Escenas Míticas: Licántropos - Dog soldiers

 

   Confirmaba la tendencia de que las películas de hombres lobo venían en pequeños ciclos, en determinadas décadas de la historia del cine. Hablo de las buenas, porque en los noventa el personaje no había sido muy bien tratado, apareciendo en la gran pantalla de forma muy escasa y con poco éxito, como en el caso de “Un hombre lobo americano en París” (que además era una secuela bastante tardía). Tan solo se salvaba de la quema “Lobo”, de Mike Nichols, con Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer, aunque no tuviera demasiado terror.

   Pero en 2000 llegó “Ginger snaps”(que ya pudimos ver aquí), que a la postre se convertiría en trilogía, y después esta “Dog soldiers”, que aunque fueran productos independientes y de serie B, terminaron por poner de moda, como ya había pasado en décadas pretéritas, como en los cuarenta, setenta y ochenta, a las películas de licántropos, llegando a aparecer en superproducciones posteriores como “Van Helsing” o “Underworld”.

   Supuso el debut del que parecía uno de los directores más prometedores del género de terror, el británico Neil Marshall, cuya siguiente película fue, y sigue siendo, una de mis survival de monstruos favoritos, “The descent”, continuando con la postapocalíptica “Doomsday” y la magnífica “Centurión”, en la que además demostraba que podía salirse del terror y aplicar su estilo de acción en cualquier género.

   Sin embargo, inexplicablemente, pasó a un periodo en el que no hacía otra cosa que dirigir y episodios en televisión, eso sí, en series como “Juego de tronos”, “Hannibal”, “Black sails” o “Westworld”. Su regresa al cine vino de la mano de un reboot de “Hellboy” que fue un completo fracaso. Tanto de crítica como de público. Y tras ellos solo han venido subproductos de nivel mucho más bajo del que apuntaba en sus inicios.

   La ocurrencia para la película se le ocurrió durante unas vacaciones en Escocia, que al contemplar la naturaleza de sus montañas, le pareció un excelente escenario de lucha entre unos soldados y unas bestias, que terminaron por ser hombres lobo. No en vano, sus cuatro primeras películas, y las únicas que merecen la pena, tienen en común que son survivals en los que se produce siempre una persecución a muerte.

   Aquí, por tanto, se mezcla el género bélico con el terror, aunque curiosamente no se terminaría rodando en Escocia sino en Luxemburgo. Marshall apuntó que una de sus principales influencias fue “ La noche de los muertos vivientes”. Y que tomaba referencias de cuentos infantiles clásicos como “Caperucita” o “Los tres cerditos”.

   El reparto no tenía nombres muy conocidos, salvo el del polifacético Liam Cunningham. Se completaba con Kevin McKidd, Emma Cleasby y Sean Pertwee, cuyo personaje se llamaba Harry G. Wells (H.G. Wells) en homenaje al escritor. Otro personaje se llamaba Bruce Campbell, haciendo guiño a “Posesión infernal”. Los papeles protagonistas fueron rechazados por Simon Pegg, en favor de “Zombi’s party” y Jason Statham, para hacer “Fantasmas de Marte”, con John Carpenter.

   A partir de su recepción, se llevan años esperando una secuela. De hecho, tenía hasta título, “Dog soldiers 2, carne fresca”. Pero hasta ahora no ha llegado nunca a darse. Uno de sus proyectos que parece que va a resucitar en cualquier momento pero que nunca termina por hacerlo. El propio Neil Marshall reconoció que la película fue concebida para formar parte de una trilogía. Pero hay problemas con los derechos de explotación, y así hasta ahora.

   La película tan solo costó 2’3 millones de dólares y recaudó 5’5 en taquilla, que aunque no parezca demasiado, hay que considerar que contó con poca o nada de distribución, solo su participación y nominación a mejor película en el Festival de Sitges como promoción, y aún así dobló lo invertido. Además de cosechar buenas críticas y quedar como un título de culto.

   Ese escueto presupuesto les obligaba a recortar gastos en el apartado de efectos especiales. No hay ni un solo trucaje digital, todos los efectos son artesanales, basándose en la elaboración de trajes (de hombre lobo) y en animatrónicos. De hecho, tuvieron que realizar las transformaciones mayormente fuera de plano.

Exhuma

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Exhuma.
Dirección: Jang Jae-hyun.
País: Corea del Sur.
Año: 2024.
Duración: 134 min.
Género: Thriller, terror.
Interpretación: Go-eun Kim, Min-sik Choi, Lee Do-hyun, Kim Sun-young, Yoo Hae-jin.
Guion: Jang Jae-hyun.
Producción: Jang Jae-hyun, Kim Jee-hye.
Música: Kim Tae-seong.
Fotografía: Lee Mo-gae.
Distribuidora: Showbox.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una familia adinerada decide contratar a una reputada chamana porque consideran que la enfermedad de su hijo recién nacido se debe a una causa sobrenatural. La chamana reúne a un equipo de su confianza para tratar el tema y se dan cuenta que el origen de todo el mal se puede deber a una tumba de un antepasado.

