Un lugar tranquilo, Día 1

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Un lugar tranquilo, día 1.
Dirección: Michael Sarnoski.
País: Estados Unidos.
Año: 2024.
Duración: 100 min.
Género: Terror, ciencia ficción, fantástico.
Interpretación: Lupita Nyong'o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou, Nico, Schnitzel.
Guion: Michael Sarnoski. Historia: John Krasinski, Michael Sarnoski. Personajes: Scott Beck, Bryan Woods.
Producción: John Krasinski, Michael Bay, Andrew Form, Brad Fuller.
Música: Alexis Grapsas.
Fotografía: Patrick Scola.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una mujer, con una enfermedad grave, visita la ciudad de Nueva York, cuando comienzan a caer del cielo unas criaturas alienígenas, una invasión a la que muchos no podrán sobrevivir.

   LO MEJOR: En esta saga se han marcado un tres de tres. Las tres entregas son buenas, y que poco habitual es ver esto. De hecho, no sabría en qué lugar colocar esta. Si tengo claro que la primera es la mejor. Que la secuela mantiene el nivel y que esta precuela tres cuartas de lo mismo. Hay quien la acusa de perder la identidad. Voy a argumentar cuan equivocadas son estas opiniones. Lo que han hecho es no clonarse a sí mismos, pero la esencia está ahí. No hay que olvidar que John Krasinski no está es la dirección pero sí en la producción. Es verdad que aquí cambia el escenario drásticamente, por cierto, con una gran recreación de la ciudad de Nueva York devastada. Y que los personajes no tienen nada que ver con los de las dos películas anteriores. Pero sus claves estilísticas siguen ahí. Sigue apostando por la elegancia en la puesta en escena de los monstruos, dosificándolos y no sobreexponiéndolos, incidiendo más en el suspense que lo explícito, con un dominio del fuera de campo ejemplar. Sigue explotando admirablemente la sensación del silencio (que el espectador no se atreve ni a comer palomitas). Sigue siendo una monster movie pero en torno a unos personajes, dotando a la trama de tono dramático, haciendo que te importen. Aquí sí puede haber una diferencia, la intensidad de lo emotivo, hasta llegar al punto de ser conmovedora. Y sigue siendo una película “barata”, es decir, no cuenta con doscientos millones sino una cuarta parte de ello, haciendo parecer que el presupuesto es mayor.

   Interpretación: Lupita Nyong’o está soberbia. No solo por haber superado su fobia a los gatos (dado que tiene que cargar con uno durante toda la película) o por transmitir esa sensación de enfermedad, sino por darle a su personaje ese tono de persona que ya no le queda tiempo en este mundo pero sí se agarra a un último baile. Para dar la réplica, aunque con menos tiempo en pantalla, un fantástico Joseph Quinn (si, el mejor de la última temporada de “Stranger Things”). Qué expresividad la de este chico. También está Djimon Hounson pero con una aportación muy breve.

   Escena (SPOILERS!!): Tiene muy buenas secuencias de terror. Como la llegada de los bichos, que envuelve toda la ciudad en una niebla de polvo y cenizas, donde los monstruos aparecen y desaparecen fugazmente. Más explícita es la masacre cuando los supervivientes “peregrinan” hacia el puerto y el ruido hace que las bestias ataquen en masa. Pero mis favoritas son dos escenas más intimistas. La primera es cuando el personaje de Djimon Hounson se ve obligado a matar a un hombre para que no grite y delate la posición de todos. Es tremendamente dura. Y la otra es cuando el gato encuentra a Eric (Joseph Quinn), que es lo que hace que este encuentre a Sam (Lupita). No me olvido de la tensión del Metro y de la emotividad de la secuencia final.

   LO PEOR: A los que busquen explicaciones de por que llegan los alienígenas a nuestro planeta y que buscan en él, no van a ver satisfechas esas pretensiones porque siguen sin respuesta. Y hay un momento dado en el que se está en el límite de sobrepasar el umbral de lo puramente dramático.

   REFERENCIAS: Hay varias partes que recuerdan a “La guerra de los mundos” (la de Spielberg). También algo a “Soy leyenda” y otro tanto a “Cloverfield” (“Monstruoso” aquí). Esta última tiene su aquel porque en un momento dado se barajó la posibilidad de que “Un lugar tranquilo” formara parte de ese universo.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Esta precuela es tan buena como las anteriores entregas de una saga con `pleno de aciertos, que mantiene su esencia sin copiarse a si misma y que, a pesar de ser un monster movie, los protagonistas siguen siendo los humanos.

Música de Película: Godzilla Minus One

 

      No es frecuente destacar las bandas sonoras de películas de monstruos pero a esta le han puesto tanto cariño que hasta en su música hay motivos para alabarla. La composición de Naoki Sato, un habitual de los animes japoneses, contribuye a lo épico pero también a lo dramático de la historia.

Tema: Divine.

Película: Godzilla Minus One.

Intérprete o compositor: Naoki Sato.

Tema: Godzilla Suite III.

Película: Godzilla Minus One.

Intérprete o compositor: Naoki Sato.

Tema: Resolution.

Película: Godzilla Minus One.

Intérprete o compositor: Naoki Sato.

