Los Tres Mosqueteros: D'Artagnan

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Los tres mosqueteros: d’Artagnan.
Dirección: Martin Bourboulon.
País: Francia.
Año: 2023.
Duración: 121 min.
Género: Aventuras, intriga.
Interpretación: François Civil, Eva Green, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Marmai, Vicky Krieps, Louis Garrel, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Oliver Jackson-Cohen.
Guion: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas.
Producción: Dimitri Rassam.
Música: Guillaume Roussel.
Fotografía: Nicolas Bolduc.
Distribuidora: Pathé.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: D’Artagnan llega a París para convertirse en mosquetero, su gran sueño. Por azares del destino se reta en duelo con tres de los más importantes del reino. Su relación con ellos le llevará hasta una conspiración contra el rey.

   LO MEJOR: Igual la de Alejandro Dumas es la novela literaria más adaptada de la historia del cine. Si no lo es, debe estar en los primeros puestos. Pues quién lo iba a decir pero acaban de hacer, a falta de confirmación, la que probablemente es la mejor versión. Y falta confirmar porque esto es solo la primera mitad, habrá que esperar a ver la segunda pero de momento pinta muy bien. Porque lo visto hasta ahora es la adaptación más seria, más espectacular y más violenta (sí, a la gente cuando se la pincha con una espada sale un líquido rojo que se llama sangre). También es la más apegada, que no estrictamente fiel, al texto original. Por lo que el espectador tendrá oportunidad de ver pasajes que no se han visto en otras versiones. Lo que ayuda a desarrollar más y mejor las intrigas palaciegas (casi a lo “Juego de tronos”), pero sin olvidarse de las escenas de acción, que son realmente brutales, algunas rodadas en excelentes planos secuencia, con abundante cámara al hombro, en un estilo puramente moderno. En conjunto da como resultado un ritmo vibrante que hace que la narración sea tremendamente entretenida. Todo lo que tiene alrededor contribuye a mejorar el espectáculo, que en ocasiones llega a ser épico, como la magnífica ambientación, la fotografía, vestuario y una poderosa banda sonora. Estoy deseando ver la segunda parte.

   Interpretación: Es curioso pero en todas las versiones anteriores, el personaje que precisamente me interesa menos es D’artagnan, creo que siempre bajo la sombra de los tres mosqueteros. Pues aquí no, y en gran parte es gracias al convincente trabajo de Francois Civil. Pero igualmente está muy bien arropado por los que interpretan a esos mosqueteros, sin duda, un acierto en el casting, como son Romain Duris, Pio Marmai, y desde luego, Vincent Cassell. Por otro lado, no se me ocurre mejor Milady que Eva Green, aunque está claramente reservada para la segunda parte, al igual que el Richelieu de Erik Muf. El que me falta es Roquefort.

   Escena (SPOILERS!!): Nada más empezar uno se da cuenta en el asalto del principio, en oscuridad, bajo la lluvia y con una escena de acción en plano secuencia, que el tono de la película es otra cosa. Como cuando encuentran a la chica asesinada en la cama de Athos, ensangrentada, desnuda (cuando se ha visto un desnudo en las otras versiones) y con las puñaladas perfectamente visibles. Pero lo que más me ha sorprendido son precisamente las escenas de acción, rodadas con un pulso de cámara de cine actual, como en el combate tras los “duelos” con los mosqueteros o en la trampa en la visita del Duque de Buckingham (madre mía como suenan los disparos). Bastante sorprendente es el atentado terrorista en la boda del hermano del rey, que termina en masacre (muy “Juego de tronos” también).

   LO PEOR: Que no estrenen la segunda parte ya y tengamos que esperar todavía unos cuantos meses. Pero bueno, casi por decir algo, la narración hay un momento que parece un tanto atropellada, para pasar del segundo al tercer acto, pero es un efecto que se disipa rápidamente.

   REFERENCIAS: Hay innumerables versiones anteriores que no voy a mencionar. Esta se ha dividido en dos partes. La primera más centrada en D’artagnan . Y la segunda, que llegará a finales de año, en Milady.

   CONCLUSIÓN: 7’5. La versión más seria, más espectacular y más violenta, y también probablemente la mejor, si se confirma en la segunda parte lo bueno exhibido en la primera. Los franceses han demostrado saber cuidar a su clásico literario más versionado.

Almas en pena de Inisherin

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Almas en pena de Inisherin.
Dirección: Martin McDonagh.
País: Reino Unido.
Año: 2022.
Duración: 114 min.
Género: Drama.
Interpretación: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan, Pat Shortt, David Pearse, Gary Lydon, Jon Kenny.
Guion: Martin McDonagh.
Producción: Graham Broadbent, Peter Czernin.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Ben Davis.
Distribuidora: Walt Disney Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En una remota isla de Irlanda, dos de sus habitantes, hasta el momento amigos, rompen su amistad por decisión de uno de ellos ante la incomprensión del otro, lo cual no acepta. Por lo que la tensión irá en aumento hasta tener consecuencias dramáticas.