   LO MEJOR: Al parecer, ha arrasado en la taquilla de su país, Corea del Sur, y se ha convertido en la película de terror que más ha recaudado allí. No me extraña porque es una de las mejores películas de ese género que nos vienen del continente asiático en años. El cine coreano lleva ya bastante tiempo regalándonos muy buen cine pero en la mayoría de los casos con tempos muy distintos a los del cine occidental. Sin embargo, en este no, el ritmo es brutal, siempre están pasando cosas y no te dejan mucho descanso entre unas y otras. Sus 130 minutos se hacen muy entretenidos, casi como una montaña rusa de emociones. En principio parece una historia de estafadores, de farsantes que se hacen pasar por especialistas de lo espiritual para sacarles el dinero a los ricachones, pero que dan con un caso real. Pues no, sino que sus ocupaciones están tan arraigadas en su cultura que lo tratan como un trabajo normal, y es la cotidianidad lo que la hace curiosa. Desconozco cuánta base documental tenga pero lo más fascinante de la película es conocer todo lo que desciende, sea más o menos ficción, de su folclore y su tradición. De hecho, lo más interesante es como integra todo ello en una trama inicial que luego se convierte en otra donde abundan los rituales, posesiones, exorcismos, fantasmas, demonios, y demás pero desde un ángulo muy distinto de lo habitual. Además, consiguen construir unas secuencias tremendas, con gran dominio del uso del montaje y de la narración en paralelo.

   Interpretación: En principio, la más protagonista es Kim Go-eun. Pero rápidamente nos damos cuenta que va a ser un protagonismo bastante coral. De hecho, funciona bastante bien como una historia de grupo, de personas que se juntan para formar equipo contra algo. Ahí quien destaca es un veterano ya del cine coreano, que muchos le conocerán por películas tan emblemáticas como “Oldboy” o “Encontré el diablo”, Choi Min-sik.

   Escenas (SPOILERS!!): Lo mejor es lo detallado que están todos los procesos espirituales. Por ejemplo, el ritual de purificación que se hace a la par de la exhumación es impresionante. Pero luego se monta una secuencia espectacular en el primer enfrentamiento al samurái gigante. Tiene giros realmente sorprendentes, como el del doble enterramiento. Además, juega muy bien a mostrar los fantasmas solo desde los reflejos en espejos o cristales, o mediante sombras. La escena final en el bosque es increíble. Y la enlaza muy bien, en aquello de montar muy bien en paralelo, con la escena en la habitación del hospital. Por cierto, debe ser de las pocas películas coreanas, y de terror, más concretamente, que tiene un final feliz.

   LO PEOR: Quizá ya en el último giro se retuerza demasiado la trama. Riza ya el rizo. Sigue siendo interesante pero hace que se sienta más confusa. Puede llegar al caso de que no sepas por dónde se andan en un momento dado.

   REFERENCIAS: Me ha recordado a la también coreana “El extraño”. Que cruzada con la tailandesa “The médium”, podría dar algo parecido a esta película. No obstante, “Exhuma” tiene su propia personalidad.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Una de las mejores películas de terror llegadas del cine asiático de los últimos años, que hace de su folclore una montaña de emociones a la que no le falta de nada de lo que deba tener el subgénero de fantasmas.

Música de Película: El Conde de Montecristo

 

    Seguramente el nombre del francés Jerome Rebotier no les diga a nadie demasiado pero lo cierto es que ha compuesto una de las mejores bandas sonoras del año pasado, mezclando lo moderno con lo clásico, y el estilo de música europea con las músicas épicas cinematográficas tipo Hans Zimmer.

Tema: Edmond et Mercedes.

Película: El Conde de Montecristo.

Intérprete o compositor: Jerome Rebotier.

Tema: La vie d’aprés.

Película: El Conde de Montecristo.

Intérprete o compositor: Jerome Rebotier.

Tema: Adieux a Eugenie.

Película: El Conde de Montecristo.

Intérprete o compositor: Jerome Rebotier.

Microcríticas Express: Dune, la profecía/Silo/Tripulación perdida

 

   Me duele en el corazón pero tengo que decir que me ha decepcionado un poco. Primero porque pensaba que era una miniserie y no una serie que se iba a continuar, por lo que me he quedado con un palmo de narices al ver el último episodio. Segundo porque más allá de que lo que cuenta me parece interesante, de que me gusta que se trate mayormente desde el punto de vista de la bene gesserit, la narración ha sido bastante lenta. Por cierto, vale ya de comparar todo con “Juego de tronos” y “Star Wars”. Que cada vez que hay una historia con trama de disputa de poder, conspiraciones y traiciones, es la primera, y cuando es una space ópera, la segunda. Y tiene narices que se diga que “Dune” es una mezcla de “Juego de tronos” y “Star Wars”. A ver si se puede entender, que fueron George R.R. Martin y George Lucas los que saquearon la novela de Frank Herbert, que es de principios de lo sesenta. A parte que, esta serie yo tampoco le veo tanto parecido a ellas. Lo que pasa es que hay gente que está deseando poner un titular con esas referencias. En cuanto al reparto, hay nombres como Emily Watson, Olivia Williams o Mark Strong, aunque a mí quien me ha gustado más es Jessica Barden (“The end of the f***ing world”, alguien debería recuperar esa serie). Porque a Travis Fimmel ya no sé como tomármele. Es verdad que su personaje es el que pone la salsa a la historia pero es que me da la sensación de que el actor nunca ha dejado de interpretar a Ragnar Lothbrok. O peor, que solo tiene ese registro interpretativo. No obstante, sigo teniendo fe en esta serie, tiene potencial y bastantes medios. Pero, Villeneuve, échales una mano. 6’5.