Microcríticas Express: El problema de los tres cuerpos/The 8 show/Mi reno de peluche

 

   Basada en el primer libro de la trilogía de Liu Cixin, “El recuerdo del pasado de la tierra”. Se ha especulado con la cancelación de la serie porque aunque ha tenido buenas críticas y datos de audiencia bastante positivos, el alto coste por episodio la ponían en peligro. Parece ser que han asegurado que van a continuar la historia, y por tanto, lo que cuentan los dos siguientes libros, pero quizá lo hagan de forma abreviada y no como querían sus guionistas, David Benioff y D.B.Weiss, en tres o cuatro temporadas. Pero bueno, al menos no la van a dejar colgada como suele hacer Netflix, porque la verdad es que queda muy abierta la primera. Y es que medios se nota que tiene bastantes y bien que lo hace notar en forma de efectos especiales porque visualmente es impresionante en muchas ocasiones. Ya sea por su recreaciones tipo videojuego como por determinadas imágenes durante su desarrollo. No obstante, no es para nada una serie en la que prime lo visual, sino que está cargada de misterio y gran parte de él con mucha carga científica. Y lo mejor, tratada de forma seria, porque podría considerarse una variante intelectual de una invasión extraterrestre. Me ha resultado interesante aunque creo que le falta algo de chispa narrativa, si algo se le puede echar en cara es la frialdad en la narración. Pero vamos, que la seguiré. Por cierto, tiene una de las secuencias más brutales que he visto este año en televisión, deja en pañales al prólogo de “Barco fantasma”. 7.

   Se la ha comparado hasta la saciedad con “El juego del calamar” y yo personalmente creo que son propuestas bastante distintas. Si comparten paralelismos en la premisa de juntar a una serie de personajes en un escenario y hacerlos pelear por una sustanciosa cantidad de dinero. Pero va más por el camino de películas como “El experimento”, “El hoyo” o una menos conocida que me ha recordado bastante, “High rise”. En cualquier caso, la crítica no solo la ha comparado con “el calamar” sino que además la ha puesto por debajo de ella cuando yo pienso que es completamente al revés. Por una sencilla razón, esta va mucho más allá en lo psicológico. La otra me creaba el morbo de los juegos y era muy adictiva pero es que esta me ha resultado muy incómoda en ocasiones. Porque a parte de su evidente crítica social de una sistema diseñado para que los ricos sigan siendo ricos y los pobres sigan siendo pobres, colocando en pantalla a tan solo ocho personajes, que representan estereotipos bastante claros, es que los somete a una degradación progresiva, a veces jugando peligrosamente con la pornografía del sufrimiento, cayendo en una espiral de violencia in crescendo, no demasiado explícita pero si bastante retorcida. Así que si, me parece mejor que “El juego del calamar” y también que “Alice en Borderland”. Al parecer puede haber una segunda temporada, aunque no es necesaria, queda perfectamente cerrada. 7’5.

   Basada en el caso real de Richard Gadd, quien dirige, escribe y protagoniza su propia historia, tratada en clave de comedia negra pero de trasfondo muy dramático. Es más, me ha incomodado en muchas ocasiones. En parte porque cualquiera que haya sufrido alguna clase de acoso, sea hombre (porque en parte reivindica el hecho de que los hombres también sufren esta situación) o mujer, y cuando te pones a hablar de este tema con gente te das cuenta de que hay muchas personas que lo llevan en secreto, empatizará forzosamente con el protagonista. Pero es que también, y aquí viene lo interesante, puedes empatizar con la acosadora. Si, puedes compadecerte de ella y comprender todavía más al acosado. No obstante, hay que recalcar que no es un caso de acoso común porque intervienen situaciones importantes del pasado del personaje principal que no voy a revelar pero que son bastante chungas, que pueden explicar la fascinación y dependencia de su propia agresora. Es decir, también está hablando de la autoestima, la necesidad de tener la atención de alguien. Pero, sobre todo, habla de dos personas rotas (diría que alguna más) que manifiestan esa descomposición personal a través de comportamientos totalmente tóxicos. Las interpretaciones son buenísimas. Gadd, por supuesto, pero es que Jessica Gunning debería llevarse algún premio. Y ojo a Nava Mau. Miniserie de siete episodios de media hora que prácticamente te puedes ver de un tirón. Te remueve, te aterroriza e incluso te divierte, por muy contradictorio que parezca. 8.

Escenas Míticas: Especial Western - Wyatt Earp

 

   El motivo para esta ampliación del ciclo del western era el estreno de la primera parte de la epopeya en forma de saga sobre la colonización del Oeste americano, llamada “Horizon”. Primera de cuatro capítulos. El segundo nos llegará tan solo un par de meses después, en agosto. Y el tercero, lo que sabemos es que se encuentra en rodaje. Una entrega inicial que ha tenido mezcla de críticas pero tuvo una emotiva ovación para Kevin Costner en Cannes.

   El actor se vuelve a poner también tras la cámara para revisitar su género favorito, como ya demuestran sus tres películas anteriores como director, “Bailando con lobos”, “Mensajero del futuro” (es un western post-apocalíptico pero western al fin y al cabo) y “Open range”. Así que de Kevin Costner había que hablar aunque en esta ocasión solo ejerciera como actor.

