miércoles, 31 de diciembre de 2025

Cinéfilos de Oro 2025

 







PELICULA: 1. Una batalla tras otra. 2. Una casa llena de dinamita. 3. The brutalist. 4. Frankenstein. 5. Warfare.
DIRECTOR: 1. Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra). 2. Kathryn Bigelow (Una casa llena de dinamita). 3. Guillermo del Toro (Frankenstein). 4. Warfare (Alex Garland). 5. Brady Corbet (The brutalist).
ACTOR PRINCIPAL: 1. Adrien Brody (The brutalist). 2. Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra). 3. Sebastian Stan (A different man). 4. Jesse Plemons (Bugonia). 5. Hugh Grant (Heretic).
ACTRIZ PRINCIPAL: 1. Sally Hawkins (Devuélvemela). 2. Emma Stone (Bugonia). 3. Felicity Jones (The brutalist). 4. Florence Pugh (Vivir el momento). 5. Nicole Kidman (Babygirl).
ACTOR SECUNDARIO: 1. Sean Penn (Una batalla tras otra). 2. Kieran Culkin (A real pain). 3. Guy Perce (The brutalist). 4. John Magaro (Septiembre 5). 5. Benicio del Toro (Una batalla tras otra).
ACTRIZ SECUNDARIA: 1. Amy Madigan (Weapons). 2. Chase Infiniti (Una batalla tras otra). 4. Teyana Taylor (Una batalla tras otra). 5. Leoni Benesch (Septiembre 5).
GUION: 1. Una batalla tras otra. 2. Una casa llena de dinamita. 3. Bugonia. 4. Weapons. 5. Eddington.
FOTOGRAFIA: 1. Frankenstein. 2. The brutalist. 3. Warfare. 4. Una batalla tras otra. 5. Drácula.
EFECTOS ESPECIALES: 1. Avatar, fuego y ceniza. 2. Misión imposible 8. 3. Jurassic World, el renacer. 4. Tron Ares. 5. A different man.
ANIMACION: 1. Flow. 2. Las guerreras k-pop. 3. Killer of the killers.
MUSICA: 1. Drácula. 2. Los pecadores. 3. Frankenstein. 4. Bugonia. 5. Tron Ares.
DECEPCIÓN: 1. Superman. 2. Bala perdida. 3. Blancanieves.
SORPRESA: 1. Devuélvemela. 2. Weapons. 3. Heretic. 4. Drácula. 5. Los pecadores.
DIVERCINE: 1. Misión imposible 8. 2. F1. 3. Jurassic World, el renacer. 5. Predator Badlands.
SERIES: 1. The Pitt. 2. Adolescencia. 3. Pluribus. 4. It, bienvenidos a Derry. 5. The studio.











domingo, 28 de diciembre de 2025

Grafted

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Grafted.
Dirección: Sasha Rainbow.
País: Nueva Zelanda.
Año: 2024.
Duración: 87 min.
Género: Terror
Interpretación: Joyena Sun, Jess Hong, Edén Hared, Jared Turner, Sepi Toa.
Guion: Mia Maramara, Lee Murray, Hweiling Ow, Sasha Rainbow.
Producción: Murray Francis, Leela Menon.
Música: Lachlan Anderson.
Fotografía: Tammy Williams.
Distribuidora: Shudder.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Una joven estudiante pretende continuar el trabajo científico de su padre, con el que podría curar una mancha que tiene en la cara. Pero cuando viaja a Nueva Zelanda, su integración social en la universidad resulta tan difícil que le llevará a tomar decisiones muy drásticas.

   LO MEJOR: Ha tenido división de opiniones en cuanto a la crítica profesional, aunque llegó a ser finalista en el Festival de Sitges, y tiene notas más bien bajas por parte del público. Para mí ha sido una sorpresa, más si cabe teniendo en cuenta que viene del cine neozelandés. La han comparado con “La sustancia” y por eso creo que conviene bajar las expectativas a ese respecto porque no está a ese nivel ni mucho menos. Aunque es cierto que hay algunos lugares comunes entre ambas películas. Curiosamente las dos están dirigidas por mujeres, en este caso, la debutante Sasha Rainbow (ha empezado fuerte). Podría ser relevante este aspecto porque aquí también se habla del tema de la belleza, aunque con vueltas de tuerca diferentes. Es cierto que aquí también la protagonista quiere ser más guapa, que además está acomplejada por una desagradable mancha facial. Pero también es verdad que no solo va en lo superficial. Es decir, y hasta aquí voy a leer, desea también ser otra persona. No obstante, no deja de ser un buen entretenimiento de serie B, para amantes del body horror, con un buen puñado de escenas fuertecitas aunque no tan explícitas como prometía en un principio. De hecho, se llega a utilizar el fuera de campo en alguna que otra ocasión. Quizá por la falta de presupuesto. Pero, como decía, entretiene y mucho, gracias a un buen ritmo, y a que siempre están pasando cosas, sacándole partido a la idea del “descubrimiento” que hace el personaje principal y saben darle el juego.

   Interpretación: Aunque podemos decir que es Joyena Sun la más destacada del reparto, lo cierto es que el protagonismo es más repartido de lo que cabía esperar inicialmente, por un motivo que no podemos revelar en este apartado, pero que hace que las otras actrices, Jess Hong y Eden Hart tengan mayor participación.