   Es probablemente una de las series más interesantes de los últimos años. No en vano, es uno de los buques insignia de AppleTv y se nota en los medios que les han proporcionado para recrear el mundo distópico de la historia, que se desarrolla en el interior de un enorme silo a modo de refugio nuclear. También se nota en la confianza que hay depositada en ella, hasta el punto de que la mejor noticia es que tenemos la seguridad de que vamos a poder verla entera pues ya están renovadas tanto la tercera como la cuarta temporada, que será la última. Adapta la saga de novelas con ese mismo título, de Hugh Howey. No puedo decir como se ha hecho ese trabajo porque no las he leído pero lo que si puedo afirmar es que es una muy buena serie, que tiene una clase de misterio que me recuerda a “Perdidos”, salvando las distancias, y que tiene un muy buen reparto. Con una maravillosa Rebecca Ferguson a la cabeza pero con nombres como Tim Robbins, Steve Zahn, Ian Glenn o Common (que siempre me ha parecido malísimo pero que aquí no está mal). De hecho, si algo le tengo que echar en cara a la segunda temporada, es que al llevar la trama desde dos escenarios distintos, la narración ha sido paralela alternándolos y me han privado de poder ver a la Ferguson todo el tiempo, por lo que da la sensación que ha estado un poco desaprovecha. Las dos temporadas emitidas tienen unos finales tremendos, con unos cliffhangers como catedrales y, aunque no me gustan esta clase de desenlaces, al menos te dan pistas de lo que va a venir en la siguiente temporada, y la tercera apunta brutal. Teniendo en cuenta que de la primera a la segunda ha habido una evidente evolución. Pero habrá que esperar hasta 2026. 8.

   Han intentado buscar un público diferente, dado que el más adulto ya parece saturado de tener delante un proyecto de Star Wars cada dos por tres, y que el fandom cada vez parece más tóxico, querían apostar por un tipo de espectador más juvenil, incluso infantil, y de paso enganchar a los que se sienten nostálgicos con la década en la que esa clase de cine funcionó mejor, los ochenta. Porque aunque se sigue sintiendo muy Star Wars, con muchos guiños a sus iconos más característicos, va mucho más por el camino del espíritu de películas ochenters como “Los Goonies” o “Exploradores”. Sin embargo, la cosa no ha funcionado igualmente. No ha sido apaleada como fue, exageradamente, “The Acolyte”, de hecho, ni siquiera tiene malas críticas, simplemente ha tenido poca audiencia. Porque a este universo le está pasando como al de superhéroes en general, que la gente se ha cansado de tanto bombardeo de lo mismo. No obstante, yo la voy a valorar objetivamente. A mí me ha entretenido. Ese tono de historia de piratas con aventuras como las de antes pero en el espacio creo que funciona. Incluso el planteamiento inicial, casi a modo de distopía me parece original. Además, que cuenta con directores como Jon Watts (Saga Spiderman), que además es el creador de la serie, David Lowery ("A ghost story"), los Daniels ("Todo a la vez y en todas partes"), Bryce Dallas Howard o Dave Filoni. Y en el reparto están Jude Law y Kerry Condon, aunque los verdaderos protagonistas son los niños. Si es verdad que le falta emoción en determinados momentos. Supongo que de esta tampoco veremos segunda temporada. 6.

Escenas Míticas: Licántropos - Ginger snaps

 

   Es una de esas joyas inesperadas que llegaba del cine independiente a convertirse en una de las mejores películas de hombres lobo de las últimas décadas, y personalmente, una de mis favoritas del género. Aunque más que hombre lobo era mujer loba, lo que ya representaba un gran cambio respecto a los habituales en esta clase de películas. No se veían mujeres licántropas precisamente desde la “Aullidos” de Joe Dante.

   De hecho, de alguna manera, supone la representación del terror feminista. Me explico, en el género de terror, las mujeres son habitualmente las víctimas. Es más, los conceptos de “scream queen” oh “final girl”, vienen precisamente de la idea de las actrices protagonistas de películas de terror, como en el slasher, pero como víctimas. Aquí la situación se daba la vuelta, las mujeres son la amenaza de los hombres que se acercan a ellas.

   Lo que abría posibilidades argumentales. Cómo establecer nexos, no literales, entre la menstruación y las fases lunares. No es casualidad que una de las protagonistas sea atacada por un hombre lobo justo el primer día que le viene la regla. Es una manera de establecer una metáfora sobre la pubertad y el despertar sexual.

   Por cierto, curiosamente en todas las películas sobre hombres lobo, casi nunca los mencionan. Me refiero a las que están situadas en la actualidad. Pasa como con los vampiros. Cómo se consideran leyendas, supersticiones o ficción, nadie los menciona como algo posible. Sin embargo, aquí desde un principio son conscientes que el ataque viene por parte de un licántropo.

