Cinéfilos de Oro 2020

 

PELICULA: 1. El juicio de los siete de chicago. 2. 1917. 3. Mank. 4. Tenet. 5. Richard Jewel.

DIRECTOR: 1. Sam Mendes (1917). Aaron Sorkin (El juicio de los siete de Chicago). 3. David Fincher (Mank). 4. Christopher Nolan (Tenet). 5. Robert Eggers (El faro)

ACTOR PRINCIPAL: 1. Paul Walter Hauser (Richard Jewel). 2. Hugh Jackman (Bad education). 3. Gary Oldman (mank). 4. George MacKay (1917). 5. Ben Affleck (The way back).

ACTRIZ PRINCIPAL: 1. Charlize Theron (El escándalo). 2. Anya Taylor Joy (Emma). 3. Jessie Buckley (Estoy pensando en dejarlo). 4. Jolene Monae (Antebellum). 5. Morfydd Clark (Saint Maud).

ACTOR SECUNDARIO: 1. Sacha Baron Cohen (El juicio de los siete de Chicago). 2. Robert Pattinson (El faro). 3. Mark Rylance (El juicio de los siete de Chicago). 4. Delroy Lindo (Da 5 bloods). 5. Sam Rockwell (Richard Jewell).

ACTRIZ SECUNDARIA: 1. Scarlett Johansson (Jojo Rabbit). 2. Amanda Seyfried (Mank). 3. Allison Janney (Bad education). 4. Kathy Bates (Richard Jewell). 5. Margot Robbie (El escándalo).

GUIÓN: 1. El juicio de los siete de Chicago. 2. El escándalo. 3. Jojo Rabbit. 4. Tenet. 5. Estoy pensando en dejarlo.

FOTOGRAFIA: 1. 1917. 2. Gretel y Hansel. 3. El faro. 4. Tenet. 5. Color out of space.

EFECTOS ESPECIALES: 1.Tenet. 2. El hombre invisible. 3. Wonder Woman 1984. 4. Mulán. 5. Greenland.1

PELÍCULA ESPAÑOLA: 1. Voces. 2. Ofrenda a la tormenta. 3. Orígenes secretos.

ANIMACION: 1. Soul. 2. Sonic. 3. La llamada de lo salvaje.

MUSICA: 1. Tenet. 2. Antebellum. 3. Wonder Woman 1984. 4. Mulan. 5. 1917.

DECEPCIÓN: 1. Domino. 2. Bad boys for life. 3. Fantasy island.

SORPRESA: 1. El faro. 2. El hombre invisible. 3. Antebellum. 4. Estoy pensando en dejarlo. 5. Saint Maud.

DIVERCINE: 1. Aves de presa. 2. Underwater. 3. Wonder Woman 1984. 4. Greenland. 5. Mulan.

SERIES: 1. The mandalorian. 2. Gambito de dama. 3. Antidisturbios. 4. Patria. 5. El visitante.

     A continuación, los carteles de los filmes más importantes de 2020. En un primer grupo, las películas más oscarizadas u oscarizables, es decir, las más completas. En un segundo grupo, los bombazos de taquilla, o sea, las películas más esperadas y más han dado que hablar.  En un tercer grupo, las películas que pensamos han supuesto una sorpresa. Y finalmente uno con las mejores series. 

 

 

 

 

Escenas Míticas: Especial DC - Aquaman

 

 

   Llegamos ante la que supuso una enorme sorpresa en cuanto la respuesta del público. Contra pronóstico totalmente teniendo en cuenta que ya suponía la sexta entrega del Universo Expandido DC iniciado con “El hombre de acero”, pero precedida por el batacazo, por los problemas ya expuestos en el anterior artículo de este ciclo, de “La liga de la justicia” de Joss Whedon. Y para colmo tratando sobre uno de los personajes destacados de DC pero muy a distancia de los Batman, Superman y Wonder Woman, pues supuso un éxito inesperado.

 

 

   De hecho, un éxito tan enorme que hasta la fecha, es el más sonado de toda la franquicia. Al menos en cuanto a cifras. Costó 160 millones de dólares, presupuesto más que generoso pero inferior a las películas precedentes. Sin embargo, su recaudación en taquilla fue realmente brutal, 1150 millones, y una opinión generalizada del público muy positiva.