   LO MEJOR: Cinco años han pasado desde su anterior trabajo, “Tres anuncios a las afueras”, que también fue en su momento una de las favoritas a los Oscars pero con un resultado decepcionante (e injusto) como lo ha sido esta. No obstante, es habitual espaciar el tiempo entre sus películas para Martin McDonagh, uno de esos cineastas peculiares, nada comerciales y muy personales. Sobre todo en el rasgo más predominante en su cine, un humor negro muy especial. Sus películas son muy divertidas aunque en el fondo traten de un drama o incluso una tragedia. De tal manera que el espectador tiene una sensación confusa, lo de estar riendo de algo que no debería producirle gracia. Y con eso juega McDonagh aquí. Es importante, por tanto, señalar que no hay que tomar la historia de forma literal pues está haciendo una parábola de la guerra civil. Algo a tener en cuenta a la hora de interpretar ciertas situaciones que plantea el guion, quizá ciertamente ridículas si lo hacemos de forma literal. La propia narración se asemeja a la de un cuento, a una fábula en la que se hacen constantes referencias a una guerra que nunca vemos, porque la que se está librando es la de los personajes. Bajo un entorno tan cerrado como puede ser el de una isla (donde se refleja bastante el comportamiento isleño de sus habitantes) pero al mismo tiempo mostrado mayoritariamente en exteriores, de lo cual saca gran rendimiento la fotografía.

   Interpretación: El reparto está de matrícula, todos ellos. Con un protagonismo dividido, en mayor o menor medida, en cuatro partes. Colin Farrell viene ya bastante tiempo haciendo esto. Un actor con su sanbenito que ya resulta absurdo. Pero ya debería estar de sobra superado porque los personajes que viene interpretando son de todo menos fáciles. Y esta es la mejor interpretación de su carrera. Pero es que las otras tres partes están magníficas. Tanto Brendan Glesson, como Barry Keoghan, como, y sobre todo, una soberbia Kerry Condon.

   Escenas (SPOILERS!!): Cada acto de la película tiene un significado metafórico. El hecho de que el personaje Glesson decida romper la amistad con el de Farrell es como cuando un país se divide en dos a causa de una disputa. O como una parte de la población decide independizarse y la otra ni lo entiende ni lo acepta. El corte de los dedos puede interpretarse como manifestaciones, como protesta o incluso como actos terroristas. Actos que tienen consecuencias, como la muerte del burro (escena tristísima, por cierto), lo que provocó una reacción violenta, aunque inicialmente no se tenga intención de ello. Curiosamente, los que se van de la isla, los exiliados, aunque vayan a donde está la verdadera guerra, son los que se salvan, como el personaje de Kerry Condon. Sin embargo, el de Barry Keoghan representa las víctimas del conflicto.

   LO PEOR: No es para todo el mundo y exige al espectador paciencia y tratar de ver más allá de lo evidente. Porque si cometes el error de tomarlo todo literal, si no entras en las metáforas, no solo no vas a pillar nada, es que además te vas a salir de la historia con facilidad. No es un humor fácil el que plantea Martin McDonagh.

   REFERENCIAS: La película tuvo nueve nominaciones a los Oscars, de los cuales no ganó ninguno. Como referencia principal está el propio cine de Martin McDonagh. Pero en ciertos puntos tiene aspectos que recuerdan a “Los Santos Inocentes”.

   CONCLUSIÓN: 7. Otra película con el sello peculiar de su creador, Martin Mcdonagh, con ese extraño sentido del humor, esta vez para hacer una parábola de la guerra, de la cual participa un magnífico e inspirado reparto.

Escenas Míticas: Diablo - Pactar con el diablo

 

   Si algo tienen en común los títulos elegidos para figurar en este ciclo sobre el diablo, no sobre las posesiones o exorcismos, sino sobre el diablo como personaje en sí mismo, como elemento central de la trama, de una forma u otra; es que al final gana. Tanto en “La semilla del diablo”, como en “La profecía” o “El corazón del ángel”, Satanás termina saliéndose con la suya. Además, hay dos subtramas que se repiten en todas ellas: el pacto con el diablo y la llegada del Anticristo.

   Pues aquí son ambas. Vinculando el argumento al mundo de la justicia, al derecho penal y, por tanto, a los abogados, como excelente caldo de cultivo para plantear dilemas morales y así colocar una balanza entre la ambición por el éxito, el deseo de ganar del letrado, y lo puramente ético. Esa es la prueba a la que somete el diablo al protagonista tentándole a conseguir el triunfo a cambio de que engendre al Anticristo.

   No obstante, la película tiene bastante más referentes, en este caso, literarios. De primeras está basada en la novela homónima de Andrew Neiderman. Pero temáticamente es mucho más clásica. El propio nombre del antagonista alude al escritor del poema “El paraíso perdido”, John Milton, el cual describe su particular visión de la caída de los ángeles rebeldes. Incluso se llega a mencionar la frase del poeta inglés: “Es mejor reinar el infierno que servir en el cielo”.

   Con otra frase; “Mira pero no toques” se alude a la tentación provocada por Satanás hacia Eva con la manzana. Pero también se toma como inspiración el “Fausto” de Goethe o “La Divina Comedia” de Dante. La estructura del edificio donde viven los abogados más importantes de bufete, cuyos pisos tienen mayor relevancia cuanto más altos son hace un guiño a los círculos del Purgatorio del escritor italiano.

   También hay referencias bíblicas. Se llega a emparentar la ciudad de Nueva York con la antigua Babilonia. Ciudad, por cierto, que en un momento dado muestran completamente vacía. Curiosamente, ese mismo año, 1997, hacia lo propio Alejandro Amenábar con Madrid en su “Abre los ojos”. No queda ahí la cosa, pues también juega con los colores.

   Previo al asesinato de uno de los personajes, este es “perseguido” por varias personas vestidas con los colores que representan a los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, correspondientes a la Conquista, la Guerra, la Hambruna y la Muerte. Además, el protagonista comienza la película usando trajes de colores claros, que a medida que avanza la trama van oscureciendo hasta terminar con un traje completamente negro.