   Porque la dirección correspondía a Lawrence Kasdan, guionista que participó en dos de las grandes sagas de la historia del cine, “Indiana Jones” y “Star Wars”, pero que como director ya tenía títulos tan interesantes como “Fuego en el cuerpo”, “Reencuentro”, “El turista accidental”, “Gran Canyon” y otro western, precisamente con un joven Kevin Costner, “Silverado”.

   Se estrenó sólo ocho meses después que “Tombstone, la leyenda de Wyatt Earp” y condujo a la inevitable comparación entre ellas. Comparación que para quien esto escribe no se sostiene por ninguna parte porque la película del binomio Kasdan/Costner es mejor que “Tombstone” en todo.

   Sin embargo, al público le gustó más la versión protagonizada por Kurt Russell, lo que demuestra que funcionó muy bien en taquilla mientras que “Wyatt Earp” fue un soberano fracaso comercial. Costó 63 millones de dólares y recaudó tan solo 25, claramente perjudicada por su extenso metraje de más de tres horas. Con el tiempo se ha revalorizado convirtiéndose en título de culto.

   Ese, para muchos, excesivo metraje se debe a que originariamente iba a ser una miniserie de seis horas. “Wyatt Earp” abarcaba toda la vida de su protagonista, desde su juventud, lo que acercaba más al biopic. Mientras “Tombstone”, con una hora menos, iba más al hueso, por lo que al público le resultó más entretenida y divertida. Y quizá lo sea, aunque sus críticas fueran peores.

   Si decíamos que Billy, el Niño, era uno de los grandes símbolos del Salvaje Oeste, Wyatt Earp fue lo propio al otro lado de la ley. Fue un Marshall famoso por su dureza, empleada en Dodge City y en Tombstone y que participó en el tiroteo más famoso de la época, el de O.K. Corral, enfrentándose junto a dos de sus hermanos y el popular pistolero Doc Hollyday a los Clanton y los McLaury.

   Un personaje real que ha aparecido en 25 películas pero solo en cuatro ha sido el protagonista absoluto, que son “Pasión de los fuertes”, “Duelo de titanes” y las mencionadas “Tombstone, la leyenda de Wyatt Earp”, y “Wyatt Earp”. Y ha sido interpretado por nombres como Henry Fonda, Burt Lancaster, Kurt Russell y Kevin Costner.

 

   Un Costner arropado por un gran reparto, formado por Dennis Quaid, que adelgazó trece kilos, para disgusto de su esposa en aquel tiempo, Meg Ryan, para meterse en el papel del tuberculoso Hollyday. Además de Gene Hackman, Michael Madsen, Joanna Going, Mark Harmon, Tom Sizemore, Bill Pullman, Isabella Rossellini, Jim Caviezel, Linden Ashby, . . . 

   Una película claramente infravalorada en su momento, que obtuvo buenas críticas pero no la acompañó el público. Fue nominada a la mejor fotografía. Por contra, fue también nominada a varias categorías de los Razzies, uno de los cuales fue otorgado a Kevin Costner, lo cual confirma la ignorancia del jurado de estos premios. Costner pocas veces ha estado mejor.

Nyad

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Nyad.
Dirección: Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 121 min.
Género: Drama, deportes.
Interpretación: Annette Bening, ​Jodie Foster,​ Rhys Ifans, ​Karly Rothenberg, Jeena Yi
Luke Cosgrove, Eric T. Miller, Garland Scott.
Guion: Julia Cox. Libro: Diana Nyad.
Producción: Andrew Lazar, Teddy Schwarzman.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Claudio Miranda.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Diana Nyad, tras haberse retirado de la natación de fondo varias décadas atrás, decide retomar el intento de completar la travesía entre Cuba y Florida para convertirse en la primera persona que lo hace sin ayudarse de una jaula antitiburones. Además, de que cuenta con sesenta años.

   LO MEJOR: Entraría en la modalidad de cine de deportes, y si te gusta pues esta película cumple con varios de los condicionantes habituales del género. Uno de ellos es el de considerarse la superación de un gran reto. De hecho, se trata de una gesta deportiva real, que al parecer, ha guardado bastante fidelidad a la realidad. Recuerdo verlo en las noticias y parecerme un logro impresionante. Bueno pues aquí está la recreación de la historia. No obstante, siendo también muy típico, cuenta algunas cosas interesantes. Aparte de reflejar la fuerte personalidad de la propia Diana Nyad, ejerce como reivindicación de la colaboración de su equipo. Aspectos como la importancia de tener un buen navegador (humano), como sortearon los ataques de los tiburones, diseñaron el traje antimedusas y, sobre todo, la labor de su entrenadora, son cosas que no creo que supiera nadie y aquí te las cuentan. Pero además es la historia de una amistad entre dos mujeres, sin ninguna connotación sexual. De todos modos, no sería una película de deportes en toda regla si no consiguiera que el espectador sufriera con la protagonista, si no transmitiera su pasión por su sueño. Y ya el que le gusta la natación, aunque no es necesario, le puede servir de motivación total. La película consigue resultar sumamente emocionante a pesar de saber su desenlace. Y eso es lo que se pide a una película de este tipo.