   No así la de la crítica. No deja de soprenderme como las notas medias de diversas páginas siempre son muchos mayores para las películas de Marvel, con casos tan sobreengordados como el de “Black Panther” (buena película pero muy, muy sobrevalorada por motivos no tan cinematográficos como debiera) o “Thor Ragnarok” (casi más una comedia plagada de gags que una película de superhéroes).

       El caso es que al público le encantó y consiguió situarla como la quinta en recaudación en 2018, solo por detrás de títulos como “Vengadores: Infinity War”, “Black Panther”, “Jurassic World: El reino perdido” o “Los increíbles 2”. Y se convirtió en la 22º en recaudación de todos los tiempos. Es más, dobla a la anterior película de este universo, “La liga de la justicia” con la mitad de dinero invertido.

   Una de las razones, si no la principal, fue la acertada elección de su director, James Wan, que se salía de su género habitual, el terror, siendo considerado uno de los cineastas más destacados de ese género, como pueden atestiguar ejemplos como “Saw” y las sagas “Insidious” y, sobre todo, “Expediente Warren”. Aunque no era la primera vez que se salía de su jardín habitual, ya filmó “A todo gas 7”, por lo que sus habilidades para rodar escenas de acción estaban más que contrastadas.

   Cuidado, no abandonará el terror. De hecho, su próximo proyecto va en esa línea, “Malignant". Aunque volverá a la saga para realizar la secuela de “Aquaman”, pues Wan es muy del gusto de Zack Snyder, que parece volver a tener peso en el control de la franquicia. No en vano, ambos estaban de acuerdo en alejar al personaje de la imagen de “La liga de la justicia” de Whedon. Es más, Wan enseñaba cortes de la película a Snyder, incluso en contra de los deseos del estudio.

   Pero aunque la influencia de Snyder es notoria, James Wan es un director con personalidad, y aunque el tono de la película es más oscuro, la idea de Wan era crear un mundo diferente, una especie de “Star Wars” pero bajo el agua, con todo un festival de colorido y criaturas submarinas (de hecho, tiene cierto toque de monster movie) y que incluso hace un guiño a su propio Universo Warren, apareciendo la muñeca Annabelle, de pasada.

   La elección del protagonista fue fácil, y aunque se llegaron la considerar las opciones de Dwayne Johnson o Dave Bautista, la balanza estaba muy a favor de Jason Momoa, que es cierto que puso como condición que fuera Zack Snyder quien estuviera tras la cámara. Ésta fue la tercera aparición de Momoa como Aquaman. Y se da la curiosidad de que formó parte del reparto de la serie “Stargate Atlantis” por lo que la Atlántida ya le era familiar.

   El reparto era de auténticas campanillas. Le acompañaba Amber Heard como Mera, ya presentada en “La liga de la justicia”, Patrick Wilson (casi un actor fetiche de Wan), Yahya Abdul-Mateen, Tamuera Morrison, Willem Dafoe, Dolph Lundgren. . . .

 . . . y una Nicole Kidman que se desquitaba tras no haber podido ejercer de Hipólita en “Wonder Woman” en favor de Connie Nielsen, como madre de la heroína, para ser madre de Aquaman. No era la primera vez que Kidman tocaba el género de superhéroes, ya participó en “Batman forever”.

Color out of space

 

    FICHA TÉCNICA

Título: Color Out of Space.

Dirección: Richard Stanley.

País: Estados Unidos.

Año: 2019.

Duración: 111 min.

Género: Terror, ciencia ficción.

Interpretación: Nicolas Cage, Joely Richardson, Madeleine Arthur, Elliot Knight, Brendan Meyer, Julian Hilliard, Tommy Chong, Josh C. Waller, Q'orianka Kilcher, Melissa Nearman

Guion: Scarlett Amaris, Richard Stanley (Historia: H.P. Lovecraft).

Producción: Daniel Noah, Josh C. Waller, Elijah Wood, Lisa Whalen.

Música: Colin Stetson.

Fotografía: Steve Annis.

Distribuidora: RLJE Films.

    CRÍTICA

    SINOPSIS: La apacible vida de una familia que se ha trasladado de la gran ciudad a una casa en el campo, cambia cuando en sus cercanías cae un meteorito que libera un color. Ese color va transformando todo a su alrededor, convirtiendo sus vidas en una pesadilla.

