Bitelchus, Bitelchus

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Bitelchus, Bitelchus.
Dirección: Tim Burton.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 104 min.
Género: Fantástico, comedia, terror.
Interpretación: Michael Keaton, Winona Ryder, Catherine O'Hara, Justin Theroux, Monica Bellucci, Arthur Conti, Jenna Ortega, Willem Dafoe.
Guion: Alfred Gough, Seth Grahame-Smith, Miles Millar. Personaje: Michael McDowell, Larry Wilson.
Producción: Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Tim Burton, Tommy Harper, Marc Toberoff.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Haris Zambarloukos.
Distribuidora: Warner Bros.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La muerte de uno de los integrantes de la familia Deetz, obliga a los demás a volver a la casa donde lidiaron con el demonio Bitelchus. Una serie de acontecimientos propician que vuelvan a verse las caras con él.

   LO MEJOR: Considero que nunca se ha ido del todo pero si perdido la magia con la que tanto había deslumbrado sobre todo en los noventa. Se convirtió en un artesano, ejecutor de encargos entre Alicias y Dumbos. En la serie “Miércoles” se atisbaba un adelanto del regreso de Tim Burton de antaño, que se ha confirmado, y de qué manera, en “Bitelchus, Bitelchus”, la secuela (la segunda de todas su filmografía tras “Batman vuelve”) de la que probablemente fue su película más descacharrante. Y ha hecho honor a ese espíritu. Es como si hubiera soltado todo lo que se había contenido durante años, la vuelta del Tim Burton noventero. Así se siente la película ya desde los créditos iniciales, desde que comienza a sonar la música de su compositor de cabecera, Danny Elfman. Vuelve a su humor negro sin complejos, al cine como pura diversión y entretenimiento, recapturando la esencia de la película original pero sin clonar la fórmula, expandiendo el hábitat del personaje. De hecho, la sensación de locura es incluso superior a su precedente, explotando al máximo la imaginación del cineasta californiano. Además, es una película para un público más adulto, como si estuviera dirigida, en parte, a aquellos que vieron la primera en su momento. De hecho, cuesta creer que la calificación sea PG-13 (para mayores de 13 años). Ha esquivado la R de milagro.

   Interpretación: Hacía bastante tiempo que no se veía a Michael Keaton pasárselo tan bien, ni siquiera en su vuelta al personaje de Batman en “Flash”. Se nota que le tiene un especial cariño al personaje. Además, hacen bien en volver a dosificarlo como hicieron en la primera. Porque aquí la verdadera protagonista es una Winona Ryder que está fantástica. Que junto a una Jenna Ortega (me da la sensación que se ha incorporado a la troupe de Burton) muy Miércoles y una divertidísima Catherine O'Hara, completan un tríptico de generaciones de mujeres en la historia. El reparto se completa con Justin Theroux, Willem Dafoe y Mónica Bellucci (cumpliendo la tradición de que las parejas de Tim Burton salgan en sus películas). Todos muy bien.

   Escena (SPOILERS!!): Resulta que la trama que a priori parecía de menos interés, el ligoteo con Jenna Ortega, es el verdadero motor de la película a nivel guion. Y la que parecía la principal, la de Mónica Bellucci, es el más forzado. Y si me apuras la de Willem Dafoe. Aun así son muy divertidas igualmente. Por cierto, con el cameo de su Pingüino, Danny de Vito. Intentan emular la secuencia de la cena de “Bitelchus” en la boda. No la igualan pero funciona perfectamente. Uno de los aspectos más originales es como logran evitar la presencia de Jeffrey Jones (condenado por pornografía infantil) sin renunciar a su personaje). Por cierto, en la escena final, la del “parto”, ponen en la música de “Carrie”, de Pinno Donaggio, lo que ya daba una pista de que habría sorpresa.

   LO PEOR: Está hecha de tal manera que varias tramas se unen en una sola pero da la sensación que una de ellas está más forzada y es una mera excusa para incluir unos personajes. No pasa nada, sigue siendo divertida, pero necesaria no es que sea.

   REFERENCIAS: Se percibía en los episodio dirigidos por él en la serie “Miércoles”, la vuelta del Tim Burton del primer “Bitelchus” o de “Mars Attacks”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Es la mejor película de Tim Burton en muchos años, que vuelve a ser atrevido y gamberro, como en la década de los noventa con una divertidísima secuela donde todo el mundo parece estar pasándoselo bomba.

