domingo, 17 de marzo de 2024

Beau tiene miedo

 

   FICHA TÉCNICA

Título: Beau tiene miedo.
Dirección: Ari Aster.
País: Estados Unidos.
Año: 2023.
Duración: 179 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Joaquin Phoenix, Nathan Lane, Amy Ryan, Armen Nahapetian, Parker Posey, Patti LuPone, Kylie Rogers Stephen, Henderson Zoe, Lister Jones, Hayley Squires Denis Ménochet, Julia Antonelli.
Guion: Ari Aster.
Producción: Ari Aster, Lars Knudsen.
Música: The Haxan Cloak.
Fotografía: Pawel Pogorzelski.
Distribuidora: A24.

   CRÍTICA

   SINOPSIS: El viaje para llegar a casa de su madre se convertirá en toda una odisea para Beau, debe enfrentarse con todos su miedos y paranoias.

   LO MEJOR: Es de esas películas que uno duda de recomendar, no sea que luego se la echen en cara. Una de esas que hay quien que le parece una genialidad y también quien la ve como una estafa infumable. Paradójicamente es con la idea que me he debatido durante toda la película, si me estaban tomando el pelo, pero es tan diferente que, aun teniendo la tentación en varias ocasiones de mandarla a hacer puñetas, me ha creado la curiosidad suficiente como para terminarla. Y eso que supone un sobreesfuerzo muy exigente para el espectador. Un viaje de tres horazas repleto de personajes extrañísimos, con toques de surrealismo, pinceladas fantásticas y hasta de terror, y con metáforas por todas partes. Una comedia pesadillesca o una pesadilla cómica, aunque curiosamente no resulte muy divertida, al contrario, es más bien desagradable e incómoda, y eso no es casualidad. El caso es que sirve como el retrato de un hombre acomplejado tras una vida de dominio maternal, aunque también podría considerarse una representación de la enfermedad mental. En definitiva, la interpretación más reduccionista y que sería la que mejor resume toda la película que aunque por supuesto tiene lecturas más complejas, está en su título, “Beau tiene miedo”.

   Interpretación: Está tan hecha a la medida de Joaquín Phoenix que me resulta difícil pensar que se podría haber hecho sin él. Aunque podría haber sido interesante ver a Nicholas Cage en el papel. Pero vamos, que sí, que Phoenix es la película. Aunque durante la narración van desfilando un reparto bastante interesante con gente como Nathan Lane, Amy Ryan, Parker Posey, Denis Menochet o Patti LuPone, aunque solo como personajes que se ven en ese viaje.

   Escena (SPOILERS!!): Estas películas tan crípticas es mejor explicarlas que destacar escenas. Argumentalmente es una cosa bastante loca. La madre de Beau había preparado todo, contratando personas y disponiendo situaciones como trabas en el viaje de Beau de camino a casa de una madre que siempre lo ha tenido tan dominado que él se ha convertido en una persona débil, insegura y neurótica, para ponerle a prueba. Hay varias pistas, como la cámara en la casa de la mujer que le atropella, en plan “El show de Truman”. Pero a mí lo que me parece es que todo está en la cabeza del propio Beau . Todas las situaciones que se van dando representan sus miedos. El miedo a que entren en su casa, a que le secuestren, a la ausencia de un padre, al sexo, a estar en presencia de su madre. Es por eso que todo lo que le pasa está tan exagerado, es una distorsión de la realidad que termina en un supuesto juicio público, sobre cómo se comporta como hijo, que no puede soportar y finalmente termina explotando.

   LO PEOR: Ya no es que sea para todo el mundo es que es para muy pocos. Hasta a mí, que me considero un espectador muy paciente y abierto, me ha resultado por momentos, y no pocos, exasperante. Claramente le sobra metraje y bastante. Lo gracioso es que originalmente duraba cuatro horas.

   REFERENCIAS: Un Ari Aster encantado de haberse conocido, escribe y dirige pero el resultado está lejos de sus dos primeras películas, “Hereditary” y “Midsommar”. Se podría decir que está entre “Madre” de Aronofsky y alguna de David Lynch, como “Inland empire”.