    LO MEJOR: Habría que preguntarse porque gozando de la fama que sin duda goza como creador del género literario del terror, tiene tan pocas adaptaciones cinematográficas de sus obras. Otros escritores de terror han sido adaptados innumerables veces, cómo Stephen King o Clive Barker. La respuesta es que la obra de Lovecraft es inadaptable. Y si no que se lo digan a al Guillermo del Toro y su anhelo por llevar “Las montañas de la locura” a la gran pantalla. Es por eso que le doy el mérito a esta película y especialmente a su director, porque debía ser alguien bastante valiente en su determinación, alguien sin nada que perder, como Richard Stanley, cuya última experiencia tras la cámara fue haber sido despedido de “La isla del doctor Moreau”. Stanley ha comprendido, porque también ha estado al guion, que de Lovecraft no hay que ser tan fiel sino coger su esencia, y es justo lo que ha hecho. Con ello ha hecho una de esas películas que, más allá de su calidad, tienen ese regusto de ser diferentes, todo un viaje, con una estética ochentera en su cine fantástico de serie B pero con algo delas películas de ovnis de los años cincuenta. Su deslumbrante fotografía, sus efectos especiales artesanales basados en el maquillaje, aunque también tira del CGI para algunos efectos de luz, la hace muy atractiva visualmente, muy bizarra (tiene algunas imágenes perturbadoras) e hipnótica, en esa metáfora de la transformación que pretende mostrar.

    Interpretación: No entiendo porque hace tantas películas tan malas, como una metralleta, Nicholas Cage, cuando siendo un poco más selectivo saldría mejor considerado. De hecho, Richard Stanley esperó a que tuviera un hueco en su agenda pues necesitaba a un actor capaz de desatarse cómo lo hace Cage y que pudiera dar ecos de Bruce Campbell ("Posesión infernal") o Jeffrey Combs (“Reanimator”). Me sorprende más la inclusión de una actriz como Joely Richarson.

    Escena (SPOILERS!!): Ya desde la llegada del propio meteorito empiezan a lanzar una serie de imágenes a cada cual más perturbadora. Desde lo visto en el pozo que da al preludio a unas transformaciones tanto en el entorno como en los propios personajes, físicas, sobre todo. Pero sin duda, de las más impactantes es la del “fundido” del ganado, que recuerda a “La cosa” o el de la madre con el hijo, que es perturbadora. Así como cuando el padre (Cage) decide sacrificarlos ante tal engendro. Todo para llegar a ese final con todo cubierto por el color del espacio.

    LO PEOR: No busquemos un guion demasiado elaborado porque no lo hay. Es una película puramente sensorial, qué pretende transmitir sensaciones, algunas de ellas no precisamente agradables. Y si se pone uno estricto con la historia, le va a encontrar algunas incongruencias pues son bastantes las licencias que se toma. Además no hay explicaciones, va en la línea de ese terror de lo desconocido en otras épocas en el que muchas preguntas quedaban sin respuesta.

    CITAS: “Tantos años en la gran ciudad y al fin estamos aquí, viviendo el sueño”. “No sé de que color era. No era un color que hubiese visto antes”. “Los meteoritos no suelen ser más peligrosos que una roca común”. “¿Como puede algo tan grande desaparecer?”. “Lo que está aquí, está afuera. Y lo que está afuera ahora está aquí”. “Esa cosa que llegó en el meteorito cambia todo lo que hay a su alrededor”. “Solo es un color pero quema”.

    REFERENCIAS: El tema de la fotografía, con un color tan omnipresente recuerda precisamente a otra película de Nicholas Cage, “Mandy”. Pero la historia hace más referencia a películas de los cincuenta como “Invasores de Marte” o de los ochenta como “El terror no tiene forma”.

    CONCLUSIÓN: 6’5. Puede que una de las mejores adaptaciones de la inadaptable literatura de Lovecraft, comprendiendo que es mejor tomar la esencia que ser demasiado fiel, con un viaje a la serie B fantástica de los ochenta.

Música de Película: Gremlins

 

      Antes de dejarnos en 2004, Jerry Goldsmith, que trabajó hasta prácticamente el final de sus días, nos dejó un buen puñado de músicas reconocibles como la de "El planeta de los simios", "Alien, el octavo pasajero", "Acorralado", "Desafío total" o "La profecía", por la que ganó su único Oscar. Pero es esta banda sonora una de las más icónicas, sobre todo en estas épocas navideñas, con sus sonidos electrónicos y sintetizadores como seña de identidad propia. 

 

 

 

   Tema: The gremlin rag.

   Película: Gremlins.

   Intérprete o compositor: Jerry Goldsmith.

 

 

   Tema: Spilt water.