The Umbrella Academy

 

   Ha terminado definitivamente, o eso parece, la que considero una de las series más divertidas de los últimos años, por lo que toca hacer balance de la adaptación de la novela gráfica en varios tomos de Gerard Way y Gabriel Ba, una fusión de acción, comedia, ciencia ficción y superhéroes.

   DE MÁS A MENOS

   Si, esa ha sido la tendencia. La primera temporada fue para enmarcar, pura diversión y entretenimiento de historia de superhéroes jóvenes mezclados en una trama de saltos en el tiempo con tono apocalíptico pero que, en realidad lo que hacía es retratar a una familia disfuncional en todos los sentidos de la palabra. La segunda temporada era tan brillante como la anterior pero más grande, tanto en su presupuesto como en su ambición. Sin embargo, en la tercera, aunque también muy entretenida, ya se apreciaba un agotamiento de la fórmula, repitiéndose en su propuesta de salvar al mundo por enésima vez y resultando redundante en su humor. Tendencia que se ha confirmado en esta cuarta temporada, que incluso siendo más corta, ha sido más repetitiva, a pesar de intentar jugar con el cambio de poderes de varios de los personajes. No obstante, aunque la historia está cerrada y bien cerrada, se han dejado una puerta abierta por si quieren continuarla en un futuro. En conclusión, con eso y todo, creo que ha tenido un final emocionante, épico y, en definitiva, digno para una gran serie.

   PERSONAJES COMO PROTAGONISTAS

   Por mucha acción, efectos especiales, idas y venidas en el tiempo y demás, el secreto de la serie ha sido basarse plenamente en los personajes, y eso potencia mucho el trabajo de un reparto que ha estado de lujo, el casting es una auténtica maravilla. De tal manera que si en la primera temporada destacaba claramente Ellen Page (por entonces se llamaba así), en las siguientes lo hacían Aidan Gallagher (se le proponía como un posible Robin, de Batman) y Robert Sheehan (lo mismo pero para Jack Sparrow). Sin embargo, tengo que decir que en la última temporada, la mejor, y con diferencia, ha sido Ritu Arya. Su historia con Cinco (Gallagher) ha sido lo más interesante de esta cuarta temporada. Arya me ha llegado a conmover varias veces y en la parte final sus momentos son claramente los más emotivos.

   INCLUSIÓN ¿FORZADA?

   Mira que odio este concepto. Pero si inicialmente la serie me parecía un digno ejemplo de como se puede hacer una historia con personajes de todas las razas, personalidades, orientaciones sexuales e incluso estados psicológicos, de forma totalmente naturalizada y sin subrayados narrativos ni panfletarios, eso se va al traste en la tercera temporada. Lo dije en su momento, el cambio de sexo de Ellen Page a Elliot Page no solo es que sea respetable es que está en todo su derecho. Pero no entiendo porque tiene que afectar a la trama de ficción de la serie, cuando el cine está plagado de actrices interpretando a hombres (Tilda Swinton, Cate Blanchett) y hombres a mujeres (Eddie Redmayne, Cillian Murphy). Me explicaron que para Elliot Page podría ser demasiado duro verse a si mismo como una mujer y eso lo puedo entender. Pero no voy a mentir, Víctor no me interesa tanto como lo hacía Vanya, y eso no puedo cambiarlo. Pasó de ser mi personaje favorito a ser uno secundario. Y seamos francos, no lo habríamos admitido de personajes como James Bond o Catwoman? Pues Vanya era Violín Blanco. Y Víctor no. Ahora, ningún problema con ver a Elliot Page interpretando papeles masculinos de aquí en adelante.

Escenas Míticas: Especial Tim Burton - Mars attacks

 

   Con el tiempo se ha convertido en todo un título de culto de los noventa pero en su momento fue un absoluto fracaso de crítica y público. Los críticos se dividieron a la hora de juzgarla y los espectadores no la respaldaron en las salas de cine. Sin embargo, personalmente la considero una de las películas más divertidas de la filmografía de Tim Burton.

