jueves, 29 de noviembre de 2012

Dance of the dead



 
   FICHA TÉCNICA

Película: Dance of the dead.
Dirección: Gregg Bishop.
Países: USA.
Año: 2008.
Duración: 87 min.
Género: Terror, comedia.
Interpretación: Jared Kusnitz, Greyson Chadwick, Chandler Darby, Carissa Capobianco, Randy McDowell, Michael V. Mammoliti, Mark Lynch, Justin Welborn, Mark Oliver
Guión: Joe Ballarini.
Producción: Ehud Bleiberg, Gregg Bishop.
Música: Kristopher Carter.
Fotografía: George Fleucht.
Montaje: Gregg Bishop.
Distribuidora: Bleiberg Entertainment.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Mientras se celebra el baile de fin de curso en un pequeño pueblo americano, los muertos comienzan a salir de sus tumbas en busca de carne fresca. Solo aquellos, que por unas u otras razones se han quedado sin ir al baile, se dan cuenta de lo que está ocurriendo e intentarán acabar con ellos.
   LO MEJOR: Tiene poco dinero y pocas pretensiones, lo que puede ser una combinación de lo más liberador pues no tiene la necesidad de contentar a un determinado público y rendir en taquilla. Han hecho la película que han querido. Y lo cierto es que les ha salido muy entretenida y, sobre todo, muy divertida, merced a innumerables gags cómicos. Y es que su gran ventaja es saberse reir de si misma. Además, no está mal el enfoque de colocar como héroes a los perdedores. Y para tener un presupuesto justito los efectos especiales tampoco desentonan.
   Interpretación: El protagonismo está muy repartido entre un grupo de adolescentes de origen desconocido (no sorprendería que fueran debutantes). No hay, por tanto, actuaciones resaltables. Si hay que decir que los personajes son clichés totales de cine “de universitarios” o de institutos (la animadora, la organizadora del baile, el rebelde gracioso, . . . ) y esto no lo digo como crítica, es más, creo que es del todo a propósito.
   Escena (spoiler): El humor es el fuerte de la película y proporciona una buena cantidad de escenas en este sentido. El profesor de gimnasia cargándose zombies a lo Rambo. Los rockeros tocando durante cinco horas seguidas para calmar a muertos y que no se acercaran. La hazaña de recuperar el detonador en el gimnasio/baile en medio de todos esos monstruos. Pero con  lo que me partí de risa fue ver el rollo amoroso-zombie con la animadora (arrancamiento de lengua incluído).
   LO PEOR: Hay que ser claro; si le quitas el efecto homenaje ochentero y el tono de comedia, no queda mucho de que hablar. Pasará sin pena ni gloria y será olvidada pronto, si es que alguien la ve (de hecho, la película es de 2008 y ha salido en dvd este año). Es cine de consumo rápido porque, como era de esperar, el guión es muuy simple.
   CITAS: “- ¿Quien te ha puesto al mando? –Soy la vicepresidenta del consejo escolar. – Y yo el presidente del club de ciencia-ficción”.
   REFERENCIAS: Es todo un declarado homenaje al género zombie en su vertiente de George A.Romero (gente encerrada y rodeada de muertos vivientes) dándole una vuelta a la comedia hacia un aire de las películas de terror juveniles de los ochenta (“Noche de miedo”).
   CONCLUSIÓN: 6. Un homenaje al terror zombie ochenteno pero con mucho humor.

 
 
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martes, 27 de noviembre de 2012

Escenas Míticas: Psicópatas - Hannibal Lecter





   El rey de los psicópatas. Ninguno de los demás seres trastornados que hemos ido viendo este mes podía disputarle el primer puesto a Hannibal "el canibal" Lecter. Su personalidad; tremendamente inteligente, sofisticada clase y distinguido léxico, le ponen a la cabeza de esta lista. La gran peculiaridad de este perturbado personaje es que, como su apodo ya revela, se come a sus víctimas (bueno, no a todas, solo las que presume que van a ser sabrosas). No utiliza ningún arma en especial ni tiene un modus operandi particular. Es, simplemente, Hannibal Lecter. Y con eso lo digo todo.



