Música de Película: Orgullo y prejuicio

 

   Aunque el Oscar lo ganó un par de años después por "Expiación", creo que esta banda sonora es superior, por la que también fue nominado, por cierto. Abunda el piano y los instrumentos clásicos de la época en la que está encuadrada la historia, por eso es importante la figura del reputado pianista clásico Jean-Yves Thibaudet, que interpreta el tema principal de la película, entre otros.

Tema: On top of the world.

Película: Orgullo y prejuicio.

Intérprete o compositor: Dario Marianelli.

Tema: Your hands are cold.

Película: Orgullo y prejuicio.

Intérprete o compositor: Dario Marianelli.

Tema: Dawn.

Película: Orgullo y prejuicio.

Intérprete o compositor: Dario Marianelli.

Escenas Míticas: Cine de época - Orgullo y prejuicio

 

   Ya lo avisé, era inevitable que Jane Austen repitiera, puesto que tras el éxito de “Sentido y sensibilidad” (adelanto que la vamos a nombrar unas cuantas veces pues la comparación con la que hoy comentamos es necesaria por los evidentes paralelismos entre ambas) se puso de moda adaptar las otras novelas de la escritora británica, tanto a la televisión como al cine, y esta fue una de ellas.

   Que fue la mejor de todas, y a título personal, aunque siga siendo considerada “Sentido y sensibilidad” como la mejor valorada por la crítica y la más premiada, mi adaptación favorita de la obra de Jane Austen, y del cine de época en general, es, sin duda “Orgullo y prejuicio”, de Joe Wright, que para colmo, es su ópera prima en cine.

   Que después hizo varias películas también de corte clásico y romántico de época, como “Expiación” (también con Keira Knightley), “Anna Karenina” o “Cyrano”, pero también de otros géneros, como “Hanna”, “Pan” (esa locura de secuela de Peter Pan), o “El instante más oscuro”(que le supuso el Oscar a Gary Oldman). Wright ha sido nominado al Oscar en dos ocasiones y tiene un Globo de Oro.

   Un cineasta con bastante afán renovador pues incluso en sus películas como adaptaciones de clásicos literarios como “Ana Karenina” o “Cyrano de Bergerac”, ha tratado de darles un tono moderno y diferente a anteriores versiones. Y eso se cumplía aquí si la comparamos con “Sentido y sensibilidad”, más académica y contenida. Porque “Orgullo y prejuicio” es bastante más pasional.

   Aunque ambas obras, ya desde el texto original de Austen, tienen claros paralelismos temáticos, como era la constante crítica de la escritora a la diferencia de clases sociales y el discriminado papel de la mujer en la sociedad del tiempo que le tocó vivir. Pero también en cuanto a la estructura de la construcción de ambas historias.

   Además comparten la relación simbólica de sus títulos con los personajes protagonistas. De tal manera que en “Sentido y sensibilidad”, el personaje de Emma Thomson representaba el sentido y el de Kate Winslet la sensibilidad, y esos roles se intercambiaban a medida que avanzaba la historia. Aquí ocurre prácticamente lo mismo.

   Puesto que Lizzi (Knightley) sería el orgullo y Darcy (Macfayden) el prejuicio, pero por diversos giros de la trama, esos roles se intercambiarían a lo largo de la historia. Para llegar a un final, como en la película de Ang Lee, feliz. Que este derivado del amor imposible de “Romeo y Julieta”, cambia radicalmente respecto a la obra de William Shakespeare.

   Por cierto, sus protagonistas cuyas edades eran más cercanas a las de la novela de Jane Austen que los elegidos para “Sentido y sensibilidad”. De hecho, Keira Knightley tenía tan solo veinte años. A la que se consideraba demasiado atractiva para el papel y ya conocida para el público pues venía de triunfar con “Piratas del Caribe, La maldición de la Perla Negra".

   Sin embargo, aunque fueron consideradas actrices como Natalie Portman o Emily Blunt, una prueba a Keira Knightley terminó de convencer al director, Joe Wright. El resultado fue la mejor interpretación de la carrera de la actriz, pues nunca ha estado mejor que aquí. Interpretación por la que fue nominada y personalmente creo que hubiera merecido ganar la estatuilla.

   Tampoco fue la primera opción Matthew Macfayden para el papel de Darcy, que venía del teatro pero se impuso a nombres como Henry Cavill y Orlando Bloom. Les acompañaban en el reparto nombres como los veteranos Donald Sutherland o Judi Dench, y los por aquel entonces muy jóvenes, Rosamunde Pike, Jena Malone, Carey Mulligan, y Kelly Reilly.