   Papel para el que en un principio se pensó en Brad Pitt y llegaron a estar considerados Christian Slater, John Cusack y Edward Norton. Finalmente se quedó con él Keanu Reeves, que venía de triunfar con “Speed” y que renunció a protagonizar la secuela para aceptar este papel. El de John Milton fue rechazado por Al Pacino hasta cinco veces, tomando a Robert Redford y a Sean Connery como alternativas recomendadas por él mismo.

   Varios cambios en el guion animaron a Pacino a aceptar. Personalmente creo que es uno de los personajes de la amplia carrera del actor italoamericano con las que mejor se lo ha pasado y considero que es una de las mejores encarnaciones del diablo que se han hecho. Completa en el reparto Charlize Theron, que estuvo varias meses hablando con un psicoterapeuta una hora al día para prepararse para interpretar la esquizofrenia, y Connie Nielsen, bilingüe, al igual que su personaje.

   Aunque en un principio se pensó en Joel Schumacher para dirigir, finalmente se eligió a Taylor Hackford, cuyos títulos más destacados de su filmografía son “Oficial y caballero”, “Noches de sol”, “Eclipse total” o “Ray”, además de la que estamos comentando. Que tuvo mayoritariamente buenas críticas y económicamente no fue mal. Costó 50 millones de dólares y recaudó 153 en taquilla.

   Como curiosidad, se tomó como inspiración principal para el caso que debe llevar el personaje de Reeves, Kevin Lomax, que es un triple asesinato, el caso real y tremendamente publicitado por los medios en Estados Unidos de O.J. Simpson.

Air

    FICHA TÉCNICA

Título: AIR.
Dirección: Ben Affleck.
País: Estados Unidos
Año: 2023.
Duración: 112 min.
Género: Drama, biográfico, deporte.
Interpretación: Matt Damon, Ben Affleck, Viola Davis, Jason Bateman, Chris Messina, Chris Tucker, Matthew Maher, Marlon Wayans, Gustaf Skarsgård, Julius Tennon, Jessica Green, Joel Gretsch, Barbara Sukowa, Tom Papa, Gabrielle Bourne, Lechristopher Williams, Dan Bucatinsky, Haylee Baldwin, Andy Hirsch, Tami Jordan, Zacorri, Ure Egbuho, Martina De Leon.
Guion: Alex Convery. Biografía sobre: Michael Jordan.
Fotografía: Robert Richardson.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En los años ochenta, la marca Nike se propuso dar un gran golpe de afecto al mercado de zapatillas de baloncesto para adelantar a sus dos grandes competidoras, Adidas y Converse. Para ello lo apostaron todo por un joven jugador universitario, Michael Jordan.

   LO MEJOR: Es de esas películas sobre el deporte pero no de deporte. Es decir, no vamos a ver baloncesto más allá de un par de vídeos de ojeadores. Es más, la película es tanto sobre Michael Jordan como sobre Nike, y casi más decantándose hacia lo segundo. Pero si va sobre el deporte, pues habla de un acuerdo histórico, uno que sentó tal precedente que a partir de ahí cambiaron las reglas de los contratos de patrocinios de jugadores, y que potenció a la marca Nike, al baloncesto americano y al propio deporte como no había ocurrido hasta el momento. Pocas veces, o ninguna más, se ha visto una empresa tan vinculada popularmente a un deportista. Y la película nos habla de como se fraguó esta situación, con bastante fidelidad a los hechos, por lo visto, y todo lujo de detalles que hará las delicias de los interesados en esta historia. Que narra la perfección un Ben Affleck volviendo a confirmarse como un excelente director, de mirada clásica, por cierto, sin florituras de cámara. De hecho, la trama está conformada por constantes conversaciones, mayormente trata sobre gente hablando, y aún así es muy entretenida, tiene un muy buen ritmo, gracias a unos diálogos rápidos y vibrantes, en ocasiones escupidos como si salieran de una ametralladora o de las plumas de Aaron Sorkin y David Mamet. Si no estuviera tan lejos de la próxima edición, la consideraría una de las serias aspirantes a los Oscars.

   Interpretación: El mejor fichaje de la película es el propio reparto. Muy pocas veces Matt Damon ha estado tan bien y eso es decir mucho. En un rol más secundario, lo cual le beneficia, y casi a ese nivel, el propio Ben Affleck. Lo mismo que las excelentes aportaciones de Jason Bateman o Chris Messina. Aunque la auténtica estrella es una Viola Davis que fue petición expresa de Michael Jordan, el cual no solo no sale sino que además, el actor que le interpreta, no muestra el rostro en ningún momento. Chris Tucker y Damon Wayans completan en el reparto.

   Escena (SPOILERS!!): Evidentemente, los mejores momentos corresponden a conversaciones. De como van a diseñar las zapatillas, qué estrategia utilizar para convencer al jugador. Como cuando el personaje de Damon se presenta en la casa de los Jordan y habla con la madre. Desde luego como la reunión con Michael y sus padres en la sede de Nike. Es particularmente graciosa, porque la película tiene muchos toques de humor, la bronca entre Sony Vaccaro (Damon) con David Folk (Messina), el representante de Michael Jordan, por teléfono y con el segundo totalmente fuera de sí. Interesante cuando nos muestran imágenes del futuro de Jordan cuando aún quedan años para que ocurra respecto a la trama de la película.