   Escenas (SPOILERS!!): Lo más interesante es el tema de que la protagonista literalmente puede ponerse la cara de las otras chicas, aunque claro, previamente tenga que asesinarlas, sin tocarles el rostro. Digo esto porque nunca pasa, aunque se supone que la sustancia química que ha creado regenera las heridas. La cuestión es que esto hace que el protagonismo vaya pasando de una actriz a otra, en la medida que Wei (Sun) va suplantándolas. Por tanto, tanto Jess Hong como Eden Hart tienen que imitar la forma de moverse y el lenguaje corporal de Joyena Sun. Ojo que también tienen en cuenta que lo único que toma Wei de sus víctimas es sus rostros, no sus cuerpos. Y no son precisamente iguales. Pero lo resuelven bien los planos de lejos sigue siendo la misma actriz principal. Es en los planos cortos donde vemos a las otras, para que no se note su diferencia de altura y sus distintas medidas.

   LO PEOR: No es que sea lo más importante, pero el guion es bastante previsible. En cuanto ves a cada personaje casi puedes adivinar que va a pasarle, sabes si van a morir o no. Lo único que queda por saber es en que orden van a hacerlo y como. Pero, lo dicho, tampoco es que sea un aspecto que le haya preocupado demasiado.

   REFERENCIAS: Si tiene algunas escenas que pueden recordar a “La sustancia” pero es que juega el mismo deporte de otras películas con body horror femenino como “Titane”, “Apéndice”(2023) o “Tanatomorphose”.
  

   CONCLUSIÓN: 6’5. No está al nivel de "La sustancia", con la que la han comparado pero si tiene algunos puntos en común con ella, aunque no sea más que un entretenimiento de serie B bastante divertido a merced del body horror.




viernes, 26 de diciembre de 2025

Microcríticas Express: Pluribus/It, Bienvenidos a Derry/El quinto día

 



   Pues ha sido en la recta final del año pero no tengo ninguna duda de que esta ha sido la serie más original de 2025. AppleTV, como ya hizo con “Severance”, ha vuelto a traernos una joyita de la ciencia ficción, y no desde los efectos especiales y la espectacularidad sino desde el guion y la novedad. Porque quien haya leído la sinopsis y crea que esto es una especie de “La invasión de los ultracuerpos”, está muy equivocado por donde van los tiros. De hecho, parece que conscientemente han querido evitar todos los clichés y lugares comunes de las películas de “invasiones alienígenas”. Lo entrecomillo porque ni siquiera sería exactamente eso. Es más, da la sensación que Vince Gilligan (“Breaking Bad”) se ha propuesto hacer una deconstrucción de este subgénero a base de ideas interesantes. Porque es muy difícil considerar a alguien villano cuando te ataca con el pacifismo. Cuando no te agrede aunque tú si lo hagas. Aunque tiene letra pequeña, la paz en el mundo tiene el precio más alto posible, lo único que es innato en el ser humano, lo más valioso que tiene, su individualidad. Todas estas cuestiones hacen que constantemente te pongas en el lugar de la protagonista, interpretada por una magnífica Rhea Seehorn (nominada a un Globo de Oro que no me extrañaría que se llevara), que te invita a reflexionar en cada episodio. Es muy frecuente como están en enfrentamiento siempre las palabras nosotros y yo. Pero que también habla sobre la soledad, sobre la necesidad del ser humano de estar con otros seres humanos incluso cuando están en enfoques diametralmente opuestos. Ha renovado para una segunda temporada y, al parecer, está concebida para ser tres, aunque su creador también ha apuntado que podría no quedarse ahí. Claro, las posibilidades de desarrollo de la historia son muy amplias. Solo les pido que, por favor, no nos hagan esperar mucho. 8.


   Vi el primer episodio con más curiosidad que expectativas porque ya hubo muchas dudas sobre si la serie llegaría a concretarse y eso normalmente no suele ser buen augurio. Pero me sorprendió, y mucho, el alto nivel de terror. Y esa era la mejor noticia, que era tan terrorífica como las últimas dos películas, con una puesta en escena similar y sin cortarse ni un pelo a pesar de ser una serie. No en vano, la mano de Andy Muschietti, director de la última adaptación del libro de Stephen King, está impregnando todos los episodios, no solo los dirigidos por él mismo. No obstante, durante los primeros, la narración adolecía de cierto caos, tenía muy buenas set pieces de terror, una gran ambientación y personajes prometedores pero narrativamente no estaba bien cohesionada. Que equivocado estaba, todo eran semillas que poco a poco iban a ir germinando en una historia que no solo era un homenaje, si se pudiera definir así, a la génesis del mal, sino que además, ofrecía respuestas, que ni las películas anteriores ni el libro daban sobre el origen de Pennywise. Que vuelve a estar encarnado por un Bill Skarsgard sobresaliente, que te hiela la sangre en cada aparición. No está solo, porque el casting es maravilloso, tanto el de los adultos como, y sobre todo, ese nuevo club de “perdedores”. La pena es que, al menos a ellos, no volveremos a verlos porque, al parecer, están pensadas dos temporadas más que cada vez irán más al pasado. Y tiene sentido si atendemos a cierta revelación del final de esta. Por eso podemos suponer que el payaso si va a volver. Por cierto, la serie está plagada de conexiones con otras novelas de Stephen King y de guiños que demuestran que el fan service puede estar bien integrado y no forzarse. 8.