   Hay más versiones de la novela. Dos miniseries, una muy reconocida de 1995 y otra más inadvertida en 2014. Además, un año después del estreno, 2006, salió una versión extendida denominada “Rogue Cut”. La película, a parte de a la actriz, fue nominada a la banda sonora, diseño de producción y el vestuario. Y económicamente fue un éxito. Costó 28 millones de dólares y recaudo 127 en taquilla.

El botín

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El botín.
Dirección: Joe Carnahan.
País: Estados Unidos.
Año: 2026.
Duración: 105 min.
Género: Thriller, acción, policíaco.
Interpretación: Matt Damon, Ben Affleck, Steven Yeun, Teyana Taylor, Sasha Calle, Catalina Sandino Moreno, Scott Adkins, Kyle Chandler.
Guion: Joe Carnahan. Historia: Michael McGrale.
Producción: Matt Damon, Ben Affleck, Dani Bernfeld, Luciana Damon.
Música: Clinton Shorter.
Fotografía: Juan Miguel Azpiroz.
Distribuidora: Netflix.
  

  CRÍTICA

   SINOPSIS: Un equipo de la policía acude a una casa donde les han dado el soplo de que habría una gran suma de dinero de procedencia ilegal. Pero al llegar descubren que es mucho mayor de lo que habían pensado, lo que les complica gravemente las cosas.

   LO MEJOR: Contaba el propio Matt Damon, protagonista pero también coproductor junto a su amigo Ben Affleck, con el que a su vez comparte pantalla, que Netflix imponía una serie de reglas para sus películas, que consisten en comenzar con una escena impactante y luego explicar la trama cuatro veces durante el desarrollo. Así de inteligente nos considera la plataforma de la N. Y la película cumple religiosamente con esa premisa pero lo hace de forma mucho más sutil porque no toma el espectador como tan tonto. De tal manera que aunque sí comience con una escena potente de inicio, luego va construyendo cuidadosamente la trama sin dar más información de la necesaria para que este no se desconecte. Es más, una de sus mejores bazas es esconder lo que realmente está pasando todo lo que puede, que es bastante. Pues aunque tenga buenas escenas de acción, es eminentemente un thriller policíaco de suspense, uno de esos que cuesta ya ver actualmente, de los que ya no se hacen. Concentra la historia mayoritariamente en un mismo escenario y se desarrolla en apenas unas horas, lo que le otorga mayor intensidad. Su director, Joe Carnahan, aplica un ritmo perfectamente medido en torno a la tensión y no tanto a las descargas de acción. Además, juega constantemente con la intriga de descubrir quién es el que está mintiendo, quién es el traidor, guardándose varios giros bastante interesantes. No voy a decir que sean impredecibles porque hay cosas que puedes intuir pero al menos se han tomado la molestia de trabajarlo bien en el guion.

   Interpretación: Reencuentro de estos dos reconocidos amigos que son Matt Damon y Ben Affleck, y que cada vez que tenemos la oportunidad de verlos juntos en pantalla, confirmamos la química que tienen y lo bien que se lo pasan trabajando juntos. Pero además, hay un muy buen reparto de secundarios con gente como Steven Yeun, la recientemente nominada Teyana Taylor, Kyle Chandler o Catalina Sandino Moreno. Y ¿Por qué no se está aprovechando más a Sasha Calle en el cine? Por cierto, la mejor Supergirl hasta la fecha.

   Escenas (SPOILERS!!): Tanto el tiroteo inicial, que desemboca en el asesinato de la capitana de policía, como la persecución final son bastante típicas. Me parecen mucho más interesantes los momentos que suponen ir hacia la resolución de quién es el traidor. Porque desde los interrogatorios del principio sabemos que hay un policía que es corrupto. Y cuando llegan a la casa y descubren el botín, ya sabemos que no van a salir de allí hasta descubrirlo. Aunque si lo hacen, pues se revela en el furgón blindado. Pero por el camino hemos tenido varias escenas vistas desde dos puntos de vista distintos, cuyas lecturas cambian bastante la trama. Como la pelea que luego sabremos que es fingida, para quitarle el móvil al que sospechan que es el corrupto. O cuando Damon hace creer a Sasha Calle que van a robar el botín.

   LO PEOR: Casi lo que suena a imposición de quien pone el dinero (Netflix), sea todo su tramo final, que se va al típico de desenlace con persecuciones y tiroteos, cuando durante toda la película ha imperado más fuertemente el suspense y la intriga. Es como que había que ofrecer un espectáculo final por narices.

   REFERENCIAS: Películas de robos con más intriga que acción, como algunos de los noventa, tipo “Plan oculto”, “The town” o “Sospechosos habituales”. O más recientes, como “Juego de ladrones” y su secuela.