   Económicamente suponía el segundo fracaso consecutivo tras “Ed Wood”, cineasta al que precisamente pretendía homenajear en parte, aunque seguramente no tenía intención de emularle en este apartado, el de la recaudación. La diferencia es que “Ed Wood” había supuesto una inversión muy pequeña pero “Mars Attacks” costó nada menos que 70 millones de dólares, y solo tuvo 100 de taquilla.

   Afortunadamente, en su siguiente película, “Sleepy Hollow”, le fue mejor. Un tercer descalabro habría sido peligroso para la carrera de Tim Burton. Quien, como decía, pretendía hacer un homenaje a la serie B, un poco en parte a la película más representativa de Ed Wood precisamente, “Plan 9 del espacio exterior”.

   No obstante, lo hacía a través de la parodia de las películas de invasiones extraterrestres de los años cincuenta, con títulos como “Invasores de Marte”, “La invasión de los ladrones de cuerpos”, “La guerra de los mundos” o “Ultimátum a la Tierra”, entre muchos otros. Lo paradójico es que la película de Burton se estrenó apenas unos meses después de “Independence day”, de Roland Emerich. Por supuesto, fue pura casualidad pero parecía que “Mars Attacks” era una parodia de ella, por su parecido argumental.

   Claro que como bien defendía el propio Tim Burton, estas películas, poco más o menos, era muy parecidas porque la premisa siempre era la misma. Películas que tenían mucho más trasfondo de lo que parecía, político para más señas. Causados por el clima generado tras la Segunda Guerra Mundial, de terror nuclear, y en las que emparentaban a los alienígenas con los comunistas en Estados Unidos.

   El título de la película y la estética de muchísimas de sus imágenes se inspira en una colección de cartas o cromos, con 55 piezas en total, con ilustraciones de ciencia ficción, de artistas como Wally Woods y Norman Sanders. Era prima hermana de una colección similar pero de dinosaurios, “Dinosaur Attack”, pero la proximidad y similitud con “Jurassic Park”, les hizo decantarse por “Mars Attacks”.

   Tanto los productores como Burton querían un reparto coral, como aquellas películas de catástrofe de los setenta, tipo “Las aventura del Poseidón” o “El coloso en llamas”. No vamos a repasar la lista de estrellas que declinaron la oferta de aparecer en la película porque sería interminable pero la de los que se aceptaron tampoco estaba mal.

   Jack Nicholson, con quien Tim Burton, ya veía trabajado en “Batman”, estaba tan entusiasmado con el guion que contestó que quería interpretar a todos los personajes. Era una broma, claro, pero sí que interpretó a varios, uno de ellos el que se podía considerar más protagonista. Le acompañaron varios actores bastante populares en los noventa, como Glen Close, Annette Bening, Michael J. Fox, Pierce Brosnan, Sarah Jessica Parker, Danny de Vito o Natalie Portman.

   Pero también tiraron de veteranos del cine A y B, como Rod Steiger, Pam Grier, o Jim Brown. Incluso aparece el cantante Tom Jones. Por cierto, también tiene un pequeño papel Lisa Marie, pareja por entonces de Tim Burton, que ya aparecía en “Ed Wood” y lo haría posteriormente en "Sleepy Hollow".

   Por cierto, el ajustado vestido que llevaba en la película, inspirado en las figuras de Marylin Monroe y Barbarella, no poseía ni botones ni cremalleras. Así que era cosido sobre el cuerpo de la actriz y después cortado para quitárselo, cada vez que lo tuvo que llevar en el rodaje. El resto de detalles de la película, como los efectos especiales, se pretendía que fueran artesanales, haciendo uso del stopmotion homenajeando al gran Ray Harryhausen, pero finalmente fueron digitales, encargados a ILM, que era más barato y rápido.

   Hay un guiño a Art Bell, un locutor de radio que desde su propia casa realizaba un programa sobre ufología en 1996, en Pahrump, Nevada. Justo el lugar del primer contacto con los extraterrestres en la película. Bell era una especie de Iker Jiménez americano.

Sangre en los labios

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Sangre en los labios.
Dirección: Rose Glass.
País: Reino Unido.
Año: 2024.
Duración: 104 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Eldon Jones, Catherine Haun, Orion Carrington.
Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska.
Producción: Oliver Kassman, Andrea Cornwell.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Ben Fordesman.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Los destinos de dos chicas se cruzan en una pequeña localidad de Nuevo México, donde una ejerce como empleada de un gimnasio local y otra está de paso mientras se dirige a Las Vegas para participar en un concurso de culturismo.

