Sagáfilos: Misión Imposible

 

ADVERTENCIA: el artículo contiene SPOILERS de las películas de la saga.

TÍTULO: Misión Imposible (1996).

DIRECTOR: SOBRESALIENTE. Brian de Palma es uno de mis directores favoritos de siempre, precisamente por tener un estilo personal inconfundible, que fue capaz de aplicar aquí a pesar de ser una superproducción comercial. A día de hoy sigue siendo el que más personalidad ha dado a una película de esta saga.

REPARTO: SOBRESALIENTE. El reparto es una burrada, con actores de todas las clases y nacionalidades. No solo estaba Tom Cruise, estaban Jean Reno, Emmanuelle Beart, Jon Voight, Kristin Scott Thomas, Vanessa Redgrave, Ving Rhames , Emilio Estévez, . . .

GUION: NOTABLE. Es pura esencia de la serie madre que adaptaba pero ofreciendo un enorme giro que nadie esperaba, como que Jim Phelps fuera el villano. Como enlaza todas las escenas, contando una cosa con los diálogos y enseñando otra contraria con las imágenes, es brillante.

VILLANO: NOTABLE. Nada menos que Jim Phelps, el protagonista en la serie original, interpretado por Peter Graves, aquí por Jon Voight. En su momento fue un sorpresón.

ESCENAS: SOBRESALIENTE. Probablemente las más icónicas de toda la saga. El estallido del acuario, la secuencia final en el tren con el helicóptero, pero, sin duda, la más recordada es la de Ethan Hunt colgado del cable, y pasará a la historia del cine.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 80/457.

VALORACIÓN: SOBRESALIENTE. Sigue siendo mi favorita. Después vendrían entregas más espectaculares pero esta era más una película de intriga que de acción, con la mano de un maestro como Brian De Palma detrás.

TÍTULO: Misión Imposible 2 (2000).

DIRECTOR: NOTABLE. John Woo era un especialista en el cine de acción y estaba de moda desde que llegó a Hollywood con películas como "Blanco humano" o "Cara a cara" (sobre todo), y aquí deja su particular sello. De hecho, después de De Palma, es el que más lo ha hecho notar.

REPARTO: BIEN. Probablemente es el elenco con menos nombres conocidos de toda la saga, a pesar de la presencia en él de Anthony Hopkins, porque su aportación es muy breve. Porque Thandie Newton todavía no era nadie hasta entonces.

GUION: SUFICIENTE. Claramente el peor de una entrega de "Misión imposible". La trama del virus mortal es de lo más simple, y tiene algunos diálogos que dan vergüenza ajena. Por no hablar de las patazas que meten sobre la cultura española.

VILLANO: SUFICIENTE. Flojito, cumple y poco más. Dougray Scott no da la talla como un villano de empaque más allá de mostrar a un maltratador de mujeres.

ESCENAS: BIEN. Tiene uno de los planos más icónicos de la saga, el de Ethan haciendo escalada. Y las escenas de acción están bien resueltas, como la persecución en moto, el duelo de coches dando vueltas sobre si mismos, aunque sea un tanto ridícula, es original. Pero a nivel espectáculo no es de las que más.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 125/546.

VALORACIÓN: BIEN. Es entretenida e incluso, por momentos, divertida, pero equivocaron el enfoque acertado de la primera entrega, como película más de grupo que acercándose al prototipo de James Bond. Posiblemente es la peor película de la saga. 

TÍTULO: Misión Imposible 3 (2006).

DIRECTOR: BIEN. J.J.Abrams venía de una exitosa carrera en la televisión y fue el elegido, debutando en el terreno del largometraje. Y sinceramente, creo que hizo un buen trabajo, pero sin demasiada personalidad.

REPARTO: BIEN. Hay más nombres interesantes acompañando a Tom Cruise que en la anterior entrega, como Lawrence Fishburne, Michelle Monaghan o Keri Russell. Pero la incorporación más importante es la de Simon Pegg, que contra pronóstico, ya no se bajó de la saga.

GUION: BIEN. Es una trama sencilla, que funciona bien, alejada de las misiones grandilocuentes de otras películas, es incluso realista. Y está bien, lo que pasa es que esto es "Misión Imposible".

VILLANO: NOTABLE. Sin embargo, posiblemente tenga el mejor villano de toda la franquicia, merced a tener interpretándolo a un actor de la talla de Philip Seymour Hoffman, como el maquiavélico Owen Davian.

ESCENAS: BIEN. Tiene buenas secuencias, eso no se duda, como el rescate con drones y helicópteros o el salto desde el edificio de Shangai, incluso la desactivación del chip de la cabeza de Ethan. Pero ninguna de ellas están entre lo más destacable de la saga.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 150/397.

VALORACIÓN: BIEN. A mí me parece que la película está bien, que tiene muchísima más coherencia que la 2, pero también es menos divertida. Junto con la anterior se encuentra entre lo más flojo de la saga, no estando mal.

TÍTULO: Misión imposible, Protocolo Fantasma (2011).

DIRECTOR: BIEN. La elección de Brad Bird, director de "Los increíbles" es una de las más sorpresivas. Hace muy buen trabajo pero vuelvo a ver una dirección más funcional que con personalidad.

REPARTO: NOTABLE. Ving Rhames y Simon Pegg se mantienen y la dan identidad al reparto, tras Tom Cruise. Pero, sin duda, la mayor incorporación es la de Jeremy Renner, que hace subir mucho la apuesta.