   Interpretación: Más de la mitad del interés que genera la película está producido por la química entre los dos personajes principales, es decir, Annette Bening y Jodie Foster. Bening, sin duda, hace un trabajo excelente, por el que fue nominada al Oscar, realizando además un gran esfuerzo físico. Pero el alma de la película me parece Foster, que nivel el de esta actriz, a la que pongo el nivel de Meryl Streep o superior. Pero es que incluso le doy mucho valor a la participación de Rhys Ifans. Por cierto, se parecen bastante a los personajes reales.

   Escenas (SPOILERS!!): Tienen escenas de bastante tensión, y muy intensas desde lo dramático, como los diversos abandonos en los primeros intentos, ya sea por el ataque de una avispa de mar, por la tormenta, y demás. Pero también momentos en los que todo pudo irse al garete en el intento definitivo, como el avistamiento del tiburón o cuando la propia Diana Nyad parece haber perdido la cordura y es Bonnie (Foster) quien consigue que vuelvan a nadar coherentemente lanzándose ella misma al agua. La última parte, a pesar de conocer o intuir el resultado, es muy emocionante. De los flashbacks, solo me parece que aporte algo el que insinúa que Diana sufría abusos sexuales por parte de su entrenador. Pero luego lo explica ella misma como si el espectador necesitara que se lo aclararan.

   LO PEOR: Desde la dirección se esfuerzan en darle un tono documental, como queriendo darle mayor veracidad al asunto, pero personalmente creo que funciona de manera inversa, y cada vez que añaden esas voces de archivo, lo que hacen es sacarme de la historia. Me sobran todos esas aportaciones y ya de paso, todos los flashbacks y algunas de las alucinaciones de la protagonista.

   REFERENCIAS: Va en la línea de superación de otras películas deportivas como “Invictus” o “El milagro” pero con algo de “127 horas”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Típica historia de superación deportiva basada en un caso real pero sobre todo sobre la amistad entre dos mujeres magníficamente interpretadas por unas enormes Annette Bening y Jodie Foster.

Música de Película: La muerte tenía un precio

 

   Ennio Morricone se ocupó de la música de todos los western de Sergio Leone y en especial, todos los de la "Trilogía del Dólar" tienen un tono estilístico parecido pero cada uno de ellos con su propio toque personal. Aquí introducía una melodía salida de un reloj que se convertiría en el tema más icónico de la película.

Tema: Main theme.

Película: La muerte tenía un precio.

Intérprete o compositor: Ennio Morricone.

Tema: Watch chimes.
Película: La muerte tenía un precio.
Intérprete o compositor: Ennio Morricone.

Tema: El indio.
Película: La muerte tenía un precio.
Intérprete o compositor: Ennio Morricone.

Escenas Míticas: Especial Western - Patt Garrett y Billy El Niño

 

   Llevamos varias entregas hablando o adelantando lo que venía tras el western clásico, con directores como John Ford o Howard Haws como máximos representantes, que no era otro que el western crepuscular, cuya máxima referencia era precisamente el autor de esta película, Sam Peckinpah, sin ninguna duda. No en vano, considero este título al western crepuscular definitivo.

   No el mejor ni más significativo de esta corriente, eso le correspondería a otro título del mismo cineasta, la inigualable “Grupo salvaje”, probablemente la mejor película de su filmografía, y eso teniendo en cuenta que en ella figuran películas como “Duelo en la alta sierra”, “Perros de paja”, “La huida”, “La Cruz de hierro” o la que comentamos hoy, es decir mucho.

   Pero me parece el definitivo porque fue el último western de Peckinpah. Y porque trataba sobre la muerte de uno de los mitos reales del salvaje Oeste, Billy, el Niño, que además lo hacía en la recta final del periodo histórico en el que basan prácticamente todos los western, es decir, de 1865 a 1890, cuando Billy moría en 1881.

   El western crepuscular no moría con Sam Peckinpah, de hecho, los cuatro dirigidas por Clint Eastwood, “Infierno de cobardes”, “El fuera de la ley”, “ El jinete pálido, y la gran “ Sin perdón”, son claramente crepusculares, pero tratar la muerte de uno de los símbolos del salvaje Oeste y no volver a realizar un western posteriormente me hacen considerar a “Pat Garret y Billy el Niño” su western crepuscular definitivo.

   De todos modos, aunque para mí esta es sin duda la mejor, de Billy, el Niño, ha habido innumerables películas, como por ejemplo, “El zurdo”, con Paul Newman en el papel. No fue la última visita a la leyenda de Billy, el Niño. Lo fue un binomio formado por “Arma joven” y su secuela, “Intrépidos forajidos”, con un gran reparto de actores jóvenes encabezado por Emilio Estévez, entre 1988 y 1990.

   Billy, el Niño, era el apelativo de William H. Bonney (McCarty, en realidad), un forajido y pistolero al que se le atribuyen 21 asesinatos, aunque solo están demostrados 9, y varios de ellos fueron en defensa propia o durante sus huidas. O en tiroteos en los que se vio envuelto, por lo que es probable que le atribuyeran muertos de otros. Sin embargo, en múltiples ocasiones se le ha mostrado como un ser despiadado.

    No obstante, la historia más contrastada no dice eso. Sino que en sus inicios fue empleado como vaquero por un importante ganadero llamado John Tunstall, al que Billy consideraba como un segundo padre. Cuando este fue asesinado en una emboscada, Billy inició una escalada de violencia como venganza.