   No había oído hablar de ella nunca. Ni reseñas ni algún vídeo en redes sociales. Ni a nadie mencionarla. La descubrí por casualidad en una lista de series de ciencia ficción y cuando leí la sinopsis, me atrajo la idea de que la naturaleza se revelara y comenzara a darle a la raza humana una lección. Además, haciéndolo desde el mar, de forma consciente y claramente coordinada. Parece un argumento ideado por
Michael Crichton, aunque en cuanto a referencias cinematográficas, estaría más cerca de “Abyss” que de “Esfera”. En este caso, el referente literario es de la novela “El enjambre”, de Frank Schaetzing, a la que, por lo visto, se ha adaptado de forma bastante fiel. Lo que me ha parecido más interesante es que la trama está enfocada desde el plano científico, tomándoselo muy en serio, y alejándose lo más que pueden del tono fantástico o de aventuras. De hecho, el protagonismo es muy coral, donde científicos y especialistas de todo el mundo intentan descubrir que es lo que está pasando y porque. Aspecto que es llevado incluso a las nacionalidades de su reparto, con actores de todas partes; suecos, finlandeses, japoneses, franceses , alemanes, . . . Aunque solo conocía a Cécile De France ("Alta tensión") y Leoni Benesch (“Septiembre 5”). Lo más sorprendente es lo bien que resuelven escenas bastante espectaculares tipo ataques de ballenas, tsunamis, plagas de cangrejos, etc. Sobre todo teniendo en cuenta que aunque para ser una producción europea (alemana) tiene un presupuesto bastante generoso (40 millones de euros), sigue estando lejos de las series de este tipo al otro lado del charco. Pero si, los efectos especiales están más que dignos. Es una miniserie, lo dejo claro porque el final queda abierto, te invita a pensar que pasaría a partir de ahí, pero la trama queda cerrada. Creo que a James Cameron le agradaría. A mí personalmente me ha gustado mucho más de lo que esperaba. 7.

miércoles, 24 de diciembre de 2025

Escenas Míticas: Space operas - Guardianes de la Galaxia.

 


   Aunque se englobe en el UCM, la trilogía que se iniciaba con esta película podría perfectamente considerarse un producto independiente, con su propia línea argumental y su propia estética. Lo que es decir bastante teniendo en cuenta que la hoja de ruta marcada con mano de hierro por Kevin Feige daba poco margen para que un director con personalidad pudiera desplegar su librillo creativo.


   Si, esto es un piropo hacia James Gunn. Porque aunque ahora se me pueda acusar de ser un hater suyo, antes de su desembarco definitivo en DC, a mí me gustaba este director. Incluso vi con buenos ojos su designación como director creativo del nuevo DC Universe. No, no soy hater suyo. Hater es de las cosas más despreciables que se pueden ser hoy en día, sobre todo, en redes sociales.


   Pero si desapruebo todo lo que ha hecho desde que ha llegado a DC. Primero borrar de un plumazo todo lo construido por un director que es diez veces mejor que él, Zack Snyder, de malas maneras y con feos incluidos a Henry Cavill y Gal Gadot. Pero sí ha mantenido tan solo lo que él mismo había hecho, esto es, la serie “El pacificador” y su “Escuadrón suicida”. Por no hablar de su aberrante visión de “Superman”, donde un perro con capa le quita el protagonismo al hombre de acero.


   A los que tanto le defienden les recuerdo que este tipo fue despedido de Marvel y apartado de “Guardianes de la galaxia 3” por unos comentarios de bastante mal gusto en Twitter, haciendo chistes sobre pedofilia y violaciones. Y tampoco es que su filmografía sea como para sacar demasiado pecho. De hecho, es bastante corta por el momento.


   Tiene una película de serie B pura y dura, que a mí me gusta, “Slither”, pero que no fue muy bien valorada. “Super”, muy divertida pero ya está. La secuela reboot de “El Escuadrón Suicida”, que a mi entender no supera, y si lo hace es por muy poco, al de David Agger. Y la trilogía, porque finalmente Marvel le perdonó y pudo realizar la tercera y última parte, de “Guardianes de la Galaxia”.


   Lo que me sigue pareciendo lo mejor que ha hecho en toda su carrera. Y tiene mérito porque no eran precisamente los personajes más conocidos de los cómics de Marvel. Lo que no impidió que se convirtiera en la película más grande, en cuanto a escenarios y número de personajes, hasta la fecha, del UCM, con una inversión de 200 millones de dólares James Gunn transformó en 733 recaudados en taquilla cifra, cifra que fue superada en las dos siguientes secuelas.


   Y lo más importante y lo que más nos interesa en cuanto incluir este título en el ciclo, que es una space opera en toda regla. No en vano, es palpable que bebe bastante de la saga “Star Wars" y también del tono kitsch de otra space opera, que precisamente hemos visto aquí hace poco, “Flash Gordon”. Además de inspirarse en la serie “Farscape” y el videojuego “Mass effect”. Y la influencia más reconocida por el propio director, “Doce del patíbulo”.


   Como decía, llegaba en mitad de la Fase 2 del UCM, justo previamente a “Vengadores 2, la era de Ultrón”. Precisamente, Joss Whedon, que ejercía de consultor creativo de todo lo relacionado a Los Vengadores, estaba encantado con la elección de James Gunn, que se impuso a Peyton Reed (que terminaría dirigiendo “Ant Man”), la pareja formada por Anna Boden y Rick Fleck (que dirigiría “Capitana Marvel”) o Brad Bird (director de “Los increíbles”).


   Para el papel de Star Lord, Chris Pratt se impuso a actores como Eddie Redmayne, Joel Edgerton, James Marsden o Jim Sturgges, entre otros. Le acompañaba Zoe Saldana (auténtico imán para películas de grandes recaudaciones mientras va pintada de algún color, en este caso de verde), Dave Bautista (por delante de Jason Momoa), Karen Gillan, Michael Rooker y Benicio del Toro.