   CONCLUSIÓN: 7. Tenso y bien ejecutado thriller policiaco como ya no se hacen actualmente y se echan mucho de menos, donde los "colegas" Damon-Affleck demuestran la química que tienen y lo bien que se lo pasan cuando están juntos.

Microcríticas Express: Nibelungos, la guerra de los reinos/Robin Hood/El último samurái en pie

 

   Ha pasado bastante inadvertida y creo que merece una mención. El “Cantar de los Nibelungos” no es que haya sido adaptado muchas veces y cuando lo ha hecho no ha tenido demasiada repercusión, lo cual, teniendo en cuanta el atractivo de la historia, me sorprende que no haya una película de las dimensiones de, por ejemplo, “Troya”, pero de este tema. De todos modos, no es el texto original lo que se ha tomado como referencia principal sino que hace una revisión de la historia original, trasladando el protagonismo al que se supone que era uno de los villanos, Hagen, es decir, que se han marcado un “Wicked”, contando el relato desde un punto de vista muy diferente. E igualmente tiene más que ver con la novela “Hagen von Tronje”, de Wolfgang Holhbein, más moderna. Así que los que pretendan ver una adaptación fiel a lo que se conoció como el “Nibelungenlied”, que ni lo intenten. Ahora bien, aún así, me ha gustado especialmente por su ambientación, con una gran fotografía, y tono de cuento medieval a lo “Excalibur” aunque se ha centrado más en una visión realista que en una fantástica. Los elementos de fantasía están ahí pero enfatiza muy poco en ellos. Incluso hay cierta desmitificación del protagonismo de Sigfrido. Aunque a mí el personaje que siempre me ha parecido más interesante es Brunilda, que aquí solo interviene en la parte final de la serie. De la cual no hay nada sobre una segunda temporada y mira que podrían. No porque quede inconclusa para nada sino porque han contado la parte que generalmente se suele contar, pero dejando fuera la segunda parte del poema épico, es decir, la venganza de Crimilda, con Atila y los hunos de por medio. Estaría más cerca de “Vikingos” que de “Juego de tronos”. 7.

   Sorpresas te da la vida y de una serie de la que no esperaba demasiado resulta que me ha gustado bastante más de lo previsto. Hay personajes que nunca mueren y vuelven una y otra vez. Robin Hood es uno de ellos. Aquí hacen una reimaginación de él, más como una historia de orígenes del héroe, situándola históricamente anterior a la cruzada de Ricardo Corazón de León, y mostrando su camino y evolución como símbolo de la revolución, que se mira mucho en figuras como William Wallace o Espartaco en el cine. Y funciona muy bien, sobre todo en cuanto a su equilibrio entre su trama de conspiración, el romance y el género de aventuras en el que siempre ha habitado Robin Hood. Pero hay cambios bastante importantes. El más llamativo es que el tono no es el habitualmente familiar para todos los públicos, sino más orientado a uno más adulto, con escenas de desnudos y violencia que, si bien no es demasiado explícita, si es bastante generosa en cantidad. Que nadie se espere el tono de las películas de Errol Flynn o Kevin Costner. Y además, tiene cierto toque mágico, no abiertamente fantástico pero si sutilmente insinuado. En cuanto a medios, no va sobrada de ellos pero hace buen uso de lo que tiene, estaría a un nivel similar al de la primera temporada de series como “Juego de tronos” o “Vikingos”, sin tener nada que ver con ellas. No obstante, su mayor acierto está en la elección del casting. Bien en cuanto al reparto de los jóvenes, con un debutante Jack Patten que me ha recordado a Andy Whitfield en la primera temporada de “Spartacus”, por como va creciendo al mismo ritmo que su personaje. Pero también cuentan con la veteranía y experiencia de Sean Bean y Connie Nielsen. 7.

   Quizá porque le he escuchado o leído a tanta gente que le había gustado que, no digo que me haya llevado una decepción, pero si que no me parece para tanto en absoluto. La han calificado como una mezcla de “El juego del calamar” con “Shogun”. Pues de la primera vale, porque es un “juego del calamar” pero con samuráis, por cierto, donde los patrocinadores no tengo ni idea de porque se divierten tanto cuando no ven absolutamente nada y se tiran toda la temporada como jugando al “Risk” en un salón. Pero de la segunda ni remotamente, es que solo la comparación me parece ofensiva. Precisamente porque “Shogun” tenía algo de lo que esta adolece bastante, el guion. Que aquí es muy, muy justito. Lo mínimo para poner en pantalla lo verdaderamente interesante que tiene que ofrecer, sus escenas de peleas. Aquí si me quito el sombrero. Las coreografías son impresionantes, pero tremendas, magníficamente rodadas, algunas incluso en plano secuencia, con una labor enorme en cuanto a planificación. Peleas que se ven, porque a los japoneses les gusta que se vea lo bien que saben mostrar un combate cuerpo a cuerpo, no como a ciertos directores que ponen la cámara veinte centímetros de los protagonistas y hacen cien mil cortes. No, aquí es un disfrute ver cada enfrentamiento. Menos mal, porque no tiene mucho más. Aunque hable de algo tan interesante como la extinción de los samuráis o intente enriquecer la historia con la trama de conspiración, los giros son muy previsibles y el desarrollo de personajes bastante escueto. Hay algunos que solo están ahí para matar o ser matados. Pero bueno, es verdad que entretiene mucho y si veré la segunda temporada, porque esto solo es la primera parte. 6’5.