GUION: NOTABLE. Esto ya es una trama made in "Misión imposible", que funciona de maravilla y mantiene el interés a la altura de lo que debe ser una entrega de esta saga. 

VILLANO: BIEN. Sin embargo, el villano es más bien flojo, Michael Nyqvist, conocido por la saga "Millenium", que cumple, sin más.

ESCENAS: NOTABLE. Esta si tiene, sobre todo, dos secuencias brillantes. Una de ellas está entre las más icónicas de la saga, la escalada por el Burj Khalifa de Dubái. Y la de la pantalla de camuflaje, que me parece una pasada.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 145/697.

VALORACIÓN: NOTABLE. A partir de esta, la franquicia se relanzó hacia arriba. Es bastante evidente el cambio en el timón que hubo. Cuanto más se metía Tom Cruise en labores de productor mejor iba la cosa.

TÍTULO: Misión Imposible, Nación Secreta (2015).

DIRECTOR: NOTABLE. Tom Cruise había quedado encantado con el trabajo de Christopher McQuarrie en su colaboración en "Jack Reacher" y a partir de esta película, este estaría tras las cámaras hasta el final (definitivo??) de la saga.

REPARTO: NOTABLE. Pegg, Renner y Rhames se mantenían junto Cruise, donde hubo incorporaciones de la talla de Alec Baldwin. Pero, sin duda, la novedad más destacada fue la de la maravillosa Rebecca Ferguson.

GUION: NOTABLE. McQuarrie ya había estado al guion en "Jack Reacher" pero también en otra buena película de Tom Cruise, "Al filo del mañana", y por ello también le cedió esa tarea en esta nueva entrega, con bastante acierto.

VILLANO: BIEN. Solomon Lane no es un mal villano, pero Sean Harris tampoco tiene el empaque de otros de la saga. Casi es más interesante la ambigüedad de Ilsa Faust, interpretada por la Ferguson.

ESCENAS: NOTABLE. Aunque tiene uno de los comienzos más espectaculares con el despegue del avión, me quedo con dos secuencias impresionantes. La persecución en moto por Marruecos y la de la bóveda subacuática.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 150/682.

VALORACIÓN: NOTABLE. Es mejor que la anterior película, que ya era buena. Comenzaba el efecto McQuarrie, con el que Cruise formó una sociedad que daría todavía más frutos en el futuro para la franquicia.

TÍTULO: Misión Imposible, Fallout (2018).

DIRECTOR: NOTABLE. Christopher McQaurrie se consolidaba en la dirección y demostraba compenetrarse perfectamente con la estrella de la función. Probablemente sea su mejor trabajo en la saga.

REPARTO: SOBRESALIENTE. A parte de mantener todo el núcleo duro de la anterior película, confirmando, por cierto, a Rebecca Ferguson, como la mejor fémina de la saga, tiene dos incorporaciones super potentes, Henry Cavill y Vanessa Kirby.

GUION: NOTABLE. Aquí también volvía a repetir McQuarrie, donde también se consolidaba. Normal. cada vez eran mejores sus tramas y aquí se vuelve a demostrar.

VILLANO: NOTABLE. Sigue siendo Sean Harris, es decir, Solomon Lane, pero la sorpresa era que el villano encubierto era August Walker, o sea, Henry Cavill. Mucho mejor.

ESCENAS: SOBRESALIENTE. Tiene tres secuencias impresionantes. La pelea en los baños, entre Cruise, Cavill contra otro espía, si no es la mejor de toda la saga, poco le falta. La persecución en moto hace lo impensable, superar a la de "Nación secreta". Y para colmo, tiene la escena del helicóptero.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 178/791.

VALORACIÓN: SOBRESALIENTE. Muchos la consideran la mejor entrega y puede que no les falte razón, sobre todo en materia de acción. Sigo prefiriendo la primera de Brian de Palma, en cuanto a tono más puramente de espionaje e intriga, pero esta es la más espectacular.

TÍTULO: Misión Imposible, Sentencia Mortal (2023).

DIRECTOR: NOTABLE. Christopher McQuarrie ya como hombre de confianza de Tom Cruise, se maneja tan bien desarrollando la historia como rodando las escenas de acción. A estas alturas se ha convertido en el artesano perfecto para lo que necesita la saga.

REPARTO: SOBRESALIENTE. Mantiene todo el reparto de "Fallout", que ya era una maravilla y le hace dos incorporaciones tremendas, la de Hayley Atwell y la de Pom Klementieff, muy distinta de como la vimos en "Guardianes de la galaxia".

GUION: SOBRESALIENTE. De todas las tramas planteadas en "Misión Imposible", esta me parece la más interesante, porque vuelve a ponernos en alerta sobre las IA pero curiosamente en forma más posible y realista que otras sagas famosas con el mismo pretexto, como "Terminator" o "Matrix".

VILLANO: NOTABLE. Si no es sobresaliente es porque Esai Morales no da la talla como villano, pero la idea de que la verdadera villana de la historia es una IA llamada "La Entidad" me parece brillante, porque es algo contra lo que Ethan no se ha enfrentado nunca.

ESCENAS: SOBRESALIENTE. A parte de tener una de las muertes más dolorosas, si no, la que más, de toda la saga, la de Ilsa, es que tiene unas pedazo de secuencias de acción impresionantes, como la persecución en Roma con el Fiat 500, el salto en moto (que fue real) de Ethan o el final en el tren.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 290/599.