   Pero además, contaba con las voces de Bradley Cooper (Rockett) y Vin Diesel (Groot). Sin embargo, las de los personajes del planeta Sakaaran fueron aportadas prácticamente todas por el propio James Gunn. Y es que no se le puede poner un pero a la dedicación que tuvo con esta película, ocupándose de todo, controlándolo todo, hasta de la elección de todos los temas musicales para ella.


   Aparte de tener una generosa taquilla, también fue favorecida con las opiniones positivas de los críticos. Fue nominada al Oscar por los efectos especiales y el maquillaje, sin llevárselos. Y las dos secuelas son igual de buenas o mejores que esta. Aquí Gunn si lo hizo bien.

domingo, 21 de diciembre de 2025

Bugonia

 


   FICHA TÉCNICA

Título: Bugonia.
Dirección: Yorgos Lanthimos.
País: Irlanda.
Año: 2025.
Duración: 118 min.
Género: Comedia, ciencia ficción, thriller .
Interpretación: Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Alicia Silverstone, Stavros Halkias, Vanessa Eng, Marc T. Lewis, Momma Cherri, Cedric Dumornay, Parvinder Shergill.
Guion: Will Tracy. Remake: Jang Joon-hwan.
Producción: Yorgos Lanthimos, Ari Aster, Lars Knudsen, Emma Stone, Ed Guiney, Andrew Lowe, Jerry Kyoungboum Ko.
Música: Jerskin Fendrix.
Fotografía: Robbie Ryan.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: Dos don nadie planean el secuestro de la presidenta de una importarte compañía farmacéutica, convencidos de que en realidad es una extraterrestre. Su intención es que los ponga en contacto con su nave nodriza.

   LO MEJOR: Da gusto que siga habiendo cineastas que no se dejan domesticar por Hollywood y la dictadura de la taquilla (de hecho, esta película no ha sido rentable) y siga manteniendo su sello personal para bien o para mal. Porque si ves una película de Yorgos Lanthimos sabes que no va a ser precisamente para todo el mundo y lo digo como un aspecto positivo. Y es que, efectivamente, esto es una de sus marcianadas (nunca mejor dicho). Y eso que la historia no es suya, de hecho, es un remake, pero al director griego eso le da igual, la hace plenamente suya. Pues tiene la capacidad de hacer divertido, para los que le conocemos, algo que te planteas constantemente que quizá no debería serlo. Porque lo hace desde el drama e, incluso, la tragedia pero siempre te deja pensando. Es lo que ocurre con esta comedia negra que va oscureciendo a medida que va avanzando. De hecho, en su segundo acto se transforma en un thriller psicológico con un secuestro de fondo y ya en el tercero se encomienda al exceso, a la mezcla con un género que no voy a remarcar para no dar pistas sobre la resolución final, pero si se puede decir que no escatima en sangre. Poco importa si la teoría del protagonista es cierta o no, porque en cualquier caso es la historia de un hombre inmerso en la locura, en el desequilibrio. Lanthimos, de nuevo, nos hace una descarnada representación de la sociedad actual enfrentando dos tendencias que por desgracia van en aumento en nuestros días, la conspiranoia y el poder empresarial. Esos son los dos poderes que se enfrentan aquí.

   Interpretación: Que fácil sería dedicarse a lucirse cómodamente con papeles más convencionales teniendo dos Oscars en el bolsillo. No es el caso de Emma Stone, que sigue apostando por personajes muy arriesgados. Hasta el punto que se ha convertido en la actriz fetiche de un director tan peculiar como Yorgos Lanthimos. Perfectamente podría optar a su tercera estatuilla, aunque para que se lo lleve debe ser algo muy inapelable. También podría optar al suyo, el primero en este caso, Jesse Plemons. Podríamos estar hablando del dúo interpretativo del año.

   Escenas (SPOILERS!!): En un principio tiene momentos tan cómicos como el intento de secuestro que finalmente termina ocurriendo. Lo más interesante son las conversaciones que tienen Michelle (Stone) con Teddy (Plemons), la mayoría en medio de interrogatorios. Rápidamente pasa a jugar con la idea de si el segundo tiene razón en su acusación, es decir, que ella es una alienígena. No había visto la película original pero me imaginaba que por muy descabellado que fuera, esa posibilidad existía. Y lo cierto es que Lanthimos nos hace cambiar de parecer varias veces. El final se puede considerar una ida de olla pero personalmente me parece brillante, ese giro hacia la ciencia ficción más disparatada. Entremedias hay escenas tan fuertes como la voladora de cabeza del amigo, el envenenamiento de la madre o la inmolación del protagonista.

   LO PEOR: Lo dicho, es para los que ya vieron otras muestras del cine de Lanthimos y les gustaron. Si no, es mejor ni intentarlo. No es para todo el mundo. Incluso para los devotos, el final no dejaría indiferente a nadie incluso a muchos les hará soltar un “What the fuck”.

   REFERENCIAS: Es el remake de la película coreana “Save the Green Planet”. Pero formalmente está más cerca de la película anterior de Lanthimos, “ Kind of kindness”. Y temáticamente podría recordar en ciertos aspectos de la última película de Ari Aster, “Eddington”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Otra marcianada más de Lanthimos, para enfrentar la conspiranoia con el poder empresarial, mediante de dos personajes a los que dan vida lo que podría ser el dúo interpretativo del año, el tándem Stone-Plemons.




viernes, 19 de diciembre de 2025

Música de Película: Flash Gordon

 


   Se podría decir que es lo más (o único) salvable de toda la película. Porque el mítico grupo de rock, Queen, no solo se ocupó de las canciones sino de toda al banda sonora original. Y se notaba claramente su toque, lo que le daba un aspecto bastante original, con sonido de sintetizadores y cajas de ritmos por doquier. Se convirtió en una de las bandas sonoras más reconocibles de la década de los ochenta.