   Película: Gremlins.

   Intérprete o compositor: Jerry Goldsmith.

Tema: The gift.

Película: Gremlins.

Intérprete o compositor: Jerry Goldsmith.

 

Escenas Míticas: Especial DC - La liga de la justicia

 

    Teniendo en cuenta todo lo que viene ocurriendo desde el estreno, va a ser inevitable que las palabras Snyder's Cut no aparezcan. Es más, gran parte del artículo va a ir en esa línea. No en vano se perfila como uno de los eventos más importantes del próximo año. Pero sobre todo porque los resultados de crítica y público de esta película hicieron que la franquicia frenara en seco, y precisamente el “Snyder's Cut” podría reactivarla.

 

 

   Todo comienza con la peor tragedia que seguramente puede sufrir un padre, la muerte de la hija de Zack Snyder, que para colmo trágico fue por suicidio. Eso obligó al director a dejar el rodaje a mitad de su “Liga de la justicia”. Además, Snyder tenía pensado hacerla en dos partes y rodarlas juntas, aunque después estrenara quizá con un año de separación, por lo que cuando abandonó, había rodadas partes de ambas películas.

   

   Lo que llevó a su sustituto, Joss Whedon, qué había sido contratado por el propio Snyder como guionista junto a Chris Terrio, el cual ya había participado en “Batman v Superman”, a plantearse si terminar lo que ya estaba empezado pero que suponía un caos, o hacer borrón y cuenta nueva, y en lugar de rehacerla, hizo una película desde cero.

 

 

   El resultado no fue ni muchísimo menos tan catastrófico como muchos la pusieron. De hecho, es una buena película de superhéroes, muy entretenida y divertida, con espectaculares escenas de acción, aunque no memorables, pero olvidable, Whedon realizó un producto considerablemente más ligero que lo propuesta hasta entonces, de un tono más trascendental y grave. “La liga de la justicia” de Joss Whedon es comida rápida. Y lo que pretendía hasta la fecha Zack Snyder un solomillo.

 

 

   Es cierto que hay solomillos que se pueden atragantar pero esa era la línea creativa hasta el momento y Whedon rompió con ella, mostrando una versión más marvelizada. Porque ahí radica la diferencia entre DC y Marvel. Snyder nunca habría consentido una película tan luminosa en cuanto a fotografía y con tanto humor, tanto chiste fácil.

 

   La película no fue un fracaso de taquilla. Costó 300 millones de dólares y recaudó 650, que no es perder dinero pero da un mensaje muy claro de que la cosa no va bien. Por cierto, una de las peores conclusiones que se pueden dar es que para ser una de las películas más caras de la historia, su presupuesto no luce como tal. Da la impresión que el dinero se ha ido en estupideces cómo hacer al villano, Steppenwolf, totalmente digitalizado cuando no era necesario o borrarle el bigote a Henry Cavill, al que llamaron cuando estaba rodando "Misión imposible 6".

   La cuestión es que posibilitó una gran campaña de pedida de la versión de Zack Snyder, el cual claramente reniega del trabajo de Whedon. De hecho, a su vuelta, la siguiente película de la saga, "Aquaman", ya recupera el tono y el camino marcado por él, pues el propio director, James Wan, enseñaba constantemente cortes de la película al director de "300" para que le diera su aprobación. Pero ya lo he dicho antes, me parece una incongruencia estar pidiendo la versión de Snyder cuando tanto se criticó su "Batman v Superman", pues evidentemente va a ir en esa línea. 

   Al menos eso se desprende de los adelantos que está ofreciendo a cuentagotas el cineasta, como la fotografía más oscura, la música de Junkie XL, la posible aparición del villano Darkseid, el traje negro de Superman, . . . Sea lo que sea, lo veremos en septiembre (en principio) en una miniserie de cuatro episodios de una hora cada uno, en la plataforma HBO Max, aunque se rumorea que podría estrenarse simultáneamente en cines, como es la estrategia de Warner en todos sus estrenos de 2021 y que está ocasionando un terremoto de reacciones entre sus estrellas, directores y productoras asociadas. 

    Lo que no he dicho es que para esta película repetían Henry Cavill, Ben Affleck, Gal Gadot, Amy Adams, Diane Lane, Jeremy Irons y Connie Nielsen (introducida ya en el spin off de Wonder Woman). Y se incorporaban los nuevos miembros de la Liga de la Justicia, Ezra Miller (Flash), Jason Momoa (Aquaman) y Ray Fisher (Cyborg), que ya tuvieron su cameo en "Batman v Superman". Al igual que se podía ver a Amber Heard como adelanto de "Aquaman", o a JK Simmons como Gordon.