   LO MEJOR: Podría ser una película de los hermanos Coen de no ser por la casi total ausencia de humor. En todo caso podría estar emparentada con su ópera prima, “Sangre fácil”. Porque no deja de ser un noir y una historia de amor en la América profunda. Eso sí, en el entorno menos adecuado para el romanticismo. De hecho, no lo hay. Si hay violencia, asesinatos, sexo, más violencia y si, amor. Básicamente trata sobre dos mujeres, dos perdedoras, que se encuentran y quieren sobrevivir a sus circunstancias. La directora que debutó con la magnífica “Saint Maud”, que tanto gustó algunos y tan poco a otros, Rose Glass, bajo una ambientación ochentera sucia, envuelta en sangre y sudor, pero sobre todo, mediante una poderosa narración desde lo visual, nos cuenta una historia cargada de fuerza. Una fuerza que se palpa en la puesta en escena. En como nos muestra las escenas de sexo, que hay tal potencia que en ocasiones parece más una película erótica. Lo que va en consonancia con las de violencia, porque cuando esta aparece, que no es constantemente, si es de una forma muy impactante. La han calificado como una historia del empoderamiento femenino. Lo hay pero no es discursivo ni mucho menos. Es lo dicho, son dos chicas sobreviviendo a un entorno bastante poco amable, crudo y sin piedad.

   Interpretación: Ya lo he dicho mil veces y me reafirmo, Kristen Stewart es muy buena actriz. Ha sido un acierto alejarse del cine mainstream y acercarse al independiente, con proyectos arriesgados y personajes que le ayuden a mostrar su potencial como en este. Aunque aquí el descubrimiento es Katy O'Brien. Menudo sorpresón el de esta chica. Está imponente en pantalla, y no solo físicamente. Además, de un cuerpo lleno de músculos, esta tremendamente sensual. También aparecen muy cambiados físicamente, Ed Harris, Jena Malone y Dave Franco.

   Escena (SPOILERS!!): Hay una serie de situaciones que no se pueden tomar como literales sino de forma metafórica. Por ejemplo, cómo vamos viendo crecer los músculos de Jacky (O’Brien). Los detalles donde incluso producen sonido cuando se hacen más grandes. Lo que nos quiere decir es que son momentos que están haciendo cambiar a Jackie, porque están sufriendo una transformación que culmina cuando tiene que salvar a Lou (Stewart) de su padre. Ahí es cuando se marca un Hulka, como se convierte en “La mujer de 50 pies”. Pero es una ensoñación, incluso una fantasía compartida por las dos. Es una locura. Por cierto, las escenas de violencia son brutales. La muerte de J.J. (Franco) es un animalada con detalles incluso gore, cuando literalmente le revientan la cara contra una mesa. O el asesinato de la amiga de Lou. Justo la última escena es la única con humor, muy negro. Porque parodia como Lou se ha tirado toda la película deshaciéndose de cadáveres.

   LO PEOR: Tiene ideas muy locas que no todo el mundo aceptará. Incluso tiene ciertos toques de surrealismo. No es malo pero es conveniente advertirlo. Lo que sí le pasa a la película es que depende de la química de sus protagonistas por lo que cuando estas no están juntas, la cosa baja.

   REFERENCIAS: Va a sonar muy raro porque estas películas no parecen tener nada en común entre si, pero sería un mezcla entre “Thelma & Louise”, “Showgirls” y “Cisne negro”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. La segunda película de Rose Glass es tan arriesgada como la primera, "Saint Maud", que pone al servicio de la gran química de sus dos actrices protagonistas, una historia llena de sexo, violencia y . . . amor.