   LO PEOR: No deja de ser un anuncio de dos horas de Nike, incluso salpicando la narración con los lemas de inspiración de la empresa. Mostrando el esfuerzo de la marca en convertirse en lo que es hoy. Y funciona porque es salir de la sala y ponerte a mirar zapatillas deportivas de Nike. Claro que ves los precios y se te pasa.

   REFERENCIAS: Juega en la misma liga de películas sobre deporte pero no deportivas, como “Jerry Maguire”, “Moneyball” o “Decisión final”. Uno de los episodios de la serie documental “El último baile” trata el tema de la película.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Sobre el deporte pero no de deportes, Affleck vuelve a mostrar su talento narrativo para contarnos uno de los acuerdos comerciales más importantes de la historia del deporte, y de paso, vende zapatillas.

Microcríticas Express: Yellowstone/Tulsa King

 

   Lo digo así de claro, me parece una de las mejores series que hay en la actualidad. Mucho más popular en Estados unidos, donde si tiene un seguimiento y un éxito acorde a sus méritos. También es verdad que hasta hace muy poco no habían llegado a España sus últimas temporadas, que son ya cinco, hasta que lo han hecho por medio de la plataforma SkyShowtime. Viene a ser el “Dallas” o el “Falcon Crest” de nuestros tiempos pero tranquilos que no es un culebrón, por mucho que comparta con ellas algunas similitudes argumentales. Creada por uno de los mejores guionistas actuales, Taylor Sheridan, el que probablemente sea el máximo representante del neowestern, lo que se respira prácticamente en todos los episodios, con continuas referencias a un modo de vida del que claramente está enamorado, el de los ranchos ganaderos. No faltarán elaboradas escenas de doma de caballos, de rodeos, traslados de reses, . . . Todo bajo una fotografía de una belleza espectacular. Liderada por un Kevin Costner a sus anchas, que se nota que está en su salsa y que demuestra el actorazo que es. Pero perfectamente respaldado por un reparto de nombres que no tuvieron demasiada suerte en el cine pero que en esta serie se lucen pero bien, como son los casos de Kelly Reilly (absolutamente magnífica), Cole Hauser (y eso que me parecía malo) o Wes Bentley (“American beauty”). Y hay más, porque incluso los personajes secundarios son tremendamente carismáticos. Hasta el propio Sheridan tiene un pequeño papel. Me he tragado las tres temporadas que me faltaban seguidas porque es muy adictiva. El que no la haya visto ya, no sabe lo que se pierde. 8.

   Otra serie creada por Taylor Sheridan, que además de ser un gran guionista de cine (“Sicario”) e incluso haber dirigido y bastante bien (“Wind River”), ha encontrado en la televisión un medio perfecto para desarrollar sus ideas. Aquí no tan marcado por el western, aunque la cabra tira al monte y desde luego que tiene sus toques. De todos modos, no ha tenido tanta implicación Sheridan en esta serie como si la tiene en “Yellowstone”, donde escribe todos los episodios él mismo. Más en el campo de las historias de mafiosos, con un antiguo capo que sale de la cárcel y prácticamente es desterrado a una ciudad perdida como Tulsa, donde debe empezar de cero. Interpretado por un Sylvester Stallone que se apropia de la pantalla desde el primer minuto y que se le ve pasárselo bien en un rol muy distinto al que se le ha visto durante el resto de su filmografía. Aunque siempre me ha parecido mejor actor que su gran rival como héroe de acción, Arnold Schwarzenegger. Ojo, no comparo sus películas, sino su talento como actores aparte de ser estrellas del género. Creo que Stallone se ha sabido reinventar y esta serie es el mejor ejemplo de ello. Tampoco voy a decir que la serie sea una maravilla, sin él no valdría ni la mitad, pero si resulta muy divertida y los episodios se pasan volando. Porque además tiene un punto de humor que le viene de maravilla. 6’5.

Trailerfilos: El último viaje del Demeter (tráiler oficial)

 

   Basada en un fragmento de la obra de Bram Stoker, concretamente el capítulo que describía, mediante el diario del capitán del barco donde viajaba "Drácula", el Demeter, a Londres, todas las vicisitudes del trayecto. Parece que veremos una imagen más monstruosa del conde, cercana a la de Nosferatu. Dirige André Ovredal ("La autopsia de Jane Doe") y en el reparto podemos encontrar al veterano Liam Cunningham. Se estrena el 11 de agosto en Estados Unidos, aún no está confirmada la fecha en España.

Escenas Míticas: Diablo - El corazón del ángel

 

   Podría considerarse como un adelanto de lo que hoy llamamos terror elevado. Es decir, un terror más complejo, de mayor carga dramática y sin los mecanismos comerciales habituales. De hecho, su mezcla con otros géneros como el noir, y abordar temas como el vudú, la brujería y los pactos con el diablo, pero desde un plano más policíaco y de intriga, la alejan del terror puro.

   Es más, la trama del pacto con el diablo prácticamente se descubren en su última escena, hasta el momento se la podría considerar más un thriller psicológico de asesinatos. Estaba redefiniendo sin saberlo muchas claves del género que influirían más tarde en otros autores y obras, una de las más claras es “Seven” de David Fincher, si atendemos a su ambientación, fotografía y, sobre todo, a su final sorpresa.

   Sin embargo, en su momento no fue muy bien comprendida por la crítica (las tuvo tanto positivas como) o el público (sólo recaudó 17 millones de dólares en taquilla habiendo invertido 18 en la película). No obstante, posteriormente fue adquiriendo un estatus de obra de culto y con el tiempo ha tenido un reconocimiento más acorde a su calidad.

