domingo, 27 de octubre de 2024
Parpadea dos veces
FICHA
TÉCNICA
Título:
Parpadea
dos veces.
CRÍTICA
SINOPSIS: Una
camarera conoce a un magnate de la tecnología en una gala benéfica.
Allí la invita a pasar unas vacaciones en su isla privada junto a
unos amigos. En principio todo va de maravilla, pero con el paso de
los días empieza a sospechar que algo va mal.
LO MEJOR: Quién
diría que este es el debut tras la cámara de alguien que no había
dirigido ni siquiera un corto, un anuncio publicitario o un
videoclip, en su vida. Sobre todo si atendemos a su atrevimiento visual y su
capacidad en cuanto a la puesta en escena. Vaya desparpajo que tiene
Zoe Kravitz con la cámara y vaya brío con el montaje. Porque
sabemos que los directores se tiran la mitad del tiempo rodando y la
otra en la sala de montaje. Para colmo, la Kravitz es también
productora y coguionista. Se puede decir que este producto es muy
suyo. Una propuesta con clara influencia del cine de Jordan Peele,
sólo cambiando el racismo por el movimiento Metoo. Porque sirve como
alegato contra los depredadores sexuales pero también con el abuso
de poder. Incluso hace alusión a cierto magnate y sus “fiestas”.
La película juega más en el terreno del thriller pero también
tienen nociones del género de terror (el psicológico) y la comedia
negra. Sobre todo maneja bien la intriga, dispersando pistas a
lo largo de toda la narración. De tal manera que el espectador
intuye, sospecha e incluso llega a ser consciente de lo que pasa, o
de lo que va a pasar. Porque ahí está la cuestión, lo que no sabes
es como ni cuándo ocurre, y ahí radica el principal interés de la
trama, en cómo van a ir descubriéndose las cartas. Pues para
empezar, Zoe Kravitz, no ha estado nada mal.
Interpretación: No
es que fuera muy conocida antes de dar vida a Whitney Houston en su
biopic correspondiente pero después de ver cómo se metía en la
piel de la mítica cantante, su talento ya no es una sorpresa total.
Parece que le empiezan a llover proyectos. Aunque para sorpresa la de
Channing Tatum como un villano de lo más encantador (nunca mejor
dicho). Además, en el capítulo de secundarios hay bastantes caras
conocidas, como la de Christian Slater, Geena Davis, Adria Arjona,
Kyle MacLachlan o Hayley Joel Osment (si, el niño de “El sexto
sentido” bastante más crecido).
Escenas (SPOILERS!!): El
guion disemina pistas a lo largo de los dos primeros tercios de
película, en cuanto a que ahí está pasando algo raro. La mancha del
vestido que desaparece, la tierra en las uñas por las mañanas, el
recuerdo de todas las mujeres corriendo sin saber por qué, el
mechero que nunca saben quién lo tiene. Además, la del conejo rojo
y la cicatriz en la sien, que indican que la protagonista ya había
estado en la isla antes. La explicación es que todas ellas eran
drogadas cada noche para que olvidaran todo lo que los hombres les habían hecho y al día siguiente estuvieran como si nada. La droga
proviene de una planta autóctona cuyo antídoto, curiosamente, es el
veneno de una serpiente, también de la zona, lo que explica por qué
la obsesión de eliminarlas durante toda la película. Ese veneno
hace que vuelvan a recordar. Ahí Zoe Kravitz nos introduce unos
sutiles flashbacks donde en pocos planos nos cuenta como ellas han
sido violadas todas las noches de su estancia. No tan sutiles son las
escenas de venganza de las víctimas que terminan en una masacre de unos
y otros. En cuanto
al final, Frida (Ackie), le da de su propia medicina a Slater
(Tatum), drogándolo a diario para apropiarse de su empresa y tenerle
como un títere.
LO PEOR: Que
demuestre una sorprendente soltura para ser una novel no significa
que en determinadas situaciones no se note su inmadurez
cinematográfica. Como en la forma de exponer los giros del tercer
acto. Más evidente es, aunque esto más en cuanto al guion, en el
epílogo, es tan rebuscado como poco creíble aunque esté simpático.
REFERENCIAS: He
mencionado a Jordan Peele y si la ves a nadie se le escapará que me
refiero a “Déjame salir”. Pero también tiene toques del cine de
Night Shyamalan. Juega en la misma liga que títulos como “El menú”
(la de Anya Taylor-Joy) o “Antebellum”.
viernes, 25 de octubre de 2024
Microcríticas Express: El misterio de Salem's Lot/Los horrores de Caddo Lake/Nefarious
A
ver si alguien me puede decir el nombre y apellidos del que dijo que
esto sería lo mejor en terror del año. Es por explicarle unas
cosillas. No es que me lo creyera tampoco pero considerando el buen
material de inicio con el que contaba, una de las mejores novelas de
Stephen King, al menos una de mis favoritas, con los medios de ahora
y todo el cacareo alrededor de esta versión, hombre, pues esperaba
algo un poco "apañao". Esto es un excelente ejemplo de porque es más
importante mantener la esencia del original que el ser fiel a todos
sus elementos. Es lo que ha pasado aquí, han marcado con una cruz
todas las escenas que tenían que salir por narices en la película,
pero como se iba de madre pues prácticamente, para ajustar el
metraje, no han puesto nada entre ellas. Porque Gary Dauberman, el
director de la flamante “Annabelle vuelve a casa”, no ha
desarrollado los personajes, la base de la historia, nada en
absoluto. Hay algunos que salen un par de veces, dicen un par de
cosas, y en la siguiente escena mueren. No te da tiempo a que te
importen lo más mínimo. Una película de terror puede fallar en
muchas cosas; en las interpretaciones, en los efectos especiales,
incluso en el guion. Pero lo que no puede, es ser aburrida. Y
esto es un aburrimiento del tamaño de todo el estado de Maine
querido de Stephen King. Lo único que se salva es la ambientación y
la masacre final. Son, pero mucho mejores, las versiones de las
miniseries anteriores, especialmente la de Tobe Hopper de 1979. Por
cierto, que
alguien me confirme que el vampiro chungo del final es Marilyn
Manson. 5.
