero yo he aplicado aquí el consejo. Porque si no, no habría habido manera. El caso es que el primer tercio de ella me resulta una película entretenida de serie B (que es lo que es, por mucho dinero que tenga). Creo que el tema de las premoniciones funciona bien y ya me empezaba a preparar para decir eso que tanto me gusta “no es tan mala como la gente dice”. Pero aproximadamente a la mitad de ella comienza una batería de decisiones de guion absurdas y sin ningún sentido. Se nota que en el libreto ha metido mano hasta el que traía los cafés al rodaje. A partir de ahí es como un tren descarrilando que tiene como colofón una secuencia final lamentable, llena de virajes de cámara que pretenden ser molones y un desastre de montaje. Es como si la directora se hubiera metido un curso intensivo de Michael Bay, solo que él, le pese a quien le pese, si sabe lo que hace, otra cosa es que guste o no. Pero está claro que S.J.Clarkson no tiene ni idea. Por cierto, un mensaje para ella, la excusa de que la película ha fracasado porque es feminista y tal, ya la utilizó Elizabeth Banks para su versión de “Los Ángeles de Charlie” ,y ya huele. Haz una buena peli y déjate de leches. En cuanto al reparto, Dakota Johnson intenta tomárselo en serio pero es que es imposible, a Sydney Sweeney la visten de colegiala tonta y Emma Roberts sale dos minutos para decir que está embarazada. Y un detalle muy importante, ni rastro de Spiderwoman. Perdón, si, unos quince segundos. Hay que tener la jeta de mármol para hacer eso. 4.

   Pues no tiene buenas críticas y sinceramente no la considero ninguna maravilla pero confieso que me ha entretenido más de lo que esperaba. Empieza como una típica película policíaca pero rápidamente te das cuenta que esto va por otro camino, el de la ciencia ficción. De hecho, con ecos de Nolan, hasta el punto que llega a copiar ciertos planos de “Origen”. No pasa nada, se lo perdono, al igual de ser tramposa como ella sola, pues no te da ni la más mínima posibilidad de adelantarte al millón de giros, uno detrás de otro, retorciendo y retorciendo la trama a más no poder, porque todos son trampa. jugando constantemente a que no sepas que es real y que una ilusión. No obstante, le compro el engaño y todos sus trucos porque tiene el ritmo tan bien medido y consigue condensar la historia en unos amenos noventa minutos que cuando me he querido dar cuenta ya había terminado. Eso si, porque sabía que era una película de Robert Rodríguez, que si no, ni me entero, y le viene ya pasando desde hace un tiempo, concretamente desde “Alita, Ángel de Combate” y creo que su paso reciente por la televisión le ha restado estilo personal. No es que esté dirigiendo mal, es que no hay rastro de autoría. Eso si, le hace un guiño muy claro a “Desperado”. Lo dicho, si, no es que sea una gran película pero al menos consigue su cometido. 6.

Escenas Míticas: Space Operas - Guardianes de la Galaxia

 

   

   La considero una de las mejores películas del MCU precisamente por no parecer que pertenece a él. Por ser más una space opera que una película de superhéroes. Por, a pesar de ser parte de los Vengadores, funcionar perfectamente de forma independiente. Y por tener un estilo propio saltándose la dictadura narrativa y estética de Kevin Feige.

   Muy pocos lo han logrado. Que Feige sea el productor de todas las películas del Universo cinematográfico de Marvel tiene aspectos positivos, el principal es la coherencia interna precisamente como universo cohesionado, algo que siempre se le ha tachado a la competencia, DC, de no tener. Por contra, lo que sí tiene y Marvel no, es personalidad de autoría.
  

  En Marvel todas las películas tienen el mismo estilo visual, parecen dirigidos por la misma persona. Quizá por eso, en principio, se buscaron directores, digamos, más corporativos, menos personales, que se ajustarán a las directrices formales de Kevin Feige. Por eso se pensó en David Yates, responsable de varias de las entregas de la saga “Harry Potter”, Brad Baird director de la saga “Los Increíbles” o Rich Moore, de “Rompe Ralph”.