Microcríticas Express: UFO Sweden/The artifice girl/Atlas

 

   Si Steven Spielberg hubiera nacido en Suecia, habría hecho esta película. No, tranquilos, no tiene la calidad como si la hubiera dirigido él, ni es el “Encuentros en la tercera fase” sueco. De hecho, es una película bastante modesta. Pero si me ha recordado mucho a Spielberg en los temas que trata. Y no me refiero solo a lo más evidente, los ovnis y demás, sino otros predominantes en su obra como es el abandono paterno y como modifica la personalidad de los hijos esa ausencia. En esto cuenta mucho la credibilidad que la debutante Inez Dahl Torhang aporta a su personaje. El resto del casting es totalmente entrañable y funciona de maravilla en una historia que también pretende servir de reivindicación de los que la sociedad considera bichos raros, los frikis (con connotación negativa), mostrando una serie de personajes acostumbrados a no ser tomados en serio, a recibir burlas. Sin embargo, ellos se lo toman muy en serio. Y la película, porque, a pesar del tono de aventuras, se enfoca mucho en su género de ciencia ficción, explicando muchas teorías de la posibilidad de las abducciones extraterrestres y la manera de estudiar estos eventos. No es necesario que creas en estas cosas, de hecho, yo no lo hago y me ha parecido interesante. Y, oye, para no tener mucho dinero, no está nada mal resuelta en cuanto a los efectos especiales. Si queréis alguna referencia, hay mucho de “Stranger things” y “Expediente X”, porque es a donde mira esta película, pero ojo, solo como influencia. 6’5.

   Franklin Ritch debuta en el largometraje con esta película después de haber hecho varios cortos de temáticas bastante variadas por lo que he podido investigar. Se nota bastante que esta es su experiencia porque la película está claramente dividida en tres partes de media hora cada uno. Por cierto, tres actos separados por elipsis enormes entre ellos. Ha contado con muy poco dinero, no hay ni un solo exterior, básicamente son gente hablando en habitaciones. El mérito que tiene como director es que a pesar de ello, logra que no resulte demasiado teatral. Aunque su mayor virtud está en la escritura de un guion plagado de buenísimos diálogos. Si, con abundante jerga técnica de informática pero que plantean muchas reflexiones, dilemas filosóficos y éticos. Es una de las películas que mejor ha tratado el tema de las inteligencias artificiales y además de forma muy original e inteligente, planteando si una IA, con el tiempo, puede llegar a desarrollar sentimientos y, por tanto, ser considerada una entidad viva. No considerándola como una amenaza sino como una herramienta (el ejemplo que ponen en la historia es interesante). Ritch también protagoniza la película pero la verdadera protagonista es la pequeña Tatum Matthews, que no es que me haya gustado, es que me ha asombrado. Ciencia ficción de la buena, sin efectos especiales, es como la hermana pequeña y de bajo presupuesto de “Ex-Machina”. Si, sé lo que estoy diciendo. 7.

   Voy a empezar por las cosas positivas. Es entretenida, al menos no me he aburrido. Se nota que han metido pasta en la película y se percibe en los efectos especiales, que están bastante bien resueltos. Aunque por alguna razón, no me digáis que, se nota que es una película de Netflix. Pero bueno, les da para componer algunas escenas de acción bastante aceptables y realizar buenas recreaciones de naves, robots y demás. El combate final es una flipada, si, pero me ha parecido divertido. Por otro lado, quiere plantear temas de reflexión como la utilización de las IA, aunque poniéndose en el extremo opuesto, es decir, no colocándolas como villanas y posibles aniquiladoras de la especie humana sino como que si las usamos de forma adecuada pueden ser útiles y tal. A ver, muchas de estas cosas ya se han tratado en “Yo, robot” y mucho mejor. Pero el principal problema de la película, es hacerla para la exhibición y lucimiento de su protagonista. No soy ni mucho menos un hater de Jennifer López. A veces me gusta (“Selena”) y otras no tanto. Aquí no. Hasta el punto de que me parece un lastre. Se me ocurren muchísimas actrices que le habrían sacado más jugo a su personaje. Y todas ellas tienen una cosa en común, son actrices antes que estrellas y no al revés. 5'5.

Microcríticas Express: Birth-Rebirth/Abigail/La mesita del comedor

 