¿Porqué en España han añadido “Los horrores de” al título original,
“Caddo Lake”? Pues es un misterio cuya respuesta solo sabe el que
haya tomado la decisión. Porque la película no tiene ningún
componente de terror. Esto lo aclaro para que no lleve a nadie a
confusión, como podría ser bastante probable. No, la película se
mueve más en el terreno de la ciencia ficción y el fantástico,
aunque inicialmente comience como un drama rural, pues tarda un poco
en arrancar. De hecho, puede gustar a los amantes de la serie “Dark”,
porque juega a base de bien con el tema de las paradojas temporales,
pero esta sin hacerse trampas al solitario. Lo cual no la exime de
tener un tramo bastante caótico argumentalmente aunque se aclara y
queda bien cerrado, no hace falta que te incluyan
unos
minutos
finales de explicación. Está bastante bien resuelta y todo enlaza
correctamente en su último tramo. Dos historias que se unen en una,
haciendo funcionar de forma muy efectiva el montaje en paralelo y que
por el camino tienen una buena ración de giros, y como
centro neurálgico el escenario de un peculiar lago que, adivinadlo,
por supuesto, es un personaje más. Aunque a los principales los
interpretan y muy bien, incluso sorprendentemente, Dylan O’Brien y
Eliza Scalen, especialmente esta última. Produce Night Shyamalan, se
nota cierto toque, y la temática va en su línea, pero el estilo de
dirección no tiene nada que ver con el suyo, aunque la pareja de
directores, Logan George y Celine Heard, estuvieran bajo su tutela en
la serie “Servant”. 6’5.
La
premisa no puede ser más sencilla. Básicamente es una conversación
entre un psicólogo y un reo condenado a muerte que afirma ser un
demonio, por la cual, debe decidir si el tipo en cuestión es apto
para la ejecución o realmente está enfermo. Podría haber jugado
con la duda de si todo es un tema psicológico o sobrenatural pero
eso no llega ni a plantearse, lo cual considero un error, porque en
la primera escena eso ya queda despejado, por lo cual resta interés
al relato del recluso. No obstante, aún así me ha resultado
bastante entretenida, porque el diálogo entre los dos personajes si
resulta interesante. Además, potencia el efecto claustrofóbico,
desarrollando toda la trama prácticamente en un único escenario. Es
verdad que hay algunas frases, algún que otro dilema ético, que
recuerda a la injustamente poco valorada “Fallen”, pero más allá de eso toma su propio camino. Y lo cierto es que me ha mantenido
enganchado hasta el final, con una tensión que va in crescendo
gradualmente y una resolución final curiosa, aunque he de decir que
no me ha sorprendido del todo. En el capítulo interpretativo, Sean
Patrick Flanery, el de “Powder” y Los elegidos”, exhibe un
repertorio de tics, en ocasiones, exageradamente forzados, pero en
general está bastante correcto y, en definitiva, es su duelo con
Jordan Belfi, lo que mantiene la historia en pie. No tiene buenas
críticas pero me parece una película mejor de lo que la califican.
6
martes, 22 de octubre de 2024
Escenas Míticas: Maldiciones encadenadas - Destino final
Con esta película se iniciaba la que personalmente considero una de las sagas más divertidas de terror de este siglo. Quizá no sean grandes películas, que cuenten con el beneplácito de la crítica profesional pero es innegable que al público le gustan y mucho, como confirman los 663 millones de dólares que han recaudado las cinco películas estrenadas hasta ahora, es decir, una media de más de 100 millones por entrega.
Películas que contaron con presupuestos bastante ajustados, como el de esta, de solo 23 millones de dólares, perfectamente rentabilizados con una recaudación de 112 en taquilla, lo que supuso toda una sorpresa en su día el éxito que tuvo. Porque simplemente venía a aprovechar el de “Scream” primero, y otras que repetían esa fórmula como “Sé lo que hiciste es el último verano” o “Leyenda urbana”.
Muchos dirán que aquellas eran todas slasher. Bueno, y esta también. Solo que aquí el asesino es invisible, es la propia Muerte. De hecho, inicialmente se pensó en la idea de que fuera un enviado de ella como la personificación de esta, que fuera asesinando una detrás de otra a las víctimas, repitiendo el esquema de esos slasher mencionados.
Pero esa idea se descartó considerando que sería más interesante que todas las muertes fueran accidentes enmascarados. De hecho, todas las películas se empiezan con un accidente múltiple cuyos supervivientes pasan a ser el objetivo de la Muerte. No es descabellado ver esta saga en listas de películas de catástrofes, porque todas sus entregas contienen una de grandes dimensiones.
La primera era la explosión de un avión en el aire, la segunda, un accidente en cadena de tráfico, en la tercera, una montaña rusa, en la cuarta, un accidente en el circuito de una carrera de coches y en la quinta, la caída de un puente. Por cierto, en elaboradas, muy sangrientas (incluso tirando de gore) y muy bien rodadas las secuencias.
En todas ellas uno de los personajes tiene una premonición del accidente, el cual evita que varios de los otros personajes sobrevivan y eludan el plan de la Muerte, la cual pasará a perseguirlos para acabar con ellos en originales, truculentos y muy imaginativas formas “accidentales” de morir. Hasta el punto que muchos parecen sacados, y no descarto que alguno se inspire, del programa “1000 maneras de morir”.