Escenas Míticas: Cine de época - Sentido y sensibilidad

 

   Si de cine de época hablamos, era obligatorio que estuviera presente, y no será la única vez, la figura de la escritora británica Jane Austen, cuyas novelas, todas ellas, han sido adaptadas tanto al cine como la televisión. Bien es cierto que, contrariamente a lo que se pueda pensar, tan solo escribió seis, pues murió con 41 años tan solo.

   Y es esta la que se considera, no solo la mejor adaptación de la novela “Sentido y sensibilidad”, sino de toda la obra de Austen, al menos en lo que respecta a las críticas, que fueron excelentes, y a los premios recibidos. Otras adaptaciones son “Orgullo y prejuicio” (mi favorita de largo), “Emma” (en varias ocasiones, siendo la mejor la de 2020), “Persuasión”, “Mansfield Park” e incluso “Clueless” es otra versión actualizada de “Emma”.

   Jane Austen criticaba en sus obras la sociedad en la que vivía, retratándola como profundamente clasista y sexista, a la cual describía habitualmente con un sarcasmo muy refinado. Es por ello que son las mujeres las protagonistas de sus historias, a las cuales sitúa en una clase social media-baja, como principal impedimento para el verdadero amor que debe, y suele, vencer esa barrera.

   Y fue una mujer la que adaptó la obra de Austen para el guion de la película, Emma Thomson, el cual comenzó a escribir mientras rodaba “Mucho ruido y pocas nueces”, aunque tardó varios años en dar con la versión definitiva. Lo cual le reportó el Oscar al mejor guion adaptado, el único que se llevó la película de sus siete nominaciones (fue el año en que “Braveheart” arrasó) y el segundo de su carrera, tras ganar varios años antes como actriz por “Regreso a Howard’s End”.

   Emma Thomson trató de suavizar el sarcasmo original de la novela, encaminándose más puramente al drama de época y a la romantización de la historia. Además, intentó hacer todo lo posible por evitar el tono literario y un tanto teatral de Jane Austen, situando muchas escenas en exteriores y haciendo que sus personajes se movieran bastante.

   También se reservó el papel principal, a pesar de tener 16 años más, 35 por los 19 de su personaje en el libro. La acompañaba casi como coprotagonista una sí muy joven Kate Winslet, que ambas fueron nominadas por sus interpretaciones. Completaban el reparto Alan Rickman, Hugh Grant, Hugh Laurie, Imelda Stanton entre otros. Se da la casualidad que seis integrantes del reparto formaron parte de la saga “Harry Potter”. Y tres de ellos coincidieron en “Love actually”, el trío Thomson-Rickman-Grant.

   Sin embargo, la dirección no corrió a cargo ni de una mujer ni de un cineasta occidental, sino del taiwanés Ang Lee, que venía a de hacer películas como “El banquete de boda”, “Comer, beber, amar” y que suponía su primera incursión fuera de su país. Luego vendrían películas tan diferentes como “Tigre y dragón”, “Hulk”, “Brokeback Mountain” o “La vida de Pi”.

   Ang Lee realizó un trabajo excepcional, cambiando el estilo de dirección habitual en este género, en el cine de época, alejado del de directores clásicos como James Ivory, dotando a la película de un montaje más dinámico, con muchos más cortes, y mayor movimiento de la cámara.

   Sin embargo, no fue nominado como mejor director en un año donde si lo estuvo Chris Noonan por “Babe, el cerdito valiente”, aunque la estatuilla fue para Mel Gibson. Algunos lo calificaron de racismo, dado el origen de Lee. No obstante, posteriormente ha ganado tres Oscars, dos como director por “Brokeback Mountain” y “La vida de Pi”, y uno por “Tigre y dragón”, como mejor película de habla no inglesa.

   La película fue un absoluto éxito comercial. Costó sólo 16 millones de dólares, y recaudó en nada menos que 135 en taquilla. Lo que provocó una especie de moda de las adaptaciones de la obra literaria de Jane Austen. Los siguientes fueron las de “Emma”, la versión de 1996, y precisamente, “Orgullo y prejuicio”.