   Hay muchas teorías sobre su muerte. La más romántica era que fue a manos del que fue su amigo, Pat Garrett, quien había sido nombrado sheriff del Condado de Lincoln, Nuevo México, casi con la exclusiva misión de dar caza a Billy. Pero el modo difiere en interpretaciones. Unas dicen que le mató por la espalda. Otras que le mató otra persona y Garrett se atribuyó la hazaña.

   Incluso que Billy ni siquiera murió. Es más en posteriores investigaciones, la última no hace tanto, en 2000, que determinó que no estaba enterrado en Fort Summer, como debería y que probablemente vivió unos cuantos años más. De hecho, un identificador de rostros del FBI, establecía sospechosa semejanzas faciales (cicatrices, ojos, nariz) con un granjero llamado Robert.

   Para ponerle cara en la película se eligió a Kris Kristofferson, y para su perseguidor a James Coburn. El reparto lo completaban Jason Robards, un jovencísimo Bob Dylan, que además compuso la banda sonora, y Katy Jurado.

El uso que hacía Peckinpah de la violencia fue una de las novedades que introdujo en todas sus películas y que llamó especialmente la atención en sus western. Con un tratamiento de las escenas más violentas con la cámara lenta que les daba un tono casi poético. Y que ha servido como inspiración a otros directores posteriores como Walter Hill o Quentin Tarantino. Era apodado en Hollywood como "Sam, el sanguinario". La película costó 5 millones de dólares y recaudó 11. 

Godzilla Minus One

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Godzilla Minus One.
Dirección: Takashi Yamazaki.
País: Japón.
Año: 2023.
Duración: 119 min.
Género: Fantástico, ciencia ficción.
Interpretación: Ryūnosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yūki Yamada, Munetaka Aoki, HidetakaYoshioka, Sakura Andō, Kuranosuke Sasaki.
Guion: Takashi Yamazaki.
Producción: Minami Ichikawa, Kenji Yamada, Kazuaki Kishida, Gō Abe, Keiichirō Moriya.
Música: Naoki Sato.
Fotografía: Kôzô Shibasaki.
Distribuidora: Toho.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Japón intenta recuperarse de los efectos devastadores sobre el país. Inicia su reconstrucción cuando aparece un enorme monstruo del océano.

   LO MEJOR: Godzilla ha vuelto a casa en su setenta cumpleaños. lo ha hecho en todos los sentidos. En el más literal, es decir, bajo la tutela de la productora que lo parió cinematográficamente, Toho. Pero también, y aquí viene su mejor virtud, en cuanto a su esencia, que no era otra que servir de símbolo del terror nuclear en el que estaba sumido Japón tras haber sido castigado con dos bombas atómicas en la Segunda Guerra Mundial, periodo cercano al que se desarrolla la historia, recogiendo ese clima de pánico de la población de vivir bajo la amenaza de una catástrofe. De hecho, Godzilla nace por el efecto de la radiación. Y nuevamente han sido los japoneses quienes han sabido volver a ese espíritu nostálgico. Se nota en el cariño que hay en todos los apartados de la película. Con un guion trabajado, con un arco del protagonista que podría incluso funcionar de forma independiente, sin la presencia del monstruo, y con el que han tenido especial cuidado en las explicaciones científicas.. pero donde hay que quitarse el sombrero es con sus efectos especiales. No porque merecidamente hayan ganado el Oscar en su última edición, es que cuesta creer que hayan conseguido esta calidad con un presupuesto tan solo 15 millones de dólares. Cualquiera diría que tiene diez veces más. Y lo han conseguido con la tecnología actual pero volviendo a las maquetas, recreando a la bestia físicamente como la de antaño, y curiosamente dando más miedo. Es la mejor película de Godzilla en mucho, mucho tiempo.

   Interpretación: No son las interpretaciones lo más de destacable de la película aunque sus protagonistas, Ryunusuke Kamami y Minami Hamabe, de algún otro también. Quizá es que el público a quien quiere ver es al lagarto gigante que hace de Godzilla.

   Escenas (SPOILERS!!): La primera aparición en la isla, en lo que podría considerarse el prólogo, es tremenda. Y la puesta en escena genial, haciendo presente a Godzilla sin llegar a verle realmente demasiado. Pero donde uno se queda con la boca abierta es en el ataque a la ciudad de Guinza. Es impresionante. Sobre todo cuando despliega su aliento atómico, que se muestra precisamente como si explotara una bomba nuclear que claramente hace referencia a la onda expansiva de Hiroshima y Nagasaki. Luego toda la parte acuática y de lucha con los barcos remolcadores es muy buena. Recuerda al final de “Dunkerque”. Aunque es previsible ver que el protagonista no va a suicidarse en plan kamikaze y que ella en realidad ha sobrevivido al desastre de Guinza.

   LO PEOR: Tras un inicio brutal, tiene un valle de ritmo hasta la siguiente aparición del monstruo, que se hace esperar. Luego ya no para. Pero en la parte final hay varios (no los llamaría giros) golpes de guion que son perfectamente adivinables y que hacen la historia más predecible en su desenlace.