VALORACIÓN: SOBRESALIENTE. No tuvo la taquilla que se esperaba pero a mí me parece que está al nivel de "Fallout". Si no es totalmente redonda esta entrega es porque solo es la primera parte y, por tanto, no tiene un verdadero final. 

TÍTULO: Misión Imposible, Sentencia Final (2025).

DIRECTOR: NOTABLE. Llama la atención que McQuarrie, en esta ocasión, tiene un tratamiento distinto en las escenas de acción, que rueda de forma similar a las anteriores películas, pero mucho más cercano en lo emocional en las demás. Y funciona.

REPARTO: NOTABLE. Repiten todos, con alguna incorporación de renombre como la de Angela Bassett. Le dan más juego a Pom Klementieff y Hayley Atwell logra llenar el vacío dejado por Rebecca Ferguson. Y rescatan a un actor icónico de la primera entrega, Rolf Saxon.

GUION: NOTABLE. Curiosamente tiene mucha menos acción de lo esperado. Pero se aplica en dar tensión a toda la trama a través de situaciones de suspense. Y si, tira de nostalgia, porque no deja de ser un homenaje a toda la saga.

VILLANO: BIEN. A ver, una vez que ya conocemos la sorpresa de que el verdadero villano en "La Entidad", el interés decae, porque es un villano del que casi no tenemos presencia. Porque, de nuevo, Esai Morales es el lunar negro del reparto.

ESCENAS: SOBRESALIENTE. En esta tenemos otro gran sacrificio emotivo, con la muerte de Luther. En cuanto a acción, en realidad solo hay dos grandes secuencias pero probablemente sean las mejores del año, unas de las mejores de la saga. Me estoy refiriendo, claro, a la del submarino y a la del aeroplano.

PRESUPUESTO/TAQUILLA (millones dólares): 300/---:

VALORACIÓN: SOBRESALIENTE. Es un muy digno y épico final (si es así) para una de las mejores sagas de acción, capaz de rivalizar sin problemas con las películas de James Bond, que ha sabido mantenerse gracias al empeño de Tom Cruise, tanto como actor como productor.

MEJOR PELÍCULA: Misión Imposible.

MEJOR DIRECTOR: Misión Imposible (Brian de Palma).

MEJOR REPARTO: Misión imposible, Sentencia Mortal.

MEJOR GUION: Misión Imposible, Sentencia Mortal.

MEJOR VILLANO: Misión Imposible 3.

MEJORES ESCENAS: Misión Imposible, Fallout.

Microcríticas Express: Oddity/Nunca te sueltes

 

   Es de esas películas que han pasado bastante inadvertidas para la mayoría del público y que te hacen preguntarte porque si se ha hablado de otras con mucho menos interés a tenor de los resultados. Por eso me parece de justicia reivindicarla. Hay que tener en cuenta que es una película modesta y que cuenta con pocos medios. Ni falta que le hacen porque su mayor virtud está en el guion, que más allá de caer en alguna que otra situación forzada, sabe explotar las armas que tiene. Desarrollada principalmente en el interior de una casa, muy peculiar, por cierto, a la que le saca bastante rendimiento. Todo gira en torno a un crimen y a descubrir que pasó en realidad. Pero el género se decanta claramente hacia el terror, aunque el enfoque tonal esté más cerca de lo psicológico. Cocinada a fuego lento y con muy pocos personajes, mantiene el interés hasta el final sin problemas y tiene un par de giros sorprendentes. No obstante, el mayor atractivo está en el descubrimiento de lo que ocurrió en ese crimen y en las consecuencias que puede desencadenar. En la narración, hace un buen uso del flashback, un recurso que se si se abusa de él tanto en reiteración como en extensión, me suele hasta molestar. Aquí no pasa eso porque los flashbacks te cuentan lo que te tienen que contar y de la forma más concisa posible. Atención a la interpretación de una genial Carolyn Bracken (no, tampoco la había visto antes) interpretando los papeles de dos hermanas, y a cierto muñeco que acompaña a una de ellas, que te pone de los nervios. Es para darle un oportunidad. 7. 

   No te sueltes, no te muevas, no respires, no contestes el teléfono, no abras la puerta, madre mía, no se va poder hacer nada. En fin, de entrada, una nueva película de Alexandre Ajá siempre me va a interesar. Es un director con un gran talento en la puesta en escena a la hora de abordar secuencias de suspense, especialmente en el ámbito del terror y sucedáneos, con una efectiva capacidad de generar tensión. No se le da tan bien narrar, sobre todo, como en este caso, cuando se mete a jugar a ser Night Shyamalan. Y no es la primera vez que le pasa esto. No obstante, temáticamente si es muy interesante la película, en cuanto a ese tira y afloja, nunca mejor dicho, entre la posibilidad de la explicación psicológica o la sobrenatural, si la familia es víctima de la locura, y su posterior herencia, o de una maldición. Tengo que decir que he tenido claro todo el tiempo lo que realmente estaba pasando. Por mucho que se esfuerce Ajá en que te tires toda la película cambiando de parecer. De hecho, parece más pendiente de confundir al espectador a toda costa que de contar la historia. Algo que se va a mantener hasta el final. Y aviso que este es bastante ambiguo, de nuevo, forzadamente, casi de forma tramposa. Ahora bien, esto no exime de que el director francés no nos proporcione buenas escenas muy tensas, utilizando de maravilla el escenario natural del bosque. Y tiene algunos aspectos curiosos, como utilizar la cuerda como metáfora de la cordura. Halle Berry soporta la película sobre sus hombros aunque no sea precisamente la protagonista principal. Así que, no está mal, pero no es el mejor título de Ajá, precisamente porque no es Shyamalan. 6.