Primate

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Primate.
Dirección: Johannes Roberts.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 84 min.
Género: Terror.
Interpretación: Johnny Sequoyah, Troy Kotsur, Kevin McNally, Jessica Alexander, Victoria Wyant, Kae Alexander, Charlie Mann, Gia Hunter, Tienne Simon, Benjamin Cheng, Miguel Torres Umba.
Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts.
Producción: Walter Hamada, John Hodges, Bradley Pilz.
Música: Adrian Johnston.
Fotografía: Stephen Murphy.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un chimpancé, criado con una familia, contrae una enfermedad similar a la rabia. Durante una fiesta en la casa,  las hijas y unos amigos son atacados por el animal tras volverse loco.

   LO MEJOR: No hay muchas películas de simios en el campo del terror, por tanto, no había mucha oposición para que esta se colocara como una de las propuestas más entretenidas y divertidas dentro de este subgénero. Básicamente porque no pretende otra cosa que lo que promete, ser una monster movie, que si no es porque tiene un presupuesto más holgado que una serie B típica, y por tanto, se ha distribuido para estrenarse en salas, pertenecería esa categoría. No hay mensaje ecologista (el animal no ha recibido malos tratos ni se ha experimentado con él) ni nada. Pasa algo que podría pasar, sin forzar. No quiere que pienses de más y por eso te da la explicación nada más empezar. Tiene muy claro que esto va de que un bicho se cargue a unos cuantos humanos. Para ello, Johannes Roberts, que ya dirigió una de las películas de tiburones más apañadas de la última década, “A 47 metros”, mantiene una puesta en escena muy efectiva, dosificando todo lo que puede la exposición directa del protagonista, el chimpancé. Ojo, le vemos mucho pero no siempre de forma clara. Y creo que eso funciona muy bien. Además, le agradezco profundamente que para la recreación del mono se hayan mezclado efectos prácticos con digitales, predominando como base los primeros. Eso le da una fisicidad que todavía no ha logrado emular el CGI hoy en día. Sientes que está ahí presente. De hecho, hay un actor ahí, y no precisamente para la captura de movimientos a lo Gollum. Otra cosa a agradecer es la brutalidad explícita de todos las muertes, algo nada habitual en el cine comercial. La película, una vez arranca (y tarda poco) va como un tiro, no se alarga de más, pues solo quiere que pases un buen rato.

   Interpretación: Poco que destacar en este apartado salvo la presencia del ganador de un Oscar, Troy Kotsur. Como curiosidad, hay un actor acreditado en el papel de Ben (chimpancé), Miguel Torres Umba.

   Escenas (SPOILERS!!): Todas las escenas de muerte son espectacularmente brutales y totalmente explícitas, tirando bastante del gore. Si alguien piensa que es exagerada la fuerza que pueda albergar un chimpancé y la agresividad con la que puede reaccionar, que busque los casos de los ataques documentados que hay, como el del chimpancé llamado Travis. El guion es simple pero tiene algunas buenas ocurrencias, como el de que los personajes se vean acorralados en una piscina porque el mono no puede nadar. De hecho, no son demasiado estúpidos, que es lo normal en estas películas, toman decisiones bastante lógicas. Otra secuencia interesante es cuando Ben está atacando a la hija mayor, gritando a pleno pulmón pero su padre no se entera de nada porque es sordo, lo que hace muy angustiosa la escena. Eso sí, la forma en la que es salvada al final es demasiado “hollywoodiense”.

   LO PEOR: El guion no puede ser más simple, más allá de que tenga un par de buenas ideas. Pero el desarrollo de los personajes es nulo pues la mayoría está ahí para que cuando le llegue su turno, el verdadero protagonista, el chimpancé, le dé matarile. Y sabes perfectamente quién se va a salvar, es muy predecible.

   REFERENCIAS: Otros simios bastante chungos en el género de terror son los de “Atracción diabólica” y “Link”. Y recomiendo ver el documental “Proyecto Nim”.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Simple pero efectiva monster movie con un animal muy poco habitual en la gran pantalla en esta clase de películas, más cercanas a la serie B, que cumple con su labor de entretenimiento aunque no aporte nada más que eso.

Música de Película: Lo que el viento se llevó

 

   No descubro nada si digo que la música compuesta por Max Steiner para esta película es la más representativa del cine clásico y una de las más icónicas y reconocibles de toda la historia del cine, especialmente el tema dedicado a "Tara". Incluido en la cabecera de varios programas de cine, como el caso de "De película", en los ochenta.

Tema: Tara’s theme.

Película: Lo que el viento se llevó.