   Basada en la novela de William Hjortsberg, “Ángel caído”, en la cual estuvo muy interesado durante un tiempo Robert Redford, finalmente fue a parar a Alan Parker, perteneciente a una generación de cineastas británicos provenientes del mundo de la publicidad (lo cual es notable en la película) junto a otros como Ridley y Tony Scott o Adrian Lyne, que además de dirigir, escribió el guion.

   A Alan Parker le debemos grandes títulos como “El expreso de medianoche”, “Fama”, “Birdy” y “Arde Mississippi “. Y, por supuesto, la que nos ocupa ahora. A la cual salpicó de incontables pistas, indicios, símbolos y tratamientos visuales que poniendo mucha atención nos podían orientar sobre el giro al final fantástico. Pistas mucho más reconocibles a posteriori que hacen que la película merezca un segundo visionado.

   Por ejemplo, durante la narración vemos una gran cantidad de ventiladores, que prácticamente ejercen de anunciadores de la muerte, pues suelen preceder a un asesinato. También son habituales los ascensores, el más evidente es el de las escenas de los créditos. Algo muy novedoso para la época. Aún no había llegado Marvel a poner de moda las escenas post créditos pero Parker ya introdujo una escena que se desarrollaba de forma intermitente entre los créditos finales de la película mientras veíamos al protagonista bajar de forma interminable en un ascensor, simbolizando su descenso al infierno.

   Hay otros más evidentes, como los símbolos que llevan varios personajes. Concretamente, un pentáculo invertido, en el collar del personaje de Charlotte Rampling y en el anillo de Robert de Niro, que indicaban su relación con el diablo. O la escena en la que el segundo se come un huevo duro, simbolizando como devora el alma del protagonista, qué curiosamente se echa sal por encima, gesto supersticioso para cegar al diablo.

   Además, los nombres de los personajes son muy clarificadores. Johnny Favorite, Harry Angel, Epiphany (epifanía-revelación) o Louis Cyphere (se pronuncia como Lui-Saifer - Lu-Cifer). Otros detalles más visuales, como la controvertida escena de sexo, donde el director decidió cambiar el agua de las goteras de la habitación por una lluvia de sangre de la que no avisó a los actores. Una escena que tuvo que ser severamente recortada por ser inicialmente calificada como X.

   Lo que le supuso el despido a Lisa Bonet de la serie en la que participaba, una de las sitcom más populares del momento, “La hora de Bill Cosby”, que prescindió de ella por mostrar una imagen tan sexualizada en la película, con varis desnudos y escenas mostrando claras transparencias en su vestuario, incluso mojado en ocasiones.

   Sin embargo, a Lisa Bonet le supuso una nominación a los Saturn (Premios a la Ciencia-ficción, Fantasía y Terror), al igual que a Robert de Niro y el guion de Alan Parker. Un De Niro que también aportó ideas a la historia, como el progresivo crecimiento de sus uñas, la elección del bastón que lleva o el desmelenamiento final (literal e interpretativo), e incluso la decisión de usar las lentillas amarillas. 

   De Niro había sido considerado inicialmente para el papel protagonista, junto a otras opciones como Dustin Hoffman o Jack Nicholson, pero él estaba más interesado en el del villano, que llegó a ser ofrecido a Marlon Brando. Finalmente fue para él, al igual que el del protagonista para Mickey Rourke, de moda tras sus papeles en "Manhattan Sur" y, sobre todo, "Nueve semanas y media".

Trailerfilos: True Detective T4 (tráiler oficial)

 

   Si ponen en la misma frase "True Detective" y Jodie Foster, a mí no hay que decirme mucho más, ya me tienen. Parece que Clarise sigue escuchando ciertos gritos porque nuevamente se pondrá a resolver un crimen. Pero tranquilos, no tiene nada que ver con "El silencio de los corderos", solo con el entusiasmo que le produce a un servidor ver a Foster en un thriller policíaco y más en esta serie. aunque lo hará bajo otro creador, concretamente Barry Jenkins en lugar de Nic Pizzolatto. La historia se situará en Alaska y el caso estará en torno a la misteriosa desaparición de unos hombres. Se titulará "Night country". Se desconoce cuantos episodios tendrá y cuando se estrenará pero se cree que en la segunda mitad del año. Así que, a esperar.

Babylon

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Babylon.
Dirección: Damien Chazelle.
País: Estados Unidos.
Año: 2022.
Duración: 189 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Margot Robbie, Brad Pitt, Diego Calva, Jean Smart, Li Jun Li, Jovan Adepo, Tobey Maguire, Max Minghella, Katherine Waterston, Samara Weaving, Eric Roberts, Lukas Haas, P.J. Byrne, Jeff Garlin, Rory Scovel, Damon Gupton, Spike Jonze, Olivia Wilde, Phoebe Tonkin, Ethan Suplee, Jennifer Grant, Chloe Fineman, Olivia Hamilton, Patrick Fugit, Kaia Gerber, Flea.
Guion: Damien Chazelle.
Producción: Marc E. Platt, Matthew Plouffe, Olivia Hamilton.
Música: Justin Hurwitz.
Fotografía: Linus Sandgren.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En los años veinte, una serie de actores emergieron como estrellas del cine mudo, lo que les catapultó casi como dioses. Pero el cambio al cine sonoro provocó su caída y su olvido.