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   Una de las claves del interés de "El silencio de los corderos" fueron sus conversaciones con Clarice Starling, una licenciada universitaria que aún no pertenece al FBI pero a la que envían a entrevistarse con Lecter (dada su experiencia como psiquiatra - tiene narices-) para solicitarle ayuda en la caza de un asesino en serie que está actuando. Esta es su primera toma de contacto, toda una primera cita.  
 
 
 
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   El enfrentamiento interpretativo entre Anthony Hopkins y Jodie Foster, dos monstruos del talento (ganadores de varios oscars, incluídos los otorgados por esta película) fue una de las mejores bazas del film. El director, Jonathan Demme, supo sacar provecho de ello. Aquí vemos como Hannibal, aparte de aconsejar a Starling, la propone un juego de lo que él llama "Quid pro quo" en el que él acepta ayudarla a cambio de poder psicoanalizarla y poder entrar en sus miedos más íntimos.

 
 
 
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   El canibal entra en acción. Su tono templado y sereno da lugar la más salvaje de las reacciones. En la escena, consigue escapar, no sin antes arrancarle las narices a uno de los guardias y asesinar a ambos con fría y calculada brutalidad. A porrazo limpio.
   
 
 
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   Pasamos a la secuela que directamente se llamó "Hannibal". Tras escapar, Lecter se retira a Italia donde es acechado por un detective de la policía italiana que pretende cobrar la recompensa por entregarle. ¿Que hace Hannibal? Tirarle desde lo alto de un edificio con una soga en el cuello, no sin antes preguntarle: "¿Tripas dentro o tripas fuera?". Advertencia: fue "tripas fuera".
 
 

 
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    Sin duda, la escena de mayor impacto de cuantas envuelven a este personaje. Lecter secuestra a Starling (Julianne Moore sustituyó muy dignamente a Jodie Foster en el papel) y a su superior (un capullo) y los sienta a la mesa. Ambos están drogados. Clarice presencia horrorizada como el doctor levanta, literalmente, la tapa de los sesos a Ray Liotta, le secciona pequeños trozos de su cerebro y los hace a la brasa para después dárselos para que se los coma. Así como suena. Secuencia especialmente dura.
 
 
    Y con esto terminamos la temática de este mes. ¿El próximo? Es diciembre, ¿no?
 
  

domingo, 25 de noviembre de 2012

El diario de Noa


 