Escenas Míticas: Acción al aire - Top Gun Maverick

 

   Ahora que está de actualidad Tom Cruise tras el estreno de la que posiblemente es la última entrega de su saga “Misión imposible”, vamos con uno de los mayores éxitos de su carrera, de hecho, a día de hoy su película más taquillera, en la que fue la secuela de otro éxito pero de los años ochenta, “Top Gun”, que fue uno de los primeros de una filmografía llena de ellos.

   Porque aunque, como todo el mundo, ha tenido resbalones en la taquilla, mucho más habitualmente ha sido un seguro, no solo como actor sino como muy acertado productor. Aquí comparte esa faceta con Jerry Bruckheimer, condición que puso el propio actor para hacer la película, pues él había producido “Top Gun” junto al fallecido Don Simpson, en esa muy provechosa relación que tuvieron.

   También iban a recuperar al director de la película original, Tony Scott, y ya en 2010 estuvieron a punto de poner en marcha la película, pero sería truncada por el inesperado suicidio del cineasta. No obstante, tanto Bruckheimer como Cruise estaban de acuerdo en seguir adelante con el proyecto, pero este debía esperar.

   Finalmente dio a luz en 2022, 36 años después de que lo hiciera la primera, y el resultado no pudo ser mejor. Tuvo muy buenas críticas y una taquilla de nada menos que 1493 millones de dólares, habiendo invertido en ella 170. Y por si fuera poco ganó numerosos premios, e incluso fue nominada a seis Oscars, lo que parecía inaudito en una película de este tipo, porque incluía nominaciones a mejor película, guion, montaje, efectos visuales, canción original y sonido, qué fue la que ganó.

   Fue la primera película que demostró que se le podía plantar cara al género de superhéroes. De propias palabras de Steven Spielberg, salvó a las salas de cine, que todavía seguían temblando tras la pandemia del covid, y que precisamente a excepción de los estrenos de Marvel, no habían logrado taquillazos como el que sí fue “Top Gun Maverick”.

   No en vano, Tom Cruise se ha mostrado siempre como un gran valedor de las salas de cine, oponiéndose públicamente a los estrenos en las plataformas de streaming. Incluso, y tanto en esta como en las dos últimas entregas de “Misión imposible”, incluyó un mensaje del actor previo al comienzo de estas películas, apoyando el ver las películas en las salas de proyección.

   En sustitución de Tony Scott, al que le fue dedicada la película, se eligió a un director de la cuerda de Tom Cruise, con el que el actor había trabajado ya en “Oblivion” y que tiene películas como la infravalorada “Tron Legacy” o “Héroes en el infierno”. Y que está a punto de estrenar una película sobre las carreras de la “F1”, con Brad Pitt de protagonista, Joseph Kosinski .

   Tom Cruise no está solo en el reparto ni mucho menos. Está muy bien acompañado por Jennifer Connely, John Hamm, Glen Powell(aquí todavía no había despuntado ), Miles Teller, Lewis Pullman, Ed Harris o Mónica Barbaro. Y contó con el cameo de Val Kilmer en la que fue la última aparición del actor en una película antes de morir.

   También se quiso recuperar la coprotagonista de la primera película, Kelly McGuillis, la cual se negó por sentirse, en sus propias palabras, “vieja y gorda”, añadiendo que aparenta la edad que tiene. Claro, es que lo de Tom Cruise tampoco es que sea muy normal. Por cierto, la mayoría de los actores tuvieron que estar entrenando durante tres meses para soportar las fuerzas G de las cabinas de los aviones.

   Porque Cruise se obsesionó con dar el mayor realismo posible, negándose a tirar de CGI. Requirió a todo el equipo un esfuerzo para ofrecer una experiencia lo más inmersiva posible al espectador. Por ello se utilizaron hasta veinte cazas reales, incluyendo los ya retirados F-14 Tomcat (avión protagonista en la película de los ochenta), cuyos vuelos fueron filmados por drones sustituyendo a los pilotos con cámaras.

   El propio Tom Cruise pilotó uno de los aviones. Por cierto, el avión supersónico con el que Maverick debe rebasar el Match 10, se construyó de verdad y era tan real que un satélite chino lo estuvo espiando durante un tiempo, hasta que se dieron cuenta que era para una película.

Misión imposible, Sentencia Final

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Misión Imposible, Sentencia Final.
Dirección: Christopher McQuarrie.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 169 min.
Género: Acción, aventuras, thriller.
Interpretación: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt.
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen.
Producción: Christopher McQuarrie, Tom Cruise, Jake Myers.
Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey.
Fotografía: Fraser Taggart.
Distribuidora: Paramount Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Ethan continua pensando que lo mejor es destruir a la IA llamada “La entidad”, para impedir que produzca un colapso mundial, apoderándose del armamento nuclear de los países más importantes, y para que no pueda ser controlada por Gabriel.