   LO MEJOR: Va a pasar a la historia como uno de los grandes fracasos del cine, pues costando con 80 millones de dólares, apenas ha recuperado la mitad de lo invertido. A pesar de contar con buenas críticas profesionales y tener una buena nota media en páginas de cine votadas por el público. Eso sí, ha sido ignorada en las categorías más importantes de los Oscars de este año. Y lo cierto es que la película es bastante buena. Un proyecto en el que Damien Chazelle ha gozado de plena libertad, si no, no se explicaría como es una de las superproducciones más excesivas, pues llega a ser incluso grotesca, que he visto en mucho tiempo, que homenajea la edad dorada de Hollywood pero a la vez elabora un despiadado retrato de lo que supuso el paso del cine mudo al sonoro, lo que supuso a su vez la caída de las estrellas que habían brillado en la época precedente, a través de la historia coral con varios personajes que representan las distintas fases y formas de la decadencia, mandando un mensaje sobre un Hollywood que ensalza a sus estrellas a la misma velocidad que las destruye. De ahí un título que emparenta la historia con la caída de Babilonia y que paradójicamente tiene cierto paralelismo con lo que ha ocurrido a la propia película, a la cual no ha salvado ni el talento ni el virtuosismo de Chazelle tras la cámara.

   Interpretación: Me da rabia que las dos últimas películas de Margot Robbie, “Amsterdam” y esta, apuntaban a grandes eventos cinematográficos y se hayan convertido en sendos fracasos de taquilla. Cuidado con un tercero porque su carrera podría correr peligro. Y ella no lo merece porque aquí está absolutamente desatada y su interpretación sola en sí misma ya es un espectáculo total. Brad Pitt está en su línea sobrado para llenar la pantalla con su sola presencia. Aunque realmente sea incluso más protagonista, sorpresivamente, Diego Calvo. En el reparto hay muchas caras, como Tobey Maguire, Samara Weaving, Olivia Wilde.

   Escenas (SPOILERS!!): Sólo el larguísimo prólogo de media hora es una película en sí misma. Una macrofiesta plagada de excesos, alcohol, drogas y sexo, retratando el desfase de unas estrellas de cine que no tenían limitaciones. Una enorme bacanal apabullante y arrolladora, donde Chazelle exhibe su habilidad para mover la cámara entre los personajes. Luego hay secuencias como la del cine riéndose de la película de Brad Pitt como actor ya con sonido pero que al público le hace gracia escuchar su voz. O la fiesta en la que Margot Robbie les vomita a todos, primero dialécticamente y luego literalmente. O la desagradable escena del espectáculo al que les lleva Tobey Maguire.

   LO PEOR: Ahora que también entiendo que no es ni mucho menos una película para todo el mundo. No hay mucha gente preparada para meterse estas más de tres horas, metraje el que claramente se le podría haber recortado treinta o cuarenta minutos, de excesos, idas y venidas. No es una película fácil para el público medio.

   REFERENCIAS: Tanto “Whiplash”, “La la land” como “First man”, las películas anteriores de Chazelle, hablan sobre el precio de los sueños, aun siendo totalmente diferentes, pero la película a la que más recuerda esta es a un clásico, “El crepúsculo de los dioses”.

   CONCLUSIÓN: 7. Ni el talento de Damien Chazelle, ni la inspiración de un gran reparto, ni las críticas favorables han salvado a este despiadado retrato del Hollywood de la edad dorada del cine, de caer en taquilla como la propia Babilonia.

Microcríticas Express: Rabid/Muerte, muerte, muerte/Reza por el diablo

 

   La original formaba parte de la célebre etapa de David Cronenberg llamada “la nueva carne”, formada por títulos como “Vinieron de dentro de . . “, Cromosoma 3”, “Videodrome” y . . “Rabia”. No era la mejor de ellas pero como todo lo que hacía el director canadiense, interesante. Bueno, pues esta es un remake de aquella. Con bastantes cambios respecto a la historia original más allá de que conserve la premisa principal y de que haya bastante sangre y gore, que es lo único parecido. Tampoco soy tan iluso de pensar que esta película iba a ser una obra maestra. El guion es un cúmulo de despropósitos ya sea en cuanto a decisiones que toman los personajes como en cuanto a diálogos bastante pobres. Por alguna razón han querido vincular la historia al mundo de la moda, cosa de la que no había ni rastro en la original, quizá para meter con calzador a la actriz que hace de protagonista, que por si alguien la recuerda, es ese bellezón que hizo de Supergirl en la serie “Smallville”, Laura Vandervoot. Por desgracia, ni ella ni mucho menos sus compañeros de reparto realizan un gran trabajo de interpretación sino todo lo contrario. No me importa que se varíe la historia de la película precedente, para eso es una nueva versión que actualice un poco sus claves, de hecho, trata el tema de la enfermedad, esa especie de rabia entre el vampirismo y el canibalismo, como una pandemia, conscientes de lo que llevamos a cuestas. El problema es que todo tiene una apariencia tan cutre. 4.

   Aunque se plantee como cualquier otro slasher, y de hecho, recuerda a varios clásicos como “Siete mujeres atrapadas”, es de todo menos típico. Es más, es una variante bastante curiosa que enlaza con el subgénero del “whodunit” como ya hizo en su día “Scream” pero más al estilo de las novelas de Agatha Christie en plan “Diez negritos” en cuanto a como van sucediéndose las muertes. El propio título de la película alude al juego que desempeñan en la historia que trata de descubrir al asesino. Solo que la cosa digamos que se va de las manos. Lo que sorprende es que el guion está realmente bien hilado, que nos muestra esta trama de asesinatos como pretexto para hablarnos de un grupo de amigos verdaderamente tóxico, donde todos se meten “puñaladas” (no literales) por la espalda. Lo que hace que dudes de todos los personajes hasta el sorpresivo final. No digo que no se me pasara por la cabeza la resolución pero aún así me parece bastante original. Y he estado gran parte de la película bastante enganchado a la intriga de saber quien era el autor de los crímenes. El casting femenino es muy acertado, en gran parte gracias a ese guion que les da personajes con cierto desarrollo a esas jóvenes actrices y no solo las tiene para que corran por la pantalla gritando. Me parece una de las propuestas más interesantes que he visto últimamente en este género pero hay que dejar claro que no es un slasher típico en absoluto. 6’5.