   Aunque transite en el terreno del drama, está claro que tiene un punto de terror muy claro y que va creciendo en la película. Primero porque planea sobre uno de los clásicos del género, el mito de Frankenstein. Eso si, tratado de forma muy seria e incluso científica, algo que me ha parecido bastante interesante. Pero aparte es que tiene una buena ración de body horror. De hecho, no es muy recomendable para los que sean aprehensivos con las intervenciones quirúrgicas porque aquí son generosamente explícitas, aunque tampoco abusa de ese recurso. No obstante, en realidad, es la historia de dos mujeres en torno a la maternidad, pero en puntos opuestos de ella. No voy a explicar más porque entonces revelaría datos importantes de la trama. Pero si se puede decir que llegar al punto medio entre ambas es lo que da lugar a la historia. Cuentan, por tanto, mucho las interpretaciones de las dos actrices y la química entre ellas, aunque aquí hay que decir que gana la partida Marian Ireland, que está magnífica. Otra de las temáticas de la película es en torno a la ética en las decisiones que toman las protagonistas. No voy a decir que sea una maravilla pero me ha parecido una película interesante y me ha mantenido el interés en todo momento a pesar de cocinarse a fuego lento. 6’5.

   Dirigen Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, los responsables de la divertidísima “Noche de bodas” y de las dos últimas entregas de la saga “Scream”, a la que han resucitado tras la pérdida de Wes Craven. Eso ya da una impresión de lo que puede ofrecer esta película. De vampiros ya se sabe que va desde el tráiler, incluso si me apuras desde el propio cartel. Así que tampoco es que vaya escondiendo nada. Es una peli de vampiros para pasarlo bien. Y como las películas mencionadas antes, es un festival de sangre. De hecho, tiene ciertos paralelismos precisamente con “Noche de bodas”. Personajes encerrados en una casa, que no saben lo que les depara lo que hay dentro y tratando de escapar. La diferencia es que aquí son un grupo. De hecho, funciona mejor cuando la trama va por el lado de los secuestradores. Pero no es a la única película a la que se parece. Me ha recordado muchas veces a “Abierto hasta el amanecer”, demasiadas. Así que original, lo que se dice original, no es. Además, nunca se hace pesada porque tiene un ritmo brutal y entretiene en todo momento, pero creo que se va de metraje, llega un momento que se repiten excesivamente las situaciones. Por lo demás, tiene un reparto no de estrellas pero si de caras conocidas. Nada nuevo bajo el sol (nunca mejor dicho), pero me lo he pasado bien, es entretenida y muy divertida. Nada más pero tampoco nada menos. 6’5.

   Hala pues va directa, sin pasar por la casilla de salida, al cajón de películas que no pienso volver a ver nunca más. No, no es que me haya parecido mala. De hecho, es todo lo contrario. Me parece bastante buena. Pero pasa una de las dos cosas que no puedo ver en una película. Aunque es verdad que no llega a verse y no hay realmente nada explícito. Es más, una de las cosas que mejor hace el director es manejar el fuera de campo, generando que seas tú el que imagine lo que está pasando, lo cual es incluso peor. Porque la angustia que me ha creado la puñetera película no la puedo describir. He estado incómodo todo el tiempo. Todo, desde el principio, desde la propia venta de la mesita, las conversaciones posteriores, sobre todo con cierto personaje muy joven. El metraje no llega a los noventa minutos y se me ha hecho interminable. Y repito, no porque sea mala, sino por intensa. Creo que es una de las situaciones más chungas que he visto en mucho tiempo. Pero también porque los personajes resultan supercercanos, son personas normales. Por cierto, no sé como alguien le puede llamar a esto comedia negra. No sé que narices tiene esto de comedia. Es un drama bastante trágico, que va evolucionando a terror psicológico. No sé si recomendarla, es buena pero no es para pasarlo bien precisamente. 7.

Escenas Míticas: Especial Tim Burton - Ed Wood

 

   Con motivo del estreno de la secuela de “Bitelchus”, el primer éxito en la carrera de Tim Burton, por cierto, la segunda secuela de toda su filmografía tras “Batman vuelve”, repasaremos varios de sus títulos en la que considero la mejor época creativa del director. Precisamente, la primera de “Bitelchus”, las de “Batman” o “Eduardo Manostijeras” no estarán entre ellos pues ya las hemos actualizado no hace demasiado en otros ciclos.

   Comenzaremos con “Ed Wood”, que hace referencia al nombre del que se considera “peor director de la historia del cine”, lo que a la postre ha terminado por convertirlo en un director de culto. Para llevar a cabo esta especie de biopic, se basaron precisamente en la biografía que Rudolf Grey escribió sobre él en “Nightmore of ecstasy, life and out of Edward D. Wood”.