Por cierto, premonición que siempre se inicia con un primer plano de la pupila del protagonista. En todas menos en esta, curiosamente. Empezó en la segunda parte. A pesar de dicha premonición, la cual no se explica por qué se produce en ninguna de las entregas de la saga, da paso a una especie de “Profecía”, porque estoy seguro que la idea de la inevitabilidad de las muertes también aparentemente accidentales de la película de Richard Donner, fue inspiración para esta.
Aunque la película no reconocía ninguna referencia, hay que resaltar algunas películas previas que tenían tramas como poco parecidas. A parte de aprovechar no solo el tirón de los slasher mencionados, lo hacía de películas desarrolladas recientes en aviones, como “Con Air” o “Air Force One”, aunque en esta el avión solo sea escenario de una secuencia de la película. De hecho, sus creadores pretendían recrear el efecto que produjo “Tiburón” en los bañistas, a los que viajaban en avión.
Además, la película “Sole survivor”(1984) tenía una premisa parecida. La cual también podría inspirarse en “El carnaval de las almas”(1962). Y justo un año antes un episodio de la serie clásica “La dimensión desconocida”, uno titulado “Veintidós”, tenía también cierta semejanzas argumentales.
Sin embargo, muchos pensaron que la inspiración procedía de un accidente real, el del Vuelo 88 de la TWA, sobre un Boing 747 que se partió en dos en el aire. Pero eso ocurrió en 1996, y el guion estaba escrito en 1994, para la serie “Expediente X”. De hecho, el director, James Wong, era uno de los directores recurrentes de dicha serie.
El
reparto estaba formado por actores que después si han gozado de
cierta fama pero que entonces no lo eran tanto. Como Devon Sawa, que
venía de “El diablo metió la mano”, Ali Larter (la única que
repitió en la segunda película), o Sean William Scott (que venía
de “American Pie”. Si contaba con un veterano del género, Tony Todd (“Candyman”). Por cierto, Mary Elizabeth Winstead salió
precisamente de esta saga, concretamente de “Destino final 3”.
Los nombres de los personajes hacían referencia a directores y
actores clásicos del terror como Alfred Hitchcock, Todd Browning,
Lon Chaney, Max Schreck o Friedrich Murnau.
domingo, 20 de octubre de 2024
Smile 2
FICHA
TÉCNICA
Título:
Smile
2.
Dirección:
Parker
Finn.
País:
Estados
Unidos.
Año:
2024.
Duración:
127
min.
Género:
Terror,
thriller.
Interpretación:
Kyle
Gallner, Rosemarie DeWitt, Dylan Gelula, Naomi Scott, Raúl Castillo,
Lukas Gage, Ray Nicholson, Peter Jacobson, Miles Gutierrez-Riley.
Guion:
Parker
Finn.
Producción:
Wyck
Godfrey, Robert Salerno.
Música:
Cristobal
Tapia de Veer.
Fotografía:
Charlie
Sarrof.
Distribuidora:
Paramount
Pictures.
CRÍTICA
SINOPSIS: Tras
superar un periodo de crisis, una estrella de la música, Skye Riley,
se dispone a iniciar una gira mundial. Después de presenciar la
muerte de un conocido, empiezan a sucederle una serie de situaciones muy
extrañas que amenazan con volver a poner su salud mental patas
arriba.
LO MEJOR: Mucho
más que digna secuela, ya podrían aprender muchos a hacer secuelas
con este resultado, sobre todo en este género. Porque si no llega al
nivel de la primera, se le queda muy cerca y porque aquella contaba
con el efecto sorpresa. No obstante, esta segunda parte mejora en
varios aspectos a señalar. En general es una película más grande.
Algo así como lo que hizo Sam Raimi con “Terroríficamente
muertos” tras “Posesión infernal”, la misma película pero con
más dinero. Porque si bien cambia de personajes y, por lo tanto, de
protagonista, viene a ser básicamente lo mismo que proponía la
primera. Ahora eso sí, incorporando algunos elementos nuevos. Se ha
destacado que cuenta con más presupuesto, pero en realidad solo son
diez millones de dólares más que la anterior, que nadie se piense
que la inversión se ha doblado o triplicado. Lo que le da más
mérito a lo bien que se ha rentabilizado el dinero en cuanto a
diseño de producción, escenarios, efectos especiales, etc. Pero no
es la única evolución. Una de las principales virtudes de la
primera película era el talento en la puesta en escena de su
director, Parker Finn. Pues aquí se confirma que este cineasta tiene
un potencial enorme a la hora de componer set pieces de terror.
Su puesta en escena se ha estilizado aún más, es más elaborada,
sigue teniendo muy buenas ideas en el terreno visual. Recordemos, que
la película predecesora era su opera prima, debutaba con ella y lo
hizo con nota. Habrá que seguirle los pasos. Además, se corta aún
menos con la sangre y el gore. De tal manera que quizá no sea la
mejor película del género de terror del año pero sí la más
terrorífica, es decir, como su antecesora.
Interpretación: No
es que sea una desconocida ni mucho menos pero hasta ahora no me
había llamado la atención en absoluto Naomi Scott. Pero es que aquí
esta tremenda. Mejor que Sosie Bacon en la primera y cuya aportación
ya destaqué como muy buena. Naomi Scott va apropiándose
de la película escena a escena, desplegando su potencial expresivo
en los momentos de explosión de ida de su personaje. Ojo a la breve
intervención de Ray Nicholson, el hijo de Jack Nicholson.
Escenas (SPOILERS!!): El
prólogo con el que arranca la película, que engancha argumentalmente con la primera parte, es sencillamente espectacular.
No me entra en la cabeza que no sea un plano secuencia trucado porque
si no, es una burrada a nivel técnico. Lo es aunque no sea un plano
secuencia verdadero. Pero es que Parker Finn exhibe su talento visual
en varias sesiones de gran nivel, como el brutal suicidio del
traficante, el asesinato de la madre o la de los fans en su piso.