   Es lo que yo califico como una de “sustitos”. Están la películas de terror que crean una atmósfera, que te inquietan, aunque no tengan sobresaltos. Y luego están estas, cuyos creadores son conscientes de que hay un público que considera las películas de terror en función del número de sustos. Para colmo, las críticas, tanto profesionales como de aficionados no eran nada buenas. Pero parece ser que se le achacaba querer ser algo diferente a la propuesta habitual. Y por ahí si me entró la curiosidad. ¿Es realmente distinta? No, tira de los mismos tópicos del subgénero de exorcismos, de las subidas de volumen súbitas y de ciertos efectismos ya vistos. No obstante, si tiene algo interesante y es tratar el caso de posesión como una investigación científica a pesar de estar llevada por personas de la iglesia. Pues bien sea porque el listón de inicio se lo había puesto bajo pero mantiene la tensión lo suficiente como para que no me haya aburrido. Porque es típica pero no renuncia a la vía del suspense, no el generado por el miedo a comerte un susto (que también) sino por el de la puesta en escena. De hecho, las secuencias de las sesiones de exorcismo están bastante logradas. Además, la protagonista, Jacqueline Byers, está muy esforzada en la causa, con su punto de reivindicación feminista (y eso que es una monja), y en el reparto hay gente como Virginia Madsen o Ben Cross. 5’5.

Escenas Míticas: Diablo - La profecía

 

  La revista Entertainment Weekly la colocaba en el puesto 14 de películas más terroríficas de la historia del cine. Si me preguntaran a mí la pondría en el Top 5 pues sin duda es una de las películas que más miedo me ha dado. No sólo por contener varias muertes de las que más me han impresionado sino por el propio mensaje contenido en su título, una profecía que no podía pararse, se hiciera lo que se hiciera.

   Aunque se barajaron otros títulos alternativos, como, “El Anticristo” o “La marca de nacimiento”. La traducción literal del título original no era “La profecía”, sino, “El presagio” (“The Omen”). Sea como fuera se convirtió en una de esas películas malditas de Hollywood, colocándose junto a otras igualmente marcadas por la tragedia, como “La semilla del diablo” o “El exorcista”.

   Al abrigo del éxito de esta última venía la que hoy comentamos, tres años después de ella. Hay que decir que todas esas leyendas negras y supuestas maldiciones de estas películas son bien recibidas por sus productores pues alimentan el interés del público sobre ellas. Es más, muchas veces, sus campañas publicitarias explotan esa fama.

   La mayoría de estas “maldiciones” tienen explicación. Se trata de películas con equipos de profesionales muy extensos, y muchas veces envueltos en diversos riesgos durante el rodaje. Por lo que el número de accidentes puede elevarse. No obstante, existen títulos, como los mencionados anteriormente, y este es uno de ellos, que desafían a toda lógica y que cuesta bastante explicar.

   Ya comenzaba con la advertencia, antes incluso de comenzar el rodaje, del fundador de la Iglesia de Satán, Anton La Vey, al director del film, Richard Donner, de que abandonaran el proyecto pues presentía la muerte en él. Y lo cierto es que el propio Donner la estuvo rondando pues sobrevivió a un accidente de coche, en el cual también viajaban otros miembros del equipo. Pero además, el hotel donde se hospedaba fue atacado con explosivos por el grupo terrorista IRA.

   El protagonista de la película, Gregory Peck, también rondó la tragedia. Un avión en el que iba a viajar, cuyo billete canceló, que se dirigía a Israel, se estrelló y no hubo ningún superviviente. Pero es que además, uno en el que si viajó, recibió un rayo en pleno vuelo. Exactamente lo mismo que le pasó al avión en el que viajaba el guionista David Shelter.

   Aunque lo más impactante le ocurrió el director de efectos especiales, John Richardson, que se estrelló contra un letrero que marcaba la distancia hasta una localidad, que concretamente era 66,6 km (aunque esto me cuesta creerlo). Peor destino corrió su novia, que fue decapitada durante el rodaje de “Un puente lejano”, recordando a la escalofriante muerte del fotógrafo de la película.

   Hubo una larga lista de actores para interpretar a Robert Thorn, que por unos motivos u otros rechazaron el papel, entre los que estaban Oliver Reed, William Holden (curiosamente interpretaría después en la secuela “La maldición de Damien” al hermano del personaje Richard Thorn), Charlton Heston, Roy Scheider y Charles Bronson. Finalmente fue Gregory Peck quien aceptó, como redención por la muerte de su hijo por suicidio, como padre que se siente culpable.

   Le acompañó Lee Remick, David Warner y Harvey Stephens, el niño que hacía de Damien, que fue nominado por el Globo de Oro. Stephens se ganó el papel con el propio Richard Donner, ensayando la escena en la que la madre es atacada por Damien para no entrar en la Iglesia. Donner ejercía de madre, y fue arañado y golpeado por Stephens, hasta que le dio una patada en la entrepierna. Eso terminó de convencer al cineasta.