   No obstante, hay excepciones, como, por ejemplo, Sam Raimi, y eso se buscaba con la elección de James Gunn, apoyado por Joss Whedon, que ejercía de asesor de Marvel, algo así como lo que era Zack Snyder para DC en esa época. Curiosamente ahora es Gunn quien ejerce de ese rol en el nuevo Universo de DC, que dará comienzo en la gran pantalla precisamente con una película dirigida por él, “Superman”, pues ya no se llamará “Superman Legacy”.

   Gunn venía de hacer una parodia con muchísimo humor negro y divertidísima del mundo de los superhéroes, “Super”. También dirigiría las dos secuelas, convirtiéndolo en trilogía, aunque por medio fuera despedido por una serie de tuits ofensivos de su pasado, lo que aprovechó para dirigir “El Escuadrón Suicida” para DC. Fue repescado, a petición del reparto para cerrar la saga y despedirse de Marvel.

   Reparto encabezado por Chris Pratt aunque para el papel de Star-Lord fueran considerados otros como Joel Edgarton, Eddie Redmayne, Zachary Levi y Joseph Gordon Levitt. Le acompañaban Zoe Saldana (esta vez de verde), Dave Bautista, Michael Rooker, Karen Gillan, Benicio del Toro y Djimon Hounsou, con cameos como el de Glenn Close, y Bradley Cooper y Vin Diesel en las voces de Rocket y Groot.

   James Gunn reescribió todo el guion, tomando como inspiración “Doce del patíbulo” y no apegándose tanto al cómic en el que hicieron su primera aparición los Guardianes de la Galaxia, allá por 1969 en la colección “Superhéroes de Marvel”, integrando el humor mucho mejor que en el resto de entregas del MCU, planteándolo directamente como una comedia.

   El resultado fue excelente, cosechando 770 millones de dólares en taquilla, habiendo invertido 200 en su producción, y convirtiéndose en la tercera película más taquillera de 2014. Las secuelas irían incluso mejor, consiguiendo 860 el Volumen 2 y 845 el volumen 3. En total unos 2400 millones, habiendo invertido 650 entre las tres.

   La película fue nominada en los aspectos visuales y a maquillaje. No era para menos, solo el trabajo de animación de la boca de Rocket, que hubo que hacer desde cero pues las técnicas de animación para rostros humanos no valían, o el baile de Baby Groot, supusieron dos años de trabajo. O el maquillaje de Drax (Bautista) que en total acumuló casi 170 horas para aplicárselo. Y el de Gamora (Saldana) anduvo cerca. Por cierto, fue la primera aparición del personaje de Thanos con Josh Brolin interpretándolo.

Beau tiene miedo

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Beau tiene miedo.
Dirección: Ari Aster.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 179 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Joaquin Phoenix, Nathan Lane, Amy Ryan, Armen Nahapetian, Parker Posey, Patti LuPone, Kylie Rogers Stephen, Henderson Zoe, Lister Jones, Hayley Squires Denis Ménochet, Julia Antonelli.
Guion: Ari Aster.
Producción: Ari Aster, Lars Knudsen.
Música: The Haxan Cloak.
Fotografía: Pawel Pogorzelski.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El viaje para llegar a casa de su madre se convertirá en toda una odisea para Beau, debe enfrentarse con todos su miedos y paranoias.