Aunque las de las canciones me parecen un poco metidas con calzador.
No obstante, vayamos al final. Con todo lo explícitas que son todas
esas escenas, resulta que el suicidio final, el de ella, no lo vemos,
lo hacemos a través de las reacciones de los fans que acuden al
concierto, con sus expresiones de terror. Ahora bien, ¿Qué pasa
entonces? Pues que acaba de transmitir la
maldición, de una sola vez, a todos esos aficionados del público.
Si hicieran otra secuela puede ser una locura.
LO PEOR: Se
le va la mano a Parker Finn con el metraje. Si la primera estaba casi
en las dos horas, algo excesivo para esta clase de películas, esta
las supera. Y no era necesario. Además, abusa de los sustos con subida de volumen. Y tampoco era necesario, su puesta en escena es lo
suficientemente buena para no tirar de un truco tan barato. Y quien
vaya esperando que la película de respuestas a incógnitas que se
plantearon anteriormente que se vaya despidiendo.
REFERENCIAS: Como
la primera, bebe de las mismas películas sobre “maldiciones
encadenadas”, “The ring”, “It follows” y “Destino final”.
CONCLUSIÓN: 7. Ofrece lo mismo que la anterior película pero con más recursos. Es más grande, más sangrienta y tiene más gore. La puesta en escena de Parker Finn, que ya era buena, se ha estilizado. Y cuenta con una Naomi Scott inspiradísima.
sábado, 19 de octubre de 2024
Microcríticas Express: The Bear T3/Cocina con química
Vaya
por delante que sigue teniendo un nivelón y que precisamente por eso
quizá el listón se lo pongo más alto, porque considero que esta
serie está entre las mejores que hay actualmente. Y en base a ello
esta tercera temporada me ha bajado un poco. Teniendo en cuenta que
es un producto que arriesga mucho en cuanto a su forma de narrar la
historia, me da que todo ese reconocimiento, todos esos premios, les
ha dado más seguridad en experimentar diferentes formatos de
narración. En esta temporada han tirado más por la profundización
individual de los personajes y eso lo han hecho de forma excepcional.
Los conocemos más y mejor, y eso es bueno. Pero . . . a costa de
frenar la trama colectiva, que prácticamente no avanza nada, lo cual
también se ha visto afectado en el ritmo. Lo que antes era pura acción
(si, aunque sea sobre la forma de llevar un restaurante), hasta el
punto de llegar a ser agotadora para el espectador en cuanto a la
tensión continuada que exhibían, se ha vuelto lenta, muy reflexiva,
más cercana al drama pausado. Paradójicamente, se ha alejado de la
cocina, apenas hay escenas de ver el restaurante en marcha, que
personalmente era lo que más me gustaba. Ojo, sigue teniendo
episodios de una calidad brutal, aprovechando maravillosamente a los
actores invitados recurrentes. Los de Jon Bernthal y el de Jamie Lee
Curtis son buenísimos, pero también es cierto que otros se me han
atragantado, y eso no me había pasado antes. Y para colmo han dejado
la temporada a la mitad. Tengo la sensación de que son muy
autoconscientes de lo buena que es la serie y quizá se han apartado
del camino aunque esto puede ser circunstancial. 7.
Tiene
narices que cuando se menciona a Brie Larson, se haga referencia
constantemente a su papel en Marvel, lo cual confirma que a los
intérpretes que pasan por allí no les viene bien en absoluto a
nivel profesional, si a su cuenta bancaria. Porque esta chica es muy
buena actriz, no una virtuosa, pero si con talento cuando tiene un
papel para sacarle partido, como fue el caso de “La habitación”
y como es este caso. Hay que dejar claro, porque inicialmente puede
llevar a confusión, que la historia no se basa en una real. El libro
que adapta, que en realidad se titula “Lecciones de química”, de
Bonnie Garmus, se inspira en alguna mujeres que contribuyeron a la
igualdad de oportunidades profesionales y de educación pero no en
ninguna en particular. Es decir, Elizabeth Zott no existió. Aunque
hubiera estado bien. Si parece ser que la escritora se basó en
varias de sus experiencias personales, lo cual quiere decir que en
cierto modo, hay un sentido autobiográfico. Hasta el punto de que,
como pasa en la serie, tuvo oposición masculina para la propia
publicación de la novela. Esa frustración y posterior lucha por
conseguirlo se traslada a su personaje principal, que no deja de ser
un elemento reivindicativo para mostrar el machismo que bloqueaba
profesionalmente a la mujeres en los años cincuenta. La miniserie
funciona en ese aspecto y también en su fase de romance, contando
con la excelente “química” de Lewis Pullman con Brie Larson,
pero no es su única virtud. El guion es muy bueno, lleno de diálogos
brillantes, y no es para nada lineal. Uno de sus aciertos es cambiar
el enfoque y el ángulo desde el que nos cuentan cada episodio,
bastante originalmente en varias ocasiones. 7’5.
martes, 15 de octubre de 2024
Escenas Míticas: Maldiciones encadenadas - Smile
Esta semana se estrena la secuela, “Smile 2”, cambiando prácticamente la totalidad del reparto, quien haya visto esta ya entenderá porque, pero con el mismo director, Parker Finn, que vuelve a ponerse tras la cámara y también, de nuevo, tras las líneas del guion, lo que da más garantía de que esta segunda parte pueda ser también interesante, porque uno de los aciertos de la primera fue precisamente su puesta en escena.
Porque esta “Smile” fue calificada como la película más terrorífica de 2022, y es algo con lo que, sin que sirva de precedente, estoy de acuerdo. Por lo tanto, tuvo muy buenas críticas y además fue un absoluto éxito de taquilla, lo cual provocó que inevitablemente se pusiera en marcha una secuela. Porque fue un excelente negocio. Costó 17 millones de dólares y recaudó 213 en salas, ahí es nada.