   Para el que esta fue su primera película tras un largo periplo en la televisión. Después vendría "Superman", "Lady Halcón", "Los Goonies" y la saga "Arma letal". La película obtuvo excelentes críticas y funcionó de maravilla en taquilla. Costó apenas 3 millones de dólares y recaudó 60. Además, consiguió un Oscar, el de la terrorífica banda sonora de Jerry Goldsmith.

   Los animales también tuvieron su protagonismo. De hecho, la película contribuyó a la "demonización" (nunca mejor dicho) de los Rottwailer, varios de los cuales atacaron a los especialistas. No así el líder de la manada, que fue tremendamente cariñoso con el reparto. Para la secuencia de los babuinos metieron una cría en el maletero del coche, así que el ataque es completamente real y la reacción de Lee Remick también. 

   Tuvo tres secuelas; "La maldición de Damien", "El final de Damien" (pedazo spoiler) y "El renacer" (para televisión), además de una miniserie spin off, "Damien" y un remake en 2006 a cargo de John Moore, cuyo máximo interés era la participación de Mia Farrow como Srta. Baylock, es decir, nuevamente relacionada con un niño demoníaco tras "La semilla del diablo".

Dragones y Mazmorras: Honor entre ladrones

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Dragones y mazmorras: Honor entre ladrones.
Dirección: John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 134 min.
Género: Fantástico, aventuras.
Interpretación: Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Hugh Grant, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Jason Wong, Daisy Head, Sophia Eleni. Voz: David Sobolov
Guion: Dave Arneson, John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein, E. Gary Gygax, Derek Kolstad. Historia: Chris McKay.
Producción: Jeremy Latcham, Brian Goldner, Nick Meyer.
Música: Lorne Balfe.
Fotografía: Barry Peterson.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA
  

   SINOPSIS: Una banda de ladrones con distintas y variadas habilidades personales, se propone robar una reliquia perdida en el pasado con diferentes motivaciones para todos ellos. Pero las cosas no saldrán como habían previsto.

   LO MEJOR: Esta si que no la vi venir. Esperaba que fuera un simple producto de entretenimiento y ya. A ver, y es lo que es, pero mucho mejor de lo previsto, y la sorpresa ha sido más que agradable. Porque recupera un cine que hemos perdido y que se terciaba bastante en la década de los ochenta, el cine familiar fantástico. Si, aprovecha ese efecto nostálgico ochentero para regalarnos una película de aventuras como las de antes pero con los medios de ahora. Pues visualmente es una puñetera pasada pero eso no significa que los efectos especiales se coman la película, sino que están al servicio de la historia. De hecho, ni siquiera es todo CGI (aunque indudablemente es predominante), hay muchos escenarios reales y criaturas animatrónicas, lo que le da fisicidad. Escenarios que son impresionantes. Pero es que además, tiene un ritmo perfecto, ni demasiado trepidante ni demasiado lento, lo que contribuye a que el resultado sea tremendamente entretenido, y divertidísimo, con mucho humor pero no hasta el punto de ser una sucesión de chistes a lo Taika Waititi. Que era lo que me temía al conocer que los directores, John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, solo habían hecho comedias, aunque “Noche de juegos” estaba muy bien. Pero que va, dosifican el humor lo necesario. Y ojo, su estilo visual es un acierto. En definitiva, que sus 135 minutos se pasan volando y yo particularmente me lo he pasado bomba.

   Interpretación: Es una historia de grupo y, por tanto, el reparto es bastante coral, repartido entre actores y actrices con una química absoluta entre ellos. Sobre todo entre Chris Pine y Michelle Rodríguez. Pero perfectamente secundados por una de mis debilidades, Sophia Lillis, e incluso Justice Smith. Todo funciona, incluso los villanos. De hecho, cada vez que aparece Hugh Grant se roba la película.

   Escena (SPOILERS!!): Estructuralmente se asemeja a una partida del juego de rol, superando una prueba tras otra, incluso como pantallas de un videojuego. Pero es que funciona perfectamente. Como en la búsqueda del yelmo, en los enfrentamientos con los distintos dragones, o la prueba final en el laberinto de los Juegos. Aunque personalmente me quedo con el “interrogatorio” de los muertos de la batalla (con la que van enlazando) en el cementerio, de lo más divertido que he visto últimamente. Que además permite ver la batalla desde distintos personajes. Y con el juego que dan los portales para desplazarse por ellos y como los aprovechan visualmente, nuevo acierto de los directores. Y no hay que perderse el guiño que se hace a la serie de dibujos. Si, aparecen varios personajes encerrados en una jaula vestidos exactamente como los de la serie de los ochenta.

   LO PEOR: Repito, no se hace larga en absoluto pero por poner alguna pega, quizá los flashbacks se podrían recortar un poco. Aún así, están bien integrados y no te sacan de la historia sino que aportan profundidad. Lo único que ajustando un poco ahí, el metraje se habría quedado en dos horas, que habría sido lo ideal.

   REFERENCIAS: Olvidaros (si podéis) de la “Dragones y mazmorras” de Jeremy Irons. Esta juega en la liga de “Willow”, “La historia interminable” o “La princesa prometida”, al menos en cuanto a tono. En cuanto a medios, evidentemente las supera. No creí que dijera esto pero espero que haya secuela.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Recupera el cine de fantasía y aventuras ochentero para toda la familia y se confirma como una de las sorpresas de este año porque el resultado no es solo muy entretenido y divertidísimo, tiene calidad y . . . magia.