 

Incendies

 

    FICHA TÉCNICA

Título: Incendies.

Dirección: Denis Villeneuve.

País: Canadá.

Año: 2010.

Duración: 130 min.

Género: Drama, intriga, thriller.

Interpretación: Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz, Allen Altman, Mohamed Majd, Nabil Sawalha, Baya Belal, Bader Alami, Karim Babin, Yousef Shweihat.

Guion: Valérie Beaugrand-Champagne, Denis Villeneuve (Obra: Wajdi Mouawad).

Producción: Luc Déry.

Música: Grégoire Hetzel.

Fotografía: André Turpin.

Distribuidora: Entertainment One.

    CRÍTICA

    SINOPSIS: Tras la muerte de la madre, ésta les ha dejado dos cartas a sus dos hijos gemelos con una serie de revelaciones con las que les pide emprendan un viaje para conocer su pasado y cuya condición es imprescindible para que ella descanse en paz.

    LO MEJOR: Con esta película Denis Villeneuve empezaba a dar muestras de su talento e hizo que mucha parte de la crítica le echara la vista encima como diciendo, “ojo, aquí hay un director”. Hoy en día, personalmente le considero uno de los cinco mejores de la actualidad, de la última década, y aquí comenzaba a demostrarlo. Lo hizo tomando una obra de teatro y la extrapoló al terreno del cine, y lo curioso es que no se nota nada pues no se aprecia estilo teatral. Teóricamente situada en el Líbano, la historia va tocando varios géneros donde el drama es el dominante pero hay importantes dosis de road movie y de thriller de intriga. Básicamente es una crítica a lo dañina que puede ser la situación política y también religiosa de un país. Cómo es capaz de destrozar vidas, a las que convierte en víctimas pero también en monstruos aunque su origen sea el mismo, e incluso cuando la víctima y el monstruo pueden ser el mismo individuo. Por tanto, sin duda el mensaje es antibelicista pero para llegar a él hay que pasar por el trance de conocer la historia, contada en gran parte a golpe de flashbacks, porque sin ese recorrido el mensaje no tiene sentido, hay que sufrirlo. Porque a modo de tragedia griega nos sumerge en un relato crudo, durísimo y profundamente sobrecogedor con uno de los finales más rompedores y, sobre todo, desgarradores que un servidor haya visto en años.

    Interpretación: Principalmente, la película se sustenta en torno a tres personajes. Pero especialmente en el que da vida Labna Azabal, que está absolutamente maravillosa. Es ella la que realmente se echa la película las espaldas. Luego estarían los dos hermanos. Una interpretada y muy bien por Melissa Desormeaux-Poulin. Y el otro por Maxim Gaudette, pero que además de no tener tanto tiempo en pantalla, estando bien, no lo está el nivel de sus dos compañeras de reparto.

    Escena (SPOILERS!!): Vayamos a lo más flojo porque el resto está perfecto, todo se apoya en la casualidad del encuentro en la piscina pública. Qué dos personas del Líbano se encuentren en un lugar exacto de Canadá es como que demasiado forzado. Pero lo entiendo aún así. ojo al prólogo pues en ese momento no se entiende pero es cuando el hijo de la protagonista, siendo un niño, es “aislado” para convertirse en el monstruo que luego será y que se ve confirmado en la escena del francotirador, que suponemos que es él, años después. Hay escenas de extraordinaria dureza, como el asesinato del novio de la protagonista. Pero especialmente la del autobús, y esa ejecución a todos los integrantes salvo a ella por ser cristiana, incluida una niña. Llega a ser dolorosa. Pero, sin duda, lo que supone un auténtico puñetazo en el estómago es el final, cuando descubrimos, que sin poder creerlo, el torturador de la madre, quién la violó y dio lugar a sus dos hijos gemelos, era en realidad su hijo perdido. Y la culminación de la historia con esa doble carta llegada a sus manos. Una censurándolo y otra perdonándolo.

    LO PEOR: No es una experiencia precisamente agradable y no es recomendable verla bajo un estado de ánimo bajo. Personalmente confieso quedar abatido a su término. Por otro lado, en muchas partes de la narración, se le da un toque casi documental que resulta frío. Y el giro que enlaza todo está basado en una casualidad, un poco cogida con pinzas desde el punto de vista del guion.