   FICHA TÉCNICA

Título: El diario de Noa.
Título original: The notebook.
Dirección: Nick Cassavetes.
País: USA.
Año: 2004.
Duración: 124 min.
Género: Drama romántico.
Interpretación: Ryan Gosling (Noa Calhoun), Rachel McAdams (Allie Hamilton), James Garner (Duke), Gena Rowlands (Allie Calhoun), James Marsden (Lon), Kevin Connolly (Fin), David Thornton (John Hamilton), Jamie Anne Brown (Martha Shaw), Heather Wahlquist (Sara Tuffington), Sam Shepard (Frank Calhoun), Joan Allen (Anne Hamilton). Guión: Jeremy Leven y Jan Sardi; basado en la novela de Nicholas Sparks.
Producción: Mark Johnson y Lynn Harris.
Música: Aaron Zigman.
Fotografía: Robert Fraisse.
Montaje: Alan Heim.
Diseño de producción: Sarah Knowles.
Dirección artística: Scott T. Ritenour.
Vestuario: Karyn Wagner.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: En una residencia de ancianos, un hombre lee a una mujer una historia escrita en un cuaderno. En él se narra la historia de amor vivida por Noa y Allie, dos jóvenes de distinta clase social, pero que luchan contra todo lo que tienen en contra.
   LO MEJOR: Lo que hace interesante a esta película de las demás de tinte amoroso-romántico es que, aparte de que está bien contada, se hace una bonita reflexión acerca del paso del tiempo y el efecto que provoca en los sentimientos, haciendo patente lo importante del sacrificio y de lo efímero de ciertos momentos de la vida. Y está bien contada porque retrata perfectamente la evolución de la pareja protagonista desde el romance adolescente de un verano hasta llegar a la vejez, entrelazando todo de forma eficaz.
   Interpretación: Las actuaciones de los protagonistas, tanto Ryan Gosling como Rachel McAdams, están a un nivel verdaderamente alto, siendo creíbles en cada fase del film, sin altibajos, haciendo al espectador partícipe de sus estados emocionales. Más reseñable, si cabe, es el caso de Gosling, un actor del que ya he comentado lo destacado de su talento.
   Escena (spoiler): No es que haya escenas demasiado destacables por separado. La parte del romance de verano me parece curiosa. O el momento en el que él la dice que la odiará si vuelve  a irse, aunque la quiera. Pero el final de los dos ancianos es la secuencia más emotiva, tan conmovedora como entrañable.
   LO PEOR: No hay nada nuevo bajo el sol en cuanto a temas de trasfondo se refiere. La historia es la típica mil veces tratada. Es decir, el enamoramiento entre personas de distinta clase social, el amor verdadero que todo lo puede,  . . . Aquello de que el pobre es más humilde pero más alegre y feliz es un clásico.
   CITAS: “- Dime lo que quieres que sea y lo seré por ti. - Eres tonto. - Podría serlo . “.
   REFERENCIAS: Está claro que toda esa legión de películas romanticonas descendientes de “Love story”. O aquellas en las que pase lo que pase el destino los vuelve a unir (“Destino oculto” es la última que he visto). Aunque el tono ambientado en otra época, no sé porque, me ha recordado a “Tomates verdes fritos”, y eso que no tienen nada que ver.
   CONCLUSIÓN: 7’5. De esas calificadas como “muy bonitas”. Realmente lo es.

 
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jueves, 22 de noviembre de 2012

El enigma del cuervo


 
 

   FICHA TÉCNICA

Película: El enigma del cuervo.
Título original: The raven.
Dirección: James McTeigue.
Países: USA, Hungría y España.
Año: 2012.
Duración: 110 min.
Género: Thriller.
Interpretación: John Cusack (Edgar Allan Poe), Luke Evans (detective Emmett Fields), Alice Eve (Emily Hamilton), Brendan Gleeson (coronel Hamilton), Oliver Jackson-Cohen (John Cantrell), Kevin McNally (Maddux).
Guion: Ben Livingston y Hannah Shakespeare.
Producción: Marc D. Evans, Trevor Macy y Aaron Ryder.
Música: Lucas Vidal.
Fotografía: Danny Ruhlmann.
Montaje: Niven Howie.
Diseño de producción: Roger Ford.
Vestuario: Carlo Poggioli.
Distribuidora: Universal Pictures International Spain.
 
   CRÍTICA

   SINOPSIS: En los últimos días de Edgar Allan Poe, un asesino en serie elabora sus crímenes basándose en los relatos de sus obras y desafiándole  así a que sea capaz de atraparle. Poe colabora en la investigación con la policía de Baltimore para lograrlo.
   LO MEJOR: Muestra una trama bastante interesante, para lo que utiliza un hilo conductor lo suficientemente enganchante. Básicamente se vale del esquema habitual del “serial killer” o “películas de asesinatos”, con la salvedad de adaptar esta fórmula a una época pasada. No escatima a la hora de situar cada acción con una trabajada puesta en escena para meternos en cada secuencia. La fotografía es otro de los sectores que sobresalen. Son comunes los planos repletos de niebla y oscuridad (la justa). A los seguidores de Edgar Allan Poe les gustará, sobre todo si recuerdan sus obras más conocidas, pues el film, de alguna manera, las homenajea.
   Interpretación: John Cusack  es un actor de sobrado talento y aquí encarna dignamente a Edgar Allan Poe, aunque hay que advertir que en algunos tramos está desatado, casi en exceso, pero no se le termina de ir de las manos. Destacaría la sobriedad y saber estar de su compañero de reparto Luke Evans, como el inspector encargado de la investigación.
   Escena (spoiler): Hay varios momentos dotados de emoción e intensidad: la búsqueda en los túneles, el registro en el teatro con sus correspondientes enfrentamientos, . . .  Pero me llamó la atención la secuencia del asesinato perpetrado usando “El pozo y el péndulo” como inspiración, bien rodada e impactante.
   LO PEOR: Es frecuente en esta clase de películas que la ciudad se convierta en un personaje más. No es el caso de esta. Prácticamente no le vemos el pelo a la ciudad de Baltimore, y por lo tanto, hay escasa recreación histórica. La mayoría de las escenas se desarrollan en interiores y las que no en las afueras. Por otro lado, el final sobreviene demasiado pronto, se habría agradecido alguna vuelta de tuerca más o quizá un clímax más intenso.
   CITAS: “Dijo el cuervo: nunca más”. “Yo soy su logro supremo, su obra maestra”.
   REFERENCIAS: Estaría entre todas esas adaptaciones hechas de “Jack, el destripador”. Pero más que la miniserie protagonizada por Michael Caine sería cercana a “Desde el infierno”. Y tiene algo del nuevo “Sherlock Holmes” creado por Guy Ritchie.
   CONCLUSIÓN: 7. Un serial-killer a lo Edgar Allan Poe.