   LO MEJOR: Es de esas películas que uno duda de recomendar, no sea que luego se la echen en cara. Una de esas que hay quien que le parece una genialidad y también quien la ve como una estafa infumable. Paradójicamente es con la idea que me he debatido durante toda la película, si me estaban tomando el pelo, pero es tan diferente que, aun teniendo la tentación en varias ocasiones de mandarla a hacer puñetas, me ha creado la curiosidad suficiente como para terminarla. Y eso que supone un sobreesfuerzo muy exigente para el espectador. Un viaje de tres horazas repleto de personajes extrañísimos, con toques de surrealismo, pinceladas fantásticas y hasta de terror, y con metáforas por todas partes. Una comedia pesadillesca o una pesadilla cómica, aunque curiosamente no resulte muy divertida, al contrario, es más bien desagradable e incómoda, y eso no es casualidad. El caso es que sirve como el retrato de un hombre acomplejado tras una vida de dominio maternal, aunque también podría considerarse una representación de la enfermedad mental. En definitiva, la interpretación más reduccionista y que sería la que mejor resume toda la película que aunque por supuesto tiene lecturas más complejas, está en su título, “Beau tiene miedo”.

   Interpretación: Está tan hecha a la medida de Joaquín Phoenix que me resulta difícil pensar que se podría haber hecho sin él. Aunque podría haber sido interesante ver a Nicholas Cage en el papel. Pero vamos, que sí, que Phoenix es la película. Aunque durante la narración van desfilando un reparto bastante interesante con gente como Nathan Lane, Amy Ryan, Parker Posey, Denis Menochet o Patti LuPone, aunque solo como personajes que se ven en ese viaje.

   Escena (SPOILERS!!): Estas películas tan crípticas es mejor explicarlas que destacar escenas. Argumentalmente es una cosa bastante loca. La madre de Beau había preparado todo, contratando personas y disponiendo situaciones como trabas en el viaje de Beau de camino a casa de una madre que siempre lo ha tenido tan dominado que él se ha convertido en una persona débil, insegura y neurótica, para ponerle a prueba. Hay varias pistas, como la cámara en la casa de la mujer que le atropella, en plan “El show de Truman”. Pero a mí lo que me parece es que todo está en la cabeza del propio Beau . Todas las situaciones que se van dando representan sus miedos. El miedo a que entren en su casa, a que le secuestren, a la ausencia de un padre, al sexo, a estar en presencia de su madre. Es por eso que todo lo que le pasa está tan exagerado, es una distorsión de la realidad que termina en un supuesto juicio público, sobre cómo se comporta como hijo, que no puede soportar y finalmente termina explotando.

   LO PEOR: Ya no es que sea para todo el mundo es que es para muy pocos. Hasta a mí, que me considero un espectador muy paciente y abierto, me ha resultado por momentos, y no pocos, exasperante. Claramente le sobra metraje y bastante. Lo gracioso es que originalmente duraba cuatro horas.

   REFERENCIAS: Un Ari Aster encantado de haberse conocido, escribe y dirige pero el resultado está lejos de sus dos primeras películas, “Hereditary” y “Midsommar”. Se podría decir que está entre “Madre” de Aronofsky y alguna de David Lynch, como “Inland empire”.

   CONCLUSIÓN: 6. Cuesta decidir si es una genialidad o una estafa, si una comedia pesadillesca o una pesadilla cómica, pero es lo suficientemente extraña para crear curiosidad, aunque no es para todo el mundo, ni mucho menos.

Escenas Míticas: Space Operas - Barbarella

 

   La crítica la masacró, fue un fracaso de taquilla, tuvo mucha polémica y a pesar de ello es una película icónica, cuya estética ha influenciado a otras películas y que llevan años queriendo hacer un remake que nunca acaba de llegar. ¿Lo adivináis, no? Efectivamente, es un título de culto en toda regla. Y hoy la vamos a recordar.

   Vayamos por partes y confirmar o desmentir esos datos. ¿Fue un fracaso de taquilla? Pues recaudó solo 5’5 millones de dólares y los datos en cuanto a su presupuesto son confusos. Se estima que estuvo entre los cinco y siete millones pero lo más probable es que con los gastos de distribución se fuera hasta los nueve. Así que si, fue un fracaso comercial.

   En cuanto a la crítica, la tachó de ser un mero exhibicionismo de la actriz, Jane Fonda. Bueno, esto nadie lo puede negar ni tampoco nadie lo quería ocultar. Incluso, el director, Roger Vadim, que estaba precisamente casado con ella, reconoció que sabía que todo el mundo iba a ver la película para verla desnuda y por eso colocó la escena en la que ella hace un striptease justo al comienzo.