Y eso que curiosamente inicialmente iba directa plataformas, concretamente a través de Paramount+. Fueron las buenas reacciones del público en varios pases de prueba, lo que se conoce como “test screen”, lo que convenció a los productores de estrenarla en cines. Evidentemente, ese debate no ha existido con “Smile 2”.
“Smile” suponía el debut en el largometraje de Parker Finn, que hasta la fecha tan solo había dirigido dos cortos. El segundo de ellos, “Laura hasn’t step” (Laura no ha dormido) sirve como base (o inicio) para “Smile”, en él se inspira. Precisamente, la protagonista del corto, Cailin Stasey, sale en la película en un rol parecido, es la primera víctima que vemos.
A la cual acompañaba un reparto exento de estrellas, cuyos integrantes eran más habituales de la televisión que del cine y ni siquiera como protagonistas. Como los casos de Sosie Bacon (“Por trece razones”), Jessie T. Usher (“The Boys”) o Kal Penny (“House”). El único de los principales que no lo hace, Kyle Hallner, es precisamente el que repite en la secuela.
La película encaja perfectamente en este tipo de historias sobre maldiciones encadenadas. En este caso, se contagia cuando alguien presencia a una persona con una extraña sonrisa diabólica previamente a su suicidio. A partir de ahí, la maldición pasa a él. La idea partía de la premisa de que las personas que sonríen durante mucho tiempo de forma continua resultan espeluznantes. Por cierto, los efectos para reproducirlas son mayormente artesanales, a pesar de que se manejó la idea de retocar las imágenes digitalmente.
De todos modos, más allá de la premisa inicial, la película tiene un subtexto más profundo. Primero sobre los enfermos mentales, sobre todo aquellos que tienen alucinaciones pero que para ellos son muy reales. Una de las teorías que maneja la película durante parte de la historia, la explicación psicológica, que de no ser por el final, podría ser perfectamente plausible. De hecho, uno de los mensajes es que el trauma y el dolor por este son capaces de por sí de destruir a alguien, sin necesidad de la colaboración de ningún efecto paranormal.
Contó con una campaña muy efectiva, qué consistía en mandar a actores a diversos actos públicos, como partidos de béisbol, y permanecer todo el tiempo sonriendo como en la película, lo que hacía que las cámaras se fijaran en ellos, por el efecto que producían en los que tenían alrededor.
La película encantó a Stephen King, lo cual no es tan fácil que se produzca. No sabemos si tiene que ver que tenga un desenlace similar al de una película que adaptaba una novela suya, "1408". Según Parker Finn, se inspira en películas como “La semilla del diablo” o “La escalera de Jacob”.
domingo, 13 de octubre de 2024
La sustancia
FICHA
TÉCNICA
Título:
La
sustancia.
Dirección:
Coralie
Fargeat.
País:
Reino
Unido.
Año:
2024.
Duración:
140
min.
Género:
Ciencia
ficción, terror.
Interpretación:
Demi
Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Hugo Diego Garcia, Joseph
Balderrama, Oscar Lesage, Alexandra Barton, Oscar Salem, Gore Abrams,
Tiffany Hofstetter.
Música:
Thomas
Newman
Guion:
Coralie
Fargeat.
Producción:
Coralie
Fargeat, Tim Bevan, Eric Fellner.
Música:
Raffertie.
Fotografía:
Benjamin
Kracun.
Distribuidora:
MUBI.
CRÍTICA
SINOPSIS: Una
estrella de la televisión, tras ser cancelada de su programa por ser
demasiado mayor, decide recurrir a un producto que promete cambiarle
la vida. Pero hay que seguir unas reglas y si no se respetan, surgen
complicaciones irreversibles.
LO MEJOR: Qué
difícil es ver esto en salas de cine hoy en día. Porque a pesar de
su buena factura técnica, sus claves, su propuesta y su
atrevimiento son los de un producto de serie B, y muy extremo. A lo
largo del año, a poco que salga una película que despunte de lo
habitual en el género se la nomina a película de terror del año.
Pues bien, quedando poco más de dos meses para terminar este, me
atrevo a sentenciar que esta si es la película de terror de este
2024. No porque sea la más terrorífica, porque muy bizarra, grotesca
y perturbadora que sea, es extrañamente divertida, aunque no desde
los mecanismos de la comedia sino de la sátira ácida y mordaz. La
francesa Coralie Fargeat, que anteriormente tan solo tenía un
largometraje y de hace siete años, “Revenge”, y no precisamente
demasiado elogiable, nos regala una orgía de body horror muy en la
línea de la primera etapa de David Cronenberg como director. Por lo
que no es difícil imaginar que la labor de maquillaje tiene especial
importancia. Pero en el caso de Fargeat, también los efectos
sonoros, que ponen un énfasis exagerado en todo aquello que pueda
provocar cierta repulsión. También la banda sonora. No obstante,
más allá de todos los elementos potenciadores de sensaciones
sensoriales, pues la película es una experiencia tan visual como
auditiva, su gran mérito es estar narrada con un gran ritmo que no
decae a pesar de superar ampliamente las dos horas de duración.
Todo esto para elaborar una crítica de la industria del
entretenimiento televisivo, especialmente en cuanto a su tratamiento
de las mujeres cuando estas dejan de ajustarse a sus estándares de
belleza y edad. Aunque, por otra parte, el mensaje es que el deseo de
perfección puede llevar a la destrucción.