   LO MEJOR: A ciencia cierta aún no sabemos si habrá más entregas de esta saga pero lo que sí está claro es que esta es la conclusión de este arco que ha abarcado nada menos que treinta años, en una franquicia que desde su cuarta entrega no ha hecho más que subir de nivel y a la que han dado un dignísimo final. Aunque se haya dado en dos partes y esta sea la segunda de lo que en teoría habría sido una, hay que señalar que esta es una película muy distinta a la anterior. Curiosamente tiene menos acción de lo que cabría esperar, lo cual no merma en absoluto su interés y su capacidad de suponer un entretenimiento de primer orden y que sus casi tres horas de metraje se pasen volando, gracias en parte a un fantástico montaje y a cargar todos las tintas a favor del suspense de una trama que es tensa incluso en una mera conversación. Aun así tiene dos larguísimas secuencias de acción que van a ser muy difíciles de superar este año, con más mérito si cabe teniendo en cuenta que el uso del CGI ha sido el mínimo posible y que la apuesta por los efectos especiales no digitales es muy evidente. Esa mayor dosificación de los momentos de acción tiene bastante que ver con la obligación de atar muchos cabos argumentales, donde el hombre en el que Tom Cruise ha depositado su confianza en las últimas secuelas, Christopher McQuarrie, que dirige pero también escribe, es un seguro al guion, con una historia tensa y que además tiene mensaje (es el alerta más realista contra la IA que he visto), que sabe dar espacio a todos los personajes sin restárselo a su protagonista, en la que claramente es la película más emotiva de la saga enlazando a base de guiños con todas las anteriores y a la que ha dado un final todo lo épico que merecía.

   Interpretación: Ya no es solo la burrada de esfuerzo que es capaz de desplegar a nivel físico Tom Cruise a sus 62 primaveras, que aun así sigue empeñado en realizar la mayoría (no todas) de sus escenas de riesgo él mismo. Es como llena la pantalla y como no tiene ningún problema en ceder protagonismo al resto del reparto, sabedor que eso beneficia a una saga que genuinamente estaba concebida como de grupo. No voy a mencionarlos todos porque son muchísimos. Pero sí voy a destacar, por ejemplo, como Hayley Atwell ha hecho lo impensable, llenar el enorme vacío que dejaba Rebecca Ferguson. Y como han sabido darle más tela a Pom Klementieff. Sólo hay un lunar negro en el reparto y ese es Esai Morales, el que el rol de villano le queda grande.

   Escenas (SPOILERS!!): Sin duda, el momento más emotivo es el sacrificio de uno de los personajes que lleva desde el principio de la saga, el de Ving Rhames. Y hablando del principio, el guiño más significativo es recuperar un personaje que participaba en la escena más icónica probablemente de toda la saga, y que interpreta Rolf Saxon. Por lo demás, en cuanto a acción tanto la secuencia entera del submarino, mi favorita de largo, como la del aeroplano, muy probablemente serán las mejores escenas de acción, y lo digo quedando mucho 2025 por delante, del año.

   LO PEOR: No entiendo la tibieza de las críticas y que no se esté deshaciendo en alabanzas todo Dios con la película. Que abusa de la nostalgia, si, pero creo que a estas alturas se lo puede permitir. Que si es cierto que tiene menos acción, pero tiene más suspense. Y si alguien se aburre con esto igual se tendría que hacer mirar que necesita para entretenerse.

   REFERENCIAS: Enlaza con varias de las películas anteriores y en cierto modo es un homenaje a toda la saga. En tono tiene un cierto aire a como fue la despedida del Bond de Daniel Craig en “Sin tiempo para morir”.

   CONCLUSIÓN: 8’5. Muy digno y épico final, ya veremos si definitivo, a una saga ya mítica en el género de acción que, sin embargo, apuesta más por el suspense que por la trepidación, aunque no deje de tener dos secuencias brutales.

Andor

 

   Esta fue la categórica respuesta de Tony Gilroy a si se podía realizar una historia plenamente adulta dentro del universo de “Star Wars”. Gilroy que ya había sido el guionista de la muy aclamada “Rogue One”, que si tenía el tono de aventuras clásico de la saga pero que prescindía de sus personajes principales y escogía a unos héroes anónimos.

   SIN ACOMPAÑAMIENTO DE LA FUERZA

   Sin sables láser, ni Jedis ni fuerza. Tony Gilroy tomaba el camino del realismo, lo que dicen que produjo el rechazo del propio Dave Filoni, quien consideraba que la serie se apartaba del tono de fantasía característico de la saga, tirando mucho más hacia a los géneros de espionaje e intriga que hacia las aventuras y la acción. Mal que le pese a Filoni, “Andor” ha terminado por proclamarse la mejor serie de “Star Wars”. Si, por encima de “Mandalorian”, por muy disfrutona que sea esta.

   LA MADUREZ POR BANDERA

   Gilroy da más sentido y trascendencia a “Rogue One” (recomendable volver a ver justo después de terminar la serie), porque es una perfecta representación de la formación de una rebelión, con un claro emparentamiento del Imperio con el nazismo, de su gobierno con el fascismo. Es muy interesante como muestran los sacrificios de ambos bandos. En el caso de los rebeldes, como males necesarios para un bien mayor. Y en el Imperio, castigando a sus líderes por sus errores. Además, se incluyen algunas escenas memorables. Un episodio con lo sucedido en el planeta Ghorman hubiera sido impensable en esta saga. Además, nos hace entender cómo Cassian Andor, que ni siquiera era un personaje que nos cayera demasiado bien en “Rogue One”, por su dudosa moralidad, llega a ser lo que vimos en la película.