   Pero ¿de verdad era tan malo o hay un poco de mito? Pues, efectivamente lo era, el apelativo no es porque hiciera películas con tan poco dinero que resultaran enormemente cutres. Era por falta de talento. Ed Wood podía rodar treinta escenas en una noche porque las validaba con una sola toma, sin hacerlas repetir aunque los actores se equivocaran, tropezaran o tiraran parte del decorado. Sus películas son desastres totales. Y no se debía a su falta de perfeccionismo, es que él realmente las veía bien como estaban.

   Este es un aspecto interesante porque por muy malos que puedan ser títulos como “Glen o Glenda”, “La novia del monstruo” (“La novia del átomo” originalmente) o “Plan 9 del espacio exterior”, todas ellas transmiten un entusiasmo y una autenticidad que no se ve todos los días. El propio Burton, tras revisar la obra de Wood, se declaró fan del cineasta.

   De hecho, dijo que sus películas eran espantosas pero que había imágenes que no se le olvidarían nunca. Personalmente, podría suscribir esas palabras totalmente. Viendo la película de Tim Burton, la curiosidad por “Plan 9 del espacio exterior” era tan grande que tuve que verla. Y efectivamente, es malísima pero pocas veces se tiene la oportunidad de ver algo tan divertido.

   Algunas películas son tan horrorosas que terminan dando la vuelta al calcetín y convirtiéndose en buenas. Al menos, y entiendo que esta película lo haya hecho, en un título de culto. Estamos hablando de una película cuyo argumento va de una invasión alienígena, para la cual pretenden resucitar a los muertos de los cementerios y hacer un ejército con ellos. Hay extraterrestres, vampiros, bombas atómicas, zombis y platillos volantes. No se puede pedir más. Si, esto es cine.

   Algunos ven paralelismos entre esta y la que se considera peor película de la historia,”The room”, de Tommy Wiseau, que James Franco retrató en su película, “The disaster artist”. Por favor, “Plan 9 del espacio exterior”, es cutre como ella sola pero es pura diversión. “The room” es intragable. Al igual que la película de Franco es el retrato de una curiosidad del cine mientras la de Burton es la excusa para homenajear al cine de serie B.

   El escaso o nulo talento de Ed Wood no le eximió de conocer a estrellas del cine y lo más curioso es que participaron en sus películas. Si, claro, estrellas en el ocaso de sus carreras. Como Maila Nurmi, más conocida como Vampira, personaje con el que presentaba un programa donde se emitían películas de terror. Y, por supuesto, a Bela Lugosi, el célebre el Drácula de la versión de Tod Browning de 1930.

   No solo es que le conociera, es que Wood y Lugosi desarrollaron una gran amistad que duró hasta la muerte del actor húngaro, lo cual supuso un gran golpe para el cineasta. Esta historia interesó especialmente a Tim burton, quien veía semejanza entre esa amistad y la que él mismo tenía con otra leyenda del terror clásico, Vincent Price. De hecho, su última aparición para el cine fue en "Eduardo Manostijeras". 

   Precisamente, en respeto a Bela Lugosi y a todas las películas del propio Ed Wood, que habían sido en blanco y negro, Burton decidió rodar su película en ese formato. Para dar vida al director y a toda su peculiar tropa, tiró de un gran reparto, encabezado por su actor fetiche, Johnny Depp, y seguido por Martin Landau, Patricia Arquette, Sarah Jessica Parker, Bill Murray, Lisa Marie y Vincent D'Onofrio.

   La película fue un fracaso de taquilla. Costó 18 millones de dólares, más que toda la filmografía de Ed Wood, y solo recaudó 13. Sin embargo, la crítica la alabó y muchos la consideran la mejor película de su carrera. Además, ganó dos Oscars, uno para Martin Landau y otro para el maquillaje.

MaXXXine

 

   FICHA TÉCNICA

Título: MaXXXine.
Dirección: Ti West.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 103 min.
Género: Terror.
Interpretación: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Moses Sumney, Michelle Monaghan, Bobby Cannavale, Halsey, Lily Collins, con Giancarlo Esposito y Kevin Bacon.
Guion: Ti West.
Producción: Mia Goth, Kevin Turen.
Música: Tyler Bates.
Fotografía: Eliot Rockett.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Maxine continúa con su sueño de convertirse en una estrella de Hollywood y pasar de ser una actriz de películas para adultos a una actriz de cine, presentándose a un casting de una película de terror. Mientras tanto, en la ciudad están ocurriendo una serie de horribles crímenes.