   Por cierto, en gravedad cero, lo cual se simuló de forma ingeniosa, colocando a la actriz en un tubo de plexiglás en el que iba revolcándose como si estuviera por el aire mientras se quitaba por piezas un traje de astronauta hasta quedarse como Dios la trajo al mundo, eso sí, con los títulos de crédito tapando ciertas partes de su anatomía.

   Y sí, es evidente que la carga sexual estaba ahí. De todas formas, a quien no la conozca, yo invitaría a echar un vistazo al cómic original en el que se basa, de Claude Forest y Claude Bruhlé, que es inequívocamente erótico. Y claro que exhibían a Jane Fonda, quien ya previamente se la consideraba una sex symbol y a la que diseñaron hasta siete atuendos propios de una gogó de discoteca, por parte de Jacques Fonterrey y Santoria Farani, asesorados por Paco Rabanne.

   Hay más referencias, la ciudad de Sogo hace alusión a Sodoma y Gomorra. Incluso hay una máquina de orgasmos que se utiliza como instrumento de tortura y que Barbarella recalienta hasta romperla. Todo ello contribuyó a que el personaje se convirtiera en un icono de la liberación sexual femenina por unos y de la sexualización de la mujer por otros.

   En su defensa tengo que decir, al revisionarla esta vez me ha parecido mucho más divertida de lo que recordaba. Si, hay gran carga sexual pero siempre desde un tono desenfadado e incluso sarcástico. Además, el diseño de producción es alucinante, muy original e imaginativo. Sí, todo es un set de rodaje pero los decorados tienen mucho trabajo creativo. Fue el primer héroe de cómic, heroína en este caso, de ciencia ficción que se llevaba al cine.

   Antes de Jane Fonda se consideraron otras opciones, como Virna Lisi, Brigitte Bardot (la favorita) y Sofía Loren. Finalmente, Roger Vadim (conocido por películas como “Y Dios creo a la mujer” o Historias extraordinarias”) convenció a su esposa para dar vida al personaje. Del que renegó inicialmente tras el estreno pero que con el tiempo ha vuelto a cogerle cariño asistiendo al reestrenos de la película y homenajes.

   Algunas curiosidades. Se eliminó una escena lésbica con la modelo Anita Pallenberg. El reparto lo completaba John Phillip Lawe, David Hemmings, Ugo Tognazi y Milo O’ Shea, quien interpretaba el villano Durand Durand, que efectivamente fue tomado como nombre por el famoso grupo musical.

 

   Tras el estreno de "Planet Terror", Robert Rodríguez declaró tener intención de realizar un remake de "Barbarella", precisamente con la protagonista de esa película, Rose McGowan, pero no llegó a hacerse. El año pasado volvió a hablarse de la posibilidad de un remake, esta vez con Edgar Wright tras las cámaras y Sydney Sweeney (no podría ser más acertada) delante de ellas, como la heroína galáctica.

Oscars 2024

 

    No me puedo resistir a decirlo porque no puede ser más idónea la expresión teniendo en cuenta la temática de la película, pero si, "Oppenheimer" ha arrasado con siete Oscar, la mayoría en las categorías denominadas importantes, por los cuatro de "Pobres criaturas". Sin duda, no por esperable es menos derrota, la gran perdedora ha sido "Los asesinos de la luna", que se ha ido de vacío. Porque lo de "Barbie", por mucho que me gustara, me pareciera divertida y estuviera de acuerdo con su mensaje, honestamente, no estaba al nivel de los monstruos con los que competía.