Interpretación: Todo se sostiene gracias al protagonismo bicéfalo de sus dos
actrices. Demi Moore se reivindica con la que probablemente es la
mejor actuación de su carrera. Y lo hace con un personaje
tremendamente arriesgado, con el que se autoparodia y satiriza su
propia trayectoria como sex symbol venida a menos. No me extrañaría
que optara a premios importantes. Lo de Margaret Qualley es solo
confirmar que hay un filón como actriz de futuro, capaz de ponerse a
las órdenes de Lanthimos en “Kinds of Kindness” y en esta que
hoy comentamos. Por cierto, Dennis Quaid está pasadísimo aquí, en
el buen sentido.
Escenas (SPOILERS!!): Es
difícil encontrar una película con tantos primeros planos de todo
en general y de culos en particular. Lo que normalmente sería motivo
para acusar a la directora de sexualizar a las mujeres. Su intención
es totalmente la contraria, es retratar a la industria del
entretenimiento visual pero también a su público, es decir,
nosotros. Aunque hay varias secuencias a destacar en cuanto a su
impacto visual. La primera es el “nacimiento” de la doble, que
directamente sale del cuerpo de Elizabeth (Moore). Luego hay otros
como la violentísima pelea entre ella y Sue (Qualley) que termina en
la muerte de la primera. Y desde luego, la creación del engendro, la
cual da lugar una media hora final de lo más brutal que he visto en
años. Lo cual resulta, como decía antes, lo más divertido de la
película, paradójicamente, por muy desagradable que sea, o quizá
por ello mismo. Porque la explosión final a lo “Carrie”, de sangre y
gore, es para quedarse con
la boca abierta.
LO PEOR: Es
bastante evidente que no es una película ni mucho menos para todo el
mundo, y en parte, ahí reside su atractivo. Si es cierto que en
bastantes ocasiones parece que se recrea excesivamente los detalles
más truculentos. Pero es a lo que juega también.
REFERENCIAS: He
nombrado a Cronenberg, el de títulos como “Rabia”, Cromosoma 3”
o “Videodrome”, pero también podría mencionar, en la forma de
dirigir, al Darren Aronofsky de “Réquiem por un sueño”. Y más
recientemente a “Titane” de Julia Ducournau.
CONCLUSIÓN: 8. Un festival de body horror cronenberguiano, más divertido que terrorífico, como sátira sobre los estándares de belleza femeninos en la industria de entretenimiento, donde sus dos actrices protagonistas brillan con luz propia.
sábado, 12 de octubre de 2024
Música de Película: The ring
Desconocía por completo que Hans Zimmer fuera el compositor de la banda sonora original de esta película. No me parecía de su estilo ni tampoco, a bote pronto, recuerdo que haya hecho la de otra película de terror. Sin embargo, poniéndole más atención si veo rasgos reconocibles en el tema principal del músico alemán.
Tema: The ring main theme.
Película: The ring.
Intérprete o compositor: Hans Zimmer.
jueves, 10 de octubre de 2024
Microcríticas Express: Vidas perfectas/Wolfs/Hotel Royal
Es
el remake de una película belga, “Instinto maternal”, que es, en
realidad, el título original de esta película. Pero bueno, aquí
tenemos que cambiárselo no vaya a ser que alguien se
confunda de película. Una de esas que ya no se ven mucho, un
thriller cocido a fuego lento pero con una tensión gradualmente
creciente, muy al estilo Hitchcock, tanto en su manera de construir
la trama como en su ritmo. Gran parte del interés de la historia
radica en saber quien de las dos protagonistas es la mentalmente
perturbada. Si las sospechas de una son fundadas o solo una paranoia.
O si la otra realmente está actuando de modo premeditado. Esa
incertidumbre se mantiene bastante tiempo y eso me parece un acierto,
porque esa ambigüedad juega a favor de la intriga sobre una
resolución final que para el espectador es fácil de adivinar como
va a resolverse pero que tengo que reconocer que me ha sorprendido.
La película es más valiente de lo previsible. Aunque no hay que
esconder que el principal aliciente es ver a estas dos actrices
enfrentarse en la historia tanto como interpretativamente. No llega
a ser un protagonismo totalmente equilibrado porque es Jessica
Chastain quien lleva mayor peso en pantalla, pero es en su
interacción con Anne Hathaway donde la trama gana en interés. Ambas
están magníficas. 7.
Me
he llamado la atención que tenga tan malas críticas. A ver, no es la
mejor película de sus carreras pero me ha parecido lo
suficientemente entretenida como para aprobarla. El aliciente de
volver a ver a los protagonistas de “Ocean’s eleven” estaba ahí
y lo cierto es que se nota que estos dos son amigos porque demuestran
una enorme química en pantalla, que junto al derroche de carisma que
tienen entre ambos y su incuestionable presencia física, la dotan
del interés de una trama planteada como una buddy movie de libro. No
hay mucha sorpresa en ese aspecto porque pasa por todos los tópicos
de este subgénero y en cuanto a la historia es bastante predecible
más allá de un par de giros que hay por ahí. Sin embargo, la
sorpresa es que un tal Austin Abrams se cuela entre George Clooney y
Brad Pitt para darle el toque divertido definitivo. Bajo
la batuta de Jon Watts (la última trilogía de Spiderman) con una
dirección muy elegante, efectiva en las escenas de acción aunque
casi más centrado en las de comedia. Encomendándose a sus dos
estrellas, que se percibe que se lo están pasando bien y que ejercen
de unos personajes que, y lo digo desde la ignorancia, desconozco si
es un guiño al de Harvey Keitel en “Pulp Fiction”, porque es
exactamente el mismo trabajo y el título haría referencia al nombre
como le llamaban en aquella película de Tarantino. No es a la única
película que me ha recordado, es una especie de “Jo, que noche”
pero de matones. Lo dicho, entretenida y divertida sin mayor
pretensión. 6’5.