   La película tuvo muchas dificultades para llevarse a cabo y estuvo a punto de no hacerlo. Fundamentalmente debido a que acababa de producirse la masacre de Columbine, y no se consideraba muy acertado hacer una película que contuviera violencia entre adolescentes. Aunque finalmente se hizo, sobre todo, porque la producción era canadiense y no estadounidense.

   La verdad es que le echaron bastantes narices porque precisamente las dos protagonistas, Ginger y Brigitte, las Fitzgerald (como se las conoce), representan a dos hermanas con perfiles psicológicos claramente psicopáticos. Constantemente están hablando de muerte y de lo que odian al resto de los demás, su madre incluida. Buena muestra de ello son los créditos iniciales, donde se hacen fotos a sí mismas en múltiples versiones de suicidios, recreando como serían encontradas, tirando de gore si es preciso.

   Hablamos de sus referencias. Su director, John Fawcett, que a parte de esta película solo tiene una de cierto nombre, “The dark”, y poco más, afirmaba que la película era una especie de cruce entre “Criaturas celestiales”, de Peter Jackson, y “La mosca”, de David Cronenberg. Esto último queda bastante patente en la transformación que sufre Ginger, que al contrario que en otras películas, es progresiva.

   A su vez sirvió de inspiración para la película francesa que en España se llamó “Crudo”, con bastantes nexos de unión, sobre dos hermanas, también de esa misma edad, más o menos, que les daba por el canibalismo, y que también se saltaba unas cuantas convencionalismos del género, a parte de vincular esta macabra “afición” también con el despertar sexual.

   Para el papel de Ginger se pensó en Natasha Lyonne y después en Sarah Polley, pero ambas lo rechazaron, así que se optó por alguna más desconocida pero con potencial para lanzarla como estrella, y esta fue Katharine Isabelle. Sin embargo, se llevó más reconocimiento su coprotagonista, Emily Perkins (la Beverly niña de “It” de 1990). Pero ambas se las recuerda precisamente por esta película, no más.

    A pesar de ser la quinta película más taquillera en Canadá en ese año 2000, a nivel global fue un fracaso. Costó cinco millones de dólares y solo recaudó medio, Pero tuvo un gran éxito en el mercado doméstico, siendo una de las más alquiladas en videoclubs. Lo que supuso que tuviera dos secuelas, "Ginger snaps 2, los malditos" y "Ginger snaps 3, el origen" (precuela), completando una trilogía que se considera título de culto total.

Hombre lobo

 

 

  FICHA TÉCNICA

Título: Hombre lobo.
Dirección: Leigh Whannell.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 103 min.
Género: Terror.
Interpretación: Christopher Abbott, Julia Garner, Matilda Firth, Sam Jaeger.
Guion: Leigh Whannell, Corbett Tuck, Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum.
Producción: Jason Blum.
Música: Benjamin Wallfisch.
Fotografía: Stefan Duscio.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Un hombre hereda una granja familiar, tras varios años sin tener contacto con su padre fallecido. Cuando se traslada a la zona con su mujer e hija, son atacados por lo que creen que es un animal. Él es herido y comienza a manifestar cambios físicos.

   LO MEJOR: Antes de nada es importante avisar que hay que controlar las expectativas con las que ir a ver una película que es buena pero muy probablemente no la que muchos esperan. Leigh Whannell ya le dio una vuelta total, en su anterior película, a un clásico como “El hombre invisible”, yendo más hacia la ciencia ficción que a lo fantástico y acercándose incluso al slasher en el plano del terror. Aquí hace una jugada parecida, con la que posiblemente sea la versión más realista hecha del icono cinematográfico del hombre lobo. Desde luego es la más alejada de la fantasía. Es más, hace todo lo que puede para huir de los clichés tradicionales del subgénero y de la tan recurrida explicación del folclore. No, en este caso, la licantropía, más allá de su prólogo, es tratada como una enfermedad, que se puede transmitir como la rabia, y que supone unos cuantos cambios físicos pero no una transformación en toda regla. Whannell apuesta más por el suspense, donde hace valer lo que mejor se le dio en su película precedente, la puesta en escena, que el terror propiamente dicho, con una especie de home invasión en la que juega con cuál es el peligro más amenazador, si el de dentro o el de fuera. El director trata de que sea una experiencia lo más inmersiva posible, incluso mostrándonos la visión subjetiva del “monstruo”, pero, sobre todo, a través de lo audiovisual, con un espectacular trabajo de sonido. Por cierto, todos los efectos son artesanales, hablo en cuanto al maquillaje, porque body horror si hay, y se agradece la ausencia del CGI.

   Interpretación: Hay muy pocos personajes pero bastante bien interpretados. Especialmente las dos protagonistas. Christopher Abbott me ha sorprendido. Pero nuevamente, la atracción es Julia Garner. Me hago cruces cuando veo que hay quien osa a acusar a esta actriz de inexpresiva, que siempre tiene cara de pena. Vaya, lo mismo que le decían (y siguen algunos) a Kristen Stewart. Dos cosas. Primero, quien diga eso no ha visto todo lo que ha hecho esta chica. Segundo, hay una cosa que se llama interpretación contenida.