Tema: Flash.

Película: Flash Gordon.

Intérprete o compositor: Queen.




Tema: Reprise (victory celebration).

Película: Flash Gordon.

Intérprete o compositor: Queen.



Tema: The hero.

Película: Flash Gordon.

Intérprete o compositor: Queen.


miércoles, 17 de diciembre de 2025

Escenas Míticas: Space operas - Stargate, puerta a las estrellas

 

   Ya tenía ganas de tocar esta película porque es una de aquellas que tanto me gustan reivindicar porque la considero muy infravalorada, sobre todo por la crítica profesional, que tuve oportunidad de disfrutarla en el cine y que, con la excusa de este ciclo, la he vuelto a ver. Como muchas de las películas de los noventa, formaba parte de este estilo de entretenimiento sólo para entretener, y eso es lo que ha vuelto a conseguir conmigo.


   De todos modos, aunque la prensa mayoritariamente la calificó negativamente, es verdad que al público eso no le importó porque la película recaudó 196 millones de dólares, habiendo invertido en ella 55. Aunque pareciera que el presupuesto fuera mayor en virtud de lo que ni las críticas pudieron negar, que tenía unos efectos especiales muy buenos.


   Algo que ha sido una constante en la filmografía de su director, Roland Emmerich, hacer que sus películas parezcan más caras de lo que en realidad son, tirando mucho más de los efectos prácticos que de los digitales aunque pueda parecer lo contrario, lo que hace películas aparentemente de mucho dinero, como “Independece day” o “Godzilla” tuvieron presupuestos más medidos y así asegurar la rentabilidad del proyecto.


   Tal vez porque Emmerich venía de su etapa de su país natal, Alemania, durante la década de los ochenta, haciendo películas muy al estilo americano pero totalmente de serie B, en los géneros de terror (“El secreto de Joey”) y el fantástico (“El secreto de los fantasmas”) o la ciencia ficción (“Estación lunar 44”). En ella ya se palpaba que al director germano le tiraba el cine espectáculo y que se practicaba en Hollywood.


   Sin embargo, no fue hasta “Soldado Universal”, aquella con Jean Claude Van Damme y Dolph Lundgren, y que también disfruté en una sala de cine de adolescente, cuando Roland Emmerich hizo su primera película plenamente de producción norteamericana, justo previamente a esta “Stargate, la puerta a las estrellas”. Por cierto, en Sudamérica se le puso la coletilla, “Puerta del tiempo”, lo que hizo que el público pensara que era una película de viajes en el tiempo, más concretamente a la época del Egipto de los faraones.


   Y lo cierto, es que viendo la película, en un principio, es justo lo que parece. Aunque posteriormente se descubra que a donde han viajado es a otro planeta. La idea era darle la vuelta al cine de invasiones extraterrestres haciendo que fueran los humanos los que se colaban en un planeta extraño.


   El truco estaba en que ese planeta y sus habitantes fueran muy parecido al nuestro al igual que sus habitantes. La ocurrencia le vino a Emmerich tras ver un documental, “Chariots of the Gods”, que hablaba de la teoría de que las primeras civilizaciones humanas fueron desarrolladas por alienígenas, como por ejemplo, la egipcia, lo cual explicaría la construcción de las pirámides, como sostenía el investigador Erich von Daniken.


   Aunque la idea más concretamente elaborada podría haber sido, más bien, robada a un estudiante de egiptología, Omar Zuhdi, que les mandó su teoría y un esbozo de guion, como diez años antes. Zuhdi denunció este hecho y debía tener razón porque Roland Emmerich y el productor de la película, Dean Devlin arreglaron el asunto sin llegar a juicio, suponemos, mediante pago de un importante suma de dinero.



   Contaron con la ya por entonces estrella, Kurt Russell, aunque el verdadero protagonista era un James Spader al que horrorizaba el guion pero que aceptó el papel porque necesitaba el dinero. No obstante, nunca se arrepintió e incluso se interesó por las posibles secuelas. El tercero en discordia, nunca mejor dicho, fue Jaye Davidson, cuyo aspecto andrógino, que venía de exhibir en la muy reconocida “Juego de lágrimas”, hizo que se decantaran por él, pero el actor supuso un dolor de muelas para el director.

   Un Roland Emmerich que aportó ideas tanto para abaratar costes, haciendo que muchos de los extras de la película fueron en realidad maniquíes, o para promocionar. De hecho, es la primera película de la historia en tener una página web propia, con fotos de detrás de las cámaras, notas de prensa, entrevistas, aunque no tráilers porque la página no podía cargarlos.


   Tenían pensado hacer una trilogía y los números daban pero el dúo Emmerich -Devlin fue aparcando la idea de las secuelas. En 2006 estuvo a punto de resucitar pero quedó en nada. Sin embargo, si ha dado para varias series; “Stargate Infinity”, “Stargate Atlantis”, “Stargate Universe” y “Stargate SG-1”. Además de una saga de cinco novelas.

domingo, 14 de diciembre de 2025

Puñales por la espalda: De entre los muertos

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Puñales por la espalda: De entre los muertos.
Dirección: Rian Johnson.
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 144 min.
Género: Intriga, comedia, thriller.
Interpretación: Daniel Craig, Josh O'Connor, Cailee Spaeny, Andrew Scott, Glenn Close, Kerry Washington, Jeremy Renner, Mila Kunis, Josh Brolin, Thomas Haden Church, Daryl McCormack.
Guion: Rian Johnson.
Producción: Ram Bergman.
Música: Nathan Johnson.
Fotografía: Steve Yedlin.
Distribuidora: Netflix.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El asesinato casi imposible de un Monseñor, con una iglesia repleta de testigos, hace que recaigan todas las sospechas en un joven sacerdote con el que estaba enfrentado. El detective Benoit Blanc es reclamado para resolver el caso.