   TENGO AMIGOS EN TODAS PARTES

   “Andor” acierta en todos los sentidos. Primero con un casting maravilloso, recuperando al propio Diego Luna, pero también a otros como Genevieve O’Reilly. E incorporando a otros como Stellan Skarsgard, Adria Arjona o Denise Gough. Segundo, con un guion tan plenamente sólido como en su primera temporada, dividiendo la historia en cuatro bloques de tres episodios cada uno, correspondientes a los momentos puntuales de cuatro años distintos, cerrando perfectamente todas sus tramas, sin alargarse más de lo necesario. De hecho, iban a ser cinco temporadas pero finalmente lo concentraron en dos de doce episodios cada una. Dándonos un final más dramático por ya conocer el destino trágico de sus personajes, y enlazando perfectamente con “Rogue One”. Por cierto, apostando más por el suspense, en un excepcional dominio del montaje en paralelo, que por la acción.

 

 NO FAN SERVICE

   Qué tentador hubiera sido caer en el fan service, que si tenía “Rogue One”, por cierto, de mostrar algún cameo de Palpatine, Leia o Darth Vader. No, solo lo necesario, la única concesión ha sido al droide K-2S0, y tenía todo el sentido, está integrado con toda naturalidad. Y a Saw Guerrera.

Escenas Míticas: Acción al aire - Plan de vuelo: desaparecida

   Uno de los argumentos típicos de las películas cuyas historias se desarrollan en el interior de un avión es el del secuestro. Pero habitualmente se trata de secuestrar el avión propiamente con toda su tripulación y pasaje incluidos. De ahí radica la diferencia de esta película, donde se plantea el secuestro de uno sólo de los pasajeros. Y eso sí representa un punto de originalidad frente a otros títulos similares.

   El de esta ya nos aclara que hay una persona desaparecida, algo que se añadió en el título en España pues el original simplemente dice “Flightplan”, es decir, “Plan de vuelo”. Por tanto, el hecho de que sea un secuestro o no está, nunca mejor dicho, en el aire. Porque incluso se cuestiona la existencia de dicha persona, poniendo constantemente en duda la cordura de la protagonista.

   Una trama que nos recuerda inevitablemente al maestro del suspense, Alfred Hitchcock. Y como no iba a hacerlo, si tiene tantas similitudes con una de las películas del comienzo de la carrera del cineasta, “La dama desaparece”, de 1938, que incluso hubo quien consideraba esta como un remake encubierto de aquella. Cosa que negaron los creadores de la historia.

   Que defendían que la verdadera inspiración de la película, era reflejar algo que le había pasado a uno de ellos y que se dio cuenta que era uno de los miedos, que puede llegar a convertirse en una verdadera psicosis, que es para los padres el temor de perder a sus hijos en un lugar público.

   Ahí es donde entra en juego la idea de que el lugar sea el interior de un avión de pasajeros, del que evidentemente nadie puede salir. Es por eso que se plantea que la hija desaparecida ni siquiera haya llegado a subir al medio de transporte. Por tanto, el avión aquí ejerce como escenario claustrofóbico para una historia de suspense, como decía, muy hitchcokiana.

   No extraña por ello la elección del modelo de avión, en este caso, el Airbus A380, el más grande del mundo, con dos plantas a lo largo de todo su fuselaje, superior al famoso Boeing 742, conocido como Jumbo, que lo había sido anteriormente durante casi cuarenta años. Aunque no se rodó en uno real. Los exteriores corresponden a una maqueta a escala, que era una décima parte de su tamaño real, cuyas imágenes fueron tuneadas digitalmente.

   Aunque se dice en algunos medios que los interiores si se rodaron en un Airbus real, lo cierto es que se construyó un decorado de 36 metros de largo que ejerció como escenario durante casi todo el metraje de la película. Por cierto, se hace referencia en ella, que existían protocolos de actuación en el interior posteriores al 11-S.

   El protagonista iba a ser Sean Bean. De hecho, su nombre era Kyle Pratt. Pero se cambió de idea, cambiando a su vez el sexo del personaje principal, tras ver como Jodie Foster interpretaba a una madre también con un estado anímico y psicológico cuestionable y que defendía a ultranza a su hija en “La habitación del pánico”. De hecho, son personajes con muchas similitudes. La propia Foster pidió que no se cambiara el nombre protagonista.

   Sean Bean tomó un personaje secundario y a ambos les acompañó Peter Sarsgard. Estos dos, Bean y Sarsgard confesaron que tenían pánico a volar, y que solo lo hacían cuando era estrictamente necesario. Ese trastorno se conoce como aviofobia. El reparto se completaba con Erika Christensen y la ya veterana Greta Scacchi. Y fue el primer papel de Matt Bommer en una película. Pero vamos, que hay que estar muy atento para no perdérselo.

   Tras la cámara, el alemán (igual que la nacionalidad de la película), Robert Schwentke, director con una carrera no muy extensa, con títulos como “Más allá del tiempo”, “Red” y dos secuelas de la saga “Divergente”. La película tuvo mayoritariamente críticas positivas y fue un buen negocio. Costó 55 millones de dólares y recaudó 223 en taquilla.

Vivir el momento

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Vivir el momento.
Dirección: John Crowley.
País: Reino Unido.
Año: 2024.
Duración: 107 min.
Género: Drama.
Interpretación: Florence Pugh, Andrew Garfield, Adam James, Aoife Hinds, Marama Corlett, Grace Molony, Gianni Calchetti, Nikhil Parmar, Heather Craney, Kevin Brewer, Laura Guest, Gabriel Robinson, Daniel Bowerbank, Lee Braithwaite, Emilija Senavaityte, Jennifer Noble.
Guion: Nick Payne.
Producción: Leah Clarke, Adam Ackland, Guy Heeley.
Música: Bryce Dessner.
Fotografía: Stuart Bentley.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos personas se conocen de forma fortuita. Más tarde se enamorarán y formarán una pareja que pasará tanto por momentos felices como otros más tristes.