   Escenas (SPOILERS!!): Leigh Whannell dirigen muy bien las escenas de suspense pero también la de los momentos de acción, como el accidente de la camioneta o el ataque cuando pretenden huir en el coche. Tampoco se cortan las dosis de body horror, como cuando se muerde su propio brazo. No obstante, lo más interesante es como trata ciertos aspectos. Como la lucha interna del marido para no dañar a su propia familia, incluso enfrentándose al otro hombre lobo para protegerlos. Por cierto, el cual se revela como el gran giro de la película, pues tras matarle descubre que era su padre. Me parecen interesantes esos planos en los que nos muestra cómo ve y percibe su alrededor el licántropo. Bastante novedoso. En el final, me ha parecido un guiño a “La mosca” de Cronenberg, cuando parece pedir que le mate su mujer y acabe con todo.

   LO PEOR: Los que vayan buscando espectaculares transformaciones y muchas imágenes de las recreaciones de los hombres lobo, esta no es su película. Lo aviso porque a quien vaya buscando a lo típico de este subgénero, le puede producir un poco de insatisfacción, e incluso decepción. De hecho, tengo la sensación de que no va a gustar demasiado.

   REFERENCIAS: Se nota que es el mismo director de “El hombre invisible”. Pero en cuanto al cine de licántropos, está más cerca de “Lobo”, con Jack Nicholson, o la reciente “La bestia oculta”, que del hombre lobo clásico.

   CONCLUSIÓN: 7. Leigh Whannell vuelve hacer la misma jugada que en su anterior película, darle un giro a un personaje clásico del terror, huyendo de los tópicos y entregando una buena película pero quizá no la que muchos esperaban.

Microcríticas Express: El despertar de la bestia/El cuervo 2024/La bestia oculta

 

   Bueno, el que le ha puesto el título para España debe estar todavía partiéndose en su casa, “El despertar de la bestia”. Y ya os voy adelantando que el lobo que sale en el cartel no le vais a ver por ninguna parte, pero ni parecido. De hecho, y confieso que es un detalle que me ha encantado, casi no hay CGI, los efectos especiales son casi todos artesanales. Además que no tienen ningún reparo en exponer a los bichos y que se vea perfectamente que son personas disfrazadas. Recuerda a la serie B pero la de antes, de esas películas con medios bastante cutres. Sin embargo, no es lo que parecía en un principio. No solo desde el tráiler, en su primer tercio pinta muy bien, que a parte del componente fantástico que se le presupone, le añade uno de pura ciencia ficción que resultaba muy interesante. El planteamiento argumental es exactamente el mismo que el de las películas de “La Purga”, sobre todo de la primera parte, solo que de lo que hay que protegerse es de los que se convierten en licántropos y además, de la luz de la luna (la superluna la llaman ellos), porque esa noche en cuestión todo el mundo es susceptible de convertirse. Pero empieza a haber incongruencias que se van acumulando y que llega un momento que confirmó mis sospechas. Ese momento, ese punto de no retorno, es cuando veo un hombre lobo punky. No voy a dar más detalles, pero de esto hay más. Es cuando me he dado cuenta que esto era una comedia, no tengo muy claro si voluntaria o no. Lo que si sé es que a partir de eso y otras cosas, me ha sido imposible tomarme en serio la película. Me lo he pasado bien pero porque más de la mitad del metraje me he estado partiendo la caja con tanta burrada. 5.

   La versión de los noventa es una de mis películas preferidas de esa década. Me flipó esa estética gótica decadente y el carisma que era capaz de desplegar el tristemente fallecido Brandon Lee. A esta no pretendía compararla con aquella, ni le pedía que fuera más fiel al cómic original. Es que no le pedía ni que fuera buena. Lo que si esperaba es que al menos fuera entretenida. Pues tampoco. Si tiene un pecado capital esta versión es que es aburrida. Toda la primera media hora sobra completamente. Un prólogo que se podría haber resuelto en cinco minutos. Pero es que incluso después, tarda una eternidad en arrancar. No es Cuervo hasta los últimos 25 minutos, donde, de repente, se pone hiperviolenta, con una larga secuencia de acción, sangre y gore. Eso es lo que debía haber sido toda la película. Que cuando finalmente despierta, se termina. Y es una pena porque tenía una par de ideas interesantes, como lo de aumentar el componente fantástico o esa especie de limbo sobrenatural. Tenía ese par de aciertos, a un actor como Bill Skarsgard, un villano como Danny Huston y una señora calificación R. Sin embargo, no le sacan provecho a ninguna de ellas, salvo a cuentagotas. Porque el guion no hay por donde cogerlo. La Shelly Webster elegida es FKA Twigs, una cantante que, sinceramente, espero que cante bien, porque lo que es interpretar . . . La película no me ha decepcionado porque ya esperaba muy poco pero es que es incluso peor. Como será para que me parezcan mejores las secuelas noventeras. Excepto la de Edward Furlong, esa es peor que esta, por difícil que parezca. 4.