   LO MEJOR: Ti West se ha marcado un “perfect”. No porque la película sea perfecta, ni siquiera porque la trilogía, que se completa con esta película, sea perfecta globalmente. Sino porque nos ha dado tres películas de terror buenas, y lo más interesante, totalmente distintas entre sí. Hasta el punto de que pueden disfrutarse de forma independiente, aunque la experiencia es mejor si estás en conocimiento de las otras dos por aquello de saber de dónde viene y a dónde va. Hay que tener en cuenta que es una saga sobre dos personajes, en tres épocas distintas, y vinculado todo ello por una actriz que aparece en todas ellas y que interpreta a ambos personajes. West vuelve a demostrar que es un amante y extraordinario conocedor del terror retro. De tal manera que si en “X”, realizaba un homenaje al género en los setenta, aquí lo hace pero en la década de los ochenta. Pero no a base de meter referencias y guiños, que también, sino literalmente dirigiendo como si la película estuviera hecha en esa época. “Maxxxine” está dirigida como si lo hiciera un cineasta de los ochenta. Incluso está más cercana al thriller, pero las generosas cantidades de hemoglobina y los toques de gore, por no mencionar sus aproximaciones al slasher, y diría más, al giallo, movimiento precedente del slasher precisamente, la sitúan en el terror. El director nos retrotrae a la era de los casettes, del VHS, de los videoclubs, de las actrices porno en películas convencionales de bajo presupuesto, y también a temas oscuros de ese tiempo como el satanismo o los asesinos en serie. Y como trasfondo realiza un retrato del Hollywood ochentero y, de paso, de la propia industria cinematográfica. Pero sobre todo del cine de serie B.

   Interpretación: Mia Goth vuelve a estar excelente. Le ha dado muy reconocibles matices a sus interpretaciones en las tres películas pero con una coherencia interna entre sus dos personajes, teniendo muy en cuenta que Maxine no es otra cosa que la proyección de Pearl. Maxine es en lo que querría haberse convertido Pearl. Por otro lado, quizás sea el mejor reparto de toda la trilogía, con nombres como Elizabeth Debicki, Lili Collins, Michelle Monaghan, Bobby Connavale, Giancarlo Espósito y un impagable Kevin Bacon.

   Escena (SPOILERS!!): Las tres películas tienen un momento en el que Mia Goth se luce como actriz, en primer plano y directamente a la cámara. Aquí es justo al principio, en la prueba del casting. Madre mía, que actriz. Por cierto, no sólo se hace referencia a los años ochenta en cuanto a música, vestuario, peinados, es que todos los efectos especiales son artesanales, y basándose en el maquillaje. Se ve especialmente en los asesinatos. Como en el del amigo del videoclub. Pero vayamos al final, en cuyo tercer acto parece irse la olla a la historia. Bueno, un poco como tantas y tantas películas de serie B de la época que retratan. La cuestión es que toda la masacre final es justo lo que necesita Maxine Minx para convertirse en una estrella de cine y dejar atrás su pasado como actriz porno. Por cierto, el asesino al que se refieren como “acosador nocturno” no es otro que Richard Ramírez, aunque no mencionen el nombre.

   LO PEOR: Está lejos del terror comercial actual de consumo rápido, evaluado en base al número de sustos. Esto debería ser bueno y lo es pero muchos están tan acostumbrados que propuestas como esta no la digerirán bien. Y bueno, digamos que la credibilidad de la historia no es lo mejor de ella. Aunque incluso esto puede ser adrede.

   REFERENCIAS: Ti West es de lo mejorcito que hay en terror, y con “Maxxxine” culmina su obra maestra en forma de trilogía completada con “Pearl” y “X”. Hay cosas que recuerdan a otra película suya, “La casa del diablo”. Aunque me ha recordado, en esa mezcla de metacine, asesinatos y cine de adultos, a “Doble cuerpo”, de Brian de Palma.

   CONCLUSIÓN: 7. Ti West culmina su homenaje triple al cine de terror retro, como en las otras dos entregas, retratando una época concreta, en esta ocasión, los ochenta, y sigue homenajeando las películas de serie B. Mia Goth, de nuevo, magnífica.