   LO MEJOR: El melodrama no es precisamente uno de los géneros más atractivos para el público y mucho menos en los últimos años. Y efectivamente, no vamos a ocultarlo, esto es un dramón considerable que nos habla de un período de tiempo de unos diez años en la vida de una pareja, así que sí, es una historia romántica y, para colmo, uno de ellos tiene que luchar contra una enfermedad muy grave. Esto ya se puede ver en el tráiler de la película. Sin embargo, hay que decir que intenta no caer en todos los clichés habituales de esta clase de películas. Es más, no busca la lágrima fácil e incluso evita los momentos típicos para buscarla. A ver, cómo afectan este tipo de historias también va en la empatía que puede tener el espectador en la que pueden implicarse incluso experiencias propias. Pero sí, es posible que a muchos se les escapen algunas lágrimas, pero lo que quiero decir es que la película no tiene como objetivo dejar hecho polvo al espectador. Los momentos más emotivos no son gratuitos. De hecho, el mensaje más claro que se podría extraer de ella es que la vida tiene momentos felices y otros tristes, y todos hay que vivirlos. En ese sentido, uno de los aspectos más interesantes es su montaje, el no contar la historia de forma lineal, yendo adelante y atrás en el tiempo, enlazando de forma brillante todos esos momentos importantes en la vida de esa pareja, porque cuando se recuerda algo o a alguien no se hace con todos los episodios de forma ordenada.

   Interpretación: El verdadero gran atractivo de la película es el inmenso trabajo de sus dos protagonistas. Qué importante es tener unos actores entregados y con talento, sobre todo en un tipo de películas que se basan en las interpretaciones. Florence Pugh es una de las mejores actrices que hay hoy en día y ha demostrado que es tremendamente versátil. Y Andrew Garfield uno de los más capaces de transmitir sensibilidad. Y si además, ambos actores tienen una química total entre ellos, pues todo es perfecto.

   Escenas (SPOILERS!!): Como decía va adelante y atrás pero no de forma arbitraria. Todo tiene un sentido. Como en la escena previa al atropello en la que él se dispone a firmar unos papeles de divorcio. Podríamos pensar que se divorcia precisamente de ella pero no. Es una relación previa, ella es la que le atropella, así que sin ese momento no se hubieran conocido. El otro que me parece más interesante es la no muestra de la muerte de ella. No hay una escena despidiéndose en la cama de un hospital a lo “La fuerza del cariño”. No, se despide de forma simbólica, de su compañera de cocina al final del concurso y de su marido y su hija en la pista de patinaje. Pero la secuencia mejor rodada es, sin duda, la del parto en el servicio de la gasolinera.

   LO PEOR: Más allá de una dirección correcta y una narración acertada, visualmente no es nada especial. Si no fuera por ese característico montaje, sería una película muy corriente en cuanto a formato, cercano al telefilm que tampoco es que sea nada malo, pero es así.

   REFERENCIAS: La campeona mundial de los melodramas de este tipo es “Love story”, pero esta nos recuerda a “Elegir un amor”, “Bajo la misma estrella” o “Noviembre dulce”, siendo diferente a todas ellas.

   CONCLUSIÓN: 7. Florence Pugh y Andrew Garfield exhiben talento dramático y química entre ellos, en un melodrama contado de forma original y que no busca la lágrima fácil pero aún así las producirá en muchos espectadores.

Microcríticas Express: Capitán América Brave new world/Ash

 

   Marvel está en una encrucijada, seguir haciendo lo mismo o cambiar el tercio. Cuando ha intentado lo segundo, por ejemplo con “Eternals”, el público le ha dado un sonoro bofetón en los morros. Pero seguir con una fórmula que ya está claramente agotada tampoco tiene demasiado sentido. Sin embargo, es justo lo que han hecho aquí, volver a encadenar una escena de acción detrás de otra, porque si en algún momento había un guion, lo debieron aprovechar para calzar una mesa o algo así. Y bueno, no voy a decir que la película no sea entretenida, lo es. Pero le da para eso y poco más. Vamos que no es una película que me apetezca volver a ver, como si me vería otra vez “Thunderbolts*”, por ejemplo, que han reinventado un poco la fórmula. A ver, tiene aspectos positivos, como acercarse al thriller político, queriendo parecerse, sin llegar a conseguirlo, a “Capitán América, el Soldado de Invierno”. Y tengo que reconocer que las coreografías de las peleas están muy bien. Además, está ahí Harrison Ford, que siempre es un gusto ver como llena la pantalla con su sola presencia. Si, es mejor que “The Marvels”, pero seamos sinceros, eso no era muy difícil que digamos. No obstante, tiene un problema muy evidente. Sabía que la sombra de Chris Evans iba a ser alargada pero no tanto. No porque Anthony Mackie esté mal, es un actor competente. Pero es que me es imposible ver al Capitán América. Veo a Falcon con sus colores, pero Falcon, al fin y al cabo. Eso cuando se los pone, que parece que le dé alergia el traje de las barras y estrellas porque hay que ver lo poco que se le ve con él puesto. Por cierto, los reshoots cantan por soleares. 6.