   REFERENCIAS: No soy hipócrita, a mí me gusta el Godzilla americano, incluso el de Roland Emmerich me parece muy divertido. Pero esta está entre la original, “Japón bajo el terror del monstruo” y ese intento de actualización, que salió regular, que fue “Shin Godzilla”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Godzilla ha vuelto a casa por su cumpleaños, volviendo a la esencia de lo que triunfó en sus inicios y dando como resultado la mejor película sobre el famoso monstruo en mucho tiempo, gracias a unos excelentes efectos especiales.

Microctíticas Express: Damsel/En las profundidades del Sena

 

   Lo reconozco, me gustan estas películas de fantasía y si me incluyen un dragón pues va a ser difícil que no vea esa película precisamente. En ese sentido esta me ha entretenido bastante. Ahora que yo no he visto ese tono de terror que prometía el tráiler. Se podría dividir en tres bloques fácilmente diferenciables. El primero es el clásico cuento de hadas. El segundo es un survival de monster movie. Y el tercero es una película de Marvel. Porque una cosa es partir unos cuantos leños y otra es dar volteretas como si la protagonista fuera la Viuda Negra. Se le va y mucho la pinza en esta fase. Pero la actriz cumple bastante bien, Milly Bobby Brown se echa la peli a sus espaldas y es capaz de mantener esto a flote ella solita. Bueno, solita no, con mucha ayuda de una dragón muy bien recreado. De hecho, visualmente la factura es notable. Hay que tener en cuenta que no tiene un presupuesto de 200 millones de dólares, sino de 70, que no está mal pero no estamos hablando del montante de “Godzilla vs Kong”. Por eso, la ambientación, los escenarios y demás, me han parecido muy atractivos estéticamente. El reino, la cueva, . . . y si, nuevamente, el dragón. Hay que apuntarle al español Juan Carlos Fresnadillo (“28 semans después”) su eficiente puesta en escena en ese sentido. Eso si, por favor, no hace falta subrayar tanto el mensaje de violencia de género y de patriarcado, que no somos idiotas, ya se nota que es lo que quieren contar y está bien, pero no hace falta metértelo con calzador. 6.

   Que se haya convertido en poco tiempo en una de las películas más vistas de Nertflix confirma el tirón que tiene el subgénero de tiburones entre el público a pesar de que muy habitualmente el nivel sea bajísimo. Algunas son tan malas que llegan a darle la vuelta al calcetín y se convierten en buenas como comedias involuntarias. ¿Dónde se coloca esta película? Pues un poco por encima de la media, lo cual no es decir demasiado, la verdad. Pero se lo toma bastante en serio en sus dos primeros actos, más allá de que científicamente es absolutamente imposible, por mucho que quieran justificarlo todo con un cambio evolutivo en tiempo record y demás. Pero vamos, que no creo que nos vayamos a asustar los que somos aficionados a esta clase de cine cuando hemos visto escualos capaces de sacarse tres carreras, con varias cabezas o salidos en un tornado. Y si lo hacemos más extensivo a otras películas similares, hemos visto pirañas prehistóricas o cocodrilos mascotas de ancianas. De castores me he propuesto no hablar hoy. Por tanto, librando el obstáculo de la ciencia, tengo que reconocerle que ofrece algunas variantes interesantes. La más obvia es la del cambio de escenario. No es en Estados Unidos sino en Europa (Francia, como es evidente por el título) y no en el océano sino en un río (si, lo habéis adivinado, el Sena). Y la modalidad de ataques también cambia, no a cuentagotas sino en forma de masacres, y eso está muy rico. Eso si, el tercer acto ya es un despiporre sin complejos y con un desenlace que no solo me ha sacado una sonrisa, es que me ha hecho aplaudir. Lo de las interpretaciones ya si eso otro día. 6.

Escenas Míticas: Especial Western - Infierno de cobardes

 

   Cuando, a pesar de sus ya 94 años, estamos esperando el estreno de su última película, “Juror N°2”, teníamos que volver a representar en este ciclo al que ya es una leyenda no solo del western sino del cine en general, Clint Eastwood. No sabemos si hará más películas, llevamos años diciendo que en cada nuevo estreno que será el último de su carrera y resulta que después nos sorprende con otro.

   Porque Clint Eastwood parece dispuesto a dejar este mundo haciendo lo que más le ha gustado hacer en él, cine. Ya sea como actor o como director. Aquí tenemos ambas facetas porque en esta “Infierno de cobardes” volvió a doblar funciones, por segunda vez en su filmografía tras “Escalofrío en la noche” (que ya analizamos también aquí).

   Segunda película como director pero primer western, y era inevitable que no tardara demasiado en tocar este género dada la importancia que había tenido en su carrera como actor. De hecho, en ella claramente rinde tributo a uno de los cineastas claves en sus western como actor, Sergio Leone.

   Porque esto estaría bastante cerca del espagueti western, o western mediterráneo, aunque no fuera rodada en Almería, España, sino en Estados Unidos, en California. Es más, hay un homenaje en la película Leone, poniendo su nombre a una de las lápidas del cementerio del pueblo. No es el único, en otra de ellas vemos el nombre de Don Siegel (que dirigió a Eastwood en cinco ocasiones) y el de Brian S. Hunter (en otras dos).

   Con ello homenajeaba a los cineastas que más pudieron influir en él. E incluso su personajes homenajean al que interpretó en diferentes modalidades en la “Trilogía del Dólar”, de Sergio Leone. Tampoco tiene nombre como aquellos (se hace llamar Forastero) ni un comportamiento para nada ejemplar.