   LO MEJOR: Rian Johnson ha renovado la fórmula del whodunit clásico. Porque aunque hay muchas películas que juegan a descubrir quién es el asesino dentro de un grupo de personajes determinado, estaba claro que Johnson estaba pensando en el modelo de las adaptaciones de las novelas de Agatha Christie, en torno a un detective a lo Sherlock Holmes. Porque es evidente que este Benoit Blanc es equiparable al Hércules Poirot de Christie. Pero mientras en esas películas basadas en su literatura se repetía una estructura muy definida que hacía que se parecieran mucho entre sí, lo que ha hecho Rian Johnson es hacer tres películas con suficientes variantes para tener su propia personalidad independientemente de los otras. Y es posible que haya conseguido la mejor entrega de la saga. Al menos la más equilibrada. Porque es un buen director pero sobre todo es un excelente guionista. Da igual lo enrevesada que sea la historia, y esta lo es mucho, que nos presenta, es capaz de enlazar todas las semillas que ha ido dejando durante toda la narración de forma admirable. Y además, le da para hablar sobre la religión y, más concretamente, la fe, sin hacer subrayados, sin desviarnos de lo que nos interesa, que es saber quién es el asesino y cómo lo ha hecho. Porque mantiene el misterio en todo momento incluso jugando con el elemento sobrenatural, sin dejar de integrar, lo que ya es marca de la casa, el humor. Es decir, es divertida sin ser una comedia.

   Interpretación: Quizá la mayor sorpresa, y no es precisamente un error, es que Daniel Craig no sea el verdadero protagonista. Al menos no el único. Se siente más como una historia de Josh O’Connor, que está notable, con Craig como invitado de lujo,  el cual se le nota que le gusta este personaje, y que se lo pasa a bomba interpretándolo. El elenco de secundarios es, como en las anteriores entregas de la saga, impresionante. Tenemos nombres como Glenn Close, Josh Brolin, Jeremy Renner, Mila Kunis, Kerry Washington, Cailee Spaeny o Andrew Scott.

   Escenas (SPOILERS!!): Me parece muy original como hace la presentación de los personajes, casi como si lo hicieran ellos mismos en un documental, y el tiempo que emplea para hacerlo. Como siempre, la secuencia estrella es la reconstrucción final. Incluso hay cierta parodia con ese aspecto por parte del propio Benoit Blanc (Craig). Y hay un par de veces que juega con el género de terror. Como la “resurrección” del padre Wicks (Brolin). Y en la escena de la bañera, llena de ácido, donde encontramos el esqueleto del doctor Sharp (Renner) y los brazos desintegrados también de Wicks. Por cierto, Rian Johnson no tiene ningún complejo en hacer un par de chistes con “Star Wars”. Recordemos que fue ampliamente criticado por su “Episodio VIII, los últimos Jedis”.

   LO PEOR: No aburren en ningún momento. Tampoco lo hacía la anterior, “Glass Onion”, pero tanto esa como esta le sale más cerca de las dos horas y media que de las dos de la primera. Le salen largas las películas últimamente. Y como digo siempre con estrenos limitados en cines de Netflix, es muy difícil poder ver la película en salas habituales.

   REFERENCIAS: Ya se especula con una cuarta entrega, y la verdad que personalmente estaría encantado porque no da ningún síntoma de agotamiento. En su comparación con las adaptaciones que Kenneth Branagh ha realizado las novelas de Agatha Christie, estaría precisamente más cercana a la tercera, “Misterio en Venecia”.

   CONCLUSIÓN: 7’5. Rian Johnson continua, no sabemos si seguirá haciéndolo, su renovación del whodunit clásico en la que podría ser la mejor entrega de la saga, donde Daniel Craig sigue pasándoselo de maravilla con su personaje.




viernes, 12 de diciembre de 2025

Microcríticas Express: Devil in diguise. John Wayne Gacy/El Monstruo de Florencia

 


 
   No había una buena adaptación de este caso, ni para el cine ni para la televisión, donde se habían hecho varias películas inspiradas en John Wayne Gacy, pero bastante mediocres. Ahora si la hay. De hecho, es una de las mejores recreaciones de la historia de un asesino en serie. Porque aparte de ser muy fiel a los hechos, los cuales narra con gran precisión a la verdad, incluso en pequeños detalles que se conocen. Porque también tenían la ventaja que se sabían muchas cosas de este caso, incluso contadas por el propio Gacy. Lo cual no pasaba con “Ed Gein”, por ejemplo. Por cierto, a aquellos que no les convenció la serie dedicada a ese psicópata, que sepan que “Devil in disguise” es completamente lo opuesto. Aquí la rigurosidad con los sucesos que ocurrieron es su bandera, aunque tenga ciertas licencias poco importantes. Si me apuras, también está lejos de la otra propuesta, mucho más acertada, de Ryan Murphy, “Dahmer”, porque evita todo lo que le es posible lo relativo al morbo, mostrando solo lo estrictamente necesario, jugando más a lo implícito que a lo explícito, lo cual no le quita ni un ápice de horror al asunto pero si lo hace más llevadero que las otras series mencionadas. Aquí el asesino ni siquiera es el protagonista absoluto sino que el protagonismo es bastante coral, repartido con los abogados que llevaron el caso, los policías que lo investigaron y los familiares de las víctimas. En cuanto a las propias víctimas, en cada episodio nos muestran un extracto de sus vidas antes de encontrarse con este monstruo, que no es fiel a la realidad pero que sirve para mostrar en que situación social y económica de vulnerabilidad se encontraban y como ese fue el motivo de que sus desapariciones ni siquiera se investigaran. Curiosamente, el Gacy vestido de payaso prácticamente es un guiño. 8.