- MEJOR PELÍCULA: «Oppenheimer»

- MEJOR ACTOR: Cillian Murphy, «Oppenheimer»

- MEJOR ACTRIZ: Emma Stone, «Pobres criaturas»

- MEJOR DIRECTOR: Christopher Nolan, «Oppenheimer»

- MEJOR ACTOR DE REPARTO: Robert Downey Jr., «Oppenheimer»

- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Da'Vine Joy Randolph, «Los que se quedan»

- MEJOR GUIÓN ADAPTADO: «American Fiction»

- MEJOR GUIÓN ORIGINAL: «Anatomía de una caída»

- MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: «El niño y la garza»

- MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: «War Is Over! Inspired by the Music of John and Yoko»

- MEJOR LARGOMETRAJE INTERNACIONAL: «Zona de interés», Reino Unido

- MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL: «20 días en Mariúpol»

- MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: «La última tienda de reparaciones»

- MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: «Oppenheimer»

- MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: «What Was I Made For?», «Barbie»

- MEJOR SONIDO: «Zona de interés»

- MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: «Pobres criaturas»

- MEJOR CORTOMETRAJE DE ACCIÓN REAL: «La maravillosa historia de Henry Sugar»

- MEJOR FOTOGRAFÍA: «Oppenheimer»

- MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: «Pobres criaturas»

- MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: «Pobres criaturas»

- MEJORES EFECTOS VISUALES: «Godzilla Minus One»

- MEJOR MONTAJE: «Oppenheimer»

   Lo siento por sus haters pero por fin se ha hecho justicia y se ha reconocido a uno de los mejores directores del panorama cinematográfico actual, tras varias nominaciones, dejar de lado películas como "El Caballero oscuro" o "Interstellar", e ignorarle con "Dunkerque". Christopher Nolan ha hecho una película de tal calibre que ni los miembros de la Academia de Hollywood han podio obviar, denostado hasta el momento por cometer el pecado de hacer películas que ganan mucho dinero.

    Los premios en las interpretaciones han caído de forma bastante previsible. Uno de los más deseados claramente era el de Cillian Murphy, aunque yo personalmente no tenía dudas al respecto. El de un Robert Downey Jr. que ha reconocido que era él el que necesitaba este papel y no el papel a él, así que le puede, y así ha hecho, dar las gracias a Nolan. Y el de la debutante en estas lides, Da'vine Roy Randolph.

   No estaba tan claro el de mejor actriz principal. Muchos daban como favorita a Lily Gladstone y su condición de ser la primera mujer india en ser nominada y el que Emma Stone ya contara con una estatuilla siendo todavía muy joven, podían jugar a favor de ella. Más la campaña de promoción desde la propia película de Martin Scorsese totalmente volcada hacia ella. Desde luego, si la cosa hubiera estado igualada se habría decantado de parte de Gladstone. Pero es que no lo estaba, a pesar de hacer una fantástica interpretación, lo de la Stone era otro nivel y eso ha pesado más.

   Los mejores momentos han corrido de la cuenta de un John Cena desnudo, haciendo referencia al espontáneo del año de David Niven, de la reunión de los "gemelos", Arnold Schwarzenegger y Dany DeVito, aunque como villanos de Batman, ante la mirada totalmente metido en el personaje de Michael Keaton, y desde luego, el chiste del presentador Jimmy Kimmel, brillante de nuevo, sobre Trump.

Dune, parte 2

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Dune, parte 2
Dirección: Denis Villeneuve.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 166 min.
Género: Ciencia ficción, aventuras, acción.
Interpretación: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Zendaya, Javier Bardem, Dave Bautista, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Stephen McKinley Henderson, Florence Pugh, Léa Seydoux, Austin Butler, Tim Blake Nelson, Christopher Walken.
Guion: Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novela: Frank Herbert.
Producción: Mary Parent, Cale Boyter, Patrick McCormick, Denis Villeneuve, Tanya Lapointe.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Greig Fraser.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Paul Atreides se une a los Fremen junto a su madre, convirtiéndose en uno de ellos, intentando huir del destino que algunos pronostican para él, que sea el elegido, el líder de una guerra santa que libere el planeta de Arrakis.