Intérprete o compositor: Max Steiner.

Escenas Míticas: Cine de época - Las amistades peligrosas

 

   Si de cine de época estamos hablando, había que traer la que está considerada una de las mejores películas de ese género y, sin duda, la mejor adaptación de la obra de teatro homónima de Christopher Hampton, que además la adaptó personalmente al guion de la película y ejerce de productor.

   Que ni mucho menos era la primera versión, sino a la tercera y después al menos hubo otras dos más, en cuanto a la gran pantalla se refiere, porque también las ha habido para televisión. Tan solo un año después, Milos Forman hizo la suya, “Valmont”, que fue un fracaso, precisamente por la proximidad a esta. Sin embargo, en 1999 sí tuvo éxito una nueva adaptación, llevando a la historia a la actualidad, lo que demuestra su intemporalidad, “Crueles intenciones”, para un público más joven.

   De hecho, lanzó a todos sus protagonistas, a Sarah Michelle Gellar,  Reese Witherspoon, Selma Blair y Ryan Phillippe. Este último y Gellar ya habían aparecido un par de años antes en “Sé lo que hiciste el último verano”. La película tuvo dos secuelas bastante inferiores, y hasta una serie, que tampoco fue demasiado buena y solo duró una temporada hace dos años.

   Pero es que la obra de teatro, a su vez, adaptaba la novela de Pierre Choderlos de Laclos, publicada en 1782, y que fue acompañada de gran polémica e incluso prohibida durante un tiempo en su país de origen, Francia, aduciendo su contenido en cuanto a sexo, hablando abiertamente del adulterio, la manipulación sexual y el libertinaje. Aunque el verdadero motivo fue que era una feroz crítica a la aristocracia, a la que retrataba como aburrida, amoral y decadente.

   Aunque cualquiera diría que Laclos tomó como referencia a Shakespeare, al cual dedicamos el mes pasado, pues “Las amistades peligrosas” no deja de ser una tragedia, donde la historia acaba fatal para todos los protagonistas principales, con ecos de “Macbeth” y “El rey Lear”, donde el diálogo es utilizado como arma y recuerda a los soliloquios del dramaturgo inglés.

   Aunque se consideraba pieza imprescindible a Glenn Close y John Malkovich fue elegido rápidamente, nadie habría pensado en ellos viendo la descripción que Laclos hace de sus personajes en la novela, mucho más jóvenes y atractivos. Pero lo cierto es que ambos lo bordaron. A Close sólo le impidió llevarse el Oscar una joven llamada Jodie Foster, en “Acusados”.

   Ambos pusieron como condición para aceptar el papel, que se eligiera a Michelle Pfeiffer, que inicialmente no convencía al director, Stephen Frears, aunque tras hacerle una prueba quedara encantado. La actriz y John Malkovich protagonizaron un romance real fuera de las cámaras que acabó con sus respectivos matrimonios.

   Completaban el reparto Keanu Reeves y una Una Thurman con tan solo 18 años, que se impuso a Drew Barrymore y Sarah Jessica Parker para el papel. En sus escenas de cama, con varios desnudos, con John Malkovich, este logró calmar sus nervios iniciales, haciendo bromas sobre la iluminación para quitar tensión a la situación, lo cual ella agradeció.

   No fueron los únicos obstáculos que tuvo que vencer todo el elenco de féminas del reparto. Los corsés que utilizaron eran rigurosamente fieles a la realidad y apenas las dejaban respirar. Hasta el punto que durante los descansos, no podían sentarse. Para que pudieran descansar, usaron unas “tablas de inclinación”, para que pudieran dar un respiro a sus pies y no estar continuamente de pie. Por cierto, Madonna apareció con uno de esos vestidos en los MTV Awards en 1990, en homenaje.

   Es la mejor película de Stephen Frears, que estuvo nominado al Oscar. Después hizo películas notables como “Los timadores”, “Héroe por accidente”, “Mary Reilly” o “Alta fidelidad”, pero nunca ha vuelto a llegar al nivel de “Las amistades peligrosas”. Sigue en activo pero lleva años pasando bastante inadvertido. Lo último más destacable data de 2006, “The Queen”, con Helen Mirren como reina de Inglaterra.

   Estuvo nominada al Oscar en siete categorías, logrando tres de ellas, las de guion adaptado, dirección artística y vestuario. Además de tener excelentes críticas, funcionó bien en taquilla, a pesar de no ser un género muy taquillero, recaudando 35 millones de dólares, cuando había costado 14.