 
 
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martes, 20 de noviembre de 2012

Escenas Míticas: Psicópatas - Max Cady (El cabo del miedo)




   Max Cady no responde al perfil de los psicópatas mostrados hasta ahora en la sección. No tiene un modus operandi determinado, no utiliza armas específicas y no tiene un tipo de víctima en concreto. De hecho, su único objetivo es Sam Bowden, el abogado que se aseguró de que pasara catorce años a la sombra. Claro que por extensión, la familia y amigos del letrado pasan a ser posibles damnificados. Y vaya que si lo serán.



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    Y precisamente la primera agraviada es una amiga, también abogada, de Bowden. Mostrando una simpatía y un encanto arrebatador, la seduce en un bar y se la lleva a la cama. Pero allí la somete a una brutal paliza (mordisco facial incluído) y con ello le manda un recadito al bueno de Sam, diciéndole lo que es capaz de hacerle a sus seres queridos.



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   Bowden intenta solucionar el problema por las bravas y contrata unos esbirros para que le den una lección a Cady. Y en principio se la dan pero en un momento dado Max se rehace y consigue darle la vuelta a la tortilla, siendo él el que le da una lección a esos tipos. Impagable el discurso que se marca comparándose con Dios. ¿Abogado?



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   Max Cady pasa a la ofensiva haciéndole más daño a su enemigo donde más le duele: en su casa y poniendo en peligro a su familia. Bowden cuenta con ex-policia que pasa la noche en su casa esperando la llegada de Cady y tendiéndole así una trampa. Pero Max vuelve a darle la vuelta al asunto.



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   La interpretación de Robert De Niro es de matrícula de honor. Aquí su personaje decide ajecutar por fin su venganza. Bowden se lleva a su familia lejos y cogen un barquito para esperar a salvo a que todo pase. Pero Cady no va cejar en su empeño. Esta escena es intensísima, gracias mayormente a De Niro.



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    Momento culminante en la película. Tras chocar accidentalmente, el barco se va a pique y todos salen despedidos. Pero Cady queda esposado a una de las barras del interior del barco y se ve abocado a hundirse con él. Impresionante los instantes finales de Max Cady, farfullando en un lenguaje ininteligible y cantando mientras las aguas, literalmente, se lo tragan.