   Cuando veo que una película tiene tan malas puntuaciones por parte del público pero bastante dignas por parte de la prensa, me da que sospechar. No es que me fíe más de unos que de otros, pero muchas veces se debe a que la película es calificada como lenta, que no tiene sustos (si es de terror) o algo así. Viendo esta, es fácil saber porque ha sido tan mal puntuada por la gente. Porque siendo una película de hombres lobo a penas se los ve. Vamos, que solo unos minutos, no muy bien y encima notándosele las costuras bastante. Se palpa que no había dinero para casi nada. Ahora bien, es que tampoco va de eso, no es ese su enfoque. Lo que nos quieren contar es otra cosa. Es como tiene que lidiar una familia cuando uno de sus miembros tiene esta maldición. De hecho, va más por el camino del drama que del terror. Otra cosa es que vayas pensando en encontrarte otra cosa y te lleves la decepción, pero sabiéndolo a mí me ha parecido que tiene cosas a valorar. Contada desde el punto de vista de una niña, por cierto, ya destaqué a Caoilin Springall en “Stopmotion” y de nuevo me la encuentro en una película relacionada con el terror. No obstante, es que todas las interpretaciones son bastante buenas. Se podría decir que el reparto solo consta de cuatro actores. Una es la niña, otra es una desconocida pero muy sorprendente Ashleigh Cummings. El veterano James Cosmo y uno de los protagonistas de “Juego de tronos”, Kit Harrington. Todos están bien pero quizá este último sea el más flojo. El caso es que es interesante ver como el problema este afecta de forma diferente a cada uno de esa familia en un lugar apartado de la civilización. Eso si, el giro final me lo vi venir desde bastante pronto. 6.

Escenas Míticas: Licántropos - Un hombre lobo americano en Londres

 

   Llegamos a la que es con mucho mi película favorita de hombres lobo. Estrenada tan solo unos meses después de su competidora ese año, 1982, “Aullidos”, de Joe Dante, y que ya pudimos repasar aquí la semana pasada. Juntas contribuyeron al resurgir del subgénero de licántropos, aunque todo lo que vino después fue de muy inferior calidad prácticamente hasta el año 2000, con “Ginger snaps”.

   Si ya “Aullidos” tenía una buena porción de sarcasmo en su historia, en “Un hombre los americanos en Londres”, el tono de comedia era más que palpable, lo que contrastaba con varias de sus secuencias, bastante terroríficas. Justo lo que planteaba más dudas a los productores, que consideraban que la película contenía demasiado terror para funcionar como comedia, y demasiado humor para funcionar en el género de terror.

   Sin embargo, lo hizo. La película tuvo muy buenas críticas y resultó muy bien comercialmente, tanto en salas de cine, donde recaudó 62 millones de dólares, más del triple que “Aullidos”, habiendo invertido en ella solo 6 millones; sino también en su explotación en el mercado doméstico de alquiler y venta. Además de conseguir lo que muy pocos títulos consiguen, permanecer como una película icónica del género.

   John Landis, que inicialmente había sido seleccionado para dirigir “Aullidos”, tenía su propia idea para hacer una película sobre el tema de la licantropía, lo que le hizo decantarse por este proyecto, y que surgió tras presenciar un funeral gitano y sorprenderse por las medidas que tomaban para que el difunto no volviera a levantarse, lo que recordaba más al vampirismo pero que a él le inspiró para los hombres lobo.

   Landis ya venía precisamente de triunfar en la comedia con “Desmadre al americana” y “Granujas a todo ritmo” (“The Blues Brothers”). Género en el que siguió tras aplicarla a “Un hombre lobo americano en Londres”, con otros éxitos bastante sonados, asociado al actor Eddie Murphy, en títulos como “Entre pillos anda el juego”, “El príncipe de Zamunda” o “Superdetective en Hollywood”.

   Precisamente los productores pensaban que Landis elegiría como protagonista a uno de los dos con los que había trabajado en su anterior película: Dan Aykroid o James Belushi, pero el director quería una cara desconocida y eligió la de David Naughton, al que solo había visto en un anuncio publicitario.

   Tampoco sus acompañantes en el reparto eran, ni lo fueron después, estrellas demasiado populares pero tampoco eran desconocidos. La bellísima Jennifer Agutter, conocida por “La fuga de Logan” y que apareció en “El muñeco diabólico 2”. Y Griffin Dunne, que poco después sería el protagonista de “Jo que noche”, de Martin Scorsese, junto a Rosanna Arquette.

   Aunque, si por algo es recordada esta película es, sin duda, por su espectacular transformación que incluso a día de hoy sigue envejeciendo bien. Impresionó tanto en Hollywood que prácticamente crearon la categoría de maquillaje, que no existía en los Oscars hasta entonces, para poder premiarla. Que fue a manos de un Rick Baker que precisamente había dejado el mismo cargo en “Aullidos” para dedicarse a esta película.

   Curiosamente, Baker volvería a ganar la apreciada estatuilla con otro licántropo, el del “Hombre lobo” de 2010, con Benicio del Toro. Una de las peculiaridades del de 1982, es que es de los pocos que realmente se convierten en un lobo, es decir, cuadrúpedo. Circunstancia que solo se aprecia explícitamente en la parte final de la película. Personalmente es la recreación de hombre lobo que más me gusta incluso actualmente.