Chicas
jóvenes en lugar inhóspito rodeadas de hombres. Sabes que algo les
va a pasar y no muy bueno, lo cual de por si ya nos debería hacer
reflexionar. ¿Porqué debería pasarles nada? Pero la cuestión es
que esto es cine y si unas mochileras se ponen a trabajar de
camareras en un bar de un pueblo de mala muerte de Australia, donde
la clientela mayoritaria es de hombres que va allí a beber, pues te
puede dar para la premisa típica de uno, u ambos, subgéneros del
terror, el folk horror y el rape and revenge. Más cuando el lugar es
la máxima representación de la masculinidad tóxica. Pero no va por
el camino del terror aunque si hay una tensión creciente en la que
temes que antes o después van a ser víctimas de algún abuso. Sin
embargo, las agresiones son más cotidianas de lo habitual en una
película. Incluso para que las otras mujeres del lugar, muy escasas,
no las vean como tales. Es más ver como son tratadas por ese grupo de
hombres en general y en algunos en particular. En esto es importante
la diferencia en la actitud de estas dos chicas con las camareras
anteriores a las que vienen a sustituir porque esta es una de las
cuestiones, porque al no ser tan “complacientes” con ellos, esto
empieza a suponer un problema. Comienzan a verse como presas
vulnerables. Y es sobre lo que nos quieren hacer pensar. Las
interpretaciones de las dos actrices protagonistas son vitales, la de
Jessica Henwick y, sobre todo, Julia Garner. Quizá el final es un
tanto precipitado pero hay que entenderlo como una metáfora. 6.
martes, 8 de octubre de 2024
Escenas Míticas: Maldiciones encadenadas - The ring
El estreno de “Smile 2”, a cargo del mismo director que nos sorprendió a todos hace un par de veranos, Parker Finn, con la que muchos calificaron como la película más terrorífica de 2024, nos da pie para hacer un repaso de estas películas cuyo hilo argumental es una maldición que pasa de unas personas a otras, como una especie de efecto contagio o de encadenamiento.
Y vamos a comenzar con la que considero el mejor remake de una película de terror asiático, hasta el punto, y algunos me van a matar, que me parece que llega a superar a la original. Además de ser una de las películas con las que más miedo he pasado en una sala de cine. No solo yo, recuerdo que mi hermana se escurría tanto en la butaca que casi ni se la veía.
“The ring” versionaba la película estrenada cuatro años antes y firmada por Hideo Nakata, “Ringu” que a su vez adaptaba la novela homónima, aunque estaba dividida en tres libros, de Koji Suzuki, el que estaba considerado el Stephen King japonés, por especializarse en el género de terror, más allá de que literariamente sus estilos no tengan absolutamente nada que ver.
Aunque la novela, a su vez también, se basaba en un cuento popular japonés llamado “Bancho Sarayashiki”, que trataba sobre una criada que era maltratada y mutilada por el amo como castigo por romper uno de sus platos favoritos. Tras conseguir liberarse, escapó y se tiró al pozo, muriendo ahogada. Y la leyenda decía que cada noche podía oírse como su fantasma contaba los platos hasta llegar a nueve.
No obstante, la novela de Suzuki y sus dos adaptaciones cinematográficas vinculan la historia a un tema muy recurrente en el terror japonés noventero, la tecnología, haciendo que una cinta de vídeo maldito vaya asesinando a quien la viera siete días después de hacerlo. De hecho, Ringu o Ring, hace referencia al sonido de una llamada telefónica que las víctimas reciben justo al terminar de verlo con una voz que tan solo decía: “Siete días”, algo que ha quedado para la cultura popular.
Tras la cámara un director que procedía del mundo de la publicidad y los vídeos musicales, y que anteriormente solo había dirigido dos largometrajes, uno infantil, “Un ratoncito duro de roer” y la menospreciada “The mexican”. Aquí firma la que a día de hoy me sigue pareciendo su mejor trabajo, a pesar de que posteriormente triunfara mundialmente con la trilogía “Los piratas del Caribe” y ganara el Oscar por la película de animación “Rango”.
Sin embargo, luego se la pegaría con “El llanero solitario” y la mucho más interesante de lo que se la reconoció, “La cura del bienestar”. Ocho años han pasado de esta última. Pero se espera que vuelva a estrenar película para 2025. Personalmente, le considero un buen director, una artesano todoterreno pero capaz de imprimir personalidad a sus películas, y me da que un tanto infravalorado.
Para el papel principal se pensó en actrices como Kate Beckinsale, Gwyneth Paltrow o Jennifer Connelly, que posteriormente si participaría en otro remake de la película de terror japonesa, “Dark water”. Finalmente, fue para Naomi Watts que no era muy conocida por entonces pero a la que recomendaron tras verla en “Mulholland Drive”. A la que acompañaron Martin Henderson, el veterano Brian Cox y Daveigh Chace, aunque la versión malvada de Samara era encarnada por Kelly Stables.
Hay varios guiños al cine japonés y a su cultura en general. Como los uniformes de colegialas del prólogo o el árbol de la pared, un arce japonés precisamente, cuyo fruto se llama Samara, el nombre de la niña maldita de la trama. Por cierto, la iluminación estaba planificada de forma que los actores no tuvieran sombra, lo que subliminalmente podía perturbar al espectador.
Para promocionar previamente la película se repartieron copias del vídeo prohibido en eventos sociales, conciertos y demás. Incluso en los extras de las versiones domésticas en DVD, existía la posibilidad de ver el vídeo por separado de la película, el que los protagonistas ven. En un final alternativo de ella se podía ver la cinta en un videoclub.