domingo, 18 de noviembre de 2012

J. Edgar





   FICHA TÉCNICA

Película: J. Edgar.
Título original: Hoover.
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2011.
Duración: 137 min.
Género: Biopic, drama.
Interpretación: Leonardo DiCaprio (J. Edgar Hoover), Naomi Watts (Helen Gandy), Armie Hammer (Clyde Tolson), Josh Lucas (Charles Lindbergh), Ed Westwick (agente Smith), Judi Dench (Annie Hoover), Damon Herriman (Bruno), Jeffrey Donovan (Robert Kennedy), Dermot Mulroney (coronel Schwarzkopf), Denis O’Hare (Albert Osborne).
Guion: Dustin Lance Black.
Producción: Clint Eastwood, Brian Grazer y Robert Lorenz.
Música: Clint Eastwood.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary Roach.
Diseño de producción: James J. Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Se hace un repaso de la vida del que fuera Jefe de la Oficina de Investigación, lo que, con el tiempo, pasaría a ser el FBI. Se cuenta como Hoover incorporó nuevas formas y métodos en las investigaciones y logró perfeccionar el sistema hasta tal punto que hoy en día permanecen muchas de sus medidas.
   LO MEJOR: Como ya es nota predominante del cine de Clint Eastwood, la exposición que se hace de los hechos es impecable. Y aunque el ritmo pueda parecer demasiado pausado, en realidad se dan muchos datos y ocurren multitud de cosas durante la descripción del relato. Además, se hace una perfecta reconstrucción de las distintas épocas en las que se desarrolla, tanto en los inicios de la vida profesional de Edgar Hoover como en los más cercanos a su muerte.
   Interpretación: La actuación de Leonardo DiCaprio es como para enmarcarla. Me atrevería a decir que de no ser por él, el film tendría mucho menos nivel. Y no es que la papeleta fuera fácil, aunque parece haberse especializado en personajes enfermizos y atormentados que le caen como un guante. Los integrantes de la Academia de Hollywood debieran de hacérselo mirar, no sé que tiene que hacer este actor  para que le den un Oscar, o al menos le nominen. Y es que en  sus últimas cuatro o cinco películas está de matrícula.
   Escena (spoiler): En el único jardín que se mete la película es en el que se insinúa que Hoover era homosexual. La conversación que tiene con su madre acerca del tema o la discusión con su “compañero” cuando este se pone celoso de que J. Edgar se planteara casarse con una mujer. O la es escena en la que se traviste. Las destacaría por ser más atrevidas.
   LO PEOR: Me da la sensación de que Eastwood se ha mostrado “políticamente correcto” en exceso. Hoover fue una figura de las más polémicas de la historia del país de las barras y estrellas. Su dirección es notable pero quizá la de un director  tipo Oliver Stone habría extraído más del personaje y se habría atrevido a ir más allá. Además, me habría gustado que se contara algo más de la interacción de los Kennedy con Hoover. 
   CITAS: "Cuanto más falsa es la historia más drmático es el final". "No llegue tan temprano, es tan descortés como llegar tarde". "Es fácil ser experto cuando eres el único que le interesa".
   REFERENCIAS: Todos aquellos biopics de figuras relevantes de la historia. Más en concreto las basadas en políticos como “Nixon”. La más reciente es la de Margaret Tatcher en “La dama de hierro".
   CONCLUSIÓN: 7’5. Una de las figuras más influyentes de la historia americana.



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jueves, 15 de noviembre de 2012