   Tiene una secuela un tanto tardía, en 1997, que casi parecía más un reboot, "Un hombre lobo americano en París", que no funcionó igual de bien porque tampoco es que fuera muy buena, dicho sea de paso. De la original llegó a hacerse una adaptación radiofónica.

   La película gustó tanto a Michael Jackson que le encargó a John Landis la dirección de uno de los mejores, sino el mejor, videoclips de la historia de la música, que era prácticamente un corto de terror, "Thriller".

El Conde de Montecristo

 

   FICHA TÉCNICA

Título: El Conde de Montecristo.
Dirección: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière.
País: Francia.
Año: 2024.
Duración: 178 min.
Género: Aventuras, drama.
Interpretación: Pierre Niney, Bastien Bouillon, Anaïs Demoustier, Anamaria Vartolomei, Laurent Lafitte, Pierfrancesco Favino.
Guion: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas.
Producción: Dimitri Rassam.
Música: Jérôme Rebotier.
Fotografía: Nicolas Bolduc.
Distribuidora: Pathé.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: A punto de casarse con la mujer que ama, Edmundo Dantés es detenido, acusado de conspiración. A pesar de ser inocente, es encarcelado de por vida. En prisión conoce a una persona que le da la ubicación de un gran tesoro, lo que podría darle la posibilidad de vengarse de los que le han traicionado.

   LO MEJOR: Hay que reconocerlo, qué buenos son los franceses cuando se ponen a hacer cine de época. Parece que se han propuesto revitalizar todas sus clásicos literarios o, al menos, los de Alejandro Dumas. Ya lo hicieron hace muy poco con la que probablemente sea la mejor versión, en dos partes, de “Los tres mosqueteros” y, en mi opinión, han hecho lo propio con esta de “El Conde de Montecristo”. Para ello se han basado en dos claves: medios y mucho talento. Porque aunque sí es verdad que cuarenta millones de euros en un gran presupuesto en Europa, al otro lado del charco es una cantidad menor para una superproducción. Y, sin embargo, le han sacado un enorme provecho y se puede comprobar al observar el rendimiento en cualquiera de los apartados técnicos, ya sea la dirección artística, el vestuario, el maquillaje o la fotografía. Una obra tremendamente compleja de adaptar por lo extensa que es, que obligaba a anteriores versiones a recortar muchas partes de la novela original. Por eso, a quienes la conocen es probablemente que agradezcan su mayor fidelidad. A quienes solo conozcan la historia por las películas, se darán cuenta que había mucho más. Y a quienes ninguna de las dos, simplemente verán una película tremendamente entretenida, gracias a un gran ritmo, que hace que sus tres horas de metraje se pasen volando. Todo acompañado de una preciosa banda sonora. Por destacar algo sobre lo demás, es en su segundo acto, donde se aprecia más lo que le falta a otras versiones, en el juego de cómo urden la venganza, con una forma de montar las escenas que recuerda a “Ocean’s eleven”, aunque no tenga nada que ver.

   Interpretación: Todo el reparto está perfecto pero está claro que hay que poner por delante de los demás el trabajo que hace Pierre Niney, que literalmente lo da todo. El que probablemente nos resulte más familiar es Pierfrancesco Favino, que tiene un pequeño pero muy importante papel. La sorpresa, a parte de Niney, es la actriz Anamaría Vartolomei, aunque sea en un rol más secundario.

   Escenas (SPOILERS!!): Personalmente las partes que más me gustan son cuando ensayan sus actuaciones, cuando planean los siguientes pasos a seguir. Pero indudablemente hay momentos clave que hay que destacar. El de la huida de la cárcel está rodado con un suspense vibrante. Pero luego hay escenas icónicas como el duelo a pistola, o el de la espada al final, que evidentemente era ineludible. Muy a destacar la secuencia del juicio, que desemboca en la muerte de su protegido, y supone un percance en su plan. Pero, sin duda, la mejor escena es la de la cena, con el relato de la historia de fantasmas y la revelación del cofre del jardín. Magistral.

   LO PEOR: Lo único que canta, en cierto modo, es que es evidente que cuando el protagonista se supone que lleva una máscara para que no le reconozcan, pues no la lleva realmente, sino que le han puesto maquillaje. Está claro que era una decisión para favorecer la interpretación del actor.

   REFERENCIAS: “El Conde de Montecristo” ha sido adaptada innumerables veces, la anterior versión corresponde a 2010, con Jim Caviezel y dirigida por Kevin Reynolds, muy inferior a esta. Los directores, Matthew Delaporte y Alexandre de La Patelliere, son los guionistas que ya adaptaron la versión de “Los tres mosqueteros” más reciente. Ha sido una de las grandes sorpresas de 2024.

   CONCLUSIÓN: 8. Los franceses se han propuesto readaptar las novelas de Alejandro Dumas realizando las mejores versiones que se hayan hecho de esos clásicos. Ya lo hicieron con "Los tres mosqueteros" y han vuelto a dar en el clavo con esta.

Música de Película Robot salvaje

 

    Kris Bowers no es un compositor muy conocido. Además compagina esta ocupación con la de dirigir documentales. De hecho, a sus 35 años ya tiene un Oscar por codirigir un corto documental. La música que ha compuesto para esta película probablemente esté entre las mejores bandas sonoras del año pasado.