   CONCLUSIÓN: 6. Cuesta decidir si es una genialidad o una estafa, si una comedia pesadillesca o una pesadilla cómica, pero es lo suficientemente extraña para crear curiosidad, aunque no es para todo el mundo, ni mucho menos.





miércoles, 13 de marzo de 2024

Escenas Míticas: Space Operas - Barbarella

 


   La crítica la masacró, fue un fracaso de taquilla, tuvo mucha polémica y a pesar de ello es una película icónica, cuya estética ha influenciado a otras películas y que llevan años queriendo hacer un remake que nunca acaba de llegar. ¿Lo adivináis, no? Efectivamente, es un título de culto en toda regla. Y hoy la vamos a recordar.



   Vayamos por partes y confirmar o desmentir esos datos. ¿Fue un fracaso de taquilla? Pues recaudó solo 5’5 millones de dólares y los datos en cuanto a su presupuesto son confusos. Se estima que estuvo entre los cinco y siete millones pero lo más probable es que con los gastos de distribución se fuera hasta los nueve. Así que si, fue un fracaso comercial.



   En cuanto a la crítica, la tachó de ser un mero exhibicionismo de la actriz, Jane Fonda. Bueno, esto nadie lo puede negar ni tampoco nadie lo quería ocultar. Incluso, el director, Roger Vadim, que estaba precisamente casado con ella, reconoció que sabía que todo el mundo iba a ver la película para verla desnuda y por eso colocó la escena en la que ella hace un striptease justo al comienzo.



   Por cierto, en gravedad cero, lo cual se simuló de forma ingeniosa, colocando a la actriz en un tubo de plexiglás en el que iba revolcándose como si estuviera por el aire mientras se quitaba por piezas un traje de astronauta hasta quedarse como Dios la trajo al mundo, eso sí, con los títulos de crédito tapando ciertas partes de su anatomía.



   Y sí, es evidente que la carga sexual estaba ahí. De todas formas, a quien no la conozca, yo invitaría a echar un vistazo al cómic original en el que se basa, de Claude Forest y Claude Bruhlé, que es inequívocamente erótico. Y claro que exhibían a Jane Fonda, quien ya previamente se la consideraba una sex symbol y a la que diseñaron hasta siete atuendos propios de una gogó de discoteca, por parte de Jacques Fonterrey y Santoria Farani, asesorados por Paco Rabanne.



   Hay más referencias, la ciudad de Sogo hace alusión a Sodoma y Gomorra. Incluso hay una máquina de orgasmos que se utiliza como instrumento de tortura y que Barbarella recalienta hasta romperla. Todo ello contribuyó a que el personaje se convirtiera en un icono de la liberación sexual femenina por unos y de la sexualización de la mujer por otros.



   En su defensa tengo que decir, al revisionarla esta vez me ha parecido mucho más divertida de lo que recordaba. Si, hay gran carga sexual pero siempre desde un tono desenfadado e incluso sarcástico. Además, el diseño de producción es alucinante, muy original e imaginativo. Sí, todo es un set de rodaje pero los decorados tienen mucho trabajo creativo. Fue el primer héroe de cómic, heroína en este caso, de ciencia ficción que se llevaba al cine.



   Antes de Jane Fonda se consideraron otras opciones, como Virna Lisi, Brigitte Bardot (la favorita) y Sofía Loren. Finalmente, Roger Vadim (conocido por películas como “Y Dios creo a la mujer” o Historias extraordinarias”) convenció a su esposa para dar vida al personaje. Del que renegó inicialmente tras el estreno pero que con el tiempo ha vuelto a cogerle cariño asistiendo al reestrenos de la película y homenajes.



   Algunas curiosidades. Se eliminó una escena lésbica con la modelo Anita Pallenberg. El reparto lo completaba John Phillip Lawe, David Hemmings, Ugo Tognazi y Milo O’ Shea, quien interpretaba el villano Durand Durand, que efectivamente fue tomado como nombre por el famoso grupo musical.

 

   Tras el estreno de "Planet Terror", Robert Rodríguez declaró tener intención de realizar un remake de "Barbarella", precisamente con la protagonista de esa película, Rose McGowan, pero no llegó a hacerse. El año pasado volvió a hablarse de la posibilidad de un remake, esta vez con Edgar Wright tras las cámaras y Sydney Sweeney (no podría ser más acertada) delante de ellas, como la heroína galáctica.

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