La sombra de los otros




   FICHA TÉCNICA

Película: La sombra de los otros.
Título original: Shelter.
Dirección: Måns Mårlind y Björn Stein.
País: USA.
Año: 2010.
Duración: 109 min.
Género: Thiller sobrenatural.
Interpretación: Julianne Moore (Cara), Jonathan Rhys Meyers (Adam), Jeffrey DeMunn (Dr. Harding), Frances Conroy (Sra. Bernburg), Nathan Corddry (Stephen), Brian A. Wilson (Virgil), Steven Rishard (detective Danton).
Guión: Michael Cooney.
Producción: Emilio Díez Barroso, Neal Edelstein, Darlene Caamano Loquet y Mike Macari.
Música: John Frizzell.
Fotografía: Linus Sandgren.
Montaje: Steven Mirkovich.
Diseño de producción: Tim Galvin.
Vestuario: Luca Mosca.
Distribuidora: Aurum.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una psiquiatra forense se ocupa del caso de un paciente con un desorden de personalidad múltiple. Durante las sesiones descubre que las personalidades de dicho paciente corresponden a las de personas víctimas de asesinatos.
   LO MEJOR: Supone un thriller bastante interesante, de esos que enganchan por la curiosidad de saber que está pasando realmente. Y lo más valorable de ello es que consigue dosificar la intriga con paciencia y sin aburrir, sobre todo durante la primera hora. Además se observa una evolución desde un argumento que se mueve en el terreno psicológico, con explicaciones propias del género “psico-killer” hacia un terreno más pantanoso al lado más sobrenatural. Todo esto aderezado con buenos e intensos momentos de suspense.
   Interpretación: Julianne Moore es una actriz a la que difícilmente es verla descolocada de su sitio y su personaje. No, aquí tampoco. Y no es que sea un personaje a su medida pero ella lo solventa como si así fuera. Mientras tanto Rhys Meyers tiene el personaje con el que puedes lucirte o enterrarte. Y la verdad es que para hacer el papel de un tipo con personalidad múltiple, para nada recurre al histrionismo ni al exceso de gesticulación. Bien comedido.
   Escena (spoiler): Los momentos más intensos son los proporcionados por Jonathan Rhys Meyers. Más en concreto, los interrogatorios a los que le somete Julianne Moore para psicoanalizarle y con los que se provocan los cambios de personalidad tan impactantes, en ocasiones.
   LO PEOR: El tempo y el control del film se mantiene bien ordenado y calculado hasta llegar a la media hora final en la que parece haber cierto desfase, causado, principalmente, por un intento desmesurado de sorprender al espectador por medio de constantes giros y vueltas de tuerca. Es como si se revolucionara en exceso.
   CITAS: “- Sueles prepararlos un mes antes de que yo los exprima. – Pero este es toda una novedad”.
   REFERENCIAS: Ese paso de thriller psicológico al suspense sobrenatural me ha recordado en muchos puntos a “Fallen”, donde se mezclaba lo policíaco con lo paranormal.
   CONCLUSIÓN: 7. Thriller intenso con buen suspense.



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martes, 13 de noviembre de 2012

Escenas Míticas: Psicópatas - John Doe (Seven)




   John Doe, lo que en castellano sería Juan Nadie. Así se presenta el psicópata de esta semana. Doe cree que ha sido elegido para dar una lección a la humanidad. Piensa que la sociedad se ha degradado y que somos derrotados por nuestros más bajos instintos. Sus víctimas son de lo más variado: un banquero, una modelo, una prostituta, . . .  cualquiera que encaje en lo que él considera un pecado capital. Sus armas no son lo más importante de su modus operandi sino más bien sus métodos que utiliza más como castigos tortuosos que con el asesinato como finalidad.



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   Como ya he dicho, este ser (y ahí lo dejo) usa los siete pecados capitales como columna vertebral con la que justifica los motivos para "reprender" a sus presas. Aquí encontramos al damnificado del pecado de la Pereza. Al parecer, según John Doe, este infeliz era un vago y por ello su pena es ser martirizado durante un año o algo así, manteniéndole inmovilizado y en condiciones precarias al borde de la muerte.
 
 
 
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   Aunque el argumento gira en torno a sus acciones, no es para nada el protagonista de la película, que se centra más en la investigación de los dos inspectores. El personaje, excelentemente interpretado por Kevin Spacey, aparece por primera vez a la vista en esta escena, en la que se entrega voluntariamente todavía machado de sangre. Fijaos que sus dedos carecen de las yemas y por lo tanto de huellas dactilares.
 
 
 
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   El hecho de haberse entregado por decisión propia habiéndose perpetrado cinco de los posibles siete pecados hacía sospechar que Doe tenía aún un as en la manga. Se supone que se proponen descubrir otros posibles cadáveres pero él les tiene otra sorpresa. Atención a su tono de conversación: suave, inalterable, carente total de sentimiento.
 
 

 
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   Es uno de los climax más impactantes del cine. Cuando la vi en la sala no podía dejar de tener la boca abierta. Todo el mundo exclamaba un "¡No jod...!". Los dos pecados restantes, Envidia e Ira, tenían como víctimas y ejecutores (ambas cosas simultáneas, al inspector Mills (Brad Pitt) y al propio John Doe, que culminaba su obra muriendo pero victorioso. Grandísimo final.
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