   Llevaban tiempo queriendo llevar a la pantalla, incluso al cine y desde Hollywood, esta historia. Finalmente ha llegado pero en forma de miniserie italiana. Y pintaba bastante bien, porque a cargo del asunto estaba Stefano Sollima, creador de otras buenas series como “Gomorra” o “Suburra", y director de “Sicario, el día del soldado”. Además, haciéndose responsable de la dirección de todos los episodios. Por eso la decepción ha sido mayor, porque me he aburrido lo mío. No será porque no me interesaba el caso, del cual incluso leí un libro, que ojalá hubieran tomado como referencia para hacer el guion de esta serie. Ni me ha gustado lo que cuenta ni como lo cuenta. Es verdad que es de esas historias donde el asesino en serie no se descubrió nunca, que se sabía muy poco y que la policía andaba muy perdida. No me sirve como excusa, porque lo mismo se podría decir de “Zodiac” y mira que peliculón se sacó David Fincher. Pero es que además, la teoría que toma es la menos plausible de las que podría haber elegido. Porque cuando no se sabe el asesino, antes o después sale la teoría de una secta. Es decir, en este caso, lo que se llamó la pista sarda. Que tampoco sigue al pie de la letra pero si elabora la historia en torno a varios nombres de posibles responsables de los asesinatos. Todos esos nombres los relaciona mediante prácticamente un culebrón que gira alrededor de un primer asesinato, que ni siquiera está claro que fuera del “monstruo” y que cuesta mucho creer. Además, la narración es confusa, yendo adelante y atrás continuamente, que uno no sabe ni cuando están pasando las cosas. La he terminado por curiosidad y porque era corta. 5’5. 

martes, 9 de diciembre de 2025

Escenas Míticas: Space operas - La loca historia de la galaxias

 

   Si ya en la mayoría de las space operas, en esa mezcla de géneros entre la ciencia ficción y las aventuras, habitualmente hay cierto tono de humor, también teníamos que tocar este subgénero pero en una comedia pura, que precisamente es una parodia de las space operas pero tomando como referencia principal la saga de “Star Wars”, aunque también riéndose de su rival, “Star Trek”.




   Aunque no se quedaba ahí, porque también le daba a clásicos puros de la ciencia ficción, digamos, seria, como “El planeta de los simios”, “2001, una odisea del espacio”, o “Alien, el octavo pasajero”. Pero también haciendo referencia a películas tan variadas como “El mago de Oz”, “Acorralado” y “Lawrence de Arabia”. Vamos, que se queda bien a gusto dando a diestro y siniestro.



   Claro que las parodias son tanto una burla como un homenaje a los originales. Y que mejor que el mayor especialista en la parodia, el gran Mel Brooks. Quien ya hacía lo propio con el western en “Sillas de montar calientes”, del cine de Hitchcock en “Máxima ansiedad”, de los clásicos del terror clásico en “El jovencito Frankenstein” (su mejor película), el género de capa y espada en “Las locas, locas aventuras de Robin Hood”, y hasta ya a toda la historia de la humanidad con “La loca historia del mundo”.



   No tuvo un éxito arrollador aunque fue rentable. Costó 22 millones de dólares y recaudó 38 en taquilla. Y las críticas, siendo amables, se podría decir que fueron mixtas. Pero a lo largo de los siguientes años de su estreno tuvo muy buenos resultados en el mercado doméstico, especialmente en su alquiler en videoclubs. Lo que posibilitó que se hiciera una serie de animación bastante tiempo después.



   Concretamente en 2008, con trece episodios de media hora que ampliaban la parodia a éxitos más modernos como “Harry Potter”, “Terminator”, “Resident Evil” o videojuegos como “Super Mario Bros”. Durante bastante tiempo se especuló con una secuela pero siempre terminaba desbaratándose la idea. Cuando más cerca estuvo fue en 2013. Sin embargo, parece que finalmente va a darse, y llegará 2027, recuperando al creador de la original, Mel Brooks, y a varios integrantes del reparto.



   Concretamente a Rick Moranis, que no quiso volver a la saga de “Cazafantasmas”, recientemente pero parece ser que sí a esta. Y a Bill Pullman, que cuando fue elegido para esta película era totalmente desconocido, de hecho, era su segunda película. Aunque Brooks si quería algunas caras conocidas en el reparto, ofreciendo papeles a Tom Hanks y Tom Cruise, aunque ambos los rechazaron. Pero si consiguió la participación de John Candy, muy popular en los ochenta. También aparecía Daphne Zúñiga y John Hurt haciendo un cameo.



   Contrariamente a lo que muchos podían esperar, George Lucas apoyó y hasta ayudó a hacer la película, con la única condición de que no se hiciera merchandising de la película porque rivalizaría con la de “Star Wars” y además se beneficiarían de ella. Claro que sería el propio Lucas quien se beneficiaría de la popularidad de la película de Mel Brooks.