   Dan referencias sobre ella como “Alien”, “La cosa” y “Horizonte final”. Si a todo. No tanto porque sea un refrito de todas ellas, ni siquiera por que las esté homenajeando. Simplemente porque cualquiera que se plantee hacer una película de este tipo pues es imposible que no le influyan esos títulos de alguna manera. Aquí simplemente no lo ocultan e incorporan varios elementos que inevitablemente nos van a ser familiares. Que va a ser lo único porque más allá que juegue a mezclar lo mismo que esos referentes, es decir, ciencia ficción y terror, aunque un poco más de lo segundo, el estilo narrativo no tiene nada que ver con ellos. Incluso visualmente está bastaste alejada, con una estética muy psicodélica, una edición de sonido con un claro objetivo de crear incomodidad. Porque da la impresión que su director, Flying Lotus (que también se ocupa de la música), se ha empeñado en que sea una experiencia lo más sensorial posible desde lo audiovisual, salvando como puede su limitación presupuestaria. Ojo, que en la producción está Neil Blomkamp, que ya se sabe que se tiró años queriendo hacer una secuela de “Alien”, precisamente. La historia comienza con lo que parece haber sido una muy sangrienta masacre de la tripulación, y básicamente la película consiste en reconstruir que ha pasado ahí. Y si, la narración es bastante irregular, hasta caótica, y desde luego no es para todo el mundo. Pero está curiosa. Por cierto, y mira que no es que sea fan de Eiza González, pero de todas las pseudo Ripleys que he visto, esta me ha convencido bastante. Que alguien la meta en una película con un xenomorfo o un predator (o los dos). Eso si, fichar a Iko Uwais para que dé un par de patadas en una pelea metida con calzador, pues bueno, igual era innecesario. 6’5. 

Escenas Míticas: Acción al aire - Memphis Belle

 

   En cuanto a películas de aviones, no sólo de accidentes aéreos y secuestros vive el cine, también hay unas cuantas bélicas bastante reseñables. Incluso en los últimos años hemos tenido ejemplos bastante potentes como “Midway”, de Roland Emmerich, o “Top Gun Maverick”, que también la veremos aquí. Hasta hemos tenido alguna saga, un poco más en clave serie B, como la de “Águila de acero”.

   Sin embargo, la que traemos hoy no es precisamente de las más conocidas, a pesar de ser una muy buena película, que con el tiempo, como es habitual ha quedado como un título de culto pues en el momento de su estreno no tuvo un gran éxito. Sí de crítica, porque fue bien valorada pero no tanto de taquilla, aunque tampoco es que perdiera dinero. Costó 23 millones de dólares y recaudó 27.

   El nombre que da título a la película pertenece a un avión real que participó en la Segunda Guerra Mundial. Nombre que le puso su capital inspirándose en su prometida. Concretamente era un Boing B-17, el bombardero predominante que usaron los Estados Unidos en ese conflicto bélico. La película precisamente pretende ser un homenaje a los aviadores que perdieron la vida en esos bombardeos.

   La historia se basa en una serie de documentales de guerra realizados en 1943. De hecho, el que hablaba del Memphis Bell, “Story of a flying fortress”, fue rodado, nada menos, por William Wyler. No obstante, la película no es un manifiesto de campaña de alistamiento, como si lo fueran esos documentales o cómo fue concebida la propia “Top Gun”.

   No, aquí no se idealiza la guerra. Se los focaliza como héroes pero los presenta como un grupo de soldados que simplemente quieren cumplir con sus deber para después irse a casa, destacando en todo momento ese aspecto humano. Sin embargo, las Fuerzas Aéreas norteamericanas si tratarán de usar el Memphis Belle con efectos publicitarios.

   Lo que hacía tan especial a este avión en concreto fue que logró completar 25 misiones con éxito y sin perder ni uno solo de los integrantes de su tripulación. La película nos muestra la última de ellas. Para ello, varios veteranos que formaron parte de dicha tripulación fueron consultados. Aún así, la mayor parte de las conversaciones de la película son ficción.

   En el reparto hay bastantes caras conocidas pero que por entonces no lo eran tanto pues eran muy jóvenes, como eran los casos de Matthew Modine, Billy Zane (antes de embarcarse en el “Titanic”), Sean Astin (antes de acompañar a Frodo a Mordor) o Eric Stolz. Y fue el primer papel en el cine del cantante Harry Connick Jr, que después ejercería de psicópata en “Copycat”, junto a Sigourney Weaver. También contó con secundarios más conocidos como John Lithqow y David Strathairn.

   Tras la cámara, Michael Caton Jones, del cual ya hablamos en el remake de “Chacal” y del cual destacamos que precisamente “Memphis Belle” era una de sus mejores películas junto a “Vida de este chico” y “Rob Roy”. El trabajo en la dirección de Caton Jones es tremendo en cuanto al realismo que consiguió imprimir especialmente en las secuencias de combate.

   Para lo cual combinó imágenes de aviones reales con maquetas a escala. El resultado fue realmente bueno, la autenticidad de esas escenas sin ningún truco digital es asombroso. Para ello se usaron cinco B-17 reales, que tuvieron que ser restaurados, pues el director quiso rodar las escenas de interiores dentro de las cabinas reales.

   Con ello pretendía potenciar el efecto claustrofóbico de esas aeronaves, además de mostrar el ruido real en el que estaban envueltos sus tripulantes. El verdadero Memphis Bell también fue restaurado para la ocasión, y actualmente se exhibe en el Museo de las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, en Ohio.