   No obstante, este sería el primero de los cuatro western que ha dirigido, todos distintos entre sí, aunque con evidentes similitudes de estilo, porque a pesar de sus influencias, Clint Eastwood logró aplicarles a todos su propia personalidad. Lo mismo ocurrió después con “El fuera de la ley”, “El jinete pálido” y su gran obra maestra, claramente de western crepuscular, “Sin perdón”.

   Curiosamente, ninguno de esos títulos era muy fordiano. Aunque se le considera a Clint Eastwood el último director clásico (mentira, también está Steven Spielberg), sus western no son muy cercanos al estilo de John Ford. Pero también se diferencia de los otros directores de western o que le hubieran dirigido a él, en que ninguno de ellos además había protagonizado sus películas.

   Él sí lo hizo en todas ellas, los western. Aquí junto a Verna Bloom, Mariana Hill, Geofrey Lewis o Billy Curtis. El papel de antiguo sheriff del pueblo fue para Buddy Van Horn, el que fue muchas veces doble del propio Clint Eastwood. Su parecido con él tenía especial relevancia para las dos teorías sobre la identidad del Forastero.

   Una de ellas proponía que era el hermano de sheriff al que asesinaron en público sin que nadie hiciera nada. La otra decía que él mismo era ese sheriff, Jim Duncan, qué volvía de la tumba para vengarse. Un aspecto que Eastwood volvería a dejar caer en "El jinete pálido", para darle un halo fantasmal a su protagonista. De hecho, en Hispanoamérica se estrenó como "La venganza del muerto". Y por lo visto, el director quiso quitar la frase final, "Era mi hermano" para que hubiese ambigüedad con su identidad. 

   De todos modos, el tema principal de la película es la inacción del pueblo ante el asesinato del sheriff. Inspirado en un hecho real, el apuñalamiento de Kitty Genovese, En Queens, Nueva York, se dice que ante más de treinta testigos que inexplicablemente no hicieron nada, lo que posteriormente se llamó "Síndrome del espectador". Esa pasividad que el Forastero quiere castigar, alguien que no pretende caer bien (nada más llegar "viola" a una mujer). De hecho, desprecia a todos los habitantes del pueblo. La película costó 6 millones de dólares y recaudó 16 en taquilla. 

Misántropo

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Misántropo.
Dirección: Damián Szifrón.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 119 min.
Género: Thriller, intriga.
Interpretación: Shailene Woodley, Ben Mendelsohn, Jovan Adepo, Ralph Ineson, Michael Cram, Mark Camacho, Arthur Holden, Rosemary Dunsmore.
Guion: Damián Szifrón, Jonathan Wakeham.
Producción: Aaron Ryder, Shailene Woodley, Damián Szifron.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Javier Juliá.
Distribuidora: Vertical Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: La noche de Año Nuevo se produce un atentado múltiple por parte de un francotirador que acaba con 29 personas. Un agente especial del FBI se alía con una joven policía para dar caza al asesino.

   LO MEJOR: Me temía lo peor para una película que a priori pintaba bastante bien pero que se estrenaba casi sin hacer ruido, no llegaba a recaudar ni tres millones de dólares, con mezcla de críticas profesionales y que tardaba casi un año en llegar a España y prácticamente directa a plataforma. Inevitablemente eso hace que bajes el listón pero es que objetivamente, después de verla, puedo afirmar que me parece que se la ha tratado de forma muy injusta. De hecho, me parece un muy buen thriller policiaco. El subgénero de psicokiller o asesinos en serie ha sufrido diversos vaivenes, quizá porque, aunque al público le gustan en general, rara vez podían sacudirse la influencia de “El silencio de los corderos” y más tarde “Seven”, llegando a ser algunas películas clónicas de ellas. Esto no le pasa a “Misántropo”. A ver, no es el colmo de la originalidad, al final posee la típica estructura narrativa de investigación del asesino y tal, pero es que este tiene un perfil tan alejado del los Hannibal Lecter o John Doe que casi hasta se sale del calificativo del asesino en serie para ajustarse al de asesino de masas. Además, Damián Szifrón, en un género bastante alejado también de sus anteriores títulos aplica un tono muy realista, con una puesta en escena que en ocasiones logra que absolutamente cualquiera que tengamos en pantalla pueda ser la siguiente víctima. Y todo ello narrado bajo un muy buen ritmo, que se mantiene durante por lo menos tres cuartas partes del metraje.

   Interpretación: Esta chica está claramente infravalorada. Hablo de una Shailene Woodley que es la verdadera protagonista, por mucho que un muy buen Ben Mendelshon amenace en ocasiones con robárselo, aunque solo llega a situarse como coprotagonista. Su buena química con Woodley es uno de los aciertos de la película.

   Escenas (SPOILERS!!): La película abre con una secuencia de asesinatos por parte de un francotirador mostrada de forma brutal, en la que cualquiera puede morir y en la que puede respirarse la sensación de desconcierto y de caos. Recuerda un poco al arranque de “Jack Reacher”. Pero es claramente mejor. No tan impactante pero igualmente realista es la masacre en el centro comercial haciendo un gran dominio del fuera de campo. Si hay algún paralelismo con “ El silencio de los corderos” en cuanto a la relación mentor – alumna de los protagonistas, parecida a la de Jack Crawford (Scott Glenn) y Clarice Starling (Jodie Foster). El final convirtiendo a Eleonor Falco (Woodley) en agente especial del FBI quizá indicaba que de haber tenido éxito la película podríamos haber visto algunas secuelas con ella como investigadora principal. Habría estado bien.