Good boy

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Good Boy.
Dirección: Ben Leonberg.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 73 min.
Género: Terror, intriga.
Interpretación: Larry Fessenden, Arielle Friedman, Shane Jensen, Anya Krawcheck.
Guion: Alex Cannon, Ben Leonberg.
Producción: Kari Fischer, Ben Leonberg.
Música: Sam Boase-Miller.
Fotografía: Ben Leonberg.
Distribuidora: Independent Film Company.

   CRÍTICA
  

   SINOPSIS: Un perro se muda con su dueño, que sufre una enfermedad muy grave, a una casa vieja en el campo. Allí percibe una serie de fuerzas y presencias extrañas que no entiende.

   LO MEJOR: Parece que los directores siguen buscando modos novedosos de contar las historias cambiando los puntos de vista. Por ejemplo, mostrándola desde un encuadre único en el tiempo, como en “Here”, o ya en el campo del terror, desde el punto de vista de un asesino slasher o el de un fantasma. Claro que aquí hay que diferenciar que no se hace mediante una visión subjetiva del perro, es decir, la cámara no ejerce de ojos de él. Sino que es plenamente el protagonista y está en todas las escenas de la película. Ni tampoco desde el género del terror plenamente. Si tiene algún susto y su puesta en escena es claramente la de una película de terror, pero no es de las que pasas miedo. Se pasa más angustia respecto a lo que le puede pasar al perro. Los que tenemos animales ya conocemos la sensación de que tu mascota se ponga a mirar al techo o a una esquina o esté como inquieto sin motivo. Puede ser un insecto, percibir un ruido en la calle o de un vecino, inaudible para ti. No es un secreto que los animales tienen una capacidad sensorial enorme. Está demostrado que se adelantan a desastres naturales e incluso detectan enfermedades de sus dueños (como también apuntan en la película). Es decir, no es una fantasía. Pues esto aquí lo aprovechan pero decirnos que igual lo que está escuchando o viendo es algo sobrenatural, algo que les “encantará” a muchos. Ahora cuando veas a tu perro o gato comportarse de esta manera pues igual piensas que está viendo un fantasma. Aún sosteniendo que no la considero una película de fantasmas porque la presencia que vemos es otra cosa. En otra que aciertan es en no alargar esto más de la cuenta y le dan un metraje bastante ajustado, apenas hora y cuarto.

   Interpretación: Lo dije antes de verla, nominar a un perro por su interpretación me parece excesivo. Si me parece crear una categoría especial para animales. Sin embargo, después de verla, aunque sigo pensando lo mismo, si me parece que el perro hace un trabajo increíble. No sé cómo le han amaestrado pero si es verdad que parece que supiera el papel que está teniendo. Es muy llamativo. Por lo demás, tan solo hay cuatro actores humanos y solo uno está durante toda la película.

   Escenas (SPOILERS!!): Vamos a contestar a las preguntas más evidentes que la película puede plantear. ¿Qué es la presencia? No es un fantasma, es la figura que representa la muerte y que solo el perro puede percibir. Aparece en la primera vez que el dueño se pone enfermo. Por tanto, eso contesta la siguiente pregunta, ¿la casas está encantada? La figura no pertenece a ella, aparece en la anterior, lo hace cuando el hombre empieza a acercarse a la muerte. No ataca ni hace nada, sólo está ahí esperando. Podría ser que la casa ejerza de amplificador pero también que cuando le pasó lo mismo al padre, también se encontrara muy enfermo, y el aislamiento provocara el empeoramiento. Por tanto, la historia nos habla de un hombre con una enfermedad terminal y que su perro percibe el acercamiento a su muerte. ¿Por que este perro se salva y el anterior no? Por dos razones, porque a este le encuentran y le dan la posibilidad de salir o que también esté considera que aquí ya no tiene más que hacer. Es decir, deja que el dueño se vaya.

   LO PEOR: En un principio puede resultar algo pesada pues, al fin y al cabo, vamos acompañando constantemente al perro. Por tanto, no hay mucho diálogo, y cuando lo hay, este es más bien irrelevante.

   REFERENCIAS: Otras películas con puntos de vista originales que antes mencionaba, “De naturaleza violenta” (desde un asesino slasher) y “Presence” (desde el de un fantasma), de este mismo año.

   CONCLUSIÓN: 6’5. Original punto de vista que funciona gracias al enorme trabajo realizado con Indy, así es como se llama el perro protagonista, que intranquilizará a aquellos que compartan su vida con animales y vean ciertos comportamientos similares.

Música de Película: Hamnet

 

      La banda sonora compuesta por ese maestro que es Max Ritcher es de una belleza que solo un compositor de este nivel puede conseguir. No es la favorita para ganar el Oscar este año pero personalmente si la considero la mejor. Incluye un tema anterior de Ritcher, que de hecho, ya ha sido usado en otras películas pero que parece que se hubiera hecho para esta.