   LO MEJOR: No la necesitaba pero supone la ya reconfirmación de Denis Villeneuve como uno de los dos mejores directores, junto a Christopher Nolan, en el género de la ciencia ficción actual. Lo digo mientras sigo pensando que su mejor película en este ámbito es “La llegada” pero valorando enormemente como ha solventado lidiar con encrucijadas tan potentes como hacer la secuela de un clásico obra maestra del género como “Blade Runner” y la adaptación de una obra literaria mucho más compleja de lo que la mayoría considera como la escrita por Frank Herbert. Porque “Dune” no solo es una novela de ciencia ficción y aventuras sino que intervienen con mucha influencia las temáticas políticas y religiosas. Y eso lo maneja el cineasta canadiense de maravilla, mejor, si cabe, en esta segunda parte. Hay que dejar claro que esta no es una secuela sino la segunda parte de un todo. Es decir, es una película en dos partes que ahora está completa y que suponía una reinterpretación del libro y no un remake de la versión de David Lynch, con la que voy a eludir las comparaciones porque primeramente sería injusto, por las condiciones que rondaron a aquella, y segundo, porque la diferencia de calidad, y no solo técnica, es tan abismal que no merecería la pena. Villeneuve, es de los muy pocos directores, de nuevo junto a Nolan, que es capaz de manejar mastodónticos proyectos sin perder un ápice de autoría, capaz de combinar el espectáculo épico con la narración intimista sin olvidar el enorme trabajo de guion que ha supuesto adaptar “Dune”. En conjunto y bajo la omnipresente y poderosísima banda sonora de Hans Zimmer, la colocan como una de las mejores space operas de la historia del cine.

   Interpretación: El reparto es un animalada y, si acaso, con tantos buenos actores lo que se corría el peligro es de no poder darles el suficiente espacio. Timothee Chalamet se confirma como una excelente elección como Paul Atreides. Y Zendaya como una muy buena actriz. No una cantante o estrella, una actriz, en todo lo que significa esa palabra. Se confirma que Rebecca Ferguson es un bicho cinematográfico que se come a quien le pongan en pantalla y Javier Bardem que lidia con lo que le den. Que Austin Butler le ha hecho justicia al personaje de Feyd Rautha, dando verdadero miedo. Y que las breves incorporaciones de Lea Seydon, Florence Pugh y, sobre todo, Anya Taylor-Joy son semillas para desarrollar en un futuro.

   Escena (SPOILERS!!): Madre mía como rueda Villeneuve las escenas de acción, como los ataques a las cosechadoras de los Harkonnen, la cabalgada del gusano por Paul Atreides, el combate en el “coliseo” de Feyd Rautha, su duelo cuerpo a cuerpo con él precisamente, o el ataque de los gusanos a Arrakeen en la ofensiva final. Pero ojo a la épica de secuencias menos obvias, como cuando aparece Paul, tras beber el “agua de la vida” ya como elegido y líder, en ese discurso de los que levantan del asiento. Respecto al final de Chani, hay dos interpretaciones posibles. Podría simplemente estar cogiendo un gusano para que la aleje de allí y volver a su mundo o podría ser un suicidio, al perder a Paul. Lo veremos.

   LO PEOR: Quizá no esté tan apegada al texto original como si estaba en la primera parte. No obstante, hay que considerar que esto de la fidelidad sólo les sirve a los que han leído el material del que parte, por lo tanto, es secundario. Y aún así, es una muy buena adaptación.

   REFERENCIAS: “Star Wars”, “Matrix”, “Stargate”, “El guinto elemento”, “Juego de tronos”, parece que beba de todas ellas, sin embargo, es completamente al revés, todas bebieron de la novela de Herbert. Respecto al futuro, efectivamente todo indica que esto no ha terminado y en el horizonte podría estar “El mesias de Dune”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Villeneuve se reconfirma como uno de los "elegidos" del género de la ciencia ficción, completando el viaje de una de las mejores space operas que se hayan hecho, aunque esto parece que todavía no ha terminado.