Verbinski tomó como referencias visuales varios títulos de Alfred Hitchcock, "La ventana indiscreta", Psicosis" y "La trama", pero creó su propia iconografía visual. Y abrió la veda de remakes del cine asiático de terror, como el mencionado de "Dark water", "Pulse", "El grito", "El ojo", . . . Tuvo buenas críticas y fue un éxito de taquilla, logrando 250 millones de dólares, habiendo invertido 48 en ella. Lo que posibilitó una secuela en 2005 a cargo del propio Hideo Nakata, aunque con menos éxito.
domingo, 6 de octubre de 2024
Joker, Folie a deux
FICHA
TÉCNICA
Título:
Joker:
Folie à Deux.
Dirección:
Todd
Phillips.
País:
Estados
Unidos.
Año:
2024.
Duración:
138
min.
Género:
Thriller,
drama,
musical.
Interpretación:
Joaquin
Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Zazie Beetz, Catherine Keener.
Guion:
Scott
Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics.
Producción:
Emma
Tillinger Koskoff, Joseph
Garner, Todd Phillips.
Música:
Hildur
Guðnadóttir.
Fotografía:
Lawrence
Sher.
Distribuidora:
Warner
Bros.
CRÍTICA
SINOPSIS: Arthur
Fleck está internado en Arkham. Mientras espera a que se celebre el
juicio por sus crímenes, conoce a una persona que le hace despertar
la identidad del Joker que se había ocultado durante este tiempo.
LO MEJOR: Esta
es la crítica que menos quería escribir. Qué ganas tenía de
ponerme a defender la película y decirle a todo el mundo que estaba
equivocado. He caído en eso que tantas veces he criticado de los
demás, ir
con una idea preconcebida de lo que me iba a encontrar. Y ahora me
veo en la tesitura de separar los dos enfoques que tengo de la
película. En el estrictamente cinematográfico y objetivo tengo que
decir que es buena. Es una propuesta arriesgadísima, muy valiente (a
veces osada) en las
decisiones que toma y bien
narrada en cuanto a la historia que quería contar. Además, Todd
Philips sigue estando de dulce en cuanto a su lenguaje visual. Le
aplaudo que haya querido dar algo completamente distinto a lo que se
esperaba. El problema es que es un suicidio comercial, es un tren a
máxima velocidad descarrilando. Su propuesta funciona si te olvidas
que el protagonista es el Joker. Pero es que no puedes. Como fan del
personaje, y este es el otro enfoque, es una decepción de
proporciones bíblicas. Philips ha secuestrado al personaje para
contar una historia que
habría
salido bien con cualquiera que no fuera el Joker. La ha contado bien
pero es que es la historia que nadie quería que le contaran. Nos
habían prometido la fiesta del Joker, incluso desde los propios
tráilers,
y lo que nos han entregado es su
desmitificación, reduciéndola
a
un
pobre tipo devorado por su alter ego, un farsante cuya estafa queda
al descubierto. Quizá con el tiempo aprendamos a apreciar esta
película pero ahora va a ser crucificada y muy odiada, y lo peor es que casi
que
se lo merece.
Interpretación: Joaquín
Phoenix vuelve a estar entregadísimo, al nivel de su anterior
interpretación pero esta vez se le
ha pedido
algo muy distinto. Si en algún momento hubo un debate entre quién
era el mejor Joker, no creo que ahora nadie tenga dudas que fue Heath
Ledger. Y
lo siento, pero canta horriblemente. Lady
Gaga está bien, capaz de aguantarle los duelos interpretativos a
Phoenix, que no es decir poca cosa. Lo que la
dejan porque más que coprotagonista es una secundaria destacada. No
entiendo para que fichar a una estrella y luego relegarla a un segundo
plano. Así
que tampoco creo que nadie tenga dudas que la mejor Harley Quinn
sigue siendo Margot Robbie.
Escenas (SPOILERS!!): Todos
éramos como los fans que esperaban a la salida de los juicios, como
Lee (Lady
Gaga), a la que reducen a una mera groupi. Por eso todos sufrimos una
profunda decepción cuando Arthur (Phoenix) dice que el Joker no
existe. Nos dice que nos había vendido la moto, que solo estaba
interpretando un personaje, que solo es un pobre hombre triste,
ingenuo, manipulable y patético. En esa confesión Todd
Phillips ponía el último clavo en el ataúd del Joker como
personaje. El penúltimo, el último lo ponía en uno de los finales
más anticlimáticos que he visto en años. Que,
por cierto, deja a interpretación que Arthur Fleck no haya sido
nunca el verdadero Joker sino la inspiración para el siguiente. Es
verdad que nunca ha tenido el perfil de Joker inteligente y
estratega, todos sus asesinatos fueron prácticamante espontáneos,
no planeados. Y que el chico que acaba con él, se ve al fondo como
se hace una sonrisa en la boca con el cuchillo, como las marcas que
tenía Heath Ledger en “El Caballero Oscuro”. Eso no está mal,
pero un gol en el último minuto no remonta todo el partido.
LO PEOR: Mensaje
para Todd Phillips: si querías contar esta clase de historia, un
drama carcelario-judicial con mensaje sobre la mitificación de los
asesinos en serie, que me parece una buena
idea, no haber tomado al Joker como protagonista. Este no es el
Joker. El Joker es Jack Nicholson, Heath Ledger, sobre
todo,
y hasta Jared Leto. El Joker es la última media hora de la película
anterior. Esto no. Nolan también
tomó
prestado a Batman para lo que él quería pero nunca traicionó su
esencia.
REFERENCIAS: Tiene
narices que “Joker” sea una referencia pero por
distanciamiento. Es decir, ¿que es “Joker, Folie a deux”? Pues
la antítesis de “Joker”. Todo lo contrario de lo que proponía
la primera parte, que era la creación de un héroe/villano. “Joker
2” es su destrucción.
CONCLUSIÓN: 6. Presenta su candidatura mayor decepción del año y va a ser difícil que alguien le quite ese dudoso honor. La película no es que sea el desastre que dicen, es que es una traición a su predecesora y a la esencia del personaje.
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