   Merchandising que a su vez también era parodiado en la película en homenaje a esa forma de explotar las películas que transformó el propio George Lucas. Por reírse, se reían hasta de sí mismos, con varios ejemplos de metacine y de ruptura de la cuarta pared. Como en una ocasión que abren un armario y encuentran todas las películas anteriores de Mel Brooks, incluyendo la propia “La loca historia de las galaxias”.



   Aunque el título original es “Space Balls”, lo que viene a ser como “Las pelotas del espacio”. O como en otra ocasión, en una pelea de espadas láser que sale como si hubiera sido herido un miembro del rodaje. Y es que el buen humor en este fue generalizado y muchos de los chistes, de las frases de los actores e incluso de algunas escenas, fueron improvisadas e incluidas sobre la marcha. Vamos, que se lo pasaron bien haciendo la película.



   Algunas curiosidades. El nombre del personaje, Skroobs, no es más que un anagrama del apellido del director, Brooks. La marca de coches, Tesla, utiliza los calificativos de la película de la velocidad, para los modos de aceleración de sus modelos; velocidad luz, velocidad ridícula y velocidad absurda.



   Personalmente, me parto con esta película. Me parece el “Aterriza como puedas” de las space óperas.



domingo, 7 de diciembre de 2025

Black phone 2

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Black Phone 2.
Dirección: Scott Derrickson
País: Estados Unidos.
Año: 2025.
Duración: 114 min.
Género: Terror, thriller, fantástico.
Interpretación: Ethan Hawke, Mason Thames, Madeleine McGraw, Jeremy Davies, Miguel Mora, Demian Bichir, Arianna Rivas, Maev Beaty, Graham Abbey.
Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Personajes: Joe Hill.
Producción: Jason Blum, Scott Derrickson, C. Robert Cargill
Música: Atticus Derrickson.
Fotografía: Pär M. Ekberg.
Distribuidora: Universal Pictures.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El asesino que tuvo secuestrado a Finn vuelve para vengarse pero desde la muerte, a través de los sueños de su hermana, a la que ha elegido como objetivo esta vez. Mientras tiene las visiones de las primeras víctimas del Raptor.

   LO MEJOR: Funciona perfectamente como secuela, y además una buena, pero tiene tantas cosas nuevas respecto a su predecesora que si no fuera por las referencias que hace a ella podría pasar por una película totalmente independiente. Y se agradece, yo personalmente lo hago, que su director, Scott Derrickson, no haya querido clonar la primera película pero poniéndole un dos al final del título, sino que realmente ofrece algo distinto. No solo es que sea uno de los responsables de la historia, coescribiendo el guion, es que visualmente está notablemente alejada del aspecto de la primera película. Un tipo que ya nos trajo películas muy terroríficamente efectivas, como “El exorcismo de Emily Rose” o “Sinister”. Y se nota en esta evolución respecto a la primera película, más cercana al thriller con toque sobrenatural, que es más puramente terror, incluso acercándose al slasher (la máscara del asesino debe ser de las más icónicas del género en los últimos años), con bastante más despliegue de cantidades de hemoglobina y también de gore. De primeras, lo convierte en una historia de grupo, no de un único protagonista. Y para solucionar ciertos enganches argumentales, se la lleva a lo onírico. Derrickson aporta una puesta en escena incluso mejor que la película antecesora, mostrando esos tramos de sueños mediante una imagen con mucho grano, que recuerda precisamente a esas películas viejas, como las que se veían en “Sinister”. Ya “Black Phone” tenía un componente fantástico pero aquí va más allá, no se limita solo al tema del teléfono. De hecho, aquí es meramente anecdótico esa idea de las conversaciones telefónicas, aunque importantes en el desarrollo de la trama.

   Interpretación: Recupera prácticamente a todos los personajes principales de la primera parte. Incluso a Jeremy Davies. Pero es tan diferente esta segunda que incluso cambia el protagonista. Aquí en lugar de Mason Thames, la verdadera estrella es la que era su hermana en la ficción y un personaje secundario en la anterior, Madeleine McGraw. Y tengo que decir que era una decisión muy arriesgada pero es un gran acierto porque se come con patatas al resto del reparto, no estando mal ninguno de los demás. Y Ethan Hawke está presente siempre aunque no veamos su rostro.

   Escenas (SPOILERS!!): Se supone que la madre de los dos hermanos ya tuvo contacto con el asesino, el Raptor (Hawke), cuando tuvo sus primeras víctimas durante un campamento. Pero secuestró a Finn (Thames) al azar. Me parece demasiada casualidad, porque no se dice que le eligiera específicamente. Es de esas veces que dices “vale, aceptamos pulpo”. Por lo demás, los flashbacks de las muertes de los niños del campamento, cada una narrada en diferentes sueños, son realmente brutales. De hecho, en general, es una película bastante más sangrienta que la película anterior. Toda la secuencia final es impresionante, todo un despliegue del talento en la puesta en escena de Scott Derrickson.

   LO PEOR: En líneas generales, el guion funciona bastante bien pero no es menos cierto que para que todo se dé, para que conecte con los personajes de la primera película, hay que tragarse que ocurra una casualidad demasiado grande. Y además está narrado de forma un tanto confusa.

   REFERENCIAS: Es una secuela de “Black phone” pero tanto en lo visual como en lo argumental, es muy diferente. Y hay ciertos elementos de la trama que efectivamente recuerdan a “Pesadilla en Elm Street”. ¿Podría haber tercera parte? Perfectamente.

   CONCLUSIÓN: 7. Scott Derrickson toma los personajes de la primera película y los mete en una tan diferente que no parece ni su secuela pero que funciona muy bien precisamente por tener su propia idea como producto de terror.




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