    CITAS: “Yo digo que vuestra historia comienza con una promesa: rompan el hilo de la ira”. “Hablo con el hijo, no con el verdugo. Pase lo que pase, yo siempre te amaré”. “
Sus hijos son nuestros hijos, Nawal. Su familia es nuestra familia”. “El silencio está roto, una promesa cumplida y una piedra podrá ser puesta sobre mi tumba, y mi nombre será grabado sobre la piedra bajo el sol”. “El hilo se rompe. Y yo finalmente puedo tener tiempo para mecerlos y cantarles en voz baja una canción de cuna para consolarlos. Nada es más hermoso que estar juntos. Los amo.

    REFERENCIAS: Se basa en la obra de teatro “La mujer que cantaba” de Wajdi Monawad. La película fue nominada en la categoría de Película de habla no inglesa en los Oscars de 2010.

    CONCLUSIÓN: 8. Villeneuve ya empezaba a dar muestras de su talento con este reclamo antibelicista mediante prácticamente una tragedia griega que mezcla el drama más sobrecogedor y desgarrador con el thriller de intriga.

 

 

Escenas Míticas: Especial DC - Wonder Woman

 

 

   “Wonder woman 1984” viene a ser la única luz cinematográfica en estas Navidades para las salas de cine, aunque sea a costa de estrenarse poco después en HBO Max, en Estados Unidos. Las productoras de películas con grandes presupuestos están apoyándose en el dinero que les ofrecen las plataformas de streaming para paliar la falta de ingresos de la taquilla, limitada por las medidas de seguridad a causa del Covid-19 con esos aforos reducidos.

 

 

   Pero solo Warner, primero con “Tenet” y luego con “Wonder Woman 1984” es quién está apostando por la sala de cine, aunque luego hay dado el giro de timón estrenando simultáneamente sus estrenos de 2021 de forma traicionera. Hay que recordar que en este mes deberían estar proyectándose títulos como “Monster hunter”, o los remakes de “Dune”, “West side story” o “Muerte en el Nilo” (antes de ser retrasada por segunda vez) e incluso la secuela de “Top Gun”. Todo eso nos estamos perdiendo.

 

   Pero vayamos a la película de 2017, que curiosamente no era la primera vez que aparecía el personaje. Zack Snyder ya lo había presentado en “Batman v Superman” y hasta el momento ya ha aparecido en cuatro películas, tres, ya las hemos mencionado y la otra es “La liga de la justicia”, por lo que está claro que también lo hará en una quinta, la versión de Zack Snyder del asunto, que parece tan distinta que se la puede considerar otra película.

 

    Wonder Woman fue creada para las viñetas por William Moulton Marston en 1941 para DC y apareciendo en ese mismo año en la revista All Star Comics. Marston se inspiró en las Amazonas de la mitología griega para crear el que completa la “Trinidad de DC” junto a Batman y Superman, creados en los mismos años, como uno de los tres personajes más importantes de la Editorial DC y que con el tiempo se fue convirtiendo en un icono feminista por sus valores de paz, amor e igualdad sexual.

 

 

   Para el cine es un proyecto que se venía fraguando desde 1999, danzando directores como Ivan Reitman o el propio Joss Whedon, que finalmente ha dirigido “La liga de la justicia” sustituyendo a Zack Snyder, y con nombres de actrices tan dispares como Catherine Zeta-Jones, Lucy Lawless, Sandra Bullock (la que más posibilidades tuvo) e incluso la cantante Mariah Carey, para meterse en la piel de la Mujer Maravilla.

 

   Pero cuando el proyecto entraba en su recta final, dos nombres estaban encima de la mesa, Kate Beckinsale y Angelina Jolie. Bueno pues tampoco porque cuando Zack Snyder entró en juego y asumió el control de todo el Universo DC, eligió a Gal Gadot, en contra de muchas opiniones y con el rechazo inicial del público. Hoy nadie cuestiona a Gadot para el personaje.

 

   De hecho, es Snyder el co-creador de la historia para la película, que además ejercía como productor, y que incluso llegó a ponerse tras la cámara para ayudar a la directora, Patty Jenkins, venida del mundo de la televisión y que solo había filmado un largometraje, aunque muy bueno, "Monster" (con el que ganó el Oscar Charlize Theron), para las escenas de acción, ante su escasas experiencia en esas lides. Pero Snyder la eligió por su activismo feminista, para que diera ese enfoque a un personaje que desde el cómic ya representaba ese perfil. Hoy tampoco se cuestiona a Jenkins, que también se ha ocupado de la secuela y ya no habrá necesitado esa ayuda.