Tema: Could use a boost.

Película: Robot salvaje.

Intérprete o compositor: Kris Bowers.

Tema: Kiss the sky.

Película: Robot salvaje.

Intérprete o compositor: Maren Morris.

Microcríticas Express: Alice/No hables con extraños/Con la marea

 

   Pero a quien se le ocurre. O sea que su mujer en el hospital esperando un corazón y él decide comprar un robot para que le ayude en casa pero con la forma de Megan Fox. Menudo pájaro. Si, Megan haciendo de “M3GAN” o “La mano robótica que mece la cuna”. Ojalá hubieran tirado más por lo segundo. Porque todo lo que plantea ya lo han planteado y mejor desarrollado en títulos como “Yo, robot” o “Ex Machina”. Es decir, aquello de los androides con conciencia propia, que desarrollan sentimientos, y que se convierten en una amenaza para sus propietarios, porque, además, están integrados en toda clase de puestos de trabajo y están metidos en todas las casas. Y si, claro, el tema de la inteligencia artificial, que hace que estos trastos cada vez sean más inteligentes, aprendan más y sean más . . . humanos (Si John Connor levantara la cabeza). Y los humanos tienen celos y son ambiciosos. Esta baza la utiliza la película de forma acertada pero, como en general todo, no se llega a meter a fondo. Porque podría haber explotado la alternativa de thriller pseudoerótico, aprovechando que tienes en el reparto a un cañón como Megan Fox, que no tendrá mucho talento pero si presencia en pantalla, y hacer una especie de Rebecca de Mornay sintética, salvando las distancias. Que, dicho sea de paso, está bastante convincente como androide megansexy, tanto en su lenguaje físico como con la voz. Pero no, tira por el camino más fácil, el de la muñeca estropeada que se vuelve loca y la lía parda. Y bueno, al menos, entretiene. Moraleja: no metas un robot en tu casa que sea más sexy que una lavadora. De hecho, no metas un robot en tu casa, en general. Lo sé, ya lo habéis hecho. John!!!! 6.

   Soy perfectamente consciente de lo impopular que supone decir que un remake es mejor que el original, que lo que mola es decir justo lo contrario. No entraré en lo absurdo que es realizar un remake tan solo dos años después de la original. Innecesaria y sobrevalorada seguramente sean las palabras que más les gusta escribir a la gente en redes sociales, así que paso. Pero si, voy a afirmarlo rotundamente, esta me parece mejor que la anterior. Por tres razones; está mejor dirigida, tiene mejor ritmo y está mejor interpretada. Ya está, no me ha caído un rayo por decirlo. Muchos dirán que el final de la danesa es mucho más impactante y no les faltará razón. Pero estoy juzgando la película entera, no sus últimos diez minutos. Dicho sea de paso, sin querer revelar nada a quien no lo haya visto, había cosas que no me encajaban en ese final. Pero si, era muy impactante. Yo personalmente he agradecido el cambio. Entiendo que hayan decidido cambiarlo. Primero porque el propio director, James Watkins, ya tiene en su filmografía una película con un desenlace de ese tipo. Y segundo, porque a todos los que hayan visto la otra ya se lo sabían. A los que no, verán un thriller tremendamente sólido, excelentemente construido en torno a una tensión creciente y constante, incómoda hasta en sus momentos de calma. Todo el tiempo hay una sensación de peligro, de que algo no va bien. Por eso destaco la dirección, aunque esto también pasaba en la película danesa. Sin embargo, esta no tiene un ritmo tan lento. Y, sobre todo, tiene a James McAvoy, que resulta aterrador hasta cuando es amable. Y una Mackenzie Davis capaz de mantenerle el pulso. 7.

   Porque será que cada vez que se habla de comunidad (y no la de vecinos), me suena a secta. No, esta no va de sectas pero si en como se podría llegar a formar una. Pero no es el tema principal. A partir de una premisa sencilla pero sumamente efectiva, de la cual no revelaré nada, solo decir que tiene un toque fantástico. No obstante, transita mayormente en el terreno del drama pero con una especie de calma tensa que va elevándose poco a poco, porque es una película que se toma su tiempo para desarrollar la situación, a Dios gracias. Muchos pensarán que meterla en el género de terror sería algo exagerado pero si esto no es folk horror, uno de sus subgéneros, yo no sé que es. Es sobre todo en la ambientación de ese peculiar micromundo, que me recuerda a películas como “El bosque” o miniseries como “Misa de medianoche”. Hablo de su atmósfera, de la importancia del lugar geográfico en el que se encuentran los personajes, ese aislamiento social. De todos modos, quien aún así no la vea como terror, que se espere a que termine, que igual lo reconsidera. Pero mientras llega a un desenlace bastante catártico, que cada uno puede interpretar a su manera en base a la sensación que le produzca, se pueden apreciar temas que trata de forma implícita como la sobreexplotación de los recursos por parte del ser humano, el miedo a la enfermedad y la reacción ante lo que ni se conoce ni se entiende. Una película interesante si se tiene paciencia. Si no, mejor déjalo. 6’5.