Tema: Of the sky.

Película: Hamnet.

Intérprete o compositor: Max Ritcher.

Tema: Of the discovered country.

Película: Hamnet.

Intérprete o compositor: Max Ritcher.

Tema: On the nature of daylight.

Película: Hamnet.

Intérprete o compositor: Max Ritcher.

Escenas Míticas: Cine de época - Lo que el viento se llevó

 

   “A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre”. Incluso la gente que nunca ha visto la película, reconoce esta frase. Lo que habla poderosamente del mito alrededor. Porque probablemente sea la película más mítica y mitificada de toda la historia del cine, a parte de considerarla una de las cien mejores de todos los tiempos.

   El estreno de una nueva versión de “Cumbres borrascosas” (los viejos clásicos nunca mueren) con Jacob Elordi y Margot Robbie, nos da la excusa para hacer un repaso por el cine de época, y vamos a empezar por la más grande de todas, que aúna varios géneros; el romance, el histórico, incluso el western, en definitiva, el cine épico, lo que es por encima de todo es una película de época.

   Un clásico que nunca muere. No en vano, ha sido reestrenada más veces que cualquier otro, concretamente en los años 1942, 1954, 1961, 1971, 1974 y 1989. En todos ellos ha captado la atención del público, acumulando 400 millones de dólares recaudados, cuando solo costó 4. Que si los trasladamos a la inflación actual se convertirían en unos 3.500 millones, pues es la película qué más entradas ha vendido, 405 millones.

   Además, es una de las películas más oscarizadas de la historia, llevándose diez de las trece estatuillas a las que optaba. Entre ellas la correspondiente a director, a Víctor Fleming, que era el acreditado, aunque fueron tres los que se sentaron tras las cámaras. Primero fue George Cukor, que fue despedido bastante pronto por diferencias de criterio, luego el propio Fleming, y después le sustituyó Sam Woody para terminar algunas escenas cuando este se retiró por agotamiento.

   Porque haciendo gala de la propia mítica de la película, realizarla supuso un esfuerzo titánico. Solo para el casting se emplearon casi dos años, haciendo entrevistas y posteriores audiciones a unas 1400 actrices. Además, el guion, basado en la novela homónima de Margaret Mitchell, sufrió múltiples revisiones tratando de rebajar el metraje, que aun así se fue hasta las cuatro horas de duración.

   Vivien Leigh consiguió el papel de Escarlata O’Hara casi de casualidad. Encajaba perfectamente en el personaje, tanto físicamente (en cuanto a la descripción de la escritora del libro) como por su rango de interpretación. Gustaba a todos pero por aquel entonces era una desconocida y preferían una actriz con más nombre.

    Por eso barajaron nombres como Bette Davis, Katherine Hepburn, Joan Crawford o Paulette Goddard. Pero cada vez que parecía que tenían a una, por alguna razón era descartada. Hepburn estaba muy interesada, pero no convencía el productor, David Selznick, que la vetó. La favorita de Margaret Mitchell era Goddard pero la controversia de su matrimonio con Charles Chaplin, la dejo fuera.

   Y vuelta a Vivien Leigh que sorpresivamente se quedó con un papel que la catapultó como estrella, le otorgó un Oscar y la hizo eterna como icono del cine clásico. El reparto lo completaban Clark Gabble (que se impuso a Gary Cooper), Olivia de Havilland, Leslie Howard. Y Hattie McDaniel, que se convirtió en la primera actriz afroamericana en conseguir también un Oscar, el de reparto.

   Aunque en la ceremonia no pudo sentarse junto al resto del equipo de la película, pues en 1939, en Estados Unidos había una importante segregación racial, y los negros no podían sentarse junto a los blancos. Lamentable decisión que no puede atribuirse a los responsables de la película sino a los organizadores del evento, y que nos sirve para tocar un tema peliagudo.

   Tras someterla al revisionismo histórico, la película fue fuertemente criticada acusándola de racista, hasta el punto que fue retirada del catálogo de HBO temporalmente en 2020, al que volvió con una explicación previa para añadir contexto a la historia, pero respetando todo el metraje original. Personalmente, creo que las películas son hijas de su tiempo y deben ser juzgadas en cuanto a su época y entorno social y cultural del momento.

   Es cierto que se hace una romantización de las plantaciones de algodón, donde no existe un problema moral sobre la esclavitud, pero es que todo en esta película está romantizado, hasta la Guerra de Secesión. 

   Lo que no se dice es que contribuyó en que se hicieran cambios respecto al trato a los actores negros en Hollywood. La propia Hattie McDaniel, criticada por hacer el papel de criada, dijo: “Prefiero interpretar a una criada que ser una criada”.