 

   Entiendo las críticas a la elección de Gal Gadot por su aspecto de modelo de pasarela, muy alta y delgada. Pero es cierto que la dura preparación física al que fue sometida la perfiló un cuerpo lo necesariamente fibroso para el personaje y ahora nadie ni se plantea a otra actriz en el papel. La acompañaban Chris Pine, David Thewlis, Robin Wright, Danny Huston, nuestra Elena Anaya y Connie Nielsen (sustituyendo a Nicole Kidman, que no pudo hacer de Hipólita por cumplir con su compromiso con la serie "Big little lies").

   El personaje estuvo interpretado anteriormente por Lynda Carter en una serie de tres temporadas y sesenta episodios, con una película para televisión previa. El film (el de 2017) tuvo mayoría de críticas positivas y también respondió bien ante el público. Costó 150 millones de dólares y reacaudó 820 en taquilla. Personalmente le doy gran mérito al convertirse en una de mis películas de superhéroes favoritas, a pesar de que el personaje anteriormente no lo era.

 

 

Cómic-Club - Wonder Woman, El espíritu de la verdad

 

 

    Creado: Paul Dini/Alex Ross.

    Primera publicación: 2001 (en ECCC Comics).

    Formato: Novela gráfica.

 

      Aunque, evidentemente, los personajes estrella de DC Comics son Batman y Superman, de hecho, los propios creadores de éste que hoy comentamos, Paul Dini y Alex Ross, ya fraguaron "Batman: Guerra contra el crimen" y "Superman: Paz en la tierra", Wonder Woman forma con ellos la "Trinidad", que se ha podido ver también en el cine, aunque en su caso haya llegado de forma tardía a la gran pantalla pero no a la pequeña, a la cual lo hizo en forma de serie. El tándem Dini/Ross pretendía encarnar aquí los valores más significativos de Wonder Woman como heroína muy preocupada de los desfavorecidos, cercana a las mujeres y los niños, y como un icono del feminismo. Es por eso que la enfrentan contra terroristas, grandes corporaciones y gobiernos.

 

   El motivo de elegir este título es por su espectacular calidad visual. Muy pocos son tan atractivos en este sentido, plagado de ilustraciones impresionantes, con numerosos splash-pages (páginas de una sola imagen), presciendiendo de los "bocadillos" (para no quitar nada a las imágenes) y optando por colocar las líneas de texto de forma esquinada pero sin enmarcar. Casi se podría decir que es como una película en papel. La estética del personaje es absolutamente espectacular, con su indumentaria clásica, con rasgos voluptuosos pero no excesivamente sexualizados.

     

Mank

 

    FICHA TÉCNICA

Título: Mank.

Dirección: David Fincher.

País: Estados Unidos.

Año: 2020.

Duración: 132 min.

Género: Drama, comedia.

Interpretación: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Leven Rambin, Madison West, Adam Shapiro, Monika Gossmann, Paul Fox, Jessie Cohen, Amie Farrell, Alex Leontev, Stewart Skelton, Craig Robert Young, Derek Petropolis, Jaclyn Bethany, Arlo Mertz.

Guion: Jack Fincher.

Producción: Ceán Chaffin, David Fincher, Douglas Urbanski.

Música: Trent Reznor, Atticus Ross.

Fotografía: Erik Messerschmidt (B&W).

Distribuidora: Netflix.

    CRÍTICA

    SINOPSIS: En los años treinta, le es encargado un guion a Herman Mankiewicz para una película de uno de los directores más prometedores de Hollywood, Orson Welles. Tras un accidente de coche, es aislado en una casa para que pueda dedicarse a su escritura. Dará lugar a una de las mejores películas de la historia del cine.