   LO PEOR: En la última media hora se rompe ese ritmo. No la intensidad pero si la narración, que por otra parte, incluso antes, en varias ocasiones, le hubieran venido bien un poco más de poso, de dar tiempo para digerir toda la información.

   REFERENCIAS: Aunque tenga algunos aspectos de “El silencio de los corderos”, son muy de pasada y se acerca más a la trama de “Harry, el sucio” junto con películas de atentados de masas como “Utoya”.

   CONCLUSIÓN: 7. Un buen thriller policiaco que inexplicablemente ha pasado sin pena ni gloria, a pesar de ofrecer una variante del subgénero de asesinos en serie y de tener unas destacables interpretaciones de Shailene Woodley y Ben Mendelshon.

Microcríticas Express: El paso del diablo/La piscina/Blood

 

   Está basada en el caso real del incidente del paso de Diatlov, en los Montes Urales, donde en 1959 los nueve integrantes de un grupo de estudiantes fueron encontrados muertos en muy extrañas circunstancias. Se han hecho múltiples cábalas, documentales, reportajes (yo conocí la historia en “Cuarto Milenio”) pero ninguna de las teorías formuladas para dar explicación a lo que ocurrió allí han sido totalmente satisfactoria y a día de hoy sigue siendo un misterio. Ese era mi mayor interés por la película, que volvía al lugar con otro grupo de jóvenes para investigar lo que pudo pasar. De hecho, cuentan bastante bien todo el caso y hasta más o menos la mitad transcurre con bastante realismo. Ayuda el ser rodado como falso documental (tranquilos, la cámara no se mueve demasiado) por un Renny Harlin que yo recuerdo que me gustaba bastante en sus inicios y por causa de una mala racha de fracasos de taquilla cayó en desgracia para ser más habitual en productos de serie B como este. He dicho que la primera mitad bien pero en la segunda, que es donde se supone que se tenía que poner interesante, pues empieza a írsele la olla, mezclando todas las teorías sobre el caso y quedándose con la más fantasiosa y se supone más terrorífica, pero que a mí en ocasiones me ha parecido hasta ridícula. Una pena porque parecía que se habían tomado en serio el tema. 4’5.

   Está basada en el corto “Night Swim”, que en realidad es el título original que la película, ambos dirigidos por el debutante Bryce McGuire, al que tengo que reconocerle que tiene una puesta en escena interesante en cuanto a las secuencias de suspense. Que es justo lo que es el corto, una buena secuencia de tensión, aunque se le nota demasiado que toma cosas de “Tiburón” o “It”. Pero claro, a la hora de convertirlo en un largometraje, ha tenido que construir toda una historia alrededor que viene a seguir el ABC del género de casas encantadas, bebiendo descaradamente de títulos como “Poltergeist” y, sobre todo, “Terror en Amityville”, con la única peculiaridad que todo el terror parte del interior de una piscina. Y bueno, son precisamente esas escenas acuáticas lo más salvable de una película que tenía mejor pinta de lo que luego en realidad ofrece. A quien le gusten los sustos y con eso le valga, que es muy respetable, esta los tiene, pero tampoco va a dejarte ninguna imagen en el cerebro que te dure más de cinco minutos después de terminar. Y eso que en el reparto, la pareja protagonista formada por Wyatt Russell y Kerry Condon, es bastante competente y hacen lo que pueden con unos personajes que sientes que has visto varios millones de veces. Pero bueno, tampoco puedo decir que me he aburrido, es entretenida, sin más. 5’5.

   Podría titularse perfectamente “Que no haría una madre por un hijo” o “Mi hijo es un vampiro”. Tranquilos, que esto ya lo puedes sacar de cualquier sinopsis o del propio tráiler. Y si no, basta con poner un poco atención al cartel de la película. Y es verdad que gira en torno a esto. De hecho, uno de los puntos acertados de la historia es mostrar con un tratamiento lo más realista posible de la necesidad de sangre. Porque Brad Anderson se aleja todo lo que puede de los tópicos vampíricos y del romanticismo inherente habitualmente en este género. Hasta el punto que simplemente lo identificamos como un ser que tiene mucha sed. Y ahí entra en juego el personaje de la madre, interpretada por una muy destacable Michelle Monaghan, que solo quiere que su hijo sobreviva. Dado todo está envuelto en un drama de familia desestructurada, que en realidad, de lo que nos viene a hablar es de la enfermedad, tanto de la madre como del hijo, y de que somos capaces de hacer para salvar a un ser querido. En ese sentido, el dramático, funciona bien. No tanto en el terrorífico, porque ahí es bastante predecible. Todo lo que se te ocurre que quizá vaya a pasar, termina efectivamente pasando. Y tampoco es que ofrezca respuestas finales muy satisfactorias, lo que demuestra que lo que le importa a Anderson es más la parte dramática. Por cierto, aquí en España han puesto la coletilla al título “de Brad Anderson” como si fuera super conocido. Me ha parecido curioso. 6.