    LO MEJOR: No sé hasta qué punto tiene influencia el posible resentimiento que pueda tener David Fincher con la industria cinematográfica en relación al “infierno” que tuvo que pasar con su debut en la dirección para “Alien 3”, que como él mismo reconoce, estuvo a punto de truncar su carrera antes de empezar. Menos mal que no fue así. Pero lo cierto que cuando esperaba un homenaje al cine y a la que en muchas listas colocan como la mejor película de la historia del cine, “Ciudadano Kane”, no lo es tanto. Si hace un retrato de la “Edad de oro” pero tirándole un dardo envenenado a la maquinaria de la industria, desmontando su aura mitificada y denunciando su corrupción. Es más, el palo que le dedica al director de esta película, Orson Welles, es de los que hacen época. Fincher conduce la crítica através de la vía del guionista de la criatura, Herman J. Mankiewicz, “Mank”, y la reivindicación de su mérito y de una personalidad rebelde en un sistema manipulado por la prensa y la política. Un tipo que decía lo que pensaba, que manifestaba su simpatía izquierdista y que tuvo la desfachatez de reclamar la autoría de su propia obra, uno de los mejores guiones de la historia, lo que no le sentó bien a gigantesco ego del señor Welles, desde luego un colosal director pero que manejaba mejor la cámara que la maquina de escribir. No es por tanto un biopic en toda regla pues se centra en un aspecto concreto de la vida de Mankiewicz. Eso sí, la reconstrucción histórica es impecable.

    Interpretación: Gary Oldman vuelve a dar una clase de interpretación. Cuidado, no es la mejor actuación que le he visto, en ocasiones parece que va con el piloto automático. O quizá en un ejercicio de contención impuesto por el propio Fincher. Pero aún así sigue siendo una clase maestra de ésto de ser actor. La que me ha parecido deslumbrante es Amanda Seyfried. Si la lógica impera, debería ser nominada. Esta chica está claramente desaprovechada en el cine, tiene mucho más talento del que se la supone. El elenco de secundarios continúa y a gran nivel, como los casos de Lilly Collins, Tuppence Middleton o Charles Dance.

    Escena (SPOILERS!!): Hay que decir que Fincher, a modo de homenaje, emplea un modo de dirección clásico, incluso tomando elementos de “Ciudadano Kane”, pero sigue siendo puro Fincher y eso se deja notar en el ritmo narrativo, no de acción, narrativo, y en el montaje. Lo podemos confirmar en la reunión sobre el proyecto “Frankenstein”, la tertulia sobre política que termina en una conversación entre Mank y Marion Jones (Seyfried), y la cena en la que los invitados terminan abandonando la mesa ante las palabras de Mankiewicz. Sin duda, el epílogo es la estocada final de Fincher a la industria, y a Orson Welles en particular, con esa entrega simbólica del Oscar en la que el guionista deja claro que la escritura del libreto fue solo suya.

    LO PEOR: Es curioso que quizá las dos mejores películas de David Fincher sean “La red social” y esta “Mank”. Objetivamente lo son, pero no serán las más queridas por el público. A los seguidores de Fincher, entre los que me cuento, nos gusta verlo en el territorio del thriller. Y esta película está lejos del ritmo, la densidad y la capacidad de entretenimiento de ese otro  cine de Fincher.

    CITAS: “En este mundo, el comprador no recibe nada por su dinero, salvo un recuerdo. Lo que compra sigue perteneciéndole a quien se lo vendió. Esa es la verdadera magia del cine, que nadie te diga lo contrario”. “Mis padres me enseñaron a ser directo. A pedir lo que quiero y pensar que debo esclarecer mi posición”. “A mí me enseñaron a usar la imaginación, pero aprendí a evitar las consecuencias”. “Jamas te unas a un club que acepte a alguien como tú como miembro”. “No se puede capturar la vida entera de un hombre en dos horas. Solo se aspira a dar esa impresión”. “Regla número uno: El arte por el arte. Gastamos un millón de dólares al año en historias que no se filman, ¿Por quéno? Te lo diré, no me hacen llorar, ¿qué me hace llorar? Las emociones”. “Regla número dos: Quíza escuchaste que MGM tiene más estrellas que el cielo, jamás lo creas. Solo tenemos una estrella: el león, nunca lo olvides”.

    REFERENCIAS: Parte de un guión escrito por el padre del director, Jack Fincher, que a David le hubiera gustado realizar cuando éste vivía aun y que quizá lo haya llevado a cabo para honrar su memoria. Pero sería muy recomendable revisionar “Ciudadano Kane”, siempre lo es, pero en este caso se entienden mejor algunas cosas de “Mank”.

    CONCLUSIÓN: 8. Si hace un retrato a la Edad de Oro del cine de Hollywood pero más que como homenaje, como denuncia de la corrupción de la maquinaria de su industria, Desmitificando la figura de Orson Welles, y através de la del guionista